En oversigt over de mest ikoniske og vigtige smykkedesignere fra det 20. århundrede er behæftet med de samme subjektive faldgruber som enhver anden sammenstilling af kunst. I en vurdering af modernistiske malerier er Magrittes Billedernes forræderi f.eks. relativt set mere eller mindre vigtig som kunstnerisk ikon end f.eks. Duchamps Nøgen på vej ned ad trappen nr. 2? Og sådan er det også med smykker: På en kort liste over designere kan fornuftige mennesker være uenige om Gérard Sandoz’ fortjenester – hans karriere som smykkekunstner blev trods alt afbrudt af et andet liv som skuespiller.
Det er derfor, det er vigtigt at sikre, at alle, der udarbejder en sådan liste over store kunstnere, er kvalificerede til at udtale sig. Og Lee Siegelson kender helt sikkert sine perler. Tredje generation af guldsmeden har brugt år på at vurdere, indsamle og sælge vintage-stykker af gallerikvalitet fra brandets kontor på Fifth Avenue på Manhattan. Louis, Lees bedstefar, startede forretningen i Brooklyn i 1920, hvor han oprindeligt specialiserede sig i urreparation. I 1940 – med hjælp fra sin søn Herman (Lees far) – drejede Siegelson nøglen om og begyndte at fokusere mere på vintage smykker. Med tiden fik han samlet et spektakulært lager af unikke designs. I det globale smykkesamfund er Siegelsons samling blandt de mest respekterede. Til dato er mange smykker blevet solgt til eller udstillet på museer – herunder New Yorks Cooper Hewitt og Smithsonian.
Så hvem er bedre egnet til at vise os de 10 mest ikoniske og indflydelsesrige designere fra det sidste århundrede end Lee Siegelson selv? Eksperten vil lede et kortfattet lynkursus i smykkehistorie – fra Calder til Van Cleef – og han vil opklare, hvad der gør hver enkelt kunstner til noget særligt. Plus – hvilken usædvanlig broche var Jeanne Boivins favorit? Hvad havde flydesign at gøre med Jean Després’ smykker? Tro os, du vil have lyst til at tage et par af disse samtalepærer med i lommen til dit næste middagsselskab.
Lee Siegelson udstiller på en kunstmesse. Foto: Foto: Courtesy Siegelson
Suzanne Belperron
Suzanne Belperron er den vigtigste smykkedesigner gennem tiderne. Hun skabte en ikonisk æstetik med dristige kurvede designs, der straks kan genkendes som Belperron. Faktisk er hun kendt for ikke at signere sine smykker med ordene: “Min stil er min signatur”. Og det har hun helt ret i.
Belperron var kendt for at bruge usædvanlige udskårne materialer af hårdsten som rosenkvarts, bjergkrystal og kalcedon som monteringsmateriale til armbånd og ringe. Hun pressede også sine værksteder til at skabe indviklede stenfatninger til stykker, der omfattede en stor og varieret mængde af stenskæringer. Hver montering skulle skabes i hånden for at passe til de enkelte sten.
Denne halskæde med hagesmæk er et ikonisk Belperron-design bestående af et felt af uregelmæssige, ovale rubiner med diamanter, der alle er sat i platin i en ramme. Selv om rubinerne og diamanterne ser ud til at være tilfældigt spredt, blev de faktisk placeret med stor omhu af designeren, som en impressionistisk maler ville sprede dråber af maling for at skabe en smukkere helhed. Resultatet er en storslået flydende følelse.
Belperron var og er absolut æret af modedesignere, redaktører og bærere af haute couture. Hendes stykker er blevet samlet af Daisy Fellowes, Elsa Schiaparelli, Diana Vreeland, hertuginden af Windsor og Karl Lagerfeld, for blot at nævne nogle få. Hun er den designer, der er mest efterspurgt af folk, der forstår, at tøj og smykker kan være kunst.
Art Moderne Ruby and Diamond Bib Necklace af Suzanne Belperron, Paris, ca. 1945. Foto: Foto: Courtesy Siegelson
Boeivin
Jeanne Boivin (direktør for Boivin efter hendes mands død i 1917) var kongelig inden for mode og smykker. Hun var kvindelig direktør for det berømte smykkefirma og søster til Paul Poiret, couturier, der for altid ændrede moden med sine banebrydende designs i 1910’erne og 1920’erne. Jeanne gav Suzanne Belperron sin start og arbejdede også med Juliette Moutard. Disse tre kvinder skabte sammen nogle af de vigtigste smykker, der nogensinde er designet med en stærk skulpturel stil, der normalt er baseret på naturen.
Søstjernebrochen er det absolutte højdepunkt i Boivins design, og Jeanne sagde selv, at denne broche var hendes yndlingsbroche. Dette smykke blev købt af Claudette Colbert, den mest genkendelige Hollywood-stjerne i 1930’erne efter hendes Oscar-vinder for “It Happened One Night”. Og hun er afbilledet iført brochen på et fotografi fra den tid.
Millicent Rogers ejede en senere udgave, og hun blev afbilledet iført den i Vogue. Boivin-stjernen blev faktisk afbilledet i Vogue fire gange mellem 1937 og 1945, hvilket er et uhørt antal gange for et magasin på modebranchens forkant.
Claudette Colberts stjernestjerne: En broche med rubin og ametyst, designet af Juliette Moutard for René Boivin, Paris, 1937. Foto: Foto: Courtesy Siegelson
Cartier
Cartier har skabt flere fantastiske smykker end nogen anden guldsmed – faktisk definerer deres designs ofte en bestemt æra eller stil. Der findes ikke noget materiale eller nogen sten, som Cartier ikke beherskede. Cartier-familiedynastiet strakte sig over et århundrede med en produktion fra prisbillige bordsmykker af sølv til udsøgte unika-smykker til maharajaer og europæiske kongelige.
Cartier hyrede de bedste værksteder og designere og gav dem adgang til et bredt bibliotek af kunstbøger og persiske miniaturer som inspiration. Dette armbånd ville være blevet købt af en topkunde. Det er udsøgt i både konstruktion og design. Den sorte lak gør formen moderne, mens det trebladede design giver et nik til eksotiske dekorative stilarter. De grønne smaragder træder tydeligt frem mod den ellers strenge sorte og hvide palet, og de skinnende perler er udsøgte terminaler. Kun Cartier kunne have produceret dette stykke, og når man holder det i hånden, kan man se, at der ikke er noget, der ikke er på sin plads, det er et perfekt gennemtænkt og udsøgt stykke.
Art Deco diamant, naturperle, smaragd og onyx armring af Cartier, ca. 1925. Foto: Cartier, 1925: Foto: Courtesy Siegelson
Van Cleef & Arpels
Van Cleef & Arpels er kendt for absolut elegante konfekturevarer. De udmærkede sig især ved at bruge usædvanlige stensnit og designinnovationer som den usynlige indfatning, minaudiere og lynlåshalskæden. Firmaet lavede særligt smukke smykker ved hjælp af en marquise-slibning, som de kaldte navette. Denne diamanthalskæde med frynser viser den dygtige måde, hvorpå VCA lagvis af forskellige stenslibninger for at fremhæve stenenes geometri og skabe en fantastisk konstruktion, der er elegant og luksuriøs og føles moderne og anvendelig i dag.
Platin- og diamanthalskæde af Van Cleef & Arpels, Paris, 1948. Foto: Foto: Courtesy Siegelson
Boucheron
Fra deres start i 1858 fik Boucheron opmærksomhed på internationale udstillinger for deres gennemtænkte, smukke og dristige designs. På udstillingen i Paris i 1925, Exposition des Arts Décoratifs et Industriels, skabte firmaet en komplet designordning, herunder monterede lyserøde skaggrønne æsker dekoreret med geometriske mønstre, der var skabt til udstillingen. (Det armbånd, som Siegelson ejer, har den eneste kendte tilbageværende æske.)
Dette armbånd, et af de vigtigste smykker, der nogensinde er fremstillet, blev skabt til Paris-udstillingen i 1925. Stephen Harrison, kurator for dekorativ kunst på Cleveland Museum of Art, sagde: “Boucheron skabte et ekstraordinært armbånd af nyskabende Osmium, der er besat med cabochon rubiner, safirer og smaragder, arrangeret som bobler, der flyder i vandet.” Det revolutionerende design af dette stykke er centreret omkring det geometriske arrangement af stenene, der er omkranset af diamanter, som synes at glide hen over armbåndets overflade og glide under panelernes diamantkant. Sorte emaljerede stænger, der er placeret diagonalt, danner en dramatisk folie for de farvede ædelsten.
Art Deco diamant-, emalje- og ædelstensarmbånd af Boucheron. Udstillet på Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes i 1925 i Paris. Foto: Boucheron: Foto: Courtesy Siegelson
Gérard Sandoz
Gérard Sandoz fremstillede sine fantastiske smykker kun i en kort periode på højdepunktet af Art Deco-perioden, fra 1920-1931. Han var en charmerende, rastløs person, var kendt for at nyde fester på Maxim’s og forlod til sidst familievirksomheden med smykkefremstilling til fordel for en beskeden filmkarriere.
De smykker, han lavede, er en absolut ren udforskning af geometriske former i forskellige materialer, farver og overfladebehandlinger, der kombineres for at skabe en kompleks, lagdelt form. Der findes intet andet lignende.
Sandoz sagde selv: “Det er muligt at lave meget smukke smykker blot med guld og at lave rædsler med floder af diamanter.”
Denne broche, der er centreret om en stang af platin, der passerer gennem et toppet guldrektangel med “tænder” af guld og onyx, som dem på et tandhjul, henter inspiration direkte fra de maskiner, Sandoz elskede. Det centrale element er lagdelt på en baggrund af matteret bjergkrystal på en pave-diamant trekant. I denne mesterlige broche vendte Sandoz om på den normale rækkefølge af materialer i et smykke, som typisk bestod af de mest ædle sten, med metal som en simpel montering. Her bruger Sandoz diamanterne som baggrund, mens han udnytter det polerede guld som det centrale element. Resultatet er et ikonisk og vigtigt designmesterværk.
Art Deco Geometrisk broche af Gérard Sandoz, Paris, ca. 1927. Foto: Gérard Sandoz, 1927: Courtesy Siegelson
Jean Després
Després blev født ind i en guldsmedefamilie og blev for altid påvirket af sin erfaring som flydesigner under Anden Verdenskrig, og han påvirkede smykkedesignets kurs med sine omhyggeligt udformede maskininspirerede smykker, kendt som “bijoux-moteurs.”
Dette armbånd af Després er et ikonisk eksempel på Art Moderne-design, der kombinerer kraftfuld enkelhed med maskininspireret design. Designet minder om tænderne på et massivt tandhjul, mens armbåndet er afsmalnet for at tilpasse sig håndledets slanke form. Denne subtile designtilpasning anerkender, at denne massive manchet er beregnet til at blive båret, og som det fremgår af et foto fra perioden, er den elegant på håndleddet.
Art Moderne armbånd i sølv og sort lak af Jean Després, Paris, ca. 1931. Udstillet på Salon d’Automne, Paris, 1931. Foto: Foto: Courtesy Siegelson
Jean Dunand
Jean Dunand er en af de førende Art Deco-designere, der er kendt for sine lakmøbler, dekorative genstande og smykker. Han blev hyret til at lakere hele luksusværelser på fabelagtige oceangående skibe som Normandie.
Da Dunand både skabte portrætter og dekorative genstande og smykker, indeholdt hans portrætter ofte eksempler på hans arbejde. Et berømt og udsøgt portræt af hans mentor Madame Agnes blev for nylig sat på auktion, og på det ses hun iført en enkelt girafhalskæde. Giraffen er et ikonisk værk for Dunand, og det taler til et bestemt tidspunkt i 1920’erne, hvor designere begyndte at bevæge sig væk fra den klassiske brug af luksusmaterialer og hen imod et mere moderne design.
En lignende model blev lavet til og båret af Josephine Baker, som var Dunands muse; hun ses iført sættet (og lidt andet) på et berømt fotografi.
Den er netop vendt tilbage fra en stor udstilling, The Jazz Age: American Style in the 1920s, på Cooper Hewitt og Cleveland Museum of art, er dette det største kendte sæt med i alt seks stykker. Det er et større eksemplar end dem, der ejes af Museé de Arts Decoratifs og Metropolitan Museum of Art. Dette er det største sæt, der sandsynligvis nogensinde vil blive set på markedet.
Rød og sort lak og Oréum sæt af tre “Giraf” halskæder og tre armbånd af Jean Dunand, Paris, ca. 1927. Udstillet i The Jazz Age: American Style in the 1920s at the Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, New York. Foto: Foto: Med venlig hilsen Siegelson
Paul Flato
Paul Flato var den oprindelige juveler for stjernerne, der betjente Hollywoods creme de la creme. Han grundlagde sit firma i New York City i 1928 og åbnede en butik i Los Angeles i 1937. Hans figurative stil, der ofte var på grænsen til det humoristiske, nåede sit højdepunkt i 1930’erne, da Adolph Kleaty, George Headley og Fulco, hertugen af Verdura, designede smykker for ham. Flato lavede fjer, hænder, der holdt blomster, og brocher, der var skattekister fyldt med juveler, men med panache.
Hans saloner blev frekventeret af Joan Crawford, Marlene Dietrich og Vivien Leigh og de førende mænd Douglas Fairbanks, Laurence Olivier og Orson Welles. Hans smykker blev båret af Katherine Hepburn i Holiday, Greta Garbo i Two Faced Woman og Rita Hayward i Blood and Sand.
Til denne halskæde forvandlede Verdura en almindelig brugsgenstand, et bælte, til en spektakulær akvamarin- og rubinhalskæde. Det var en bemærkelsesværdig bedrift i en tid, hvor de fleste smykker var med blomster eller geometriske mønstre. Halskæden er snedigt designet til at se ud, som om bæltet var knudret, hvilket skaber et stykke, der kan bæres centreret eller til siden, som det var i Vogue i 1944.
The Cole Porter Necklace: Et akvamarin- og rubinbælte med en halskæde med spænde designet af Fulco, hertug af Verdura, for Paul Flato, New York, ca. 1935. Foto: Foto: Courtesy Siegelson
Alexander Calder
Alexander Calder er bedst kendt for sine delikat afbalancerede mobiler og skulpturer, der bevæger sig som reaktion på luft eller berøring, men smykker var hans mest personlige og konstante medie. Hvert stykke var håndlavet af kunstneren og var en unik kombination af hans hammerarbejde og den æstetik og ynde, der var indeholdt i hans store værker. Calders smykker, der var bohemeagtige, men raffinerede, blev samlet af fashionable kunstsamlere, herunder Peggy Guggenheim, Mary Rockefeller og Millicent Rogers.
Skabt af messingtråd, viser denne broche den samme følelse af bevægelse, som man finder i hans mobiler og den geometri og dynamik, der findes i hans litografier, hvor han ofte udforskede gentagne, indbyrdes forbundne cirkler.
Elisabeth Agro, kurator for den storslåede Calder Jewelry-udstilling, sagde om smykkerne: “Rummet. Det handler om at indtage rummet. Og han ser bare kroppen som et grundelement for dette andet aspekt af hans arbejde. Ikke at kroppen kommer i vejen – kroppen er en del af dette større kunstværk, når man tager det på.”
Brass and Steel “Six Circles” Brooch af Alexander Calder, New York, ca. 1940. Foto: Alexander Calder, 1940: Foto: Foto: Calder Calder: Siegelson