Antike WeltBearbeiten

Römisch-ägyptisches Begräbnisporträt einer Frau

Die Wurzeln der Porträtmalerei liegen wahrscheinlich in prähistorischer Zeit, obwohl heute nur wenige dieser Werke erhalten sind. In der Kunst der alten Zivilisationen des Fruchtbaren Halbmonds, insbesondere in Ägypten, gibt es zahlreiche Darstellungen von Herrschern und Herrschern als Götter. Die meisten dieser Darstellungen waren jedoch stark stilisiert und meist im Profil, meist auf Stein, Metall, Ton, Gips oder Kristall. Die ägyptische Porträtmalerei legte zumindest bis zur Zeit Echnatons im 14. Jahrhundert v. Chr. relativ wenig Wert auf das Abbild. Die Porträtmalerei von Persönlichkeiten in China geht wahrscheinlich auf das Jahr 1000 v. Chr. zurück, obwohl aus dieser Zeit keine Porträts erhalten sind. Vorhandene chinesische Porträts reichen bis etwa 1000 n. Chr. zurück, legten aber erst einige Zeit danach großen Wert auf das Bildnis.

Aus literarischen Zeugnissen wissen wir, dass die griechische Malerei Porträts umfasste, die oft sehr genau waren, wenn man den Lobpreisungen der Schriftsteller Glauben schenken darf, aber es sind keine gemalten Beispiele erhalten. Skulpturierte Köpfe von Herrschern und berühmten Persönlichkeiten wie Sokrates sind in gewisser Anzahl erhalten und zeigen ebenso wie die individualisierten Büsten hellenistischer Herrscher auf Münzen, dass die griechische Porträtmalerei ein gutes Abbild erreichen konnte und dass die Porträtierten, zumindest die literarischen Figuren, mit relativ wenig Schmeichelei dargestellt wurden – die Porträts von Sokrates zeigen, warum er den Ruf hatte, hässlich zu sein. Die Nachfolger Alexanders des Großen begannen mit der Praxis, seinen Kopf (als vergöttlichte Figur) auf ihren Münzen abzubilden, und benutzten bald auch ihre eigenen Münzen.

Die römische Porträtkunst übernahm die Porträttraditionen sowohl von den Etruskern als auch von den Griechen und entwickelte eine sehr starke Tradition, die sowohl mit der religiösen Verwendung von Ahnenporträts als auch mit der römischen Politik zusammenhing. Auch hier sind die wenigen gemalten Überreste in den Porträts von Fayum, dem Grab der Aline und dem Tondo von Severa, die alle aus Ägypten unter römischer Herrschaft stammen, eindeutig provinzielle Produktionen, die eher griechische als römische Stile widerspiegeln, aber wir haben eine Fülle von gemeißelten Köpfen, darunter viele individualisierte Porträts aus bürgerlichen Gräbern und Tausende von Münzporträts.

Die größte Gruppe gemalter Porträts sind die Grabmalereien, die im trockenen Klima des ägyptischen Fayum-Distrikts überlebt haben (siehe Abbildung unten) und aus dem 2. bis 4. Jahrhundert n. Chr. stammen. Jh. n. Chr. Es sind fast die einzigen Gemälde aus der römischen Periode, die neben den Fresken erhalten geblieben sind, obwohl aus den Schriften von Plinius dem Älteren bekannt ist, dass die Porträtmalerei in griechischer Zeit sehr verbreitet war und sowohl von Männern als auch von Frauen ausgeübt wurde. Zu seiner Zeit beklagte Plinius den Niedergang der römischen Porträtkunst: „Die Porträtmalerei, die durch die Jahrhunderte hindurch das genaue Abbild der Menschen überlieferte, ist völlig erloschen… Die Trägheit hat die Künste zerstört.“ Diese Ganzgesichtsporträts aus dem römischen Ägypten sind glückliche Ausnahmen. Sie zeigen einen einigermaßen realistischen Sinn für Proportionen und individuelle Details (auch wenn die Augen im Allgemeinen überdimensioniert sind und das künstlerische Können von Künstler zu Künstler sehr unterschiedlich ist). Die Porträts aus Fayum wurden mit Wachs- und Harzfarben (Enkaustik) oder mit Tempera auf Holz oder Elfenbein gemalt und in die Mumienhülle eingefügt, um bis in alle Ewigkeit mit dem Körper zusammenzubleiben.

Während die freistehende Porträtmalerei in Rom abnahm, blühte die Kunst des Porträts in der römischen Bildhauerei auf, wo die Auftraggeber Realismus verlangten, auch wenn er wenig schmeichelhaft war. Im 4. Jahrhundert dominierte das skulpturale Porträt, das sich zugunsten eines idealisierten Symbols des Aussehens dieser Person zurückzog. (Man vergleiche die Porträts der römischen Kaiser Konstantin I. und Theodosius I.) In der Spätantike nahm das Interesse an einem individuellen Bildnis erheblich ab, und die meisten Porträts auf spätrömischen Münzen und Konsulatsdiptychen sind kaum noch individualisiert, obwohl die frühchristliche Kunst zur gleichen Zeit ziemlich standardisierte Bilder für die Darstellung Jesu und anderer wichtiger Figuren in der christlichen Kunst, wie Johannes dem Täufer und dem Heiligen Petrus, entwickelt hat.

MittelalterBearbeiten

Das kleine private Wilton-Diptychon für Richard II. von England, um 1400, mit gestempelten Goldhintergründen und viel Ultramarin.

Die meisten frühmittelalterlichen Porträts waren Stifterporträts, zunächst vor allem von Päpsten in römischen Mosaiken und illuminierten Handschriften, zum Beispiel ein Selbstporträt der Schriftstellerin, Mystikerin, Wissenschaftlerin, Buchmalerin und Musikerin Hildegard von Bingen (1152). Wie bei den zeitgenössischen Münzen gab es kaum Versuche, ein Abbild zu schaffen. Steinerne Grabmäler verbreiteten sich in der Romanik. Zwischen 1350-1400 tauchen in Fresken und Tafelbildern wieder weltliche Figuren auf, wie in Meister Theoderichs Lehnsempfang für Karl IV., und Porträts werden wieder zu eindeutigen Abbildern.

Um die Jahrhundertwende tauchen in Burgund und Frankreich die ersten Ölporträts zeitgenössischer Personen auf, die auf kleinen Holztafeln gemalt sind, zunächst als Profile, dann in anderen Ansichten. Das Wilton-Diptychon von ca. 1400 ist eines von zwei erhaltenen Tafelbildern von Richard II. von England, dem frühesten englischen König, für den wir zeitgenössische Beispiele haben.

Am Ende des Mittelalters, im 15. Jahrhundert, war die altniederländische Malerei der Schlüssel zur Entwicklung des individualisierten Porträts. Zu den Meistern gehörten u.a. Jan van Eyck, Robert Campin und Rogier van der Weyden. Eher kleine, weniger als halb lebensgroße Tafelbilder wurden in Auftrag gegeben, und zwar nicht nur von Persönlichkeiten des Hofes, sondern auch von Personen, die aufgrund ihrer relativ schlichten Kleidung als wohlhabende Städter erscheinen. Auch die Miniaturen in illuminierten Handschriften enthielten individualisierte Porträts, meist des Auftraggebers. In religiösen Gemälden begannen Porträts von Stiftern als Anwesende gezeigt zu werden oder an den dargestellten sakralen Hauptszenen teilzunehmen, und in privateren Hofbildern traten die Dargestellten sogar als bedeutende Figuren wie die Jungfrau Maria auf.

• Robert Campin (um 1375 – 1444), Porträt einer jungen Frau (zusammen mit ihrem Mann), 1430-1435. Van der Weydens Stil basiert auf dem von Campin.

• Arnolfini Porträt, von Jan van Eyck, 1434

• Rogier van der Weyden, Bildnis einer Dame, um. 1460

• Eines der frühesten freistehenden Selbstporträts, Jean Fouquet, um. 1450

RenaissanceEdit

Albrecht Dürer, Selbstbildnis, 1500

Teilweise aus Interesse an der Natur und teilweise aus Interesse an den klassischen Kulturen des antiken Griechenlands und Roms, Porträts – sowohl gemalt als auch gemeißelt – wurden in der Gesellschaft der Renaissance eine wichtige Rolle zugewiesen und als Objekte sowie als Darstellungen von irdischem Erfolg und Status geschätzt. Die Malerei im Allgemeinen erreichte ein neues Niveau an Ausgewogenheit, Harmonie und Einsicht, und die größten Künstler (Leonardo, Michelangelo und Raffael) galten als „Genies“ und stiegen weit über den Status eines Handwerkers zu geschätzten Dienern des Hofes und der Kirche auf.

In dieser fruchtbaren Zeit entstanden viele Neuerungen in den verschiedenen Formen der Porträtmalerei. Es begann die Tradition der Porträtminiatur, die bis zum Zeitalter der Fotografie populär blieb und sich aus den Fähigkeiten der Miniaturmaler in illuminierten Handschriften entwickelte. Profilporträts, die von antiken Medaillons inspiriert sind, waren in Italien zwischen 1450 und 1500 besonders beliebt. Medaillen mit ihren zweiseitigen Abbildungen inspirierten auch eine kurzlebige Mode für zweiseitige Gemälde zu Beginn der Renaissance. Klassische Skulpturen wie der Apollo Belvedere beeinflussten auch die Wahl der Posen, die von den Porträtisten der Renaissance verwendet wurden, und die auch heute noch verwendet werden. Leonardos Ginevra de‘ Benci (um 1474-8) ist eines der ersten bekannten Porträts in Dreiviertelansicht in der italienischen Kunst.

Nordeuropäische Künstler waren führend bei realistischen Porträts von weltlichen Personen. Der größere Realismus und die Detailtreue der nordischen Künstler im 15. Jahrhundert waren zum Teil auf die feineren Pinselstriche und Effekte zurückzuführen, die mit Ölfarben möglich waren, während die italienischen und spanischen Maler noch mit Temperafarben arbeiteten. Zu den ersten Malern, die die Öltechnik entwickelten, gehörte Jan van Eyck. Mit Ölfarben lassen sich mehr Texturen und Schichtdicken erzeugen, und man kann sie effektiver schichten, indem man immer dickere Schichten übereinander aufträgt (von Malern als „Fett über Mager“ bezeichnet). Außerdem trocknen Ölfarben langsamer, was es dem Künstler ermöglicht, Änderungen vorzunehmen, z. B. die Details im Gesicht zu verändern. Antonello da Messina war einer der ersten Italiener, der sich die Vorteile der Ölmalerei zunutze machte. Ausgebildet in Belgien, ließ er sich um 1475 in Venedig nieder und hatte großen Einfluss auf Giovanni Bellini und die norditalienische Schule. Im 16. Jahrhundert verbreitete sich das Öl als Medium in ganz Europa und ermöglichte prächtigere Darstellungen von Kleidung und Schmuck. Die Qualität der Bilder wurde auch durch die Umstellung von Holz auf Leinwand beeinflusst, die Anfang des 16. Jahrhunderts in Italien begann und sich im Laufe des nächsten Jahrhunderts in Nordeuropa ausbreitete. Leinwand ist rissfester als Holz, hält Pigmente besser und muss weniger vorbereitet werden, war aber anfangs viel knapper als Holz.

Schon früh gaben die Nordeuropäer das Profil auf und begannen, Porträts mit realistischem Volumen und Perspektive zu schaffen. In den Niederlanden war Jan van Eyck ein führender Porträtist. Die Arnolfini-Hochzeit (1434, National Gallery, London) ist ein Meilenstein der abendländischen Kunst, ein frühes Beispiel für ein ganzfiguriges Paarporträt, das in satten Farben und mit exquisiten Details gemalt ist. Aber ebenso wichtig ist, dass es die von van Eyck neu entwickelte Technik der Ölmalerei zeigt, die die Kunst revolutionierte und sich in ganz Europa verbreitete.

Hans Holbein der Jüngere, Porträt von Sir Thomas More, 1527

Zu den führenden deutschen Porträtmalern gehören Lucas Cranach, Albrecht Dürer und Hans Holbein der Jüngere, die alle die Technik der Ölmalerei beherrschten. Cranach war einer der ersten Künstler, der lebensgroße Porträts in voller Länge malte, eine Tradition, die sich von da an durchsetzte. Zu dieser Zeit gab es in England keine Porträtmaler ersten Ranges, und Künstler wie Holbein waren bei den englischen Mäzenen sehr gefragt. Sein Gemälde von Sir Thomas More (1527), seinem ersten bedeutenden Mäzen in England, hat fast den Realismus einer Fotografie. Holbein hatte seinen großen Erfolg mit der Malerei der königlichen Familie, darunter Heinrich VIII. Dürer war ein hervorragender Zeichner und einer der ersten bedeutenden Künstler, der eine Reihe von Selbstporträts anfertigte, darunter auch ein Ganzgesichtsbild. Er platzierte sein Selbstporträt (als Betrachter) auch in mehreren seiner religiösen Gemälde. Dürer begann im Alter von dreizehn Jahren mit der Anfertigung von Selbstporträts. Später setzte Rembrandt diese Tradition fort.

In Italien war Masaccio der Wegbereiter für die Modernisierung des Freskos, indem er eine realistischere Perspektive einführte. Filippo Lippi ebnete den Weg, indem er schärfere Konturen und geschwungene Linien entwickelte, und sein Schüler Raffael erweiterte den Realismus in Italien in den folgenden Jahrzehnten mit seinen monumentalen Wandgemälden auf ein viel höheres Niveau. In dieser Zeit wurde auch das Verlobungsporträt populär, eine besondere Spezialität von Lorenzo Lotto. In der Frührenaissance waren die Porträtgemälde im Allgemeinen klein und manchmal mit schützenden Deckeln versehen, die mit Scharnieren oder Schiebern versehen waren.

In der Renaissance wünschte sich vor allem der florentinische und Mailänder Adel realistischere Darstellungen seiner selbst. Die Herausforderung, überzeugende Ganz- und Dreiviertelansichten zu schaffen, regte zu Experimenten und Innovationen an. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi und Leonardo da Vinci und andere Künstler erweiterten ihre Technik entsprechend und fügten den traditionellen religiösen und klassischen Themen Porträtdarstellungen hinzu. Leonardo und Pisanello gehörten zu den ersten italienischen Künstlern, die ihren weltlichen Porträts allegorische Symbole hinzufügten.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa oder La Gioconda, 1503-1505/1507

Eines der bekanntesten Porträts der westlichen Welt ist Leonardo da Vincis Gemälde mit dem Titel Mona Lisa, benannt nach Lisa del Giocondo, einem Mitglied der Familie Gherardini aus Florenz und der Toskana und der Ehefrau des wohlhabenden Florentiner Seidenhändlers Francesco del Giocondo. Das berühmte „Lächeln der Mona Lisa“ ist ein hervorragendes Beispiel für die Anwendung einer subtilen Asymmetrie in einem Gesicht. In seinen Notizbüchern gibt Leonardo Ratschläge zu den Qualitäten des Lichts in der Porträtmalerei:

Ein sehr hoher Grad an Anmut in Licht und Schatten wird den Gesichtern derjenigen hinzugefügt, die in den Türen dunkler Räume sitzen, wo die Augen des Betrachters den schattigen Teil des Gesichts sehen, der durch die Schatten des Raums verdeckt wird, und den beleuchteten Teil des Gesichts mit dem größeren Glanz sehen, den die Luft ihm verleiht. Durch diese Verstärkung der Schatten und des Lichts erhält das Gesicht ein größeres Relief.

Leonardo war ein Schüler von Verrocchio. Nachdem er Mitglied der Malergilde geworden war, begann er, unabhängige Aufträge anzunehmen. Aufgrund seiner weitreichenden Interessen und seines wissenschaftlichen Verstandes ist sein Output an Zeichnungen und Vorstudien immens, während sein fertiges künstlerisches Werk relativ klein ist. Zu seinen weiteren denkwürdigen Porträts gehören die der Adeligen Ginevra de‘ Benci und Cecilia Gallerani.

Raphaels überlieferte Auftragsporträts sind weitaus zahlreicher als die von Leonardo und weisen eine größere Vielfalt an Posen, Beleuchtung und Technik auf. Raphael brachte keine revolutionären Neuerungen hervor, sondern verstärkte und verfeinerte die sich entwickelnden Strömungen der Renaissancekunst. Er war ein besonderer Experte für das Gruppenporträt. Sein Meisterwerk Die Schule von Athen ist eines der bedeutendsten Gruppenfresken, in dem Leonardo, Michelangelo, Bramante und Raffael selbst in der Gestalt antiker Philosophen dargestellt sind. Es war nicht das erste Gruppenporträt von Künstlern. Jahrzehnte zuvor hatte Paolo Uccello ein Gruppenporträt mit Giotto, Donatello, Antonio Manetti und Brunelleschi gemalt. Mit seinem Aufstieg wurde Raffael zu einem beliebten Porträtisten der Päpste. Während viele Künstler der Renaissance eifrig Porträtaufträge annahmen, lehnten einige Künstler diese ab, vor allem Raffaels Rivale Michelangelo, der stattdessen die großen Aufträge für die Sixtinische Kapelle annahm.

In Venedig dominierten um 1500 Gentile Bellini und Giovanni Bellini die Porträtmalerei. Sie erhielten die höchsten Aufträge von den führenden Beamten des Staates. Bellinis Porträt des Dogen Loredan gilt als eines der schönsten Porträts der Renaissance und demonstriert die Beherrschung der neuen Techniken der Ölmalerei. Bellini ist auch einer der ersten Künstler in Europa, der seine Werke signierte, obwohl er sie selten datierte. Später im 16. Jahrhundert übernahm Tizian eine ähnliche Rolle, indem er vor allem die Vielfalt der Posen und Sitze seiner königlichen Untertanen erweiterte. Tizian war vielleicht der erste große Kinderporträtist. Nach Tizian wurden Tintoretto und Veronese zu führenden venezianischen Künstlern, die den Übergang zum italienischen Manierismus unterstützten. Die Manieristen steuerten viele außergewöhnliche Porträts bei, die den Reichtum der Materialien und die eleganten, komplexen Posen betonten, wie die Werke von Agnolo Bronzino und Jacopo da Pontormo. Bronzino wurde durch die Darstellung der Familie Medici berühmt. Sein gewagtes Porträt von Cosimo I. de‘ Medici zeigt den strengen Herrscher in einer Rüstung und mit einem wachsamen Blick zu seiner extremen Rechten, was in scharfem Kontrast zu den meisten königlichen Gemälden steht, die ihre Darsteller als gütige Herrscher zeigen. El Greco, der zwölf Jahre lang in Venedig ausgebildet wurde, schlug nach seiner Ankunft in Spanien eine noch extremere Richtung ein und betonte seine „innere Vision“ des Porträtierten bis zu dem Punkt, an dem er die Realität der physischen Erscheinung reduzierte. Eine der besten Porträtmalerinnen des 16. Jahrhunderts war Sofonisba Anguissola aus Cremona, die ihren Einzel- und Gruppenporträts eine neue Komplexität verlieh.

Die höfische Porträtmalerei in Frankreich begann, als der flämische Künstler Jean Clouet um 1525 sein opulentes Bildnis von Franz I. von Frankreich malte. König Franz war ein großer Förderer von Künstlern und ein geiziger Kunstsammler, der Leonardo da Vinci einlud, in seinen späteren Jahren in Frankreich zu leben. Die Mona Lisa blieb in Frankreich, nachdem Leonardo dort gestorben war.

• Pisanello, vielleicht Ginevra d’Este, um 1440

• Junger Mann von Sandro Botticelli, um 1483. Eine frühe italienische Ganzgesichtsdarstellung.

• Vielleicht Raffael, um 1518, Isabel de Requesens. Der Stil und das Format der Hochrenaissance waren für spätere große Porträts von großem Einfluss.

• Christiane von Eulenau von Lucas Cranach dem Älteren, 1534

• Lucrezia Panciatichi, von Agnolo Bronzino, 1540

• Papst Paul III. und seine Enkel, Tizian, 1546

• Maarten van Heemskerck (1498-1574), Familie von Pieter Jan Foppesz, vor c.1532, gilt als das erste Familienporträt in der niederländischen Porträtkunst.

• Charles V. von Tizian, 1548, ein bahnbrechendes Reiterporträt.

• Das Armada-Porträt von Elisabeth I. von England, um 1588. Das stilisierte Porträt von Elisabeth I. von England war einzigartig in Europa.

• Porträt eines Kardinals, wahrscheinlich Fernando Niño de Guevara, El Greco, um. 1600

Barock und RokokoBearbeiten

Rembrandt Gruppenbildnis, Die Syndikus der Tuchmacherzunft, 1662.

Im Barock und Rokoko (17. bzw. 18. Jahrhundert) wurden Porträts zu noch wichtigeren Zeugnissen von Status und Stellung. In einer Gesellschaft, die zunehmend von weltlichen Herrschern an mächtigen Höfen dominiert wurde, waren Bilder von üppig gekleideten Figuren ein Mittel, um die Autorität wichtiger Personen zu bekräftigen. Die flämischen Maler Sir Anthony van Dyck und Peter Paul Rubens zeichneten sich durch diese Art von Porträts aus, während Jan Vermeer vor allem Porträts des Bürgertums bei der Arbeit und beim Spiel in Innenräumen schuf. Rubens‘ Porträt von sich und seiner ersten Frau (1609) in ihrer Hochzeitskleidung ist ein virtuoses Beispiel für das Paarporträt. Rubens war nicht nur für seine Kunst berühmt, sondern auch als Höfling, Diplomat, Kunstsammler und erfolgreicher Geschäftsmann. Sein Atelier war eines der umfangreichsten der damaligen Zeit und beschäftigte neben Porträts auch Spezialisten für Stillleben, Landschaften, Tier- und Genreszenen. Van Dyck wurde dort zwei Jahre lang ausgebildet. Karl I. von England beschäftigte zunächst Rubens und holte dann van Dyck als Hofmaler an seinen Hof, schlug ihn zum Ritter und verlieh ihm den Status eines Hofmalers. Van Dyck eignete sich nicht nur Rubens‘ Produktionsmethoden und geschäftliche Fähigkeiten an, sondern auch seine eleganten Manieren und sein Aussehen. Es wurde festgehalten: „Er war immer prächtig gekleidet, hatte eine zahlreiche und galante Equipage und unterhielt eine so edle Tafel in seiner Wohnung, dass nur wenige Prinzen mehr besucht oder besser bedient wurden.“ In Frankreich dominierte Hyacinthe Rigaud als bemerkenswerter Chronist des Königtums, der die Porträts von fünf französischen Königen malte.

Eine der Neuerungen der Renaissancekunst war die verbesserte Wiedergabe von Gesichtsausdrücken, um verschiedene Emotionen zu begleiten. Insbesondere der niederländische Maler Rembrandt erforschte die vielen Ausdrucksformen des menschlichen Gesichts, vor allem als einer der führenden Selbstporträtisten (er malte zu Lebzeiten über 60). Dieses Interesse am menschlichen Gesicht förderte auch die Entstehung der ersten Karikaturen, die der Accademia degli Incamminati zugeschrieben werden, die von Malern der Familie Carracci im späten 16. Jahrhundert in Bologna, Italien, geleitet wurde.

Velázquez, Papst Innozenz X., um 1650, Galerie Doria Pamphilj, Rom.

Gruppenporträts wurden während der Barockzeit in großer Zahl hergestellt, insbesondere in den Niederlanden. Anders als im übrigen Europa erhielten die niederländischen Künstler keine Aufträge von der calvinistischen Kirche, die solche Bilder verboten hatte, oder von der Aristokratie, die praktisch nicht existierte. Stattdessen kamen die Aufträge von bürgerlichen Vereinigungen und Unternehmen. Der holländische Maler Frans Hals belebte seine Gruppenporträts mit flüssigen Pinselstrichen und lebhaften Farben, darunter auch die Porträts der Bürgergarde, der er angehörte. Rembrandt profitierte in hohem Maße von solchen Aufträgen und von der allgemeinen Wertschätzung der Kunst durch bürgerliche Kunden, die sowohl die Porträt- als auch die Stillleben- und Landschaftsmalerei unterstützten. Außerdem blühten zu dieser Zeit in Holland die ersten bedeutenden Kunst- und Händlermärkte.

Die große Nachfrage ermöglichte es Rembrandt, mit unkonventionellen Kompositionen und Techniken wie dem Helldunkel zu experimentieren. Er demonstrierte diese Innovationen, die von italienischen Meistern wie Caravaggio eingeführt worden waren, vor allem in seiner berühmten Nachtwache (1642). Die Anatomiestunde des Dr. Tulp (1632) ist ein weiteres gutes Beispiel für Rembrandts Beherrschung des Gruppenbildes, in dem er den Leichnam in helles Licht taucht, um die Aufmerksamkeit auf das Zentrum des Gemäldes zu lenken, während die Kleidung und der Hintergrund in Schwarz übergehen, wodurch die Gesichter des Chirurgen und der Studenten hervorstechen. Es ist auch das erste Gemälde, das Rembrandt mit seinem vollen Namen signierte.

In Spanien malte Diego Velázquez Las Meninas (1656), eines der berühmtesten und rätselhaftesten Gruppenporträts aller Zeiten. Es setzt dem Künstler und den Kindern der spanischen Königsfamilie ein Denkmal, wobei es sich bei den Dargestellten offenbar um das Königspaar handelt, das nur als Reflexion in einem Spiegel zu sehen ist. Velázquez, der zunächst vor allem als Genremaler tätig war, erlangte als Hofmaler Philipps IV. schnell große Bekanntheit, da er sich in der Kunst der Porträtmalerei auszeichnete und insbesondere die Komplexität von Gruppenporträts ausbaute.

Die Künstler des Rokoko, die sich besonders für reiche und komplizierte Ornamente interessierten, waren Meister des raffinierten Porträts. Ihre Aufmerksamkeit für die Details von Kleidung und Textur steigerte die Wirksamkeit von Porträts als Zeugnisse weltlichen Reichtums, wie François Bouchers berühmte Porträts von Madame de Pompadour in wallenden Seidenkleidern zeigen.

Thomas Gainsborough, The Blue Boy, um 1770, Huntington Library, San Marino, Kalifornien

Ludwig XIV. von Frankreich und seine Familie werden in einem Gemälde von Jean Nocret aus dem Jahr 1670 als römische Götter dargestellt.

Die ersten bedeutenden einheimischen Porträtmaler der britischen Schule waren die englischen Maler Thomas Gainsborough und Sir Joshua Reynolds, die sich auch darauf spezialisierten, ihre Porträtierten auffallend zu kleiden. Gainsboroughs Blue Boy ist eines der berühmtesten und bekanntesten Porträts aller Zeiten. Er malte mit sehr langen Pinseln und dünner Ölfarbe, um den schimmernden Effekt des blauen Kostüms zu erzielen. Gainsborough war auch für seine aufwendigen Hintergrundkulissen für seine Porträtierten bekannt.

Die beiden britischen Künstler hatten gegensätzliche Ansichten über den Einsatz von Assistenten. Reynolds beschäftigte sie regelmäßig (manchmal machte er nur 20 Prozent der Malerei selbst), während Gainsborough dies selten tat. Manchmal verlangte ein Kunde vom Künstler ein Versprechen, so wie Sir Richard Newdegate vom Porträtisten Peter Lely (van Dycks Nachfolger in England), der versprach, dass das Porträt „vom Anfang bis zum Ende mit meinen eigenen Händen gemalt“ werden würde. Im Gegensatz zur Genauigkeit der flämischen Meister fasste Reynolds seine Herangehensweise an die Porträtmalerei mit der Aussage zusammen, dass „die Anmut und, wie wir hinzufügen können, die Ähnlichkeit mehr darin besteht, die allgemeine Stimmung zu erfassen, als die exakte Ähnlichkeit jedes Merkmals zu beachten.“ In England war auch William Hogarth bekannt, der es wagte, gegen die konventionellen Methoden zu verstoßen, indem er seinen Porträts einen Hauch von Humor verlieh. Sein „Selbstbildnis mit Mops“ ist eindeutig mehr eine humorvolle Betrachtung seines Haustiers als ein selbstverliebtes Gemälde.

Im 18. Jahrhundert erlangten Malerinnen neue Bedeutung, insbesondere auf dem Gebiet der Porträtmalerei. Bemerkenswerte Künstlerinnen sind die französische Malerin Élisabeth Vigée-Lebrun, die italienische Pastellmalerin Rosalba Carriera und die Schweizer Künstlerin Angelica Kauffman. Ebenfalls in diesem Jahrhundert, vor der Erfindung der Fotografie, wurden Miniaturporträts, die mit unglaublicher Präzision gemalt und oft in goldene oder emaillierte Medaillons eingeschlossen wurden, hoch geschätzt.

In den Vereinigten Staaten wurde John Singleton Copley, der in der raffinierten britischen Manier geschult war, zum führenden Maler von Porträts in Originalgröße und Miniatur, wobei seine hyperrealistischen Bilder von Samuel Adams und Paul Revere besonders geschätzt wurden. Copley ist auch für seine Bemühungen bekannt, die Porträtmalerei mit der akademischeren Kunst der Historienmalerei zu verschmelzen, was er mit seinen Gruppenporträts berühmter Militärs versuchte. Ebenso berühmt war Gilbert Stuart, der über 1.000 Porträts malte und besonders für seine Präsidentenporträts bekannt war. Stuart malte über 100 Repliken allein von George Washington. Stuart arbeitete schnell und verwendete weichere, weniger detaillierte Pinselstriche als Copley, um das Wesen seiner Porträtierten einzufangen. Manchmal fertigte er für einen Kunden mehrere Versionen an, aus denen der Porträtierte seinen Favoriten auswählen konnte. Stuart, der für seine rosigen Wangenfarben bekannt war, schrieb: „Fleisch ist wie keine andere Substanz unter dem Himmel. Es hat die ganze Fröhlichkeit der Seidenfärberei, ohne deren grellen Glanz, und die ganze Weichheit von altem Mahagoni, ohne dessen Traurigkeit.“ Andere prominente amerikanische Porträtisten der Kolonialzeit waren John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale und Rembrandt Peale.

• Philip IV. in Braun und Silber, Diego Velázquez, 1632

• Sir Kenelm Digby von Anthony Van Dyck, um. 1640

• Rembrandt van Rijn, Porträt von Jan Six, 1654

• Pastell von Madame de Pompadour, Maurice Quentin de La Tour, Mitte des 18. Jahrhunderts

• Thomas Kerrich (1748-1828), von Pompeo Batoni

• John Durand, Die Rapalje Kinder, 1768, New-York Historical Society, New York City

• John Singleton Copley, Paul Revere, 1770

19. JahrhundertBearbeiten

Madame Récamier (1800), in der Blütezeit des Neoklassizismus, Jacques-Louis David

Im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert, Jahrhunderts setzten die Künstler des Neoklassizismus die Tradition fort, ihre Sujets in der neuesten Mode darzustellen, was für Frauen zu dieser Zeit durchsichtige Kleider bedeutete, die sich an den griechischen und römischen Kleidungsstilen der Antike orientierten. Die Künstler nutzten gerichtetes Licht, um die Textur und die einfachen Rundungen von Gesichtern und Gliedmaßen zu definieren. Die französischen Maler Jacques-Louis David und Jean-Auguste-Dominique Ingres bewiesen Virtuosität in dieser zeichnerischen Technik und ein gutes Gespür für Charaktere. Ingres, ein Schüler Davids, ist bekannt für seine Porträts, bei denen ein Spiegel hinter dem Porträtierten gemalt wird, um eine Rückansicht des Porträtierten zu simulieren. Sein Porträt von Napoleon auf seinem kaiserlichen Thron ist eine Meisterleistung der königlichen Porträtkunst. (siehe Galerie unten)

Romantische Künstler, die in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts arbeiteten, malten Porträts von inspirierenden Führern, schönen Frauen und aufgewühlten Personen, wobei sie lebhafte Pinselstriche und dramatische, manchmal stimmungsvolle Beleuchtung verwendeten. Die französischen Künstler Eugène Delacroix und Théodore Géricault malten besonders schöne Porträts dieser Art, vor allem von verwegenen Reitern. Ein bemerkenswertes Beispiel für einen Künstler der polnischen Romantik, der sich mit dem Reiterporträt beschäftigte, war Piotr Michałowski (1800-1855). Erwähnenswert ist auch Géricaults Serie von Porträts von Geisteskranken (1822-1824). Der spanische Maler Francisco de Goya malte einige der eindringlichsten und provokativsten Bilder dieser Zeit, darunter La maja desnuda (um 1797-1800), sowie die berühmten Hofporträts von Karl IV.

Thomas Eakins, The Gross Clinic, 1875

Die realistischen Künstler des 19. Jahrhunderts, wie Gustave Courbet, schufen objektive Porträts, die Menschen aus der Unter- und Mittelschicht zeigen. Als Ausdruck seiner Romantik malte Courbet mehrere Selbstporträts, die ihn in verschiedenen Stimmungen und Ausdrücken zeigen. Zu den französischen Realisten gehört auch Honoré Daumier, der viele Karikaturen seiner Zeitgenossen schuf. Henri de Toulouse-Lautrec hielt einige der berühmten Theaterschauspieler, darunter Jane Avril, in Bewegung fest. Der französische Maler Édouard Manet war ein wichtiger Übergangskünstler, dessen Werk sich zwischen Realismus und Impressionismus bewegt. Er war ein Porträtist von herausragender Einsicht und Technik, wobei sein Gemälde von Stéphane Mallarmé ein gutes Beispiel für seinen Übergangsstil ist. Sein Zeitgenosse Edgar Degas war in erster Linie Realist, und sein Gemälde Porträt der Familie Bellelli ist eine aufschlussreiche Darstellung einer unglücklichen Familie und eines seiner besten Porträts.

In Amerika war Thomas Eakins der führende Porträtmaler, der den Realismus auf eine neue Ebene der Offenheit brachte, insbesondere mit seinen beiden Porträts von Chirurgen bei der Arbeit sowie von Sportlern und Musikern in Aktion. In vielen Porträts, wie dem „Porträt von Mrs. Edith Mahon“, vermittelt Eakins kühn die wenig schmeichelhaften Gefühle von Trauer und Melancholie.

Vincent van Gogh, Selbstporträt, 1887

Die Realisten wichen in den 1870er Jahren weitgehend den Impressionisten. Zum Teil aufgrund ihres geringen Einkommens ließen sich viele Impressionisten von Familienmitgliedern und Freunden modellieren und malten intime Gruppen und Einzelfiguren entweder im Freien oder in lichtdurchfluteten Innenräumen. Die Porträts der Impressionisten sind bekannt für ihre schimmernden Oberflächen und reichen Farbtupfer und sind oft entwaffnend intim und ansprechend. Die französischen Maler Claude Monet und Pierre-Auguste Renoir schufen einige der populärsten Bilder von einzelnen Personen und Gruppen. Die amerikanische Künstlerin Mary Cassatt, die in Frankreich ausgebildet wurde und dort arbeitete, ist bis heute für ihre einnehmenden Gemälde von Müttern und Kindern bekannt, ebenso wie Renoir. Paul Gauguin und Vincent van Gogh, beide Postimpressionisten, malten freizügige, farbenfrohe, aber nicht unbedingt schmeichelhafte Porträts von Menschen, die sie kannten. Sie sind ebenso, wenn nicht sogar noch mehr, für ihre kraftvollen Selbstporträts berühmt.

John Singer Sargent überspannte ebenfalls den Jahrhundertwechsel, aber er lehnte den offenen Impressionismus und Postimpressionismus ab. Er war der erfolgreichste Porträtmaler seiner Epoche, der sich einer meist realistischen Technik bediente, die oft durch den brillanten Einsatz von Farben überbordete. Er war gleichermaßen gut in Einzel- und Gruppenporträts, insbesondere von Familien der Oberschicht. Sargent wurde als Sohn amerikanischer Eltern in Florenz, Italien, geboren. Er studierte in Italien und Deutschland sowie in Paris. Sargent gilt als der letzte große Vertreter der britischen Porträttradition, die mit van Dyck begann. Ein weiterer prominenter amerikanischer Porträtist, der im Ausland ausgebildet wurde, war William Merritt Chase. Die amerikanische Society-Malerin Cecilia Beaux, die als „weiblicher Sargent“ bezeichnet wird, wurde als Tochter eines französischen Vaters geboren, studierte im Ausland und hatte in ihrer Heimat Erfolg, wobei sie an den traditionellen Methoden festhielt. Ein weiterer Porträtist, der wegen seiner üppigen Technik mit Sargent verglichen wurde, war der in Italien geborene Pariser Künstler Giovanni Boldini, ein Freund von Degas und Whistler.

Der in den USA geborene Internationalist James Abbott McNeill Whistler war gut mit europäischen Künstlern vernetzt und malte ebenfalls einige außergewöhnliche Porträts, am bekanntesten ist sein Arrangement in Grau und Schwarz, The Artist’s Mother (1871), auch bekannt als Whistlers Mutter. Wie bei seinen tonigen Landschaften wollte Whistler auch bei seinen Porträts, dass sich der Betrachter auf die harmonische Anordnung von Form und Farbe in seinen Gemälden konzentriert. Whistler verwendete eine gedämpfte Palette, um die beabsichtigte Wirkung zu erzielen, und betonte die Ausgewogenheit der Farben und die weichen Töne. Er sagte: „Wie die Musik die Poesie des Klangs ist, so ist die Malerei die Poesie des Sehens, und der Gegenstand hat nichts mit der Harmonie des Klangs oder der Farbe zu tun.“ Form und Farbe waren auch für Cézannes Porträts von zentraler Bedeutung, während die Porträts von André Derain und Henri Matisse von noch extremeren Farben und Pinselstrichen beherrscht werden.

Die Entwicklung der Fotografie im 19. Jahrhundert hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Porträtmalerei und verdrängte die frühere Camera obscura, die zuvor auch als Hilfsmittel in der Malerei eingesetzt worden war. Viele Modernisten strömten in die Fotostudios, um ihre Porträts anfertigen zu lassen, darunter auch Baudelaire, der die Fotografie zwar als „Feind der Kunst“ bezeichnete, sich aber von ihrer Offenheit und Kraft angezogen sah. Als billige Alternative verdrängte die Fotografie einen Großteil der untersten Ebene der Porträtmalerei. Einige realistische Künstler wie Thomas Eakins und Edgar Degas waren von der Fotografie begeistert und sahen in ihr eine nützliche Hilfe für die Komposition. Von den Impressionisten an fanden die Porträtmaler unzählige Möglichkeiten, das Porträt neu zu interpretieren, um mit der Fotografie zu konkurrieren. Sargent und Whistler gehörten zu denjenigen, die angeregt wurden, ihre Technik zu erweitern, um Effekte zu erzielen, die die Kamera nicht einfangen konnte.

• Francisco de Goya, Karl IV. von Spanien und seine Familie, 1800-1801

• Jean Auguste Dominique Ingres, Porträt von Napoleon auf seinem Kaiserthron, 1806, Musée de l’Armée, Paris

• Gustave Courbet, Porträt von Charles Baudelaire, 1848

• Pierre-Auguste Renoir, Porträt von Alfred Sisley, 1868

• James Abbott McNeill Whistler, Arrangement in Grau und Schwarz: The Artist’s Mother (1871), im Volksmund bekannt als Whistlers Mutter

• Edgar Degas, Porträt von Fräulein Cassatt, sitzend, Karten haltend, 1876-1878

• John Singer Sargent, Porträt von Robert Louis Stevenson, 1887

• Paul Gauguin, Der Maler der Sonnenblumen, Porträt von Vincent van Gogh, 1888

• Vincent van Gogh, Porträt von Doktor Gachet, (erste Fassung), 1890

20. JahrhundertBearbeiten

Porträt von Gertrude Stein, 1906, Metropolitan Museum of Art, New York City. Als jemand bemerkte, dass Stein nicht wie ihr Porträt aussah, antwortete Picasso: „Das wird sie“.

Auch andere Künstler des frühen 20. Jahrhunderts erweiterten das Repertoire der Porträtmalerei in neue Richtungen. Der Fauvist Henri Matisse schuf kraftvolle Porträts, in denen er nicht-naturalistische, sogar grelle Farben für die Hauttöne verwendete. Cézanne setzte in seinen Porträts auf stark vereinfachte Formen, wobei er auf Details verzichtete und Farbkombinationen betonte. Der Österreicher Gustav Klimt verwendete in seinem einzigartigen Stil byzantinische Motive und Goldfarbe für seine einprägsamen Porträts. Sein Schüler Oskar Kokoschka war ein wichtiger Porträtist der Wiener Oberschicht. Der erfolgreiche spanische Künstler Pablo Picasso malte zahlreiche Porträts, darunter mehrere kubistische Darstellungen seiner Mätressen, in denen das Abbild der Dargestellten stark verzerrt ist, um eine emotionale Aussage zu erreichen, die weit über die Grenzen der normalen Karikatur hinausgeht. Eine herausragende weibliche Porträtmalerin an der Wende zum 20. Jahrhundert, die mit dem französischen Impressionismus in Verbindung gebracht wird, ist Olga Boznańska (1865-1940).Expressionistische Maler lieferten einige der eindringlichsten und überzeugendsten psychologischen Studien, die je geschaffen wurden. Deutsche Künstler wie Otto Dix und Max Beckmann schufen bemerkenswerte Beispiele für expressionistische Porträts. Beckmann war ein produktiver Selbstporträtist, der mindestens siebenundzwanzig Bilder schuf. Amedeo Modigliani malte viele Porträts in seinem langgestreckten Stil, der die „innere Person“ zugunsten von strengen Form- und Farbstudien abwertete. Um dies zu erreichen, reduzierte er die normalerweise ausdrucksstarken Augen und Augenbrauen auf geschwärzte Schlitze und einfache Bögen.

Die britische Kunst war durch die Vorticisten vertreten, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts einige bemerkenswerte Porträts malten. Der Dada-Maler Francis Picabia schuf zahlreiche Porträts in seiner einzigartigen Art. Die Porträts von Tamara de Lempicka haben mit ihren stromlinienförmigen Kurven, satten Farben und scharfen Winkeln die Ära des Art déco erfolgreich eingefangen. In Amerika waren Robert Henri und George Bellows hervorragende Porträtisten der 1920er und 1930er Jahre, die zur Schule des amerikanischen Realismus gehörten. Max Ernst schuf mit seinem Gemälde Alle Freunde zusammen von 1922 ein Beispiel für ein modernes kollegiales Porträt.

Einen bedeutenden Beitrag zur Entwicklung der Porträtmalerei von 1930-2000 leisteten russische Künstler, die hauptsächlich in der Tradition der realistischen und figurativen Malerei arbeiteten. Unter ihnen sind Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov und andere zu nennen.

Die Porträtproduktion in Europa (ohne Russland) und Amerika ging in den 1940er und 1950er Jahren allgemein zurück, eine Folge des zunehmenden Interesses an Abstraktion und ungegenständlicher Kunst. Eine Ausnahme bildete jedoch Andrew Wyeth, der sich zum führenden amerikanischen Porträtmaler des Realismus entwickelte. Bei Wyeth ist der Realismus zwar offenkundig, aber zweitrangig gegenüber den tonalen Qualitäten und der Stimmung seiner Bilder. Dies zeigt sich sehr treffend in seiner bahnbrechenden Serie von Gemälden, die als „Helga“-Bilder bekannt sind, der größten Gruppe von Porträts einer einzelnen Person von einem bedeutenden Künstler (247 Studien seiner Nachbarin Helga Testorf, bekleidet und nackt, in verschiedenen Umgebungen, gemalt im Zeitraum 1971-1985).

In den 1960er und 1970er Jahren kam es zu einer Wiederbelebung der Porträtmalerei. Englische Künstler wie Lucian Freud (Enkel von Sigmund Freud) und Francis Bacon haben kraftvolle Gemälde geschaffen. Bacons Porträts zeichnen sich durch ihre alptraumhafte Qualität aus. Im Mai 2008 wurde Freuds Porträt Benefits Supervisor Sleeping aus dem Jahr 1995 bei Christie’s in New York City für 33,6 Millionen Dollar versteigert und stellte damit einen Weltrekord für den Verkaufswert eines Gemäldes eines lebenden Künstlers auf.

Viele zeitgenössische amerikanische Künstler wie Andy Warhol, Alex Katz und Chuck Close haben das menschliche Gesicht zu einem Schwerpunkt ihrer Arbeit gemacht.

Warhol war einer der produktivsten Porträtmaler des 20. Warhols Gemälde Orange Shot Marilyn von Marilyn Monroe ist ein ikonisches frühes Beispiel seiner Arbeit aus den 1960er Jahren, und Orange Prince (1984) des Popsängers Prince ist ein späteres Beispiel, das Warhols einzigartigen grafischen Stil der Porträtmalerei zeigt.

Closes Spezialität waren riesige, hyperrealistische wandgroße „Kopf“-Porträts auf der Grundlage fotografischer Bilder. Jamie Wyeth setzt die realistische Tradition seines Vaters Andrew fort und schuf berühmte Porträts, deren Motive von Präsidenten bis zu Schweinen reichen.

• Henri Matisse, Der grüne Streifen, Porträt von Madame Matisse, 1905

• Olga Boznańska, Selbstporträt, 1906, Nationalmuseum in Warschau

• Umberto Boccioni, Selbstporträt, 1906

• Gustav Klimt, Porträt von Adele Bloch-Bauer I, 1907

• Pablo Picasso, Porträt von Daniel-Henry Kahnweiler, 1910, The Art Institute of Chicago

• Juan Gris, Porträt von Pablo Picasso, 1912

• Amedeo Modigliani, Porträt von Chaim Soutine, 1916

• Boris Grigoriev, Porträt von Vsevolod Meyerhold, 1916

• Boris Kustodiev, Kapitsa und Semyonov, 1921