Eine Übersicht über die ikonischsten und wichtigsten Schmuckdesigner des 20. Jahrhunderts ist mit den gleichen subjektiven Fallstricken behaftet wie jede andere Zusammenstellung von Kunst. Ist zum Beispiel Magrittes „Der Verrat der Bilder“ bei einer Bewertung von Gemälden der Moderne als künstlerische Ikone wichtiger oder weniger wichtig als etwa Duchamps „Akt auf der Treppe Nr. 2“? Und so ist es auch beim Schmuck: Bei einer kurzen Liste von Designern können vernünftige Menschen über die Verdienste von Gérard Sandoz streiten – schließlich wurde seine Karriere als Edelsteinkünstler durch ein zweites Leben als Schauspieler unterbrochen.
Deshalb ist es wichtig sicherzustellen, dass jeder, der eine solche Liste von Größen kuratiert, qualifiziert ist, sich zu äußern. Und Lee Siegelson kennt sich mit Edelsteinen aus. Der Juwelier in dritter Generation hat Jahre damit verbracht, Vintage-Stücke in Galerie-Qualität zu bewerten, zu sammeln und zu verkaufen – vom Büro der Marke in der Fifth Avenue in Manhattan aus. Louis, Lees Großvater, gründete das Unternehmen 1920 in Brooklyn und spezialisierte sich ursprünglich auf die Reparatur von Uhren. In den 1940er Jahren – mit der Hilfe seines Sohnes Herman (Lees Vater) – schwenkte Siegelson um und begann, sich mehr auf Vintage-Schmuck zu konzentrieren. Im Laufe der Zeit trug er einen spektakulären Bestand an einzigartigen Designs zusammen. Die Siegelson-Kollektion zählt in der internationalen Schmuckszene zu den angesehensten. Bis heute wurden viele Stücke an Museen verkauft oder ausgestellt, darunter das New Yorker Cooper Hewitt und das Smithsonian.
Wer könnte uns also besser durch die 10 kultigsten und einflussreichsten Designer des letzten Jahrhunderts führen als Lee Siegelson selbst? Der Experte gibt einen prägnanten Crashkurs in Schmuckgeschichte – von Calder bis Van Cleef – und erklärt, was jeden Künstler auszeichnet. Außerdem: Welche ungewöhnliche Brosche war Jeanne Boivins Lieblingsstück? Was hat das Design von Flugzeugen mit den Stücken von Jean Després zu tun? Glauben Sie uns, Sie werden ein paar dieser unterhaltsamen Perlen für Ihre nächste Dinnerparty einstecken wollen.
Lee Siegelson stellt auf einer Kunstmesse aus. Foto: Courtesy Siegelson
Suzanne Belperron
Suzanne Belperron ist die bedeutendste Schmuckdesignerin aller Zeiten. Sie schuf eine ikonische Ästhetik mit kühnen, geschwungenen Designs, die sofort als Belperron erkennbar sind. Sie ist dafür bekannt, dass sie ihre Stücke nicht signiert und sagt: „Mein Stil ist meine Signatur.“ Und damit hat sie absolut Recht.
Belperron war dafür bekannt, dass sie ungewöhnliche geschnitzte Hartsteinmaterialien wie Rosenquarz, Bergkristall und Chalcedon als Befestigungsmaterial für Armbänder und Ringe verwendete. In ihren Werkstätten schuf sie auch komplizierte Steinfassungen für Stücke, die eine große und vielfältige Anzahl von Steinschnitten enthielten. Jede Fassung musste von Hand angefertigt werden, damit sie zu den einzelnen Steinen passte.
Dieses Latzcollier ist ein ikonisches Belperron-Design, das aus einem Feld unregelmäßiger, eiförmiger Rubine besteht, die mit Diamanten durchsetzt sind und alle in Platin gefasst sind. Obwohl die Rubine und Diamanten scheinbar wahllos verstreut sind, wurden sie vom Designer mit großer Sorgfalt platziert, so wie ein impressionistischer Maler Farbtropfen verstreuen würde, um ein schöneres Ganzes zu schaffen. Das Ergebnis ist ein herrlich flüssiges Gefühl.
Belperron wurde und wird von Modedesignern, Redakteuren und Trägern von Haute Couture absolut verehrt. Ihre Stücke wurden von Daisy Fellowes, Elsa Schiaparelli, Diana Vreeland, der Herzogin von Windsor und Karl Lagerfeld gesammelt, um nur einige zu nennen. Sie ist die begehrteste Designerin für Menschen, die verstehen, dass Kleidung und Schmuck Kunst sein können.
Art Moderne Rubin- und Diamant-Latzhalskette von Suzanne Belperron, Paris, um 1945. Foto: Courtesy Siegelson
Boivin
Jeanne Boivin (die Direktorin von Boivin nach dem Tod ihres Mannes im Jahr 1917) gehörte zu den Königinnen der Mode und des Schmucks. Sie war eine weibliche Direktorin des renommierten Juwelierhauses und die Schwester von Paul Poiret, dem Modeschöpfer, der mit seinen bahnbrechenden Entwürfen in den 1910er und 1920er Jahren die Mode für immer veränderte. Jeanne gab Suzanne Belperron den Startschuss und arbeitete auch mit Juliette Moutard zusammen. Gemeinsam schufen die drei Frauen einige der bedeutendsten Schmuckstücke, die jemals entworfen wurden, mit einem starken skulpturalen Stil, der sich meist an der Natur orientiert.
Die Seestern-Brosche ist der absolute Höhepunkt des Boivin-Designs, und Jeanne sagte sogar, dass diese Brosche ihr Lieblingsstück sei. Dieses Schmuckstück wurde von Claudette Colbert gekauft, dem bekanntesten Hollywood-Star der 1930er Jahre nach ihrem Oscar-Gewinn für „It Happened One Night“. Auf einem historischen Foto ist sie mit dieser Brosche abgebildet.
Millicent Rogers besaß eine spätere Version, die in der Vogue abgebildet war. Der Boivin-Seestern wurde zwischen 1937 und 1945 sogar viermal in der Vogue abgebildet, so oft wie nie zuvor in einer Zeitschrift, die in Sachen Mode ganz vorne mit dabei war.
Der Claudette Colbert-Seestern: Eine Seesternbrosche in Rubin und Amethyst, entworfen von Juliette Moutard für René Boivin, Paris, 1937. Foto: Courtesy Siegelson
Cartier
Cartier hat mehr großartige Stücke geschaffen als jeder andere Juwelier – in der Tat definieren seine Designs oft eine bestimmte Epoche oder einen bestimmten Stil. Es gibt kein Material und keinen Stein, den Cartier nicht beherrschte. Die Dynastie der Cartier-Familie umspannte ein Jahrhundert und produzierte von erschwinglichen silbernen Tischstücken bis hin zu exquisiten, einzigartigen Schmuckkreationen für Maharadschas und europäische Könige.
Cartier stellte die besten Werkstätten und Designer ein und gab ihnen Zugang zu einer umfangreichen Bibliothek von Kunstbüchern und persischen Miniaturen, um sich zu inspirieren. Dieses Armband wäre von einem Top-Kunden gekauft worden. Es ist sowohl in der Konstruktion als auch im Design exquisit. Der schwarze Lack macht die Form modern, während das dreiblättrige Design eine Anspielung auf exotische Dekorationsstile darstellt. Die grünen Smaragde heben sich deutlich von der ansonsten strengen Schwarz-Weiß-Palette ab, und die glänzenden Perlen sind exquisite Endstücke. Nur Cartier konnte dieses Stück herstellen, und wenn Sie es in der Hand halten, können Sie sehen, dass nichts fehl am Platz ist, es ist ein perfekt durchdachtes und exquisites Stück.
Art Deco Diamant, Naturperle, Smaragd und Onyx Armreif von Cartier, um 1925. Foto: Courtesy Siegelson
Van Cleef & Arpels
Van Cleef & Arpels ist bekannt für absolut elegante Konfektionen. Sie zeichneten sich vor allem durch ungewöhnliche Steinschliffe und Designinnovationen wie die unsichtbare Fassung, die Minaudiere und das Reißverschlusscollier aus. Besonders schöne Stücke fertigte das Unternehmen mit einem Marquise-Schliff, den sie Navette nannten. Dieses Collier mit Diamantfransen zeigt, wie gekonnt VCA verschiedene Steinschliffe übereinanderlegte, um die Geometrie der Steine zu betonen und eine atemberaubende Konstruktion zu schaffen, die elegant und luxuriös ist und sich heute modern und tragbar anfühlt.
Platin- und Diamantcollier von Van Cleef & Arpels, Paris, 1948. Foto: Courtesy Siegelson
Boucheron
Seit ihrer Gründung im Jahr 1858 erhielt Boucheron auf internationalen Ausstellungen Aufmerksamkeit für ihre durchdachten, schönen und kühnen Designs. Für die Pariser Weltausstellung der dekorativen Künste und der Industrie von 1925 entwarf das Unternehmen ein komplettes Designschema, zu dem auch ein Gehäuse aus rosa Chagrin gehörte, das mit für die Ausstellung entworfenen geometrischen Mustern verziert war. (Das Armband, das sich im Besitz von Siegelson befindet, verfügt über die einzige noch erhaltene Schatulle.)
Dieses Armband, eines der bedeutendsten Schmuckstücke, das je hergestellt wurde, wurde für die Pariser Ausstellung von 1925 entworfen. Stephen Harrison, Kurator für dekorative Kunst am Cleveland Museum of Art, sagte: „Boucheron schuf ein außergewöhnliches Armband aus innovativem Osmium, besetzt mit Cabochon-Rubinen, Saphiren und Smaragden, die wie im Wasser schwimmende Blasen angeordnet sind.“ Das revolutionäre Design dieses Schmuckstücks beruht auf der geometrischen Anordnung der Steine, die von Diamanten umgeben sind, die über die Oberfläche des Armbands zu gleiten scheinen und sich unter den Diamantrand der Platten schieben. Schwarze emaillierte Stäbe, die diagonal angeordnet sind, bilden eine dramatische Folie für die farbigen Edelsteine.
Art Deco Diamant-, Emaille- und Edelsteinarmband von Boucheron. Ausgestellt auf der Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, Paris 1925. Foto: Courtesy Siegelson
Gérard Sandoz
Gérard Sandoz fertigte seine fantastischen Schmuckstücke nur für kurze Zeit auf dem Höhepunkt des Art Déco, von 1920-1931. Er war ein charmanter, rastloser Charakter, der dafür bekannt war, dass er gerne Partys im Maxim’s feierte und schließlich das Familienunternehmen der Schmuckherstellung zugunsten einer bescheidenen Filmkarriere verließ.
Der Schmuck, den er herstellte, ist eine absolut reine Erforschung geometrischer Formen in verschiedenen Materialien, Farben und Ausführungen, die sich zu einer komplexen, geschichteten Form verbinden. Es gibt nichts Vergleichbares.
Sandoz selbst sagte: „Es ist möglich, sehr schönen Schmuck einfach mit Gold zu machen und Schrecken mit Strömen von Diamanten zu schaffen.“
Diese Brosche, in deren Zentrum ein Platinstab steht, der durch ein spitz zulaufendes Goldrechteck mit Gold- und Onyx-„Zähnen“ wie bei einem Zahnrad verläuft, ist direkt von den Maschinen inspiriert, die Sandoz liebte. Das zentrale Element ist auf einem Hintergrund aus gefrostetem Bergkristall auf einem Dreieck aus gepflasterten Diamanten geschichtet. Mit dieser meisterhaften Brosche kehrte Sandoz die übliche Reihenfolge der Materialien in einem Schmuckstück um, bei dem normalerweise die wertvollsten Steine im Vordergrund stehen und das Metall lediglich als Fassung dient. Bei dieser Brosche verwendet Sandoz die Diamanten als Hintergrund, während das polierte Gold das zentrale Element darstellt. Das Ergebnis ist ein ikonisches und bedeutendes Design-Meisterwerk.
Geometrische Brosche im Art déco-Stil von Gérard Sandoz, Paris, um 1927. Foto: Courtesy Siegelson
Jean Després
Després, der in eine Juweliersfamilie hineingeboren wurde und dessen Erfahrungen als Flugzeugkonstrukteur während des Zweiten Weltkriegs ihn für immer prägten, beeinflusste die Entwicklung des Schmuckdesigns mit seinen sorgfältig entworfenen, von Maschinen inspirierten Stücken, die als „bijoux-moteurs“ bekannt sind.
Dieses Armband von Després ist ein ikonisches Beispiel für das Design der Art Moderne, das kraftvolle Schlichtheit mit maschinell inspiriertem Design verbindet. Das Design erinnert an die Zähne eines massiven Zahnrads, während sich das Armband verjüngt, um sich der Verjüngung des Handgelenks anzupassen. Diese subtile Designanpassung unterstreicht, dass diese massive Manschette dazu bestimmt ist, getragen zu werden, und, wie auf einem zeitgenössischen Foto zu sehen ist, elegant am Handgelenk sitzt.
Art Modernes Silber- und Schwarzlackarmband von Jean Després, Paris, um 1931. Ausgestellt auf dem Salon d’Automne, Paris, 1931. Photo: Courtesy Siegelson
Jean Dunand
Jean Dunand ist einer der bedeutendsten Art-Déco-Designer, der für seine Lackmöbel, Dekorationsobjekte und Schmuckstücke bekannt ist. Er wurde angeheuert, um ganze Luxuszimmer auf fabelhaften Ozeandampfern wie der Normandie zu lackieren.
Da Dunand sowohl Porträts als auch dekorative Kunst und Schmuck schuf, enthielten seine Porträts oft Beispiele seiner Arbeit. Ein berühmtes und exquisites Porträt seiner Mentorin Madame Agnes wurde kürzlich versteigert, auf dem sie eine einzelne Giraffenhalskette trägt. Die Giraffe ist eine Ikone für Dunand und steht für einen bestimmten Moment in den 1920er Jahren, als die Designer begannen, sich von der klassischen Verwendung luxuriöser Materialien zu einem moderneren Design wegzubewegen.
Ein ähnliches Modell wurde für Josephine Baker angefertigt und von ihr getragen, die Dunands Muse war; sie ist auf einem berühmten Foto mit dem Set (und wenig anderem) zu sehen.
Kürzlich kehrte sie von einer großen Ausstellung, The Jazz Age: American Style in the 1920s, im Cooper Hewitt und Cleveland Museum of Art, ist dies das größte bekannte Set mit insgesamt sechs Teilen. Es handelt sich um ein größeres Exemplar als die Exemplare im Besitz des Museé de Arts Decoratifs und des Metropolitan Museum of Art. Dies ist das größte Set, das wahrscheinlich jemals auf dem Markt zu sehen sein wird.
Roter und schwarzer Lack und Oréum-Set von drei „Giraffen“-Halsketten und drei Armbändern von Jean Dunand, Paris, um 1927. Ausgestellt in The Jazz Age: American Style in the 1920s im Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, New York. Photo: Mit freundlicher Genehmigung von Siegelson
Paul Flato
Paul Flato war der ursprüngliche Juwelier der Stars und bediente die Crème de la Crème von Hollywood. Er gründete sein Unternehmen 1928 in New York City und eröffnete 1937 ein Geschäft in Los Angeles. Sein figurativer Stil, der oft an Humor grenzte, erreichte in den 1930er Jahren seinen Höhepunkt, als Adolph Kleaty, George Headley und Fulco, Herzog von Verdura, Stücke für ihn entwarfen. Flato entwarf Federn, Hände, die Blumen hielten, und Broschen, die wie Schatztruhen voller Juwelen aussahen, aber mit Schwung.
In seinen Salons verkehrten Joan Crawford, Marlene Dietrich und Vivien Leigh sowie die großen Stars Douglas Fairbanks, Laurence Olivier und Orson Welles. Seine Schmuckstücke wurden von Katherine Hepburn in Holiday, Greta Garbo in Two Faced Woman und Rita Hayward in Blood and Sand getragen.
Für dieses Collier verwandelte Verdura einen gewöhnlichen Gebrauchsgegenstand, einen Gürtel, in ein aufsehenerregendes Collier aus Aquamarinen und Rubinen. Das war eine bemerkenswerte Leistung in einer Zeit, in der die meisten Schmuckstücke Blumen oder geometrische Muster aufwiesen. Die Halskette ist so gestaltet, dass es aussieht, als sei der Gürtel geknotet, so dass sie sowohl mittig als auch seitlich getragen werden kann, wie es 1944 in der Vogue der Fall war.
Die Cole Porter Halskette: Ein Gürtel aus Aquamarinen und Rubinen mit einer Halskette mit Schnalle, entworfen von Fulco, Herzog von Verdura, für Paul Flato, New York, um 1935. Photo: Courtesy Siegelson
Alexander Calder
Alexander Calder ist vor allem für seine fein ausbalancierten Mobiles und Skulpturen bekannt, die sich auf Luft oder Berührung hin bewegen, doch Schmuck war sein persönlichstes und beständigstes Medium. Jedes vom Künstler handgefertigte Stück war eine einzigartige Kombination aus seiner Hammerarbeit und der Ästhetik und Anmut seiner großformatigen Werke. Calders Schmuck, unkonventionell und doch raffiniert, wurde von angesagten Kunstsammlern wie Peggy Guggenheim, Mary Rockefeller und Millicent Rogers gesammelt.
Diese aus Messingdraht gefertigte Brosche zeigt den gleichen Sinn für Bewegung wie seine Mobiles und die Geometrie und Dynamik seiner Lithografien, in denen er oft wiederholte, ineinandergreifende Kreise erforschte.
Elisabeth Agro, Kuratorin der Calder-Schmuckausstellung, sagte über den Schmuck: „Raum. Es geht darum, den Raum zu besetzen. Und er sieht den Körper einfach als ein erdendes Element für diesen anderen Aspekt seiner Arbeit. Nicht, dass der Körper im Weg wäre – der Körper ist ein Teil dieses größeren Kunstwerks, wenn man es anlegt.“
Brosche „Sechs Kreise“ aus Messing und Stahl von Alexander Calder, New York, um 1940. Photo: Courtesy: Siegelson