OldtidenRediger

Romersk-egyptisk begravelsesportræt af en kvinde

Portrætmaleriets rødder findes sandsynligvis i forhistorisk tid, selv om kun få af disse værker overlever i dag. I kunsten i de gamle civilisationer i Den Frugtbare Halvmåne, især i Egypten, er der mange afbildninger af herskere og herskere som guder. De fleste af disse blev dog udført på en stærkt stiliseret måde og oftest i profil, som regel på sten, metal, ler, gips eller krystal. Egyptisk portrætkunst lagde relativt lidt vægt på lighed, i hvert fald indtil Akhenatons periode i det 14. århundrede f.Kr. Portrætmaleri af notabiliteter i Kina går sandsynligvis tilbage til over 1000 f.Kr., selv om ingen portrætter er bevaret fra den tid. Eksisterende kinesiske portrætter går tilbage til omkring 1000 e.Kr., men lagde ikke megen vægt på lighed før nogen tid derefter.

Fra litterære vidnesbyrd ved vi, at det antikke græske maleri omfattede portrætmaleri, ofte meget præcist, hvis man skal tro forfatternes lovprisninger, men der er ingen malede eksempler tilbage. Skulpturerede hoveder af herskere og berømte personligheder som Sokrates har overlevet i et vist omfang, og ligesom de individualiserede buster af hellenistiske herskere på mønter viser de, at græsk portrætkunst kunne opnå en god lighed, og emnerne, i det mindste af litterære personer, blev afbildet med relativt lidt smiger – Sokrates’ portrætter viser, hvorfor han havde et ry for at være grim. Alexander den Stores efterfølgere begyndte at tilføje hans hoved (som en guddommeliggjort figur) på deres mønter og brugte snart deres egne.

Romersk portrætkunst overtog portrættraditioner fra både etruskerne og grækerne og udviklede en meget stærk tradition, der var knyttet til deres religiøse brug af forfædresportrætter samt romersk politik. Igen, de få overlevende malerier, i Fayum-portrætter, Alines grav og Severan Tondo, alle fra Egypten under romersk herredømme, er klart provinsielle produktioner, der afspejler græske snarere end romerske stilarter, men vi har et væld af skulpturelle hoveder, herunder mange individualiserede portrætter fra middelklassegrave, og tusindvis af typer af møntportrætter.

Meget den største gruppe af malede portrætter er de begravelsesmalerier, der har overlevet i det tørre klima i Egyptens Fayum-distrikt (se illustrationen nedenfor), og som stammer fra det 2. til 4. århundrede e.Kr. Disse er næsten de eneste malerier fra den romerske periode, der er bevaret, bortset fra fresker, selv om det vides fra Plinius den Ældre’s skrifter, at portrætmaleri var veletableret i græsk tid og blev udøvet af både mandlige og kvindelige kunstnere. På hans tid klagede Plinius over den romerske portrætkunsts nedadgående tilstand: “Portrætmaleriet, som gennem tiderne plejede at overføre nøjagtige ligheder af mennesker, er helt forsvundet … Indolence har ødelagt kunsten.” Disse portrætter med fuldt ansigt fra det romerske Egypten er heldige undtagelser. De viser en nogenlunde realistisk sans for proportioner og individuelle detaljer (selv om øjnene generelt er overdimensionerede, og den kunstneriske dygtighed varierer betydeligt fra kunstner til kunstner). Fayum-portrætterne blev malet på træ eller elfenben i voks og harpiksfarver (encaustic) eller med tempera og indsat i mumieindpakningen for at forblive sammen med kroppen gennem evigheden.

Mens det fritstående portrætmaleri aftog i Rom, blomstrede portrætkunsten i romerske skulpturer, hvor bestillerne krævede realisme, selv om den var lidet flatterende. I løbet af det 4. århundrede dominerede det skulpturelle portræt, med en tilbagetrækning til fordel for et idealiseret symbol på, hvordan personen så ud. (Sammenlign portrætterne af de romerske kejsere Konstantin I og Theodosius I) I den senantikke periode faldt interessen for et individuelt billede betydeligt, og de fleste portrætter i senromerske mønter og konsulære diptykker er næsten ikke individualiserede overhovedet, selv om den tidlige kristne kunst samtidig udviklede ret standardiserede billeder til fremstilling af Jesus og de andre store figurer i den kristne kunst, såsom Johannes Døberen og Sankt Peter.

MiddelalderenRediger

Den lille private Wilton Diptychon for Richard II af England, ca. 1400, med stemplede guldbaggrunde og meget ultramarin.

De fleste tidlige middelalderportrætter var donorportrætter, oprindeligt mest af paver i romerske mosaikker, og illuminerede manuskripter, et eksempel er et selvportræt af forfatteren, mystikeren, videnskabsmanden, illuminatoren og musikeren Hildegard af Bingen (1152). Som det var tilfældet med samtidige mønter, var der kun få forsøg på at fremstille et portræt. Gravmonumenter af sten blev udbredt i den romanske periode. Mellem 1350-1400 begyndte verdslige figurer at dukke op igen i fresker og panelmalerier, som f.eks. i Mester Theodoric’s Karl IV, der modtager troskab, og portrætter blev igen tydelige lignelser.

Omkring slutningen af århundredet dukkede de første olieportrætter af samtidige personer, malet på små træpaneler, op i Bourgogne og Frankrig, først som profiler og siden i andre visninger. Wilton Diptychiet fra ca. 1400 er et af de to bevarede panelportrætter af Richard II af England, den tidligste engelske konge, som vi har samtidige eksempler på.

I slutningen af middelalderen i det 15. århundrede var det tidlige nederlandske maleri afgørende for udviklingen af det individualiserede portræt. Blandt mesterne var bl.a. Jan van Eyck, Robert Campin og Rogier van der Weyden. Der blev bestilt ret små portrætter i panelmaleri, mindre end halvt livstørrelse, ikke kun af personer fra hoffet, men også af velhavende byboere, som ud fra deres forholdsvis enkle påklædning ser ud til at være velhavende borgere. Miniaturer i illuminerede manuskripter indeholdt også individualiserede portrætter, som regel af bestilleren. I religiøse malerier begyndte portrætter af donorer at blive vist som tilstedeværende eller deltage i de vigtigste viste hellige scener, og i mere private hofbilleder optrådte personer endog som betydningsfulde figurer som f.eks. jomfru Maria.

• Robert Campin (ca. 1375 – 1444), Portræt af en ung kvinde (sammen med sin mand), 1430-1435. Van der Weydens stil var grundlagt på Campins.

• Arnolfiniportræt, af Jan van Eyck, 1434

• Rogier van der Weyden, Portræt af en dame, ca. 1460

• Et af de tidligste selvstændige selvportrætter, Jean Fouquet, ca. 1450

RenæssanceRediger

Albrecht Dürer, Selvportræt, 1500

Dels ud fra en interesse for naturen og dels ud fra en interesse for de klassiske kulturer i det antikke Grækenland og Rom, fik portrætter – både malede og skulpturelle – en vigtig rolle i renæssancesamfundet og blev værdsat som objekter og som skildringer af jordisk succes og status. Maleriet generelt nåede et nyt niveau af balance, harmoni og indsigt, og de største kunstnere (Leonardo, Michelangelo og Raphael) blev betragtet som “genier” og hævede sig langt over håndværkerstatus til værdsatte tjenere ved hoffet og kirken.

Mange nyskabelser inden for de forskellige former for portrætkunst udviklede sig i denne frugtbare periode. Traditionen med portrætminiaturen begyndte, som forblev populær indtil fotografiets tidsalder, og som udviklede sig ud fra de færdigheder, som malerne af miniaturerne i de illuminerede manuskripter besad. Profilportrætter, der var inspireret af antikke medaljoner, var særligt populære i Italien mellem 1450 og 1500. Medaljer med deres dobbeltsidede billeder inspirerede også en kortvarig mode for dobbeltsidede malerier tidligt i renæssancen. Klassiske skulpturer, såsom Apollo Belvedere, havde også indflydelse på valget af de positurer, der blev brugt af renæssanceportrætterne, og disse positurer er fortsat i brug gennem århundrederne. Leonardos Ginevra de’ Benci (ca. 1474-8) er et af de første kendte portrætter med trekvartperspektiv i italiensk kunst.

Nordeuropæiske kunstnere førte an i realistiske portrætter af verdslige personer. Den større realisme og detaljerigdom hos de nordiske kunstnere i det 15. århundrede skyldtes til dels de finere penselstrøg og effekter, som var mulige med oliefarver, mens de italienske og spanske malere stadig brugte tempera. Blandt de tidligste malere, der udviklede olieteknikken, var Jan van Eyck. Oliefarver kan frembringe mere struktur og tykkelse og kan lagdeles mere effektivt ved at lægge stadig tykkere lag oven på hinanden (af malere kendt som “fedt over magert”). Oliefarver tørrer også langsommere, hvilket gør det muligt for kunstneren at foretage ændringer let, f.eks. at ændre ansigtsdetaljer. Antonello da Messina var en af de første italienere, der benyttede sig af olie. Han blev uddannet i Belgien, men bosatte sig i Venedig omkring 1475 og fik stor indflydelse på Giovanni Bellini og den norditalienske skole. I løbet af det 16. århundrede blev olie som medie mere og mere populært i hele Europa, hvilket gav mulighed for mere overdådige gengivelser af tøj og smykker. Det havde også indflydelse på billedernes kvalitet, at man gik over fra træ til lærred, hvilket startede i Italien i begyndelsen af det 16. århundrede og spredte sig til Nordeuropa i løbet af det næste århundrede. Lærredet modstår revner bedre end træ, holder bedre på pigmenter og kræver mindre forberedelse – men det var i begyndelsen meget sjældnere end træ.

Frigt opgav nordeuropæerne profilen og begyndte at fremstille portrætter med realistisk volumen og perspektiv. I Nederlandene var Jan van Eyck en af de førende portrætmalerne. Arnolfinis ægteskab (1434, National Gallery, London) er en milepæl i den vestlige kunst, et tidligt eksempel på et parportræt i fuld længde, fremragende malet i rige farver og udsøgte detaljer. Men lige så vigtigt er det, at det viser den nyudviklede teknik til oliemaleri, som van Eyck var pioner på, og som revolutionerede kunsten og spredte sig over hele Europa.

Hans Holbein den Yngre, Portræt af Sir Thomas More, 1527

Førende tyske portrætkunstnere, herunder Lucas Cranach, Albrecht Dürer og Hans Holbein den Yngre, som alle mestrede teknikken til oliemaleri. Cranach var en af de første kunstnere, der malede bestillinger i naturlig størrelse i fuld størrelse, en tradition, der blev populær fra dengang. På det tidspunkt havde England ingen portrætmalere af første rang, og kunstnere som Holbein var efterspurgt af engelske mæcener. Hans maleri af Sir Thomas More (1527), hans første vigtige mæcen i England, har næsten samme realisme som et fotografi. Holbein fik sin store succes ved at male den kongelige familie, herunder Henrik VIII. Dürer var en fremragende tegner og en af de første store kunstnere, der lavede en række selvportrætter, herunder et maleri med hele ansigtet. Han placerede også sin selvportrætfigur (som tilskuer) i flere af sine religiøse malerier. Dürer begyndte at lave selvportrætter i en alder af tretten år. Senere ville Rembrandt udbygge denne tradition.

I Italien førte Masaccio an i moderniseringen af freskomaleriet ved at indføre et mere realistisk perspektiv. Filippo Lippi banede vejen ved at udvikle skarpere konturer og bølgende linjer, og hans elev Raphael udvidede realismen i Italien til et langt højere niveau i de følgende årtier med sine monumentale vægmalerier. I denne periode blev forlovelsesportrættet populært, hvilket var en særlig specialitet for Lorenzo Lotto. I den tidlige renæssance var portrætmalerier generelt små og undertiden dækket af beskyttende låg med hængsler eller skydelåg.

I løbet af renæssancen ønskede især den florentinske og milanesiske adel mere realistiske gengivelser af dem selv. Udfordringen med at skabe overbevisende hel- og trekvartsbilleder stimulerede til eksperimenter og innovation. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi og Leonardo da Vinci og andre kunstnere udvidede deres teknik i overensstemmelse hermed og tilføjede portrætmalerier til de traditionelle religiøse og klassiske emner. Leonardo og Pisanello var blandt de første italienske kunstnere, der tilføjede allegoriske symboler til deres verdslige portrætter.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa eller La Gioconda, 1503-1505/1507

Et af de mest kendte portrætter i den vestlige verden er Leonardo da Vincis maleri med titlen Mona Lisa, opkaldt efter Lisa del Giocondo, et medlem af Gherardini-familien i Firenze og Toscana og hustru til den rige florentinske silkehandler Francesco del Giocondo. Det berømte “Mona Lisa-smil” er et glimrende eksempel på at anvende subtil asymmetri i et ansigt. I sine notesbøger rådgiver Leonardo om lysets kvaliteter i portrætmaleriet:

En meget høj grad af ynde i lys og skygge tilføjes til ansigterne hos dem, der sidder i døråbninger i mørke rum, hvor observatørens øjne ser den skyggede del af ansigtet, der er skjult af rummets skygger, og ser den oplyste del af ansigtet med den større glans, som luften giver den. Gennem denne forøgelse af skyggerne og lysene får ansigtet et større relief.

Leonardo var elev af Verrocchio. Efter at være blevet medlem af malergilde begyndte han at tage imod uafhængige bestillinger. På grund af hans vidtspændende interesser og i overensstemmelse med hans videnskabelige sind er hans produktion af tegninger og forstudier enorm, selv om hans færdige kunstneriske produktion er relativt lille. Hans andre mindeværdige portrætter omfattede portrætter af adelskvinderne Ginevra de’ Benci og Cecilia Gallerani.

Raphaels bevarede bestillingsportrætter er langt flere end Leonardos, og de viser en større variation i positurer, belysning og teknik. Snarere end at skabe revolutionerende nyskabelser var Raphaels store bedrift at styrke og forfine renæssancekunstens strømninger, der var under udvikling. Han var især ekspert i gruppeportrætter. Hans mesterværk Skolen i Athen er et af de vigtigste gruppefresker, der indeholder portrætter af Leonardo, Michelangelo, Bramante og Rafael selv i skikkelse af antikke filosoffer. Det var ikke det første gruppeportræt af kunstnere. Årtier tidligere havde Paolo Uccello malet et gruppeportræt med Giotto, Donatello, Antonio Manetti og Brunelleschi. Efterhånden som han blev mere og mere fremtrædende, blev Rafael en af pavernes foretrukne portrætmaler. Mens mange renæssancekunstnere ivrigt tog imod portrætbestillinger, nægtede nogle få kunstnere dem, især Rafaels rival Michelangelo, som i stedet påtog sig de store bestillinger til det sixtinske kapel.

I Venedig omkring 1500 dominerede Gentile Bellini og Giovanni Bellini portrætmaleriet. De modtog de højeste bestillinger fra de ledende embedsmænd i staten. Bellinis portræt af doge Loredan anses for at være et af renæssancens fineste portrætter og demonstrerer dygtigt kunstnerens beherskelse af de nyankomne teknikker inden for oliemaleriet. Bellini er også en af de første kunstnere i Europa, der signerede sine værker, selv om han sjældent daterede dem. Senere i det 16. århundrede påtog Titian sig stort set den samme rolle, især ved at udvide de mange forskellige positurer og siddepositioner af sine kongelige motiver. Titian var måske den første store børneportrætmaler. Efter Titian blev Tintoretto og Veronese førende venetianske kunstnere, som bidrog til overgangen til den italienske manierisme. Manneristerne bidrog med mange exceptionelle portrætter, der lagde vægt på materialets rigdom og elegant komplekse positurer, som i Agnolo Bronzinos og Jacopo da Pontormos værker. Bronzino blev berømt ved at portrættere Medici-familien. Hans dristige portræt af Cosimo I de’ Medici viser den strenge hersker i rustning med et forsigtigt blik rettet mod hans yderste højre side, hvilket står i skarp kontrast til de fleste kongelige malerier, der viser deres portrætterede personer som velvillige herskere. El Greco, der blev uddannet i Venedig i 12 år, gik i en mere ekstrem retning efter sin ankomst til Spanien, idet han lagde vægt på sit “indre syn” af den portrætterede i en sådan grad, at han mindskede det fysiske udseende. En af de bedste portrætmalerne i det 16. århundredes Italien var Sofonisba Anguissola fra Cremona, som tilførte sine individuelle portrætter og gruppeportrætter en ny grad af kompleksitet.

Hofportrætter i Frankrig begyndte, da den flamske kunstner Jean Clouet malede sit overdådige portræt af Frans I af Frankrig omkring 1525. Kong Frans var en stor mæcen for kunstnere og en grådig kunstsamler, som inviterede Leonardo da Vinci til at bo i Frankrig i sine senere år. Mona Lisa blev i Frankrig, efter at Leonardo døde der.

• Pisanello, måske Ginevra d’Este, ca. 1440

• Ung mand af Sandro Botticelli, ca. 1483. En tidlig italiensk helansigtspose.

• Måske Raphael, ca. 1518, Isabel de Requesens. Højrenæssancens stil og format fik enormt stor indflydelse på senere store portrætter.

• Christiane von Eulenau af Lucas Cranach den Ældre, 1534

• Lucrezia Panciatichi, af Agnolo Bronzino, 1540

• Papst Paul III og hans børnebørn, Tizian, 1546

• Maarten van Heemskerck (1498-1574), Familie af Pieter Jan Foppesz, før ca.1532, betragtes som det første familieportræt, i hollandsk portrætkunst.

• Charles V af Titian, 1548, et skelsættende rytterportræt.

• Armada-portræt af Elizabeth I af England, ca. 1588. Det stiliserede portræt af Elizabeth I af England var enestående i Europa.

• Portræt af en kardinal, sandsynligvis Fernando Niño de Guevara, El Greco, ca. 1600

Barok og rokokoRediger

Rembrandts gruppeportræt, The Syndics of the Clothmaker’s Guild, 1662.

I barokken og rokokoen (henholdsvis det 17. og 18. århundrede) blev portrætter endnu vigtigere beviser for status og stilling. I et samfund, der i stigende grad blev domineret af verdslige ledere ved magtfulde hoffer, var billeder af overdådigt klædte figurer et middel til at bekræfte vigtige personers autoritet. De flamske malere Sir Anthony van Dyck og Peter Paul Rubens udmærkede sig ved denne type portrætter, mens Jan Vermeer hovedsagelig fremstillede portrætter af middelklassen, der arbejdede og legede indendørs. Rubens’ portræt af ham selv og hans første hustru (1609) i deres bryllupstøj er et virtuost eksempel på parportrættet. Rubens var ikke kun berømt for sin kunst – han var hofmand, diplomat, kunstsamler og en succesfuld forretningsmand. Hans atelier var et af datidens mest omfattende og beskæftigede specialister i stilleben, landskaber, dyr og genrescener ud over portrætmalerier. Van Dyck blev uddannet der i to år. Karl I af England ansatte først Rubens og importerede derefter van Dyck som sin hofmaler, idet han gjorde ham til ridder og gav ham hofstatus. Van Dyck tilpassede sig ikke kun Rubens’ produktionsmetoder og forretningsfærdigheder, men også hans elegante manerer og udseende. Som det blev skrevet: “Han gik altid pragtfuldt klædt, havde en talrig og galant udrustning og holdt et så fornemt bord i sin lejlighed, at kun få prinser blev mere besøgt eller bedre betjent”. I Frankrig dominerede Hyacinthe Rigaud på nogenlunde samme måde som en bemærkelsesværdig kronikør af de kongelige, idet han malede portrætter af fem franske konger.

En af renæssancekunstens nyskabelser var den forbedrede gengivelse af ansigtsudtryk, der ledsagede forskellige følelser. Især den hollandske maler Rembrandt udforskede de mange udtryk i det menneskelige ansigt, især som en af de førende selvportrættere (som han malede over 60 af i sin levetid). Denne interesse for det menneskelige ansigt gav også anledning til at skabe de første karikaturer, som tilskrives Accademia degli Incamminati, der blev drevet af malere fra Carracci-familien i slutningen af det 16. århundrede i Bologna, Italien.

Velázquez, Pave Innocentius X, ca. 1650, Doria Pamphilj Gallery, Rom.

Gruppeportrætter blev fremstillet i stort antal i barokken, især i Nederlandene. I modsætning til resten af Europa fik de hollandske kunstnere ingen bestillinger fra den calvinistiske kirke, som havde forbudt sådanne billeder, eller fra aristokratiet, som stort set var ikke-eksisterende. I stedet kom bestillingerne fra borger- og erhvervsforeninger. Den hollandske maler Frans Hals brugte flydende penselstrøg med levende farver til at sætte liv i sine gruppeportrætter, herunder portrætter af den civilgarde, som han selv var medlem af. Rembrandt nød stor gavn af sådanne bestillinger og af den generelle værdsættelse af kunst fra borgerlige kunder, som støttede portrætmaleri såvel som stilleben og landskabsmaleri. Desuden blomstrede de første betydelige kunst- og forhandlermarkeder i Holland på dette tidspunkt.

Med masser af efterspørgsel var Rembrandt i stand til at eksperimentere med ukonventionelle kompositioner og teknikker, som f.eks. chiaroscuro. Han demonstrerede disse nyskabelser, som italienske mestre som Caravaggio havde været pionerer inden for, især i sin berømte Nattevagt (1642). Dr. Tulp’s anatomilektion (1632) er et andet godt eksempel på Rembrandts beherskelse af gruppemaleriet, hvor han badede liget i skarpt lys for at henlede opmærksomheden på midten af maleriet, mens tøjet og baggrunden gik over i sort, så kirurgens og elevernes ansigter kom til at stå tydeligt frem. Det er også det første maleri, som Rembrandt signerede med sit fulde navn.

I Spanien malede Diego Velázquez Las Meninas (1656), et af de mest berømte og gådefulde gruppeportrætter gennem tiderne. Det mindes kunstneren og børnene af den spanske kongefamilie, og tilsyneladende er de siddende personer det kongelige par, der kun ses som refleksioner i et spejl. Velázquez, der først og fremmest startede som genremaler, blev hurtigt kendt som Philip IV’s hofmaler og udmærkede sig i portrætkunsten, især ved at udvide kompleksiteten af gruppeportrætter.

Rokokokokokunstnere, der var særligt interesserede i rig og indviklet ornamentik, var mestre i det raffinerede portræt. Deres opmærksomhed på detaljerne i påklædning og tekstur øgede portrætternes effektivitet som vidnesbyrd om verdslig rigdom, som det fremgår af François Bouchers berømte portrætter af Madame de Pompadour klædt i bølgende silkekjoler.

Thomas Gainsborough, The Blue Boy, ca. 1770, Huntington Library, San Marino, Californien

Ludvig XIV af Frankrig og hans familie portrætteret som romerske guder i et maleri fra 1670 af Jean Nocret.

De første store indfødte portrætmalere af den britiske skole var de engelske malere Thomas Gainsborough og Sir Joshua Reynolds, som også specialiserede sig i at klæde deres motiver på en iøjnefaldende måde. Gainsboroughs Blue Boy er et af de mest berømte og anerkendte portrætter gennem tiderne, malet med meget lange pensler og tynd oliefarve for at opnå den blå dragts flimrende effekt. Gainsborough var også kendt for sine udførlige baggrundsindstillinger til sine motiver.

De to britiske kunstnere havde modsatrettede holdninger til brugen af assistenter. Reynolds ansatte dem regelmæssigt (nogle gange lavede han kun 20 procent af maleriet selv), mens Gainsborough sjældent gjorde det. Nogle gange udbad sig en klient et løfte fra kunstneren, som Sir Richard Newdegate gjorde fra portrætmaler Peter Lely (van Dycks efterfølger i England), der lovede, at portrættet ville være “from the Beginning to ye end drawne with my owne hands”. I modsætning til den nøjagtighed, som de flamske mestre anvendte, opsummerede Reynolds sin tilgang til portrætmaleri ved at sige, at “ynde og, kan vi tilføje, lighed består mere i at tage den generelle atmosfære end i at observere den nøjagtige lighed af hvert enkelt træk”. I England var William Hogarth også fremtrædende, og han vovede at gå imod de konventionelle metoder ved at introducere humoristiske strejf i sine portrætter. Hans “Self-portrait with Pug” er tydeligvis mere en humoristisk fremstilling af hans kæledyr end et selvudslettende maleri.

I det 18. århundrede fik kvindelige malere ny betydning, især inden for portrætkunst. Blandt bemærkelsesværdige kvindelige kunstnere kan nævnes den franske malerinde Élisabeth Vigée-Lebrun, den italienske pastelkunstner Rosalba Carriera og den schweiziske kunstner Angelica Kauffman. Også i dette århundrede, før fotografiet blev opfundet, blev miniatureportrætter – malet med utrolig præcision og ofte indkapslet i guld eller emaljerede lænker – højt værdsat.

I USA blev John Singleton Copley, der var oplært i den raffinerede britiske stil, den førende maler af portrætter i fuld størrelse og miniatureportrætter, og hans hyperrealistiske billeder af Samuel Adams og Paul Revere var særligt værdsatte. Copley er også kendt for sine bestræbelser på at sammensmelte portrætmaleriet med den akademisk mere ærværdige kunst, historiemaleriet, hvilket han forsøgte med sine gruppeportrætter af berømte militærfolk. Lige så berømt var Gilbert Stuart, der malede over 1.000 portrætter og især var kendt for sine portrætter af præsidenter. Stuart malede alene over 100 replikker af George Washington. Stuart arbejdede hurtigt og brugte blødere og mindre detaljerede penselstrøg end Copley for at fange essensen af sine emner. Nogle gange lavede han flere versioner til en kunde, så den portrætterede selv kunne vælge sin favorit. Stuart, der er kendt for sine rosenrøde kindtoner, skrev: “Kød er som ingen anden substans under himlen. Det har al den munterhed, der kendetegner silkemagerens værksted, uden at det har en prangende glans, og al den blødhed, der kendetegner gammel mahogni, uden at det har en tristhed”. Andre fremtrædende amerikanske portrætmalerier fra kolonitiden var John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale og Rembrandt Peale.

• Philip IV i brun og sølv, Diego Velázquez, 1632

• Sir Kenelm Digby af Anthony Van Dyck, ca. 1640

• Rembrandt van Rijn, Portræt af Jan Six, 1654

• Pastel af Madame de Pompadour, Maurice Quentin de La Tour, midten af det 18. århundrede

• Thomas Kerrich (1748-1828), af Pompeo Batoni

• John Durand, The Rapalje Children, 1768, New-York Historical Society, New York City

• John Singleton Copley, Paul Revere, 1770

19. århundredeRediger

Madame Récamier (1800), i højden af den neoklassiske mode, Jacques-Louis David

I slutningen af det 18. århundrede og begyndelsen af det 19. århundrede, fortsatte de neoklassiske kunstnere traditionen med at afbilde motiver i den nyeste mode, hvilket for kvinder på det tidspunkt betød diaphanøse kjoler, der var afledt af den græske og romerske tøjstil fra oldtiden. Kunstnerne anvendte rettet lys til at definere tekstur og den enkle rundhed af ansigter og lemmer. De franske malere Jacques-Louis David og Jean-Auguste-Dominique Ingres udviste virtuositet i denne tegnerlignende teknik samt et skarpt øje for karakterer. Ingres, der var elev af David, er kendt for sine portrætter, hvor et spejl er malet bag motivet for at simulere et bagudrettet billede af motivet. Hans portræt af Napoleon på sin kejserlige trone er en tour de force inden for kongelige portrætter. (se galleriet nedenfor)

Romantiske kunstnere, der arbejdede i første halvdel af det 19. århundrede, malede portrætter af inspirerende ledere, smukke kvinder og ophidsede personer ved hjælp af livlige penselstrøg og dramatisk, undertiden stemningsfuld belysning. De franske kunstnere Eugène Delacroix og Théodore Géricault malede særligt fine portrætter af denne type, især af frække ryttere. Et bemærkelsesværdigt eksempel på en kunstner fra den romantiske periode i Polen, der udførte portrætter af ryttere, var Piotr Michałowski (1800-1855). Bemærkelsesværdig er også Géricaults serie af portrætter af sindssygepatienter (1822-1824). Den spanske maler Francisco de Goya malede nogle af periodens mest søgende og provokerende billeder, bl.a. La maja desnuda (ca. 1797-1800), samt berømte hofportrætter af Karl IV.

Thomas Eakins, The Gross Clinic, 1875

Den realistiske kunstner i det 19. århundrede, såsom Gustave Courbet, skabte objektive portrætter, der skildrer folk fra under- og middelklassen. Som et udtryk for sin romantik malede Courbet flere selvportrætter, der viser ham selv i forskellige stemninger og udtryk. Blandt andre franske realister kan nævnes Honoré Daumier, som lavede mange karikaturer af sine samtidige. Henri de Toulouse-Lautrec beskrev nogle af de berømte skuespillere fra teatret, herunder Jane Avril, og fangede dem i bevægelse. Den franske maler Édouard Manet var en vigtig overgangskunstner, hvis værker svæver mellem realisme og impressionisme. Han var en portrætmaler med en fremragende indsigt og teknik, og hans maleri af Stéphane Mallarmé er et godt eksempel på hans overgangsstil. Hans samtidige Edgar Degas var primært realist, og hans maleri Portræt af familien Bellelli er en indsigtsfuld gengivelse af en ulykkelig familie og et af hans fineste portrætter.

I Amerika herskede Thomas Eakins som den førende portrætmaler og bragte realismen op på et nyt niveau af åbenhjertighed, især med sine to portrætter af kirurger på arbejde samt portrætter af atleter og musikere i aktion. I mange portrætter, såsom “Portrait of Mrs. Edith Mahon”, formidler Eakins dristigt de lidet flatterende følelser af sorg og melankoli.

Vincent van Gogh, Selvportræt, 1887

Realisterne gav for det meste plads til impressionisterne i 1870’erne. Til dels på grund af deres beskedne indkomster var mange af impressionisterne afhængige af familie og venner til at stå model for dem, og de malede intime grupper og enkeltfigurer enten udendørs eller i lysfyldte interiører. Impressionisternes portrætter, der er kendt for deres glitrende overflader og rige malingklatter, er ofte afvæbnende intime og tiltalende. De franske malere Claude Monet og Pierre-Auguste Renoir skabte nogle af de mest populære billeder af individuelle personer og grupper. Den amerikanske kunstner Mary Cassatt, der blev uddannet og arbejdede i Frankrig, er stadig i dag populær for sine indtagende malerier af mødre og børn, ligesom Renoir er det. Paul Gauguin og Vincent van Gogh, begge post-impressionister, malede afslørende portrætter af folk, de kendte, med hvirvlende farver, men ikke nødvendigvis flatterende. De er lige så berømt, hvis ikke mere, for deres stærke selvportrætter.

John Singer Sargent var også med i århundredeskiftet, men han afviste åbenlyst impressionisme og post-impressionisme. Han var den mest succesfulde portrætmaler i sin tid og brugte en overvejende realistisk teknik, der ofte var overstrømmet af en strålende brug af farver. Han var lige dygtig til individuelle portrætter og gruppeportrætter, især af overklassefamilier. Sargent blev født i Firenze i Italien af amerikanske forældre. Han studerede i Italien og Tyskland og i Paris. Sargent anses for at være den sidste store eksponent for den britiske portrættradition, der begynder med van Dyck. En anden fremtrædende amerikansk portrætmaler, der blev uddannet i udlandet, var William Merritt Chase. Den amerikanske selskabsmaler Cecilia Beaux, der blev kaldt den “kvindelige Sargent”, var født af en fransk far, studerede i udlandet og fik succes hjemme igen, idet hun holdt sig til de traditionelle metoder. En anden portrætmaler, der blev sammenlignet med Sargent for sin frodige teknik, var den italienskfødte parisiske kunstner Giovanni Boldini, en ven af Degas og Whistler.

Den amerikanskfødte internationalist James Abbott McNeill Whistler havde gode forbindelser til europæiske kunstnere og malede også nogle enestående portrætter, mest berømt er hans Arrangement in Grey and Black, The Artist’s Mother (1871), også kendt som Whistlers mor. Selv med sine portrætter, ligesom med sine tonale landskaber, ønskede Whistler, at hans beskuere skulle fokusere på det harmoniske arrangement af form og farve i hans malerier. Whistler brugte en afdæmpet palet for at skabe de ønskede effekter og lagde vægt på farvebalance og bløde toner. Som han sagde: “Ligesom musik er lydens poesi, er maleriet synets poesi, og motivet har intet at gøre med lydens eller farvernes harmoni.” Form og farve var også centrale i Cézannes portrætter, mens endnu mere ekstreme farver og penselstrøgsteknik dominerer portrætter af André Derain, og Henri Matisse.

Den udvikling af fotografiet i det 19. århundrede havde en betydelig indvirkning på portrætmaleriet, idet det afløste det tidligere camera obscura, som også tidligere var blevet brugt som hjælpemiddel i maleriet. Mange modernister strømmede til fotostudierne for at få lavet deres portrætter, herunder Baudelaire, der, selv om han erklærede fotografiet for en “kunstens fjende”, fandt sig tiltrukket af fotografiets åbenhed og kraft. Ved at tilbyde et billigt alternativ erstattede fotografiet en stor del af det laveste niveau af portrætmaleriet. Nogle realistiske kunstnere som Thomas Eakins og Edgar Degas var begejstrede for kamerafotografiet og fandt det nyttigt som hjælpemiddel til komposition. Fra impressionisterne og frem fandt portrætmalere et utal af måder at omfortolke portrættet på for at konkurrere effektivt med fotografiet. Sargent og Whistler var blandt dem, der blev stimuleret til at udvide deres teknik for at skabe effekter, som kameraet ikke kunne indfange.

• Francisco de Goya, Karl IV af Spanien og hans familie, 1800-1801

• Jean Auguste Dominique Ingres, portræt af Napoleon på sin kejserlige trone, 1806, Musée de l’Armée, Paris

• Gustave Courbet, portræt af Charles Baudelaire, 1848

• Pierre-Auguste Renoir, Portræt af Alfred Sisley, 1868

• James Abbott McNeill Whistler, Arrangement i grå og sort: The Artist’s Mother (1871) populært kendt som Whistlers mor

• Edgar Degas, Portræt af frøken Cassatt, siddende, med kort i hånden, 1876-1878

• John Singer Sargent, Portræt af Robert Louis Stevenson, 1887

• Paul Gauguin, Solblomstermaleren, Portræt af Vincent van Gogh, 1888

• Vincent van Gogh, Portræt af doktor Gachet, (første udgave), 1890

20. århundredeRediger

Portræt af Gertrude Stein, 1906, Metropolitan Museum of Art, New York City. Da nogen kommenterede, at Stein ikke lignede sit portræt, svarede Picasso: “Det kommer hun til”.

Andre kunstnere fra begyndelsen af det 20. århundrede udvidede også portrætrepertoiret i nye retninger. Fauvisten Henri Matisse fremstillede kraftfulde portrætter ved hjælp af ikke-naturalistiske, endog skrigende, farver til hudtoner. Cézanne brugte stærkt forenklede former i sine portrætter og undgik detaljer, mens han lagde vægt på farvesammenfald. Østrigske Gustav Klimts unikke stil anvendte byzantinske motiver og guldmaling til sine mindeværdige portrætter. Hans elev Oskar Kokoschka var en vigtig portrætmaler for den wieneriske overklasse. Den spanske kunstner Pablo Picasso malede mange portrætter, herunder flere kubistiske portrætter af sine elskerinder, hvor motivets lighed er groft forvrænget for at opnå et følelsesmæssigt udtryk, der går langt ud over grænserne for normal karikatur. En fremragende kvindelig portrætmaler fra begyndelsen af det 20. århundrede, der var forbundet med den franske impressionisme, var Olga Boznańska (1865-1940), og de ekspressionistiske malere leverede nogle af de mest hjemsøgende og overbevisende psykologiske studier, der nogensinde er blevet produceret. Tyske kunstnere som Otto Dix og Max Beckmann skabte bemærkelsesværdige eksempler på ekspressionistiske portrætter. Beckmann var en produktiv selvportrætmaler og lavede mindst syvogtyve selvportrætter. Amedeo Modigliani malede mange portrætter i sin langstrakte stil, der nedvurderede det “indre menneske” til fordel for strenge studier af form og farve. For at hjælpe med at opnå dette nedtonede han de normalt udtryksfulde øjne og øjenbryn til det punkt, hvor de blev sorte slidser og enkle buer.

Britisk kunst var repræsenteret af vorticisterne, som malede nogle bemærkelsesværdige portrætter i den tidlige del af det 20. århundrede. Dada-maleren Francis Picabia udførte adskillige portrætter på sin unikke måde. Tamara de Lempickas portrætter indfangede desuden med succes art deco-æraen med sine strømlinede kurver, rige farver og skarpe vinkler. I Amerika var Robert Henri og George Bellows i 1920’erne og 1930’erne fine portrætmalere fra den amerikanske realistiske skole. Max Ernst skabte et eksempel på et moderne kollegieportræt med sit maleri All Friends Together fra 1922.

Et væsentligt bidrag til udviklingen af portrætmaleriet i 1930-2000 blev ydet af russiske kunstnere, der hovedsageligt arbejdede i traditionerne for realistisk og figurativt maleri. Blandt dem bør nævnes Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov m.fl.

Portrætproduktionen i Europa (undtagen Rusland) og Amerika faldt generelt i 1940’erne og 1950’erne som følge af den stigende interesse for abstraktion og nonfigurativ kunst. En undtagelse var dog Andrew Wyeth, der udviklede sig til den førende amerikanske realistiske portrætmaler. Hos Wyeth er realismen, selv om den er åbenlys, sekundær i forhold til tonekvaliteterne og stemningen i hans malerier. Dette demonstreres rammende med hans skelsættende serie af malerier kendt som “Helga”-billederne, den største gruppe af portrætter af en enkelt person af nogen større kunstner (247 studier af hans nabo Helga Testorf, påklædt og nøgen, i varierende omgivelser, malet i perioden 1971-1985).

I 1960’erne og 1970’erne var der en genoplivning af portrætmaleriet. Engelske kunstnere som Lucian Freud (barnebarn af Sigmund Freud) og Francis Bacon har produceret stærke malerier. Bacons portrætter er bemærkelsesværdige for deres mareridtsagtige kvalitet. I maj 2008 blev Freuds portræt Benefits Supervisor Sleeping fra 1995 solgt på auktion af Christie’s i New York City for 33,6 millioner dollars, hvilket satte verdensrekord for salgsværdien af et maleri af en nulevende kunstner.

Mange nutidige amerikanske kunstnere, såsom Andy Warhol, Alex Katz og Chuck Close, har gjort det menneskelige ansigt til et centralt punkt i deres værker.

Warhol var en af de mest produktive portrætmalere i det 20. århundrede. Warhols maleri Orange Shot Marilyn af Marilyn Monroe er et ikonisk tidligt eksempel på hans arbejde fra 1960’erne, og Orange Prince (1984) af popsangeren Prince er et senere eksempel, der begge udviser Warhols unikke grafiske portrætstil.

Close’s speciale var enorme, hyperrealistiske “hoved”-portrætter i vægstørrelse baseret på fotografiske billeder. Jamie Wyeth fortsætter i sin far Andrew’s realistiske tradition og fremstiller berømte portrætter, hvis emner spænder fra præsidenter til grise.

• Henri Matisse, Den grønne stribe, portræt af Madame Matisse, 1905

• Olga Boznańska, Selvportræt, 1906, Nationalmuseet i Warszawa

• Umberto Boccioni, Selvportræt, 1906

• Gustav Klimt, Portræt af Adele Bloch-Bauer I, 1907

• Pablo Picasso, Portræt af Daniel-Henry Kahnweiler, 1910, The Art Institute of Chicago

• Juan Gris, Portræt af Pablo Picasso, 1912

• Amedeo Modigliani, Portræt af Chaim Soutine, 1916

• Boris Grigoriev, portræt af Vsevolod Meyerhold, 1916

• Boris Kustodiev, Kapitsa og Semyonov, 1921