Die 10 berühmtesten Gemälde aller Zeiten! Jedes Jahr werden Millionen von Euro von Kunstsammlern ausgegeben, die die begehrtesten Gemälde der Welt besitzen wollen. Doch die teuersten Gemälde sind nicht unbedingt die berühmtesten Gemälde. Die bekanntesten von ihnen befinden sich in der Regel in den Händen von Museen und werden nur sehr selten verkauft, so dass sie buchstäblich unbezahlbar sind. Hier finden Sie die Top 10 der berühmtesten Gemälde aller Zeiten.

Die Geburt der Venus

Die Geburt der Venus ist ein Gemälde des italienischen Malers Sandro Botticelli. Es hängt in der Galerie der Uffizien in der italienischen Stadt Florenz. Das Gemälde ist mit Tempera auf Leinwand gemalt und misst 172,5 cm mal 278,5 cm. Es zeigt die Göttin Venus, die sich als reife Frau aus dem Meer erhebt, wie in der griechischen Mythologie beschrieben. Der Name des Werks stimmt jedoch nicht ganz mit dem dargestellten Ereignis überein, denn der Legende nach wurde Venus aus dem Meeresschaum geboren. Dieses Bild zeigt jedoch ihre Ankunft auf Zypern, auf einer Muschel stehend. In der klassischen Antike war eine Muschel eine Metapher für eine Vagina. Die Pose von Botticellis Venus erinnert an die Venus de Medici, eine antike Marmorskulptur aus der Sammlung der Medici, die Botticelli studiert hatte. Ein Detail des Gemäldes wird als Bild auf einer der italienischen Euromünzen verwendet.

Wasserlilien

Die Wasserlilien sind viele verschiedene impressionistische Gemälde von Wasserlilien des französischen Künstlers Claude Monet. Monet ließ in den 1890er Jahren in seinem Atelier in Giverny einen bunten Garten mit Teich anlegen, um sein geliebtes Motiv bei jedem Wetter (halb im Freien) malen zu können. Er musste nicht mehr so viel reisen und war mehr zu Hause bei seiner Frau und seinen Kindern. Monet malte viele verschiedene Variationen zu diesem Thema. Allein in der Zeit von 1899-1900 schuf er 18 verschiedene Seerosenbilder.

In der Zeit von 1914-1926 schuf Monet eine Reihe von riesigen Wandtafeln mit Seerosen für das Musée de l’Orangerie in den Tuilerien in Paris (siehe Bild oben). Da Monet am Ende seines Lebens wahrscheinlich weitgehend erblindet war, hat er diese so genannten Reflexlandschaften (Landschaften ohne explizite Darstellung von Himmel oder Horizont) wohl hauptsächlich aus dem Gedächtnis gemalt. Er schenkte diese Werke seinem guten Freund Paul Clemenceau. Clemenceau hatte Monet dazu angeregt, weiter zu malen, während seine Visionen nachließen. Monet schenkte die Werke als „Tribut an den Frieden“. Die Gemälde waren lange Zeit für die Öffentlichkeit unzugänglich, sind jetzt aber wieder die wichtigsten Ausstellungsstücke des kürzlich renovierten Museums.

Die Nachtwache

Die Nachtwache ist das bekannteste Gemälde und Meisterwerk von Rembrandt van Rijn und ist in der Ehrengalerie des Rijksmuseums zu sehen. Rembrandt malte es zwischen 1639 und 1642. Der offizielle Name lautet: Die Kompanie von Hauptmann Frans Banning Cocq und Leutnant Willem van Ruytenburgh macht sich zum Ausmarsch bereit. Dieses Werk, ein Milizstück, wurde als Gruppenbildnis von einer Kompanie der Gilde in Auftrag gegeben. Es wurde wahrscheinlich um 1796/1797 erstmals als ‚Die Nachtwache‘ bezeichnet. Nach Ernst van de Wetering ist das Werk in gewisser Weise misslungen.

Der Wert des Gemäldes lässt sich nicht in Geld ausdrücken. Es ist unverkäuflich und stand nie zum Verkauf. Die Milizkompanie, die Rembrandt damals beauftragte, war eine städtische Institution, und Die Nachtwache ist seither im Besitz der Stadt Amsterdam, als Dauerleihgabe an das Rijksmuseum.

Der Schrei

Der Schrei ist der Name von vier Gemälden und einer Lithographie von Edvard Munch aus dem Jahr 1893. Die Originalversion des Schreis von 1893 hängt im Nationalen Kunstmuseum (Nasjonalgalleriet) in Oslo. Es gilt als das bewegendste Gemälde von Munch. Es drückt das seelische Leiden und die emotionale Belästigung aus, die der Maler in bestimmten Phasen seines Lebens empfunden hat. Munch war ein Vorläufer des Expressionismus, eines Stils, der Gefühle ausdrücken wollte. Der Schrei ist ein psychisches Selbstporträt von Edvard Munch. Es ist ein Gemälde, das auf seiner eigenen traumatischen Erfahrung beruht.

Eines Abends ging Edvard Munch mit Freunden zurück in die Stadt Oslo. Auf einer Brücke hielten sie an. Während seine Freunde weitergingen, blieb Edvard stehen, ergriffen von der Landschaft und dem Himmel mit der untergehenden Sonne. Er hörte und fühlte die Landschaft um sich herum schreien. Er fühlte sich kraftlos und deprimiert. Dieses Ereignis beeindruckte ihn so sehr, dass er es später auf Leinwand festhielt.

6. Das Mädchen mit dem Perlenohrring

Das Mädchen mit dem Perlenohrring ist ein Gemälde aus den Jahren 1665-1667 des niederländischen Meisters Johannes Vermeer. In den letzten Jahren ist das Mädchen mit dem Perlenohrring zu Vermeers beliebtestem Gemälde geworden. Das Werk befindet sich im Besitz des Mauritshuis in Den Haag. Keines von Vermeers Modellen wurde jemals identifiziert, und das gilt auch für dieses Mädchen. Eine mögliche Kandidatin ist seine älteste Tochter Maria, die damals zwölf, dreizehn Jahre alt war.

Das dargestellte Mädchen trägt einen blauen Turban mit einem gelben, fallenden Tuch. Die Kopfbedeckung kontrastiert mit der bräunlich gelben Jacke mit dem weißen Kragen. Die Perle hebt sich ab, eine großartige Schöpfung aus Licht und Schatten und ausgefransten Rändern. Mit zwei Pinselstrichen setzte Vermeer oben links einen hellen Lichtakzent und unten eine Spiegelung des weißen Kragens. Angesichts ihrer Größe handelt es sich eher um einen gläsernen, lackierten „Tropfenohrring“ als um eine natürliche Perle. Es scheint, als ob das Mädchen mit ihrem ungehemmten Blick den direkten Kontakt zum Betrachter sucht, als ob sie von ihm überrascht worden wäre. Mit ihrem halb geöffneten Mund erweckt sie den Eindruck, als wolle sie etwas sagen. Ihre feuchten, hochroten Lippen verleihen ihr ein sinnliches Aussehen.

5. Guernica

Guernica ist ein Gemälde von Pablo Picasso aus dem Jahr 1937, benannt nach dem Ort Guernica im spanischen Baskenland. Anlass für das Gemälde ist die Bombardierung von Guernica durch die Faschisten unter Francisco Franco, um den Widerstand der Republikaner zu brechen. Das Gemälde mit seinen gewaltigen Ausmaßen von 3,49 m Höhe und 7,76 m Breite ist eines der eindrucksvollsten und umstrittensten Werke Picassos.

Das Gemälde zeigt die Stadt während der Bombardierung. Dabei gibt es auf dem Gemälde viel zu sehen. Ein Pferd stürmt in Panik in ein Haus. Auf der rechten Seite stürzt jemand vom brennenden Dach und eine Mutter weint um ihr totes Kind. Pablo Picasso wollte mit dem Gemälde das Chaos während eines Bombenangriffs darstellen. Auch der Hintergrund ist durcheinander, es gibt keinen Unterschied zwischen innen und außen. Die Menschen rennen in Panik aus ihren Häusern.

Das Gemälde ist mit Linien und Flächen in Schwarz, Weiß und Grau gemalt, um den Krieg auszudrücken. Es handelt sich nicht um ein realistisches Gemälde. Pablo Picasso versuchte, das Gefühl während der Bombardierung zu vermitteln, nicht wie es aussah. Im Vordergrund des Bildes steht ein Mann mit einem zerbrochenen Schwert. Ein Symbol für einen toten Soldaten. Das Pferd drückt die Angst aus und ist das Symbol für die unschuldigen Opfer des Krieges. Die Mutter mit dem toten Kind symbolisiert die Trauer um die Gefallenen. Die Lampe im Gemälde symbolisiert die Explosion und die Bombardierung in Guernica.

Die Erschaffung Adams

Die Erschaffung Adams ist Teil des Freskos im Gewölbe der Sixtinischen Kapelle in der Vatikanstadt, das Michelangelo um 1511 malte. Das Werk ist die Darstellung der biblischen Geschichte aus dem Buch Genesis, in der Gottvater Adam das Leben einhaucht. Von den Fresken zur Genesis in der Sixtinischen Kapelle ist es chronologisch gesehen das vierte Bild der Geschichte. Michelangelo vollendete dieses Fresko als eines der letzten der Serie. Das Werk misst 4,8 mal 2,3 Meter.

Das letzte Abendmahl

Das letzte Abendmahl ist ein Fresko von Leonardo da Vinci, das im Auftrag des Herzogs Ludovico Sforza im Refektorium der Santa Maria delle Grazie (ein Dominikanerkloster in Mailand) gemalt wurde. Es stellt eine Szene aus dem letzten Abendmahl Jesu dar, wie es in der Bibel beschrieben wird, und basiert auf Johannes 13, 21-26, in dem Jesus ankündigt, dass einer seiner zwölf Jünger ihn verraten wird. Das Gemälde ist weltweit bekannt und das Arrangement ist ein ikonografisches Modell. Da es nicht bewegt werden kann, befand es sich nie in Privatbesitz. In Übereinstimmung mit anderen Abendmahlsdarstellungen dieser Zeit hat Leonardo die Konvention übernommen, alle Personen während des Abendessens an einer Seite des Tisches darzustellen, so dass keiner der Anwesenden von hinten angeschaut wird. Er weicht jedoch in bemerkenswerter Weise von dieser Konvention ab, indem er auch Judas dort zwischen den anderen Jüngern platziert, während Judas normalerweise den anderen Aposteln gegenüber auf der anderen Seite des Tisches platziert wurde. Ein anderer Brauch war es, alle Jünger mit Ausnahme von Judas mit einem Heiligenschein zu versehen.

Leonardo hat sich jedoch für eine realistischere und dramatischere Wirkung entschieden, indem er niemanden mit einem Heiligenschein versieht, sondern Judas zurückgelehnt im Schatten zeigt. Er schafft auch ein realistisches und psychologisches Bild, in dem er zu erklären versucht, warum Judas und Jesus gleichzeitig das Brot nehmen, kurz nachdem Jesus die Vorhersage des Verrats gemacht hat. Jesus wird so dargestellt, als würde er Thomas und Jakobus zu seiner Linken etwas sagen, die schockiert sind, weil Jesus auf ein Stück Brot für sie zeigt. Durch das Gespräch zwischen Johannes und Petrus abgelenkt, streckt Judas seine Hand nach einem anderen Stück Brot aus, dem Jesus seine rechte Hand entgegenstreckt. Alle perspektivischen Linien und auch das Licht fallen auf Jesus.

Die sternenklare Nacht

Die sternenklare Nacht ist ein Gemälde des niederländischen post-impressionistischen Malers Vincent van Gogh. Es gehört zur ständigen Sammlung des Museum of Modern Art in New York City. Das Werk (Öl auf Leinwand) misst 73 mal 92 cm. Es gilt als das Meisterwerk des Malers. Ab 1888 malte Van Gogh mehrere Werke, die der Sternennacht ähneln. Er nannte diese Studie seine Studie des Sternenhimmels. Im Jahr 1888 malte er zum Beispiel die Sternennacht über der Rhone, die diesem Gemälde sehr ähnlich ist. Vincent van Gogh malte die Sternennacht, als er sich im Juni 1889 im Krankenhaus Saint-Paul-de-Mausole in Saint-Rémy-de-Provence aufhielt. Er fertigte auch eine Reihe von Federzeichnungen mit demselben Thema an. Mitte September schickt er die Sternennachtbilder an seinen Bruder in Paris.

Das Gemälde ist eine Nachtszene mit gelben Sternen über einer kleinen Stadt mit Hügeln. Es ist ein Blick von einem imaginären Punkt über ein Dorf mit Kirchturm und links eine flammende Zypresse und rechts Olivenbäume vor den Hügeln. Van Gogh verwendete Delacroix für die Verwendung von Komplementärfarben. Das Gemälde wird oft mit den Worten Vincent van Goghs in Verbindung gebracht: „Warum, so frage ich mich, sind die leuchtenden Punkte am Himmel nicht so leicht zu erreichen wie die schwarzen Punkte auf der Landkarte Frankreichs? So wie wir im Zug nach Tarascon oder Rouen saßen, benutzen wir den Tod, um zu den Sternen zu reisen. „Van Gogh malte das Bild in einer Zeit, in der er einen starken Drang zur Religion verspürte. Danach verfiel er in eine Depression.

Mona Lisa

Die Mona Lisa ist ein Gemälde von Leonardo da Vinci, das zwischen 1503 und 1507 entstand. Die verwendete Technik ist Öl auf Tafel (Pappelholz). Es handelt sich um das Porträt einer Dame, wahrscheinlich Lisa Gherardini, der dritten Frau von Francesco del Giocondo. Das Porträt befindet sich in der Dauerausstellung des Louvre in Paris und ist eines der wenigen Werke, die mit Sicherheit von Leonardo selbst stammen. Es ist wahrscheinlich eines der berühmtesten Kunstwerke der Welt, das Gemälde wird täglich von etwa 20.000 Menschen besucht.

Das Lächeln der Mona Lisa ist so ziemlich das Markenzeichen des Gemäldes, wie das Hermelin (eigentlich ein weißes Frettchen), das für das andere berühmte Gemälde von Leonardo Die Dame mit dem Hermelin, das Porträt von Cecilia Gallerani, steht. Man hätte das Gemälde genauso gut Die Dame mit dem Lächeln nennen können, und das spiegelt sich auch im italienischen Namen wider, denn La Gioconda bedeutet eigentlich die Glückliche, die Glückliche. Leonardo macht diese Idee des Glücklichseins, des Beglücktseins zum zentralen Thema seines Gemäldes, auch wenn es keine überschwängliche Fröhlichkeit ist, die Dame wirkt zufrieden und glücklich. Es gibt Dutzende von Theorien über das Lächeln, eine extravaganter als die andere. Es reicht vom Lächeln einer glücklichen Schwangeren bis hin zum Symptom der unterschiedlichsten Krankheiten. Eine Software, die anhand des Gesichtsausdrucks Emotionen erkennen sollte, erkannte darin zu 83% Glück.