¡Los 10 cuadros más famosos de todos los tiempos! Cada año, los coleccionistas de arte se gastan millones de euros, deseosos de poseer los cuadros más codiciados del mundo. Sin embargo, los cuadros más caros no son necesariamente los más famosos. Los más conocidos suelen estar en manos de los museos, que muy raramente los venden, y como tales son literalmente impagables. Aquí ofrecemos los 10 cuadros más famosos de todos los tiempos.
El nacimiento de Venus
El nacimiento de Venus es un cuadro del pintor italiano Sandro Botticelli. Está colgado en la galería Uffizi de la ciudad italiana de Florencia. El cuadro está realizado con témpera sobre lienzo y mide 172,5 cm por 278,5 cm. Representa a la diosa Venus saliendo del mar como una mujer madura, tal y como se describe en la mitología griega. El nombre de la obra, sin embargo, no concuerda del todo con el acontecimiento representado en ella, ya que, según la leyenda, Venus nació de la espuma del mar. Sin embargo, esta imagen muestra su llegada a Chipre, de pie sobre una concha. En la antigüedad clásica, la concha era una metáfora de la vagina. La pose de la Venus de Botticelli recuerda a la Venus de Médicis, una escultura de mármol de la antigüedad clásica de la colección de los Médicis que Botticelli había estudiado. Un detalle del cuadro se utiliza como imagen en una de las monedas de euro italianas.
Los Nenúfares
Los Nenúfares son muchas pinturas impresionistas diferentes de nenúfares del artista francés Claude Monet. Monet hizo construir un colorido jardín con un estanque en su estudio de Giverny en la década de 1890 para poder pintar su amado motivo en todo tipo de condiciones climáticas (medio al aire libre). Ya no tenía que viajar tanto y estaba más en casa con su mujer y sus hijos. Monet pintó muchas variaciones diferentes sobre este tema. Sólo en el periodo 1899-1900, realizó 18 cuadros diferentes de nenúfares.
En el periodo 1914-1926, Monet creó una serie de enormes paneles murales con nenúfares para el Musée de l’Orangerie en las Tullerías de París (ver imagen superior). Debido a que Monet estaba probablemente muy ciego al final de su vida, habría pintado estos llamados paisajes reflejos (paisajes sin representación explícita del cielo o del horizonte) principalmente de su memoria. Donó estas obras a su buen amigo Paul Clemenceau. Clemenceau había estimulado a Monet, al mismo tiempo que le disminuía la visión, para que siguiera pintando. Monet donó las obras como «homenaje a la paz». Los cuadros estuvieron durante mucho tiempo inaccesibles al público, pero ahora vuelven a ser las principales piezas del museo recientemente renovado.
La ronda de noche
La ronda de noche es el cuadro más conocido y la obra maestra de Rembrandt van Rijn y puede verse en la Galería de Honor del Rijksmuseum. Rembrandt lo pintó entre 1639 y 1642. El nombre oficial es: La compañía del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh se prepara para marchar. Esta obra, de carácter miliciano, fue encargada como retrato de grupo por una compañía del gremio. Probablemente se llamó por primera vez «La guardia nocturna» hacia 1796/1797. Según Ernst van de Wetering, la obra fracasó en cierto sentido.
El valor del cuadro no se puede expresar en dinero. No está a la venta ni lo ha estado nunca. La compañía de milicianos que encargó a Rembrandt en su momento era una institución urbana y La guardia nocturna es desde entonces propiedad del municipio de Ámsterdam, en préstamo perpetuo al Rijksmuseum.
El grito
El grito es el nombre de cuatro cuadros y una litografía de Edvard Munch de 1893. La versión original del grito de 1893 se encuentra en el Museo Nacional de Arte (Nasjonalgalleriet) de Oslo. Se considera el cuadro más conmovedor de Munch. Expresa el sufrimiento espiritual y el acoso emocional que el pintor sintió durante ciertos periodos de su vida. Munch fue un precursor del expresionismo, un estilo que quería expresar las emociones. El Grito es un autorretrato psíquico de Edvard Munch. Es una pintura basada en su propia experiencia traumática.
Una noche Edvard Munch volvió caminando a la ciudad de Oslo con unos amigos. Se detuvieron en un puente. Mientras sus amigos seguían caminando, Edvard se detuvo, cautivado por el paisaje y el cielo con el sol poniente. Oyó y sintió que el paisaje que le rodeaba gritaba. Se sintió impotente y deprimido. Este suceso le impresionó tanto que más tarde lo plasmó en un lienzo.
6. Muchacha con un pendiente de perla
La Muchacha con un pendiente de perla es un cuadro de 1665-1667 del maestro holandés Johannes Vermeer. En los últimos años, Muchacha con pendiente de perla se ha convertido en el cuadro más querido de Vermeer. La obra está en posesión de la Mauritshuis de La Haya. Nunca se ha identificado a ninguno de los modelos de Vermeer, y esto también se aplica a esta chica. Una posible candidata es su hija mayor, María, que tenía doce o trece años en aquella época.
La niña representada lleva un turbante azul con una tela amarilla que cae. El cubrecabeza contrasta con la chaqueta amarillo pardo con el cuello blanco. Destaca la perla, una gran creación de luces y sombras brillantes y bordes deshilachados. Con dos trazos de pintura, Vermeer dio un acento de luz brillante en la parte superior izquierda y un reflejo de su cuello blanco en la parte inferior. Dado su tamaño, se trata más de un «pendiente de gota» de cristal lacado que de una perla natural. Parece como si la chica, con su mirada desinhibida, buscara el contacto directo con el espectador, como si le hubiera sorprendido. Con la boca entreabierta, da la impresión de querer decir algo. Sus labios húmedos y extra rojos le dan un aspecto sensual.
5. Guernica
Guernica es un cuadro de Pablo Picasso de 1937, que lleva el nombre del lugar de Guernica en el País Vasco español. El motivo del cuadro es el bombardeo de Guernica por parte de los fascistas dirigidos por Francisco Franco, para acabar con la resistencia de los republicanos. El cuadro, con sus enormes dimensiones de 3,49 m de alto y 7,76 m de ancho, es una de las obras más impresionantes y controvertidas de Picasso.
El cuadro muestra la ciudad durante el bombardeo. Hay mucho que ver al mismo tiempo en el cuadro. Un caballo se precipita hacia una casa en medio del pánico. A la derecha, alguien se cae del tejado en llamas y una madre llora a su hijo muerto. Pablo Picasso quería que el cuadro diera la sensación de caos durante un bombardeo cuando se mira el cuadro. El fondo también está mezclado, no hay diferencia entre el interior y el exterior. La gente sale corriendo de sus casas presa del pánico.
El cuadro está pintado con líneas y superficies en blanco, negro y gris para expresar la guerra. No es un cuadro realista. Pablo Picasso trató de transmitir la sensación durante el bombardeo, no su aspecto. En la parte delantera del cuadro hay un hombre con una espada rota. Un símbolo de un soldado muerto. El caballo expresa el miedo y es el símbolo de las víctimas inocentes de la guerra. La madre con el niño muerto simboliza el dolor por los caídos. La lámpara del cuadro simboliza la explosión y el bombardeo de Guernica.
La creación de Adán
La creación de Adán forma parte del fresco de la bóveda de la Capilla Sixtina del Vaticano pintado por Miguel Ángel hacia 1511. La obra es la representación del relato bíblico del libro del Génesis en el que Dios Padre insufla vida a Adán. De los frescos del Génesis en la Capilla Sixtina, es cronológicamente la cuarta imagen de la historia. Miguel Ángel terminó este fresco como uno de los últimos de la serie. La obra mide 4,8 por 2,3 metros.
La Última Cena
La Última Cena es un fresco pintado por Leonardo da Vinci por encargo del duque Ludovico Sforza en el refectorio de Santa Maria delle Grazie (un monasterio dominicano de Milán). Es una representación de una escena de la Última Cena de Jesús, tal y como se describe en la Biblia, y está basada en Juan 13: 21-26, en la que Jesús anuncia que uno de sus doce discípulos le traicionará. El cuadro es conocido en todo el mundo y su disposición es un modelo iconográfico. Como no se puede trasladar, nunca ha sido de propiedad privada. De acuerdo con otras imágenes de la última cena de la época, Leonardo ha asumido la convención de representar a todas las personas a un lado de la mesa durante la cena, de modo que ninguno de los presentes sea mirado por la espalda. Pero se desvía notablemente de esa convención al colocar también a Judas entre los demás discípulos, mientras que normalmente Judas se colocaba frente a los demás apóstoles, al otro lado de la mesa. Otra costumbre era dotar a todos los discípulos, a excepción de Judas, de un halo.
Sin embargo, Leonardo ha optado por un efecto más realista y dramático al no dotar a nadie de un halo, sino mostrar a Judas recostado en la sombra. También crea una imagen realista y psicológica en la que intenta explicar por qué Judas y Jesús toman el pan al mismo tiempo, justo después de que Jesús hiciera la predicción de la traición. Se muestra a Jesús como si se lo dijera a Tomás y a Santiago, a su izquierda, que se escandalizan porque Jesús les señala un trozo de pan. Distraído por la conversación entre Juan y Pedro, Judas alarga la mano hacia otro trozo de pan que Jesús extiende a su derecha. Todas las líneas de perspectiva y también la luz hacen recaer la atención sobre Jesús.
La noche estrellada
La noche estrellada es un cuadro del pintor postimpresionista holandés Vincent van Gogh. Pertenece a la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. La obra (óleo sobre lienzo) mide 73 por 92 cm. Se considera la obra maestra de este pintor. A partir de 1888, Van Gogh pintó varias obras que se parecen a La noche estrellada. Llamó a este estudio su estudio del cielo estrellado. En 1888, por ejemplo, pintó La noche estrellada sobre el Ródano, que es muy similar a este cuadro. Vincent van Gogh realizó La noche estrellada durante su estancia en el hospital de Saint-Paul-de-Mausole, en Saint-Rémy-de-Provence, en junio de 1889. También realizó varios dibujos a pluma con el mismo tema. A mediados de septiembre envió los cuadros de la noche estrellada a su hermano en París.
El cuadro es una escena nocturna con estrellas amarillas sobre una pequeña ciudad con colinas. Es una vista desde un punto imaginario sobre un pueblo con torre de iglesia y a la izquierda un ciprés en llamas y a la derecha olivos contra las colinas. Van Gogh recurrió a Delacroix para el uso de colores complementarios. El cuadro se asocia a menudo con las palabras de Vincent van Gogh: «¿Por qué, me pregunto, los puntos brillantes del cielo no serían tan fáciles de alcanzar como los puntos negros del mapa de Francia? Al igual que en el tren de Tarascón o de Ruán, utilizamos la muerte para viajar a las estrellas». » Van Gogh pintó la obra en un momento en el que sentía un fuerte impulso por la religión. Después de esto terminaría en una depresión.
Mona Lisa
La Mona Lisa es un cuadro de Leonardo da Vinci pintado entre 1503 y 1507. La técnica utilizada es el óleo sobre tabla (madera de álamo). Es el retrato de una dama, probablemente Lisa Gherardini, la tercera esposa de Francesco del Giocondo. El retrato está expuesto de forma permanente en el Louvre de París y es una de las pocas obras que se sabe con certeza que son del propio Leonardo. Es probablemente una de las obras de arte más famosas del mundo, el cuadro recibe alrededor de 20.000 visitantes al día.
La sonrisa de la Mona Lisa es más o menos la marca del cuadro como el armiño (en realidad un hurón blanco) que es para ese otro famoso cuadro de Leonardo La dama del armiño, el retrato de Cecilia Gallerani. Se podría haber llamado igualmente el cuadro La dama de la sonrisa, y eso se refleja en el nombre italiano, porque La Gioconda significa en realidad la feliz, la dichosa. Leonardo convierte esta idea de ser feliz, de estar contento, en el tema central de su cuadro, aunque no sea una alegría exuberante, la dama parece satisfecha y feliz. Se plantean decenas de teorías sobre la sonrisa, una más extravagante que otra. Va desde la sonrisa de una embarazada feliz hasta el síntoma de las más diversas enfermedades. Un programa informático que reconocía las emociones a partir de la expresión facial reconoció en ella un 83% de felicidad.
