Un estudio sobre los diseñadores de joyas más icónicos e importantes del siglo XX está plagado de los mismos escollos subjetivos que cualquier otro conjunto de arte. En una valoración de la pintura modernista, por ejemplo, ¿es La traición de las imágenes de Magritte relativamente más o menos importante como icono artístico que, por ejemplo, el Desnudo bajando una escalera nº 2 de Duchamp? Y lo mismo ocurre con las joyas: En una lista corta de diseñadores, las personas razonables pueden discrepar sobre los méritos de Gérard Sandoz; al fin y al cabo, su carrera como artista de las joyas se vio truncada por una segunda vida como actor.
Por eso es importante asegurarse de que cualquier persona que elabore esa lista de grandes esté cualificada para opinar. Y Lee Siegelson ciertamente conoce sus joyas. Este joyero de tercera generación ha pasado años evaluando, coleccionando y vendiendo piezas vintage de calidad de galería desde la oficina de la marca en la Quinta Avenida de Manhattan. Louis, el abuelo de Lee, puso en marcha el negocio en Brooklyn en 1920, especializándose originalmente en la reparación de relojes. En la década de 1940, con la ayuda de su hijo Herman (padre de Lee), Siegelson dio un giro y empezó a centrarse en la joyería vintage. Con el tiempo, acumuló un espectacular inventario de diseños únicos. En la comunidad joyera mundial, la colección Siegelson se encuentra entre las más respetadas. Hasta la fecha, muchas piezas han sido vendidas o expuestas en museos, como el Cooper Hewitt de Nueva York y el Smithsonian.
Entonces, ¿quién mejor que el propio Lee Siegelson para guiarnos por los 10 diseñadores más icónicos e influyentes del último siglo? El experto impartirá un curso intensivo y conciso sobre la historia de la joyería: desde Calder hasta Van Cleef, desglosará lo que hace que cada artista destaque. Además, ¿qué inusual broche era el favorito de Jeanne Boivin? ¿Qué tiene que ver el diseño de aviones con las piezas de Jean Després? Confíe en nosotros, querrá guardarse algunas de estas joyas de conversación para su próxima cena.
Lee Siegelson exponiendo en una feria de arte. Foto: Cortesía de Siegelson
Suzanne Belperron
Suzanne Belperron es la diseñadora de joyas más importante de todos los tiempos. Creó una estética icónica de diseños curvilíneos y atrevidos que son inmediatamente reconocibles como Belperron. De hecho, es conocida por no firmar sus piezas afirmando: «Mi estilo es mi firma». Y tiene toda la razón.
Belperron era conocida por utilizar materiales inusuales de piedra dura tallada como el cuarzo rosa, el cristal de roca y la calcedonia como material de montaje para pulseras y anillos. También impulsó a sus talleres a crear intrincados engastes de piedra para piezas que incluían una gran y variada cantidad de cortes de piedra. Cada montura tenía que ser creada a mano para adaptarse a las piedras individuales.
Este collar babero es un diseño icónico de Belperron compuesto por un campo de rubíes ovoides irregulares intercalados con diamantes, todo ello engastado en bisel en platino. Aunque los rubíes y los diamantes parecen estar dispersos al azar, en realidad fueron colocados con gran cuidado por el diseñador, como un pintor impresionista podría dispersar gotas de pintura para crear un conjunto más hermoso. El resultado es una magnífica sensación de liquidez.
Belperron fue y es absolutamente venerado por los diseñadores de moda, los editores y los usuarios de la alta costura. Sus piezas han sido coleccionadas por Daisy Fellowes, Elsa Schiaparelli, Diana Vreeland, la Duquesa de Windsor y Karl Lagerfeld, por nombrar algunos. Es la diseñadora más buscada por quienes entienden que la ropa y la joyería pueden ser arte.
Collar babero de rubíes y diamantes Art Moderne de Suzanne Belperron, París, alrededor de 1945. Foto: Cortesía de Siegelson
Boivin
Jeanne Boivin (directora de Boivin tras la muerte de su marido en 1917) fue la realeza de la moda y la joyería. Fue directora de la renombrada firma de joyería y hermana de Paul Poiret, el modisto que cambió para siempre la moda con sus innovadores diseños en las décadas de 1910 y 1920. Jeanne dio sus primeros pasos a Suzanne Belperron y también trabajó con Juliette Moutard. Estas tres mujeres crearon juntas algunas de las joyas más importantes jamás diseñadas con un estilo fuertemente escultural basado generalmente en la naturaleza.
El broche de estrella de mar es la cúspide absoluta del diseño de Boivin, y Jeanne llegó a decir que este broche era su favorito. Esta joya fue adquirida por Claudette Colbert, la estrella de Hollywood más reconocida en los años 30 tras ganar el Oscar por «Sucedió una noche». En una fotografía de época aparece con este broche.
Millicent Rogers poseía una versión posterior y fue fotografiada con él en Vogue. La estrella de mar de Boivin apareció cuatro veces en Vogue entre 1937 y 1945, un número inaudito para una revista que estaba a la vanguardia de la moda.
La estrella de mar de Claudette Colbert: Un broche de estrella de mar de rubí y amatista diseñado por Juliette Moutard para René Boivin, París, 1937. Foto: Cortesía de Siegelson
Cartier
Cartier ha creado más grandes piezas que cualquier otro joyero -de hecho, sus diseños a menudo definen una época o un estilo particular. No hay material o piedra que Cartier no domine. La dinastía de la familia Cartier se extendió durante un siglo con una producción que iba desde piezas de mesa de plata asequibles hasta exquisitas creaciones joyeras únicas realizadas para los maharajás y la realeza europea.
Cartier contrató a los mejores talleres y diseñadores y les dio acceso a una amplia biblioteca de libros de arte y miniaturas persas para inspirarse. Este brazalete habría sido adquirido por un cliente de alto nivel. Es exquisito tanto en su construcción como en su diseño. La laca negra hace que la forma sea moderna, mientras que el diseño de tres hojas hace un guiño a los estilos decorativos exóticos. Las esmeraldas verdes resaltan en la paleta de colores blancos y negros, y las perlas brillantes son terminales exquisitas. Sólo Cartier podría haber fabricado esta pieza y, cuando se tiene en la mano, se puede ver que no hay nada fuera de lugar, es una pieza perfectamente considerada y exquisita.
Brazalete Art Decó de diamantes, perlas naturales, esmeraldas y ónix de Cartier, circa 1925. Foto: Cortesía Siegelson
Van Cleef & Arpels
Van Cleef & Arpels es conocido por sus confecciones absolutamente elegantes. Destacó especialmente en el uso de cortes de piedra inusuales e innovaciones de diseño como el engaste invisible, la minaudiere y el collar de cremallera. La empresa realizó piezas especialmente bellas utilizando una talla marquesa que llamaron navette. Este collar con flecos de diamantes muestra la forma experta en que VCA superpuso diversas tallas de piedra para acentuar la geometría de las mismas y crear una construcción impresionante que es elegante y lujosa y se siente moderna y ponible hoy en día.
Collar de platino y diamantes de Van Cleef & Arpels, París, 1948. Foto: Cortesía de Siegelson
Boucheron
Desde sus inicios en 1858, Boucheron recibió la atención en las exposiciones internacionales por sus diseños pensados, bellos y atrevidos. En la Exposition des Arts Décoratifs et Industriels de París de 1925, la empresa creó un esquema de diseño completo que incluía estuches de piel de zapa rosa decorados con diseños geométricos creados para la exposición. (El brazalete propiedad de Siegelson tiene el único estuche que se conoce.)
Este brazalete, una de las piezas de joyería más importantes de la historia, fue creado para la Exposición de París de 1925. Stephen Harrison, conservador de arte decorativo del Museo de Arte de Cleveland, dijo que «Boucheron creó un extraordinario brazalete de innovador osmio engastado con rubíes cabujones, zafiros y esmeraldas, dispuestos como burbujas que flotan en el agua». El revolucionario diseño de esta pieza se centra en la disposición geométrica de las piedras rodeadas de diamantes que parecen deslizarse por la superficie del brazalete, deslizándose bajo el borde diamantado de los paneles. Las varillas esmaltadas de color negro, colocadas en diagonal, proporcionan una espectacular lámina para las piedras preciosas de color.
Pulsera Art Decó de diamantes, esmalte y gemas engastadas de Boucheron. Expuesto en la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925, París. Foto: Cortesía de Siegelson
Gérard Sandoz
Gérard Sandoz fabricó sus fantásticas joyas sólo durante un breve periodo de tiempo en el apogeo del periodo Art Déco, entre 1920 y 1931. Un personaje encantador e inquieto, era conocido por disfrutar de las fiestas en Maxim’s y finalmente dejó el negocio familiar de la joyería por una modesta carrera cinematográfica.
Las joyas que hizo son una exploración absolutamente pura de las formas geométricas en variados materiales, colores y acabados que se combinan para crear una forma compleja en capas. No hay nada parecido.
El propio Sandoz dijo: «Es posible hacer joyas muy bellas simplemente con oro y hacer horrores con ríos de diamantes».
Centrado en una varilla de platino que pasa a través de un rectángulo de oro en pico con «dientes» de oro y ónix, como los de un engranaje, este broche se inspira directamente en las máquinas que Sandoz amaba. El elemento central se superpone a un fondo de cristal de roca esmerilado sobre un triángulo de diamantes pavimentados. En este magistral broche, Sandoz invierte el orden estándar de los materiales en una pieza de joyería fina, que suele presentar las piedras más preciosas, con el metal como mera montura. Aquí, Sandoz utiliza los diamantes como fondo, mientras explota el oro pulido como elemento central. El resultado es una obra maestra de diseño icónica e importante.
Broche geométrico Art Decó de Gérard Sandoz, París, alrededor de 1927. Foto: Cortesía de Siegelson
Jean Després
Nacido en el seno de una familia de joyeros e influenciado para siempre por su experiencia como diseñador de aviones durante la Segunda Guerra Mundial, Després influyó en el curso del diseño de joyas con sus piezas cuidadosamente elaboradas e inspiradas en máquinas, conocidas como «bijoux-moteurs».
Este brazalete de Després es un ejemplo icónico del diseño Art Moderne que combina una poderosa simplicidad con un diseño inspirado en máquinas. El diseño evoca los dientes de un enorme engranaje, mientras que el brazalete se estrecha para alinearse con el adelgazamiento de la muñeca. Este sutil ajuste del diseño reconoce que este enorme brazalete está pensado para ser llevado y, como se muestra en una foto de época, resulta elegante en la muñeca.
Pulsera Art Moderne de plata y laca negra de Jean Després, París, hacia 1931. Expuesto en el Salón de Otoño, París, 1931. Foto: Cortesía de Siegelson
Jean Dunand
Jean Dunand es uno de los principales diseñadores del Art Decó conocido por sus muebles lacados, objetos decorativos y joyas. Fue contratado para lacar habitaciones enteras de lujo en fabulosos transatlánticos como el Normandie.
Dado que Dunand creaba retratos además de artes decorativas y joyas, sus retratos a menudo contenían ejemplos de su trabajo. Hace poco salió a subasta un famoso y exquisito retrato de su mentora, Madame Agnes, y en él se la ve luciendo un collar de una jirafa. La Jirafa es una obra icónica para Dunand y habla de un momento específico de la década de 1920 en el que los diseñadores empezaron a alejarse del uso clásico de materiales de lujo para acercarse a un diseño más moderno.
Un modelo similar fue realizado para Josephine Baker, que fue la musa de Dunand, y lo lució en una famosa fotografía.
Acaba de regresar de una importante exposición, The Jazz Age: American Style in the 1920s, en Cooper Hewitt y en el Museo de Arte de Cleveland, este es el conjunto más grande que se conoce, con seis piezas en total. Se trata de un ejemplar mayor que los que poseen el Museé de Arts Decoratifs y el Metropolitan Museum of Art. Es el conjunto más grande que probablemente se verá en el mercado.
Conjunto de tres collares «Jirafa» y tres pulseras en laca roja y negra y oréum de Jean Dunand, París, hacia 1927. Expuesto en The Jazz Age: American Style in the 1920s en el Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, Nueva York. Foto: Cortesía de Siegelson
Paul Flato
Paul Flato fue el joyero original de las estrellas, atendiendo a la crème de la crème de Hollywood. Fundó su empresa en Nueva York en 1928 y abrió una tienda en Los Ángeles en 1937. Su estilo figurativo, que a menudo rozaba el humor, alcanzó su punto álgido en los años 30, cuando Adolph Kleaty, George Headley y Fulco, duque de Verdura, diseñaron piezas para él. Flato hacía plumas, manos que sostenían flores y broches que eran cofres llenos de joyas, pero con garbo.
Sus salones eran frecuentados por Joan Crawford, Marlene Dietrich y Vivien Leigh, y por los protagonistas Douglas Fairbanks, Laurence Olivier y Orson Welles. Sus joyas fueron usadas por Katherine Hepburn en «Holiday», Greta Garbo en «Two Faced Woman» y Rita Hayward en «Blood and Sand».
Para este collar, Verdura transformó un artículo utilitario ordinario, un cinturón, en un llamativo collar de aguamarina y rubí. Se trata de una hazaña notable en una época en la que la mayoría de las joyas presentaban flores o diseños geométricos. El collar está ingeniosamente diseñado para que parezca que el cinturón está anudado, creando una pieza que puede llevarse centrada o a un lado, como se hizo en Vogue en 1944.
El collar Cole Porter: Un cinturón de aguamarina y rubí con un collar de hebilla diseñado por Fulco, Duque de Verdura, para Paul Flato, Nueva York, alrededor de 1935. Foto: Cortesía de Siegelson
Alexander Calder
Alexander Calder es más conocido por sus móviles y esculturas delicadamente equilibrados que se mueven en respuesta al aire o al tacto, pero las joyas fueron su medio más personal y constante. Hechas a mano por el artista, cada pieza era una combinación única de su martilleo y de la estética y la gracia que contenían sus obras a gran escala. Las joyas de Calder, bohemias pero refinadas, fueron coleccionadas por coleccionistas de arte de moda, como Peggy Guggenheim, Mary Rockefeller y Millicent Rogers.
Creado con alambre de latón, este broche muestra la misma sensación de movimiento que se encuentra en sus móviles y la geometría y el dinamismo de sus litografías, en las que a menudo exploraba círculos repetidos entrelazados.
Elisabeth Agro, comisaria de la exitosa exposición Calder Jewelry, dijo de las joyas «El espacio. Se trata de ocupar el espacio. Y él ve el cuerpo como un elemento de base para este otro aspecto de su obra. No es que el cuerpo se interponga; el cuerpo es una parte de esta obra de arte más amplia, cuando te la pones».
Broche de latón y acero «Six Circles» de Alexander Calder, Nueva York, alrededor de 1940. Foto: Cortesía: Siegelson