Mundo antiguoEditar

Retrato funerario romano-egipcio de una mujer

Las raíces del retrato se encuentran probablemente en la prehistoria, aunque pocas de estas obras sobreviven en la actualidad. En el arte de las antiguas civilizaciones del Creciente Fértil, especialmente en Egipto, abundan las representaciones de gobernantes y gobernados como dioses. Sin embargo, la mayoría de ellas se realizaban de forma muy estilizada, y la mayoría de perfil, normalmente sobre piedra, metal, arcilla, yeso o cristal. El retrato egipcio ponía relativamente poco énfasis en el parecido, al menos hasta el periodo de Akenatón en el siglo XIV a.C. La pintura de retratos de personas notables en China se remonta probablemente a más del año 1000 a.C., aunque no se conserva ninguno de esa época. Los retratos chinos existentes se remontan a alrededor del año 1000 d.C., pero no pusieron mucho énfasis en el parecido hasta algún tiempo después.

Por las pruebas literarias sabemos que la pintura griega antigua incluía retratos, a menudo muy precisos si se cree en los elogios de los escritores, pero no se conservan ejemplos pintados. Las cabezas esculpidas de gobernantes y personalidades famosas, como Sócrates, sobreviven en cierta cantidad y, al igual que los bustos individualizados de los gobernantes helenos en las monedas, muestran que el retrato griego podía lograr un buen parecido, y los sujetos, al menos de las figuras literarias, eran representados con relativamente poca adulación – los retratos de Sócrates muestran por qué tenía fama de ser feo. Los sucesores de Alejandro Magno iniciaron la práctica de añadir su cabeza (como figura divinizada) a sus monedas, y pronto utilizaron las suyas propias.

El retrato romano adoptó tradiciones de retrato tanto de los etruscos como de los griegos, y desarrolló una tradición muy fuerte, vinculada a su uso religioso de los retratos de antepasados, así como a la política romana. De nuevo, los pocos supervivientes pintados, en los retratos de Fayum, la Tumba de Aline y el Tondo de Severo, todos ellos de Egipto bajo dominio romano, son producciones claramente provinciales que reflejan estilos griegos más que romanos, pero tenemos una gran cantidad de cabezas esculpidas, incluyendo muchos retratos individualizados de tumbas de la clase media, y miles de tipos de retratos de monedas.

El grupo más numeroso de retratos pintados son las pinturas funerarias que sobrevivieron en el clima seco del distrito egipcio de Fayum (véase la ilustración, abajo), que datan de los siglos II a IV d.C. Son casi las únicas pinturas de la época romana que han sobrevivido, aparte de los frescos, aunque se sabe por los escritos de Plinio el Viejo que la pintura de retratos estaba bien establecida en la época griega, y era practicada tanto por hombres como por mujeres artistas. En su época, Plinio se quejaba del estado de decadencia del arte del retrato romano: «La pintura de retratos, que solía transmitir a través de las épocas los parecidos exactos de las personas, ha desaparecido por completo… La indolencia ha destruido las artes». Estos retratos de rostro completo del Egipto romano son excepciones afortunadas. Presentan un sentido algo realista de las proporciones y de los detalles individuales (aunque los ojos suelen estar sobredimensionados y la habilidad artística varía considerablemente de un artista a otro). Los retratos de Fayum se pintaban sobre madera o marfil con colores de cera y resina (encáustica) o con témpera, y se insertaban en el envoltorio de la momia, para que permanecieran con el cuerpo a lo largo de la eternidad.

Mientras que la pintura de retratos independientes disminuía en Roma, el arte del retrato floreció en las esculturas romanas, donde los retratados exigían realismo, aunque fuera poco favorecedor. Durante el siglo IV, dominó el retrato esculpido, con un retroceso a favor de un símbolo idealizado del aspecto de esa persona. (Compárense los retratos de los emperadores romanos Constantino I y Teodosio I) En el período tardoantiguo, el interés por el retrato individual disminuyó considerablemente, y la mayoría de los retratos de las monedas romanas tardías y de los dípticos consulares apenas están individualizados, aunque al mismo tiempo el arte paleocristiano estaba evolucionando hacia imágenes bastante estandarizadas para la representación de Jesús y de las otras figuras principales del arte cristiano, como Juan el Bautista y San Pedro.

Edad MediaEditar

El pequeño díptico privado de Wilton para Ricardo II de Inglaterra, c. 1400, con fondos de oro estampado y mucho ultramar.

La mayoría de los retratos medievales tempranos eran retratos de donantes, al principio sobre todo de papas en mosaicos romanos, y manuscritos iluminados, siendo un ejemplo el autorretrato de la escritora, mística, científica, iluminadora y música Hildegarda de Bingen (1152). Al igual que en el caso de las monedas contemporáneas, el intento de retrato fue escaso. Los monumentos funerarios de piedra se extendieron en el periodo románico. Entre 1350 y 1400, las figuras seculares empezaron a reaparecer en frescos y pinturas sobre tabla, como en la obra del Maestro Teodorico Carlos IV recibiendo la fidelidad, y los retratos volvieron a ser claros parecidos.

Hacia finales de siglo, los primeros retratos al óleo de individuos contemporáneos, pintados en pequeños paneles de madera, surgieron en Borgoña y Francia, primero como perfiles, luego en otras vistas. El díptico de Wilton, de hacia 1400, es uno de los dos retratos sobre tabla que se conservan de Ricardo II de Inglaterra, el primer rey inglés del que tenemos ejemplos contemporáneos.

A finales de la Edad Media, en el siglo XV, la pintura de los primeros Países Bajos fue clave en el desarrollo del retrato individualizado. Entre los maestros se encontraban Jan van Eyck, Robert Campin y Rogier van der Weyden, entre otros. Se encargaron retratos de pintura sobre tabla más bien pequeños, de menos de medio tamaño natural, no sólo de personajes de la corte, sino de lo que, por su vestimenta relativamente sencilla, parecía ser gente adinerada del pueblo. Las miniaturas de los manuscritos iluminados también incluían retratos individualizados, normalmente del comisionado. En las pinturas religiosas, los retratos de los donantes empezaron a aparecer como presentes, o a participar en las principales escenas sagradas mostradas, y en las imágenes de la corte más privadas los sujetos aparecían incluso como figuras significativas, como la Virgen María.

• Robert Campin (c. 1375 – 1444), Retrato de una mujer joven (en pareja con su marido), 1430-1435. El estilo de Van der Weyden se basó en el de Campin.

• Retrato de Arnolfini, de Jan van Eyck, 1434

• Rogier van der Weyden, Retrato de una dama, c. 1460

• Uno de los primeros autorretratos autónomos, Jean Fouquet, c. 1450

RenacimientoEditar

Alberto Durero, Autorretrato, 1500

En parte por interés en el mundo natural y en parte por interés en las culturas clásicas de la antigua Grecia y Roma, los retratos -tanto pintados como esculpidos- adquirieron un papel importante en la sociedad renacentista y fueron valorados como objetos y como representaciones del éxito y el estatus terrenal. La pintura en general alcanzó un nuevo nivel de equilibrio, armonía y perspicacia, y los más grandes artistas (Leonardo, Miguel Ángel y Rafael) fueron considerados «genios», elevándose muy por encima del estatus de comerciante hasta convertirse en valiosos servidores de la corte y la iglesia.

Muchas innovaciones en las diversas formas de retrato evolucionaron durante este fértil período. Se inició la tradición del retrato en miniatura, que siguió siendo popular hasta la era de la fotografía, desarrollándose a partir de las habilidades de los pintores de las miniaturas de los manuscritos iluminados. Los retratos de perfil, inspirados en los medallones antiguos, fueron especialmente populares en Italia entre 1450 y 1500. Las medallas, con sus imágenes de dos caras, también inspiraron una efímera moda de pinturas de dos caras a principios del Renacimiento. La escultura clásica, como el Apolo Belvedere, también influyó en la elección de las posturas utilizadas por los retratistas del Renacimiento, posturas que han seguido utilizándose a lo largo de los siglos. La Ginevra de’ Benci de Leonardo (c. 1474-8) es uno de los primeros retratos de tres cuartos que se conocen en el arte italiano.

Los artistas del norte de Europa lideraron los retratos realistas de sujetos seculares. El mayor realismo y detalle de los artistas del Norte durante el siglo XV se debió en parte a las pinceladas más finas y a los efectos posibles con los colores al óleo, mientras que los pintores italianos y españoles seguían utilizando el temple. Uno de los primeros pintores en desarrollar la técnica del óleo fue Jan van Eyck. Los colores al óleo pueden producir más textura y grados de grosor, y pueden superponerse más eficazmente, con la adición de capas cada vez más gruesas una sobre otra (lo que los pintores llaman «grasa sobre magra»). Además, los colores al óleo se secan más lentamente, lo que permite al artista realizar cambios fácilmente, como alterar los detalles del rostro. Antonello da Messina fue uno de los primeros italianos en aprovechar el óleo. Formado en Bélgica, se instaló en Venecia en torno a 1475, y fue una gran influencia para Giovanni Bellini y la escuela del norte de Italia. Durante el siglo XVI, el óleo como medio se extendió por toda Europa, permitiendo representaciones más suntuosas de ropa y joyas. También influyó en la calidad de las imágenes el cambio de la madera al lienzo, que comenzó en Italia a principios del siglo XVI y se extendió al norte de Europa durante el siglo siguiente. El lienzo resiste mejor las grietas que la madera, retiene mejor los pigmentos y necesita menos preparación, pero al principio era mucho más escaso que la madera.

Pronto, los europeos del norte abandonaron el perfil y empezaron a producir retratos de volumen y perspectiva realistas. En los Países Bajos, Jan van Eyck fue uno de los principales retratistas. El Matrimonio Arnolfini (1434, National Gallery, Londres) es un hito del arte occidental, un temprano ejemplo de retrato de pareja de cuerpo entero, magníficamente pintado con ricos colores y exquisitos detalles. Pero igualmente importante es que muestra la nueva técnica de pintura al óleo iniciada por Van Eyck, que revolucionó el arte y se extendió por toda Europa.

Hans Holbein el Joven, Retrato de Sir Thomas More, 1527

Los principales retratistas alemanes, como Lucas Cranach, Alberto Durero y Hans Holbein el Joven, dominaron la técnica de la pintura al óleo. Cranach fue uno de los primeros artistas en pintar encargos de tamaño natural de cuerpo entero, una tradición que se popularizó a partir de entonces. En aquella época, Inglaterra no contaba con retratistas de primera fila, y artistas como Holbein eran demandados por los mecenas ingleses. Su cuadro de Sir Thomas More (1527), su primer mecenas importante en Inglaterra, tiene casi el realismo de una fotografía. Holbein alcanzó su gran éxito pintando a la familia real, incluido Enrique VIII. Durero fue un destacado dibujante y uno de los primeros artistas importantes en realizar una secuencia de autorretratos, incluida una pintura de rostro completo. También colocó su figura autorretratada (como espectador) en varias de sus pinturas religiosas. Durero comenzó a hacerse autorretratos a los trece años. Más tarde, Rembrandt ampliaría esa tradición.

En Italia, Masaccio lideró la modernización del fresco adoptando una perspectiva más realista. Filippo Lippi allanó el camino al desarrollar contornos más nítidos y líneas sinuosas y su alumno Rafael extendió el realismo en Italia a un nivel mucho más alto en las décadas siguientes con sus monumentales pinturas murales. En esta época se popularizó el retrato de esponsales, especialidad de Lorenzo Lotto. Durante el primer Renacimiento, los cuadros de retratos eran generalmente pequeños y a veces estaban cubiertos con tapas protectoras, abatibles o deslizantes.

Durante el Renacimiento, la nobleza florentina y milanesa, en particular, quería representaciones más realistas de sí misma. El reto de crear vistas completas y de tres cuartos convincentes estimuló la experimentación y la innovación. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi y Leonardo da Vinci y otros artistas ampliaron su técnica en consecuencia, añadiendo el retrato a los temas religiosos y clásicos tradicionales. Leonardo y Pisanello fueron de los primeros artistas italianos en añadir símbolos alegóricos a sus retratos seculares.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa o La Gioconda, 1503-1505/1507

Uno de los retratos más conocidos en el mundo occidental es el cuadro de Leonardo da Vinci titulado Mona Lisa, llamada así por Lisa del Giocondo, miembro de la familia Gherardini de Florencia y Toscana y esposa del rico comerciante de seda florentino Francesco del Giocondo. La famosa «sonrisa de la Mona Lisa» es un excelente ejemplo de cómo aplicar una sutil asimetría a un rostro. En sus cuadernos, Leonardo aconseja sobre las cualidades de la luz en la pintura de retratos:

Un grado muy alto de gracia en la luz y la sombra se añade a los rostros de los que se sientan en los portales de las habitaciones que están a oscuras, donde los ojos del observador ven la parte ensombrecida del rostro oscurecida por las sombras de la habitación, y ven la parte iluminada del rostro con el mayor brillo que le da el aire. Gracias a este aumento de las sombras y las luces, el rostro adquiere un mayor relieve.

Leonardo fue alumno de Verrocchio. Después de convertirse en miembro del Gremio de Pintores, comenzó a aceptar encargos independientes. Debido a sus amplios intereses y de acuerdo con su espíritu científico, su producción de dibujos y estudios preliminares es inmensa, aunque su producción artística acabada es relativamente pequeña. Otros retratos memorables son los de las nobles Ginevra de’ Benci y Cecilia Gallerani.

Los retratos de encargo de Rafael que se conservan son mucho más numerosos que los de Leonardo, y muestran una mayor variedad de poses, iluminación y técnica. Más que producir innovaciones revolucionarias, el gran logro de Rafael fue reforzar y perfeccionar las corrientes evolutivas del arte renacentista. Fue especialmente experto en el retrato de grupo. Su obra maestra, la Escuela de Atenas, es uno de los principales frescos de grupo, que contiene retratos de Leonardo, Miguel Ángel, Bramante y el propio Rafael, bajo la apariencia de antiguos filósofos. No fue el primer retrato de grupo de artistas. Décadas antes, Paolo Uccello había pintado un retrato de grupo que incluía a Giotto, Donatello, Antonio Manetti y Brunelleschi. A medida que ascendía en importancia, Rafael se convirtió en el retratista favorito de los papas. Aunque muchos artistas del Renacimiento aceptaron con entusiasmo los encargos de retratos, algunos los rechazaron, sobre todo el rival de Rafael, Miguel Ángel, que en cambio se encargó de los enormes encargos de la Capilla Sixtina.

En Venecia, hacia el año 1500, Gentile Bellini y Giovanni Bellini dominaban la pintura de retratos. Recibían los más altos encargos de los principales funcionarios del Estado. El retrato de Bellini del dux Loredan está considerado como uno de los mejores retratos del Renacimiento y demuestra hábilmente el dominio del artista de las recién llegadas técnicas de la pintura al óleo. Bellini es también uno de los primeros artistas de Europa en firmar sus obras, aunque rara vez las fechaba. Más adelante, en el siglo XVI, Tiziano asumió prácticamente el mismo papel, sobre todo al ampliar la variedad de poses y de sentadas de sus sujetos reales. Tiziano fue quizás el primer gran retratista de niños. Después de Tiziano, Tintoretto y Veronese se convirtieron en los principales artistas venecianos, contribuyendo a la transición al manierismo italiano. Los manieristas aportaron muchos retratos excepcionales que enfatizaban la riqueza material y las poses elegantemente complejas, como en las obras de Agnolo Bronzino y Jacopo da Pontormo. Bronzino se hizo famoso retratando a la familia Medici. Su atrevido retrato de Cosme I de Médicis muestra al austero gobernante con una armadura y una mirada desconfiada hacia su extrema derecha, lo que contrasta con la mayoría de las pinturas de la realeza, que muestran a sus modelos como soberanos benévolos. El Greco, que se formó en Venecia durante doce años, tomó una dirección más extrema tras su llegada a España, enfatizando su «visión interior» del retratado hasta el punto de disminuir la realidad de la apariencia física. Uno de los mejores retratistas de la Italia del siglo XVI fue Sofonisba Anguissola, de Cremona, que dotó a sus retratos individuales y de grupo de nuevos niveles de complejidad.

El retrato de corte en Francia comenzó cuando el artista flamenco Jean Clouet pintó su opulenta imagen de Francisco I de Francia hacia 1525. El rey Francisco fue un gran mecenas de artistas y un ávido coleccionista de arte que invitó a Leonardo da Vinci a vivir en Francia durante sus últimos años. La Mona Lisa se quedó en Francia después de que Leonardo muriera allí.

• Pisanello, quizás Ginevra d’Este, c. 1440

• Joven de Sandro Botticelli, c. 1483. Una de las primeras poses italianas de rostro completo.

• Posiblemente Rafael, c. 1518, Isabel de Requesens. El estilo y el formato del Alto Renacimiento tuvieron una enorme influencia en los grandes retratos posteriores.

• Christiane von Eulenau por Lucas Cranach el Viejo, 1534

• Lucrezia Panciatichi, por Agnolo Bronzino, 1540

• El Papa Pablo III y sus nietos, Tiziano, 1546

• Maarten van Heemskerck (1498-1574), Familia de Pieter Jan Foppesz, antes de c.1532, considerado el primer retrato familiar, en el retrato holandés.

• Carlos V de Tiziano, 1548, un retrato ecuestre seminal.

• El Retrato de la Armada de Isabel I de Inglaterra, c. 1588. El estilizado retrato de Isabel I de Inglaterra fue único en Europa.

• Retrato de un cardenal, probablemente Fernando Niño de Guevara, El Greco, c. 1600

Barroco y RococóEditar

Retrato de grupo de Rembrandt, Los síndicos del gremio de pañeros, 1662.

Durante los periodos barroco y rococó (siglos XVII y XVIII, respectivamente), los retratos se convirtieron en registros aún más importantes de estatus y posición. En una sociedad dominada cada vez más por los líderes seculares de las poderosas cortes, las imágenes de figuras opulentamente vestidas eran un medio para afirmar la autoridad de los individuos importantes. Los pintores flamencos Sir Anthony van Dyck y Peter Paul Rubens destacaron en este tipo de retratos, mientras que Jan Vermeer produjo retratos principalmente de la clase media, trabajando y jugando en interiores. El retrato de Rubens y su primera esposa (1609) en su traje de boda es un ejemplo virtuoso del retrato de pareja. La fama de Rubens se extendió más allá de su arte: fue cortesano, diplomático, coleccionista de arte y exitoso hombre de negocios. Su taller era uno de los más amplios de la época, con especialistas en bodegones, paisajes, animales y escenas de género, además de retratos. Van Dyck se formó allí durante dos años. Carlos I de Inglaterra contrató primero a Rubens y luego importó a Van Dyck como pintor de la corte, nombrándolo caballero y otorgándole un estatus cortesano. Van Dyck no sólo adaptó los métodos de producción y las habilidades comerciales de Rubens, sino también sus elegantes modales y apariencia. Según consta, «siempre iba magníficamente vestido, tenía un equipo numeroso y galante, y mantenía una mesa tan noble en su apartamento, que pocos príncipes no fueron más visitados o mejor atendidos». En Francia, Hyacinthe Rigaud dominó de manera muy similar, como notable cronista de la realeza, pintando los retratos de cinco reyes franceses.

Una de las innovaciones del arte del Renacimiento fue la representación mejorada de las expresiones faciales para acompañar las diferentes emociones. En particular, el pintor holandés Rembrandt exploró las múltiples expresiones del rostro humano, especialmente como uno de los principales autorretratos (de los que pintó más de 60 en su vida). Este interés por el rostro humano también fomentó la creación de las primeras caricaturas, atribuidas a la Accademia degli Incamminati, dirigida por pintores de la familia Carracci a finales del siglo XVI en Bolonia, Italia.

Velázquez, Papa Inocencio X, c. 1650, Galería Doria Pamphilj, Roma.

Los retratos de grupo se produjeron en gran número durante el periodo barroco, especialmente en los Países Bajos. A diferencia del resto de Europa, los artistas holandeses no recibieron encargos de la Iglesia calvinista, que había prohibido este tipo de imágenes, ni de la aristocracia, que era prácticamente inexistente. En cambio, los encargos procedían de asociaciones cívicas y empresariales. El pintor holandés Frans Hals utilizaba pinceladas fluidas de colores vivos para animar sus retratos de grupo, incluidos los de los guardias civiles a los que pertenecía. Rembrandt se benefició en gran medida de estos encargos y de la apreciación general del arte por parte de los clientes burgueses, que apoyaban tanto el retrato como la pintura de bodegones y paisajes. Además, en esa época florecieron en Holanda los primeros mercados importantes de arte y de marchantes.

Con una gran demanda, Rembrandt pudo experimentar con composiciones y técnicas poco convencionales, como el claroscuro. Hizo gala de estas innovaciones, de las que fueron pioneros maestros italianos como Caravaggio, sobre todo en su famosa Ronda de noche (1642). La lección de anatomía del Dr. Tulp (1632) es otro buen ejemplo de la maestría de Rembrandt en la pintura de grupo, en la que baña el cadáver con una luz brillante para atraer la atención hacia el centro del cuadro, mientras que la ropa y el fondo se funden en negro, haciendo que destaquen los rostros del cirujano y de los estudiantes. También es el primer cuadro que Rembrandt firmó con su nombre completo.

En España, Diego Velázquez pintó Las Meninas (1656), uno de los retratos de grupo más famosos y enigmáticos de todos los tiempos. Conmemora al artista y a los hijos de la familia real española, y aparentemente los retratados son la pareja real que se ve sólo como reflejos en un espejo. Comenzando como pintor de género principalmente, Velázquez pronto alcanzó la prominencia como pintor de la corte de Felipe IV, sobresaliendo en el arte del retrato, particularmente en la ampliación de la complejidad de los retratos de grupo.

Los artistas rococó, que estaban particularmente interesados en la rica e intrincada ornamentación, fueron maestros del retrato refinado. Su atención a los detalles de la vestimenta y la textura aumentaba la eficacia de los retratos como testimonio de la riqueza mundana, como demuestran los famosos retratos de François Boucher de Madame de Pompadour ataviada con ondulantes vestidos de seda.

Thomas Gainsborough, The Blue Boy, c.1770, Huntington Library, San Marino, California

Luis XIV de Francia y su familia retratados como dioses romanos en un cuadro de 1670 de Jean Nocret.

Los primeros grandes retratistas nativos de la escuela británica fueron los pintores ingleses Thomas Gainsborough y Sir Joshua Reynolds, que también se especializaron en vestir a sus sujetos de forma llamativa. El Niño Azul de Gainsborough es uno de los retratos más famosos y reconocidos de todos los tiempos, pintado con pinceles muy largos y un fino color al óleo para conseguir el efecto de brillo del traje azul. Gainsborough también destacó por sus elaborados decorados de fondo para sus sujetos.

Los dos artistas británicos tenían opiniones opuestas sobre el uso de ayudantes. Reynolds los empleaba con regularidad (a veces realizaba él mismo sólo el 20 por ciento de la pintura) mientras que Gainsborough rara vez lo hacía. A veces un cliente exigía un compromiso al artista, como hizo Sir Richard Newdegate con el retratista Peter Lely (sucesor de van Dyck en Inglaterra), quien prometió que el retrato sería «desde el principio hasta el final dibujado con mis propias manos». A diferencia de la exactitud empleada por los maestros flamencos, Reynolds resumió su enfoque del retrato afirmando que «la gracia, y, podemos añadir, la semejanza, consiste más en tomar el aire general, que en observar la exacta similitud de cada rasgo». También destacó en Inglaterra William Hogarth, que se atrevió a desafiar los métodos convencionales introduciendo toques de humor en sus retratos. Su «Autorretrato con carlino» es claramente más un retrato humorístico de su mascota que una pintura autocomplaciente.

En el siglo XVIII, las pintoras adquirieron una nueva importancia, especialmente en el campo del retrato. Entre las artistas femeninas más destacadas se encuentran la pintora francesa Élisabeth Vigée-Lebrun, la pastelista italiana Rosalba Carriera y la artista suiza Angelica Kauffman. También durante ese siglo, antes de la invención de la fotografía, los retratos en miniatura -pintados con increíble precisión y a menudo encerrados en medallones de oro o esmaltados- eran muy valorados.

En Estados Unidos, John Singleton Copley, educado a la refinada manera británica, se convirtió en el principal pintor de retratos de tamaño natural y en miniatura, siendo especialmente apreciados sus cuadros hiperrealistas de Samuel Adams y Paul Revere. Copley también destaca por sus esfuerzos por fusionar el retrato con el arte de la pintura histórica, más venerado académicamente, lo que intentó con sus retratos de grupo de militares famosos. Igualmente famoso fue Gilbert Stuart, que pintó más de 1.000 retratos y fue especialmente conocido por sus retratos presidenciales. Stuart pintó más de 100 réplicas sólo de George Washington. Stuart trabajaba con rapidez y empleaba pinceladas más suaves y menos detalladas que Copley para captar la esencia de sus personajes. A veces realizaba varias versiones para un cliente, permitiendo que el retratado eligiera su favorito. Destacado por los tonos rosados de sus mejillas, Stuart escribió: «La carne no se parece a ninguna otra sustancia bajo el cielo. Tiene toda la alegría del taller de seda sin su brillo chillón, y toda la suavidad de la caoba vieja, sin su tristeza». Otros destacados retratistas estadounidenses de la época colonial fueron John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale y Rembrandt Peale.

• Felipe IV en marrón y plata, Diego Velázquez, 1632

• Sir Kenelm Digby por Anthony Van Dyck, c. 1640

• Rembrandt van Rijn, Retrato de Jan Six, 1654

• Pastel de Madame de Pompadour, Maurice Quentin de La Tour, mediados del siglo XVIII

• Thomas Kerrich (1748-1828), por Pompeo Batoni

• John Durand, The Rapalje Children, 1768, New-York Historical Society, New York City

• John Singleton Copley, Paul Revere, 1770

Siglo XIXEditar

Madame Récamier (1800), en el apogeo de la moda neoclásica, Jacques-Louis David

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, Los artistas neoclásicos continuaron con la tradición de representar a los personajes a la última moda, lo que para las mujeres significaba entonces vestidos diáfanos derivados de los antiguos estilos de vestir griegos y romanos. Los artistas utilizaban la luz dirigida para definir la textura y la simple redondez de los rostros y las extremidades. Los pintores franceses Jacques-Louis David y Jean-Auguste-Dominique Ingres demostraron su virtuosismo en esta técnica de dibujo, así como su agudo sentido del carácter. Ingres, alumno de David, destaca por sus retratos en los que se pinta un espejo detrás del sujeto para simular una vista trasera del mismo. Su retrato de Napoleón en su trono imperial es una obra maestra del retrato real. (véase la Galería más abajo)

Los artistas románticos que trabajaron durante la primera mitad del siglo XIX pintaron retratos de líderes inspiradores, mujeres hermosas y sujetos agitados, utilizando pinceladas vivas y una iluminación dramática, a veces malhumorada. Los artistas franceses Eugène Delacroix y Théodore Géricault pintaron retratos de este tipo especialmente elegantes, sobre todo de jinetes. Un ejemplo notable de artista del periodo romántico en Polonia que practicó el retrato de jinetes fue Piotr Michałowski (1800-1855). También cabe destacar la serie de retratos de enfermos mentales de Géricault (1822-1824). El pintor español Francisco de Goya pintó algunas de las imágenes más rebuscadas y provocadoras de la época, como La maja desnuda (c. 1797-1800), así como los famosos retratos de la corte de Carlos IV.

Thomas Eakins, The Gross Clinic, 1875

Los artistas realistas del siglo XIX, como Gustave Courbet, crearon retratos objetivos que representaban a personas de clase baja y media. Demostrando su romanticismo, Courbet pintó varios autorretratos en los que se mostraba a sí mismo con diferentes estados de ánimo y expresiones. Otros realistas franceses son Honoré Daumier, que realizó muchas caricaturas de sus contemporáneos. Henri de Toulouse-Lautrec hizo una crónica de algunos de los famosos artistas del teatro, como Jane Avril, capturándolos en movimiento. El pintor francés Édouard Manet, fue un importante artista de transición cuya obra oscila entre el realismo y el impresionismo. Fue un retratista de gran perspicacia y técnica, siendo su cuadro de Stéphane Mallarmé un buen ejemplo de su estilo de transición. Su contemporáneo Edgar Degas fue ante todo un realista, y su cuadro Retrato de la familia Bellelli es una representación perspicaz de una familia infeliz y uno de sus mejores retratos.

En América, Thomas Eakins reinó como el principal retratista, llevando el realismo a un nuevo nivel de franqueza, especialmente con sus dos retratos de cirujanos en el trabajo, así como los de atletas y músicos en acción. En muchos retratos, como el «Retrato de la señora Edith Mahon», Eakins transmite con audacia las emociones poco favorecedoras de la pena y la melancolía.

Vincent van Gogh, Autorretrato, 1887

Los realistas dejaron paso en su mayoría a los impresionistas en la década de 1870. Debido en parte a sus escasos ingresos, muchos de los impresionistas recurrieron a familiares y amigos para que les sirvieran de modelos, y pintaron grupos íntimos y figuras individuales en exteriores o en interiores llenos de luz. Los retratos impresionistas, conocidos por sus superficies brillantes y sus ricos toques de pintura, son a menudo desarmantemente íntimos y atractivos. Los pintores franceses Claude Monet y Pierre-Auguste Renoir crearon algunas de las imágenes más populares de individuos y grupos. La artista estadounidense Mary Cassatt, que se formó y trabajó en Francia, es popular aún hoy por sus atractivos cuadros de madres y niños, al igual que Renoir. Paul Gauguin y Vincent van Gogh, ambos postimpresionistas, pintaron retratos reveladores de personas que conocían, llenos de color pero no necesariamente halagadores. Son igualmente célebres, si no más, por sus poderosos autorretratos.

John Singer Sargent también abarcó el cambio de siglo, pero rechazó el impresionismo y el postimpresionismo manifiestos. Fue el retratista de más éxito de su época, utilizando una técnica mayoritariamente realista, a menudo repleta de un brillante uso del color. Era igualmente apto para los retratos individuales y de grupo, sobre todo de familias de clase alta. Sargent nació en Florencia, Italia, de padres estadounidenses. Estudió en Italia y Alemania, y en París. Sargent está considerado como el último gran exponente de la tradición retratística británica que comienza con Van Dyck. Otro destacado retratista estadounidense que se formó en el extranjero fue William Merritt Chase. La pintora de sociedad estadounidense Cecilia Beaux, llamada la «Sargent femenina», nació de padre francés, estudió en el extranjero y alcanzó el éxito en su país, ciñéndose a los métodos tradicionales. Otro retratista comparado con Sargent por su exuberante técnica fue el artista parisino de origen italiano Giovanni Boldini, amigo de Degas y Whistler.

El internacionalista de origen estadounidense James Abbott McNeill Whistler estaba bien relacionado con los artistas europeos y también pintó algunos retratos excepcionales, el más famoso su Arreglo en gris y negro, la madre del artista (1871), también conocido como La madre de Whistler. Incluso con sus retratos, al igual que con sus paisajes tonales, Whistler quería que sus espectadores se centraran en la disposición armónica de la forma y el color en sus cuadros. Whistler utilizaba una paleta tenue para crear los efectos deseados, haciendo hincapié en el equilibrio del color y los tonos suaves. Como declaró, «al igual que la música es la poesía del sonido, la pintura es la poesía de la vista, y el tema no tiene nada que ver con la armonía del sonido o del color». La forma y el color también fueron fundamentales en los retratos de Cézanne, mientras que un color y una técnica de pincelada aún más extremos dominan los retratos de André Derain, y Henri Matisse.

El desarrollo de la fotografía en el siglo XIX tuvo un efecto significativo en el retrato, suplantando a la anterior cámara oscura que también se había utilizado anteriormente como ayuda en la pintura. Muchos modernistas acudieron a los estudios fotográficos para hacerse retratos, incluido Baudelaire, quien, aunque proclamaba que la fotografía era «enemiga del arte», se sintió atraído por la franqueza y el poder de la fotografía. Al proporcionar una alternativa barata, la fotografía suplantó gran parte del nivel más bajo de la pintura de retratos. Algunos artistas realistas, como Thomas Eakins y Edgar Degas, se entusiasmaron con la fotografía de cámara y la consideraron una ayuda útil para la composición. Desde los impresionistas en adelante, los retratistas encontraron un sinfín de formas de reinterpretar el retrato para competir eficazmente con la fotografía. Sargent y Whistler fueron algunos de los que se vieron estimulados a ampliar su técnica para crear efectos que la cámara no podía captar.

• Francisco de Goya, Carlos IV de España y su familia, 1800-1801

• Jean Auguste Dominique Ingres, retrato de Napoleón en su Trono Imperial, 1806, Musée de l’Armée, París

• Gustave Courbet, Retrato de Charles Baudelaire, 1848

• Pierre-Auguste Renoir, Retrato de Alfred Sisley, 1868

• James Abbott McNeill Whistler, Arreglo en gris y negro: La madre del artista (1871) conocida popularmente como La madre de Whistler

• Edgar Degas, Retrato de la señorita Cassatt, sentada, sosteniendo cartas, 1876-1878

• John Singer Sargent, Retrato de Robert Louis Stevenson, 1887

• Paul Gauguin, El pintor de los girasoles, Retrato de Vincent van Gogh, 1888

• Vincent van Gogh, Retrato del doctor Gachet, (primera versión), 1890

Siglo XXEditar

Retrato de Gertrude Stein, 1906, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. Cuando alguien comentó que Stein no se parecía a su retrato, Picasso respondió: «Lo hará».

Otros artistas de principios del siglo XX también ampliaron el repertorio del retrato en nuevas direcciones. El artista fauvista Henri Matisse produjo poderosos retratos utilizando colores no naturalistas, incluso chillones, para los tonos de la piel. Cézanne recurrió a formas muy simplificadas en sus retratos, evitando los detalles y destacando las yuxtaposiciones de color. El estilo único del austriaco Gustav Klimt aplicaba motivos bizantinos y pintura dorada a sus memorables retratos. Su alumno Oskar Kokoschka fue un importante retratista de la clase alta vienesa. El prolífico artista español Pablo Picasso pintó muchos retratos, entre ellos varias representaciones cubistas de sus amantes, en las que el parecido del sujeto se distorsiona groseramente para lograr una declaración emocional que va más allá de los límites de la caricatura normal. Una destacada retratista de principios del siglo XX, asociada al impresionismo francés, fue Olga Boznańska (1865-1940). Artistas alemanes como Otto Dix y Max Beckmann produjeron notables ejemplos de retratos expresionistas. Beckmann fue un prolífico autorretratista, con al menos veintisiete obras. Amedeo Modigliani pintó muchos retratos en su estilo alargado, que depreciaba la «persona interior» en favor de estrictos estudios de forma y color. Para conseguirlo, restó importancia a los ojos y las cejas, normalmente expresivos, hasta el punto de que las hendiduras se ennegrecen y los arcos son sencillos.

El arte británico estuvo representado por los vorticistas, que pintaron algunos retratos notables a principios del siglo XX. El pintor dadaísta Francis Picabia realizó numerosos retratos a su manera. Además, los retratos de Tamara de Lempicka plasmaron con éxito la época del Art Déco con sus curvas estilizadas, sus ricos colores y sus marcados ángulos. En Estados Unidos, Robert Henri y George Bellows fueron buenos retratistas de la escuela realista americana en las décadas de 1920 y 1930. Max Ernst produjo un ejemplo de retrato colegial moderno con su pintura de 1922 Todos los amigos juntos.

Una contribución significativa al desarrollo de la pintura de retratos de 1930-2000 fue realizada por artistas rusos, que trabajaban principalmente en las tradiciones de la pintura realista y figurativa. Entre ellos hay que citar a Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov y otros.

La producción de retratos en Europa (excluida Rusia) y América disminuyó en general en las décadas de 1940 y 1950, como resultado del creciente interés por la abstracción y el arte no figurativo. Sin embargo, una excepción fue Andrew Wyeth, que se convirtió en el principal retratista realista estadounidense. Con Wyeth, el realismo, aunque evidente, es secundario frente a las cualidades tonales y el estado de ánimo de sus cuadros. Así lo demuestra su emblemática serie de cuadros conocida como «Helga», el mayor grupo de retratos de una sola persona realizado por un artista importante (247 estudios de su vecina Helga Testorf, vestida y desnuda, en distintos entornos, pintados durante el periodo 1971-1985).

En las décadas de 1960 y 1970 se produjo un renacimiento del retrato. Artistas ingleses como Lucian Freud (nieto de Sigmund Freud) y Francis Bacon produjeron cuadros impactantes. Los retratos de Bacon destacan por su calidad de pesadilla. En mayo de 2008, el retrato de Freud Benefits Supervisor Sleeping fue vendido en subasta por Christie’s en Nueva York por 33,6 millones de dólares, estableciendo un récord mundial en el valor de venta de un cuadro de un artista vivo.

Muchos artistas estadounidenses contemporáneos, como Andy Warhol, Alex Katz y Chuck Close, han hecho del rostro humano un punto central de su obra.

Warhol fue uno de los retratistas más prolíficos del siglo XX. El cuadro Orange Shot Marilyn, de Marilyn Monroe, es un ejemplo icónico de su obra de la década de 1960, y Orange Prince (1984), del cantante pop Prince, es un ejemplo posterior, y ambos muestran el estilo gráfico único de Warhol en los retratos.

La especialidad de Close eran los retratos enormes e hiperrealistas de «cabezas» a tamaño de pared basados en imágenes fotográficas. Jamie Wyeth continúa la tradición realista de su padre Andrew, produciendo famosos retratos cuyos temas van desde presidentes hasta cerdos.

• Henri Matisse, La raya verde, Retrato de Madame Matisse, 1905

• Olga Boznańska, Autorretrato, 1906, Museo Nacional de Varsovia

• Umberto Boccioni, Autorretrato, 1906

• Gustav Klimt, Retrato de Adele Bloch-Bauer I, 1907

• Pablo Picasso, Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler, 1910, The Art Institute of Chicago

• Juan Gris, Retrato de Pablo Picasso, 1912

• Amedeo Modigliani, Retrato de Chaim Soutine, 1916

• Boris Grigoriev, Retrato de Vsevolod Meyerhold, 1916

• Boris Kustodiev, Kapitsa y Semyonov, 1921