De 10 mest berømte malerier gennem tiderne! Hvert år bliver der brugt millioner af euro af kunstsamlere, der er ivrige efter at eje verdens mest eftertragtede malerier. De dyreste malerier er dog ikke nødvendigvis de mest berømte malerier. De mest kendte af disse er generelt i museernes hænder, som meget sjældent vil blive solgt, og som sådan er de bogstaveligt talt uvurderlige. Her giver vi dig de 10 mest berømte malerier gennem tiderne.
Venus’ fødsel
Venus’ fødsel er et maleri af den italienske maler Sandro Botticelli. Det hænger i Uffizi-galleriet i den italienske by Firenze. Maleriet er lavet med tempera på lærred og måler 172,5 cm x 278,5 cm. Det forestiller gudinden Venus, der stiger op af havet som en moden kvinde, som det beskrives i den græske mytologi. Værkets navn er dog ikke helt i overensstemmelse med den begivenhed, der er afbildet på værket, da Venus ifølge legenden blev født af havskummet. Dette billede viser imidlertid hendes ankomst til Cypern, stående på en muslingeskal. I den klassiske oldtid var en muslingeskal en metafor for en vagina. Botticellis Venus’ positur minder om Venus de Medici, en marmorskulptur fra den klassiske oldtid i Medici-samlingen, som Botticelli havde studeret. En detalje af maleriet bruges som billede på en af de italienske euromønter.
Vandliljerne
Vandliljerne er mange forskellige impressionistiske malerier af vandliljer af den franske kunstner Claude Monet. Monet lod i 1890’erne anlægge en farverig have med en dam i sit atelier i Giverny for at kunne male sit elskede motiv under alle slags vejrforhold (halvt udendørs). Han behøvede ikke længere at rejse så meget og var mere hjemme hos sin kone og sine børn. Monet malede mange forskellige variationer over dette motiv. Alene i perioden 1899-1900 lavede han 18 forskellige akvarelmalerier.
I perioden 1914-1926 skabte Monet en række store vægpaneler med akvareller til Musée de l’Orangerie i Tuilerierne i Paris (se billedet ovenfor). Da Monet sandsynligvis var stort set blind i slutningen af sit liv, vil han have malet disse såkaldte reflekslandskaber (landskab uden eksplicit gengivelse af himmel eller horisont) hovedsageligt ud fra sin hukommelse. Han skænkede disse værker til sin gode ven Paul Clemenceau. Clemenceau havde stimuleret Monet til at fortsætte med at male, selv om hans syn var blevet svækket. Monet skænkede værkerne som en “hyldest til freden”. Malerierne var i lang tid utilgængelige for offentligheden, men er nu igen de vigtigste udstillingsgenstande på det nyrenoverede museum.
Nattevagten
Nattevagten er det mest kendte maleri og mesterværk af Rembrandt van Rijn og kan ses i Rijksmuseets æresgalleri. Rembrandt malede det mellem 1639 og 1642. Det officielle navn er: Kompagniet med kaptajn Frans Banning Cocq og løjtnant Willem van Ruytenburgh gør sig klar til at marchere ud. Dette værk, der er et militsværk, blev bestilt som et gruppeportræt af et kompagni fra gildegilden. Det blev sandsynligvis først kaldt “The Night Watch” omkring 1796/1797. Ifølge Ernst van de Wetering mislykkedes værket i en vis forstand.
Maleriets værdi kan ikke udtrykkes i penge. Det er ikke til salg og har aldrig været til salg. Det militselskab, der dengang bestilte Rembrandt, var en byinstitution, og Nattevagten har siden været ejet af Amsterdams kommune, som et evigt lån til Rijksmuseum.
Skriget
Skriget er navnet på fire malerier og et litografi af Edvard Munch fra 1893. Den originale udgave af Skriget fra 1893 hænger på det nationale kunstmuseum (Nasjonalgalleriet) i Oslo. Det anses for at være det mest bevægende maleri af Munch. Det udtrykker den åndelige lidelse og den følelsesmæssige chikane, som maleren har følt i visse perioder af sit liv. Munch var en forløber for ekspressionismen, en stil, der ønskede at udtrykke følelser. Skriget er et psykisk selvportræt af Edvard Munch. Det er et maleri baseret på sin egen traumatiske oplevelse.
En aften gik Edvard Munch tilbage til byen Oslo med venner. De standsede på en bro. Mens hans venner gik videre, standsede Edvard op, grebet af landskabet og himlen med den nedgående sol. Han hørte og følte landskabet omkring ham skrige. Han følte sig magtesløs og deprimeret. Denne begivenhed gjorde så stort indtryk på ham, at han senere nedfældede denne begivenhed på lærredet.
6. Pige med en perleørering
Pige med en perleørering er et maleri fra 1665-1667 af den hollandske mester Johannes Vermeer. I de senere år er Pige med perleørering blevet Vermeer’s mest elskede maleri. Værket er i Mauritshuis i Haag’s besiddelse. Ingen af Vermeer’s modeller er nogensinde blevet identificeret, og det gælder også denne pige. En mulig kandidat er hans ældste datter Maria, som var tolv, tretten år gammel på det tidspunkt.
Den afbildede pige bærer en blå turban med et gult, faldende klæde. Hovedbeklædningen står i kontrast til den brungule jakke med den hvide krave. Perlen skiller sig ud, en storslået skabelse af glødelys og skygger og flossede kanter. Med to malerstrøg har Vermeer givet en lysende lysaccent øverst til venstre og en refleksion af hendes hvide krave nederst. I betragtning af dens størrelse er det mere en glas-, lakeret “dråbeørering” end en naturperle. Det virker, som om pigen med sit uhæmmede blik søger direkte kontakt med beskueren, som om hun er blevet overrasket af ham. Med sin halvt åbne mund giver hun indtryk af at ville sige noget. Hendes fugtige, ekstra røde læber giver hende et sensuelt udtryk.
5. Guernica
Guernica er et maleri af Pablo Picasso fra 1937, der er opkaldt efter stedet Guernica i det spanske Baskerlandet. Årsagen til maleriet er fascisternes bombning af Guernica under ledelse af Francisco Franco for at bryde republikanernes modstand. Maleriet er med sine enorme dimensioner på 3,49 m i højden og 7,76 m i bredden et af Picassos mest imponerende og kontroversielle værker.
Maleriet viser byen under bombardementet. Der er meget at se på samme tid i maleriet. En hest, der styrter ind i et hus i panik. Til højre falder en person ned fra det brændende tag, og en mor græder efter sit døde barn. Pablo Picasso ønskede med maleriet at give det kaos, som man føler under et bombardement, når man ser på maleriet. Baggrunden er også blandet op, der er ingen forskel på inde og ude. Folk løber ud af deres huse i panik.
Maleriet er malet i linjer og flader i sort, hvidt og gråt for at udtrykke krigen. Det er ikke et realistisk maleri. Pablo Picasso forsøgte at formidle følelsen under bombardementerne, ikke hvordan det så ud. Forrest i maleriet står en mand med et knækket sværd. Et symbol for en død soldat. Hesten udtrykker frygten og er symbolet på de uskyldige ofre for krigen. Moderen med det døde barn symboliserer sorgen over de faldne. Lampen i maleriet symboliserer eksplosionen og bombningen i Guernica.
Adams skabelse
Adams skabelse er en del af freskoen på hvælvingen i det Sixtinske Kapel i Vatikanstaten, malet af Michelangelo omkring 1511. Værket er en skildring af den bibelske fortælling fra 1. Mosebog, hvor Gud Fader ånder liv i Adam. Ud fra freskerne til 1. Mosebog i Det Sixtinske Kapel er det kronologisk set det fjerde billede i historien. Michelangelo færdiggjorde denne fresko som en af de sidste i serien. Værket måler 4,8 gange 2,3 meter.
Den sidste nadver
Den sidste nadver er en fresko malet af Leonardo da Vinci på bestilling af hertug Ludovico Sforza i refectoriet i Santa Maria delle Grazie (et dominikanerkloster i Milano). Det er en skildring af en scene fra Jesu sidste nadver, som den er beskrevet i Bibelen, og den er baseret på Johannes 13: 21-26, hvor Jesus meddeler, at en af hans tolv disciple vil forråde ham. Maleriet er kendt verden over, og arrangementet er en ikonografisk model. Da det ikke kan flyttes, har det aldrig været i privat eje. I overensstemmelse med andre billeder af det sidste måltid på den tid har Leonardo overtaget konventionen om at afbilde alle personer ved den ene side af bordet under middagen, således at ingen af de tilstedeværende bliver kigget på bagved. Men han afviger bemærkelsesværdigt fra denne konvention ved også at placere Judas der blandt de andre disciple, mens Judas normalt var placeret over for de andre apostle på den anden side af bordet. En anden skik var at forsyne alle disciple, med undtagelse af Judas, med en glorie.
Men Leonardo har valgt en mere realistisk og dramatisk effekt ved ikke at forsyne nogen med en glorie, men ved at vise Judas lænet tilbage i skyggen. Han skaber også et realistisk og psykologisk billede, hvor han forsøger at forklare, hvorfor Judas og Jesus tager brødet på samme tid, lige efter at Jesus har fremsat forudsigelsen om forræderiet. Jesus vises som om han siger det til Thomas og Jakob til venstre for ham, som bliver chokeret, fordi Jesus peger på et stykke brød til dem. Judas, der er distraheret af samtalen mellem Johannes og Peter, rækker hånden ud efter et andet stykke brød, som Jesus rækker sin højre hånd ud efter. Alle perspektiviske linjer og også lyset falder opmærksomheden på Jesus.
Sternnatten
Sternnatten er et maleri af den hollandske post-impressionistiske maler Vincent van Gogh. Det tilhører den permanente samling på Museum of Modern Art i New York City. Værket (olie på lærred) måler 73 x 92 cm. Det betragtes som denne malers mesterværk. Fra 1888 malede Van Gogh flere værker, der ligner Stjerneskuddet. Han kaldte dette studie for sit studie af stjernehimlen. I 1888 malede han for eksempel Stjernenatten over Rhone, som minder meget om dette maleri. Vincent van Gogh lavede Stjernenatten, da han var på hospitalet Saint-Paul-de-Mausole i Saint-Rémy-de-Provence i juni 1889. Han lavede også en række pennetegninger med samme emne. Midt i september sendte han stjernenat-malerierne til sin bror i Paris.
Maleriet er en natscene med gule stjerner over en lille by med bakker. Det er en udsigt fra et imaginært punkt over en landsby med kirketårn og til venstre en flammende cypres og til højre oliventræer mod bakkerne. Van Gogh brugte Delacroix for brugen af komplementære farver. Maleriet forbindes ofte med Vincent van Goghs ord: “Hvorfor, spørger jeg mig selv, ville de lysende prikker på himlen ikke være lige så lette at nå som de sorte prikker på kortet over Frankrig? Ligesom vi var på toget til Tarascon eller Rouen, bruger vi døden til at rejse til stjernerne. ” Van Gogh malede værket på et tidspunkt, hvor han følte en stærk trang til religion. Herefter ville han ende i en depression.
Mona Lisa
Mona Lisa er et maleri af Leonardo da Vinci, som blev malet mellem 1503 og 1507. Den anvendte teknik er olie på panel (poppeltræ). Det er et portræt af en dame, sandsynligvis Lisa Gherardini, Francesco del Giocondos tredje hustru. Portrættet er permanent udstillet på Louvre i Paris, og det er et af de få værker, som med sikkerhed kan være af Leonardo selv. Det er sandsynligvis et af de mest berømte kunstværker i verden, maleriet modtager omkring 20.000 besøgende om dagen.
Smilet på Mona Lisa er stort set maleriets varemærke, ligesom hermelinen (i virkeligheden en hvid ilder), der er til det andet berømte maleri af Leonardo Damen med hermelinen, portrættet af Cecilia Gallerani. Man kunne lige så godt have kaldt maleriet Damen med smilet, og det afspejler sig i det italienske navn, for La Gioconda betyder faktisk den lykkelige, den glade, den lykkelige. Leonardo gør denne idé om at være glad, om at være lykkelig til det centrale tema i sit maleri, selv om det ikke er en overstrømmende munterhed, så virker damen tilfreds og glad. Der er opstillet dusinvis af teorier om smilet, den ene mere ekstravagant end den anden. Det går fra smilet hos en glad gravid kvinde til et symptom på de mest forskelligartede sygdomme. En software, der ville genkende følelser ud fra ansigtsudtrykket, genkendte 83% lykke i det.
