Kunst, Design und Fotografie sind in vielerlei Hinsicht miteinander verbunden. Viele der Grundsätze und Prinzipien, die wir in der Fotografie tagtäglich anwenden, wurden uns von den großen Meistern der Malerei und Kunst überliefert.

Die Grundprinzipien des Designs sind das perfekte Beispiel. Diese Ideen werden seit Hunderten von Jahren von Zeichnern und Malern verwendet. Grafikdesigner studieren sie und wenden sie auf ihre gesamte Arbeit an. Und, ob sie sich dessen bewusst sind oder nicht, auch Fotografen nutzen sie ständig. Die Designprinzipien gelten nicht nur für die Fotografie, sondern auch für die Marketingkommunikation. Bei der Erstellung einer erfolgreichen Website für ein Fotoportfolio werden diese Gestaltungsprinzipien beispielsweise ebenfalls angewandt.

Verständnis der Gestaltungsprinzipien

Zu den sieben Grundprinzipien gehören die folgenden:

• Balance
• Raum
• Betonung
• Bewegung
• Kontrast
• Muster oder Wiederholung
• Einheit oder Harmonie

Diese Prinzipien gibt es schon so lange, wie Künstler die reale Welt auf zweidimensionale Leinwandstücke übertragen. Im Gegensatz zu Malern erschaffen Fotografen die Objekte, die wir aufnehmen, nicht physisch. Die Übertragung von der dreidimensionalen Welt auf eine zweidimensionale Leinwand ist jedoch die gleiche. Und das ist der schwierigste Aspekt jeder Kunstform.

Die 7 Gestaltungsprinzipien in der Fotografie

Diese sieben Prinzipien wirken zusammen und beeinflussen sich gegenseitig. Keines von ihnen schließt sich gegenseitig aus, und viele von ihnen sind auf andere angewiesen, um ihre Wirkung zu entfalten. In ihrer Gesamtheit bilden sie die Grundlage für den Erfolg eines Bildes.

Tipp: Denken Sie jedes Mal, wenn Sie ein neues Foto aufnehmen, an diese Gestaltungsprinzipien. Mit etwas Übung werden Ihnen diese Prinzipien zur zweiten Natur werden.

Balance

Balance ist ein Gestaltungselement, das für die meisten Menschen ziemlich leicht zu erkennen ist, auch wenn sie nicht direkt darüber nachdenken. Ein Bild, das nicht im Gleichgewicht ist, wirkt schief.

Die Elemente auf dem Foto haben ein visuelles Gewicht. Dabei geht es nicht nur darum, wie viel Platz ein Gegenstand im Bild einnimmt oder wie groß er ist. Das visuelle Gewicht eines Objekts ergibt sich aus vielen Faktoren, einschließlich seiner Größe, Form, Farbe und seines Kontrasts.

Wenn Sie ein Bild von zwei identischen schwarzen Kugeln fotografieren würden, wie könnten Sie sie ins Gleichgewicht bringen? Man könnte das Bild in der Mitte des Rahmens perfekt symmetrisch gestalten, so dass jede Hälfte des Bildes eine der Kugeln enthält. Das wäre ein perfektes Beispiel für symmetrisches Gleichgewicht. Das ist ein Grund, warum Symmetrie in der Fotografie so angenehm ist.

Aber was wäre, wenn einer der Bälle weiter von Ihnen entfernt wäre, als Sie das Foto gemacht haben? Dann würde sie im Bild kleiner erscheinen, und es wäre schwieriger, das Bild auszubalancieren. Man kann es nicht symmetrisch ausbalancieren, also muss man eine andere Technik anwenden. Sie können es immer noch ausbalancieren, aber der Trick besteht darin, den Abstand zwischen den Kugeln zu verändern. Indem du die kleinere Kugel weiter von der größeren entfernst, erhält sie mehr Gewicht. Die gleiche Technik gilt, wenn die Bälle unterschiedliche Farben haben.

Stellen Sie sich vor, die Teile Ihres Bildes befänden sich auf einer Wippe auf einem Schulhof. Zwei unterschiedlich große Kinder können die Wippe ins Gleichgewicht bringen, aber sie müssen den Abstand zum Drehpunkt verändern. Genau so kann man scheinbar unausgewogene Gegenstände im Rahmen verschieben, um das Bild auszugleichen.

Raum

Raum ist entweder positiv oder negativ. Der positive Raum ist mit Objekten gefüllt, während der negative Raum leer ist. Viele Menschen bezeichnen den negativen Raum als weißen Raum, aber er ist nicht unbedingt weiß. Es handelt sich lediglich um einen Raum, der kein wesentliches Element enthält, wie z. B. ein leeres Meer in einer Meereslandschaft oder ein blauer Himmel in einer Landschaft. Diese Bereiche des Fotos sind dennoch wichtig – sie tragen dazu bei, ein Gleichgewicht zu den belebten, positiven Bereichen zu schaffen.

Betonung

Betonung bedeutet, wie dominant etwas auf dem Foto ist. Es gibt viele Tricks, um ein Objekt dominanter erscheinen zu lassen, aber der Grundgedanke der Betonung ist, dass das, was Sie in Ihrem Bild hervorheben wollen, von den Betrachtern gesehen und verstanden wird. Designer verwenden Tricks wie größere Schriftgrößen oder fette, verschiedenfarbige Schriftarten, um etwas zu verdeutlichen.

Wir können einige der anderen Gestaltungsprinzipien in der Fotografie nutzen, um das Gewünschte zu betonen. Kontrast, Raum, Muster, Bewegung und Ausgewogenheit können Ihnen dabei helfen, Ihr Thema zur wichtigsten Botschaft zu machen, die der Betrachter mitnimmt.

Bewegung

Im Design und in der Fotografie bezieht sich Bewegung darauf, wie der Betrachter das Foto ansieht, wenn er sich ihm zum ersten Mal nähert. Welchen Weg nimmt das Auge des Betrachters, und ist es der Weg, den der Fotograf beabsichtigt hat?

Eines der besten Werkzeuge ist die Verwendung von Führungslinien, um den Betrachter zu führen und auf wichtige Dinge hinzuweisen. Auch der Weißraum und die Bildbalance sind wichtige Hilfsmittel. In ihrer grundlegendsten Form sind die Drittelregel und die Goldene Spirale Kompositionswerkzeuge, die dem Fotografen helfen, die gewünschte Bewegung innerhalb des Bildes zu erzielen.

Kontrast

Kontrast gibt es in der Fotografie in zwei Formen. Er kann mit Tönen dargestellt werden, wobei helle Bereiche mit dunklen kontrastieren. Er kann auch mit Farben dargestellt werden, wobei Farben, die sich auf dem Farbkreis gegenüberliegen, miteinander kontrastieren. Zum Beispiel kontrastiert Blau mit Orange.

Kontrast ist ein wertvolles Hilfsmittel für Fotografen, um ihre Motive hervorzuheben. Wenn ein Foto im gesamten Bild zu viel Kontrast aufweist, verwirrt es den Betrachter eher. Ist der Kontrast zu gering, sieht der Betrachter möglicherweise nicht, was er sehen soll – nichts wird ausreichend hervorgehoben.

Raum kann ebenfalls verwendet werden, um einem Bild Kontrast zu verleihen. Ein leerer weißer Raum kann einen Kontrast zum Motiv oder einer Motivgruppe bilden. Die Leere kann die Betonung verstärken.

Muster oder Wiederholungen

Immer wenn sich ein Element in einem Bild wiederholt, entsteht ein Muster. Muster sind wichtig, weil das menschliche Auge und der Verstand ganz natürlich nach ihnen suchen. Sie ziehen uns an und wecken unser Interesse an einem Thema. Muster sind jeden Tag überall um uns herum, so dass wir daran gewöhnt sind, sie zu sehen.

Das Hinzufügen von Mustern in Ihre Fotografie ist in der Regel genauso einfach, wie sie überhaupt erst einmal zu bemerken. Muster werden häufig in der Architektur verwendet, und überall, wo man mit von Menschenhand geschaffenen Objekten zu tun hat, sieht man Muster.

Und natürlich hat die Art und Weise, wie Sie Ihr Bild einrahmen, einen großen Einfluss auf das Muster. Wenn Sie die anderen Gestaltungsprinzipien anwenden, um das Muster dominanter zu machen, wird es den Betrachter umso mehr anziehen.

Einheit oder Harmonie

Die Einheit einer Komposition ist, wie gut alles zusammenpasst. Das bedeutet nicht, dass sie fade und langweilig sein muss. Es bedeutet nur, dass alles zusammengehört und dass, wenn ein Element fehl am Platz ist, dies vom Fotografen beabsichtigt war. Ein perfektes Beispiel dafür ist die Unordnung im Hintergrund. Wenn das Bild die Unordnung zeigt, ist die Unordnung unglaublich. Wenn das Bild aber ein Modell zeigt, das im Raum posiert, dann lenkt die Unordnung nur ab.

Schlussfolgerung

Die sieben Gestaltungsprinzipien in der Fotografie sind wichtig, auch wenn man nicht sofort an sie denkt, wenn man die Kamera zückt. Mit ein wenig Übung werden Sie schnell erkennen, wie Sie damit nicht nur Ihre Fotografie, sondern auch Ihr Branding und Ihre Marketingkommunikation verbessern können, um Ihr Fotogeschäft auszubauen.