Una rassegna dei più iconici e importanti designer di gioielli del XX secolo è irta delle stesse insidie soggettive di qualsiasi altro assemblaggio d’arte. In una valutazione dei dipinti modernisti, per esempio, Il tradimento delle immagini di Magritte è relativamente più o meno importante di un’icona artistica di, diciamo, Nudo che scende la scala n. 2 di Duchamp? E così è per i gioielli: Su una breve lista di designer, persone ragionevoli possono essere in disaccordo sui meriti di Gérard Sandoz – dopo tutto, la sua carriera di artista di gemme è stata interrotta da una seconda vita come attore.
Ecco perché è importante assicurarsi che chiunque curi una tale lista di grandi sia qualificato per opinare. E Lee Siegelson conosce certamente le sue gemme. Il gioielliere di terza generazione ha passato anni a valutare, raccogliere e vendere pezzi vintage di qualità da galleria dall’ufficio del marchio sulla Fifth Avenue di Manhattan. Louis, il nonno di Lee, ha avviato l’attività a Brooklyn nel 1920, specializzandosi inizialmente nella riparazione di orologi. Negli anni ’40 – con l’aiuto di suo figlio Herman (il padre di Lee) – Siegelson fece una svolta e iniziò a concentrarsi maggiormente sui gioielli vintage. Nel tempo, ha accumulato un inventario spettacolare di disegni unici. Nella comunità globale dei gioielli, la collezione Siegelson è tra le più rispettate. Ad oggi, molti pezzi sono stati venduti o esposti nei musei, tra cui il Cooper Hewitt di New York e lo Smithsonian.
Chi meglio di Lee Siegelson può quindi guidarci attraverso i 10 designer più iconici e influenti del secolo scorso? L’esperto condurrà un conciso corso intensivo di storia della gioielleria: da Calder a Van Cleef, ci spiegherà cosa contraddistingue ogni artista. Inoltre, quale spilla insolita era la preferita di Jeanne Boivin? Cosa c’entra il design degli aerei con i pezzi di Jean Després? Fidatevi di noi, vorrete mettere in tasca alcune di queste gemme di conversazione per la vostra prossima cena.
Lee Siegelson espone a una fiera di belle arti. Foto: Courtesy Siegelson
Suzanne Belperron
Suzanne Belperron è la più importante designer di gioielli di tutti i tempi. Ha creato un’estetica iconica di disegni audaci e sinuosi che sono immediatamente riconoscibili come Belperron. Infatti, è nota per non firmare i suoi pezzi affermando: “Il mio stile è la mia firma”. E ha assolutamente ragione.
Belperron era nota per l’utilizzo di materiali insoliti in pietra dura intagliata come il quarzo rosa, il cristallo di rocca e il calcedonio come materiale di montaggio per bracciali e anelli. Ha anche spinto i suoi laboratori a creare intricate montature di pietra per pezzi che includevano una grande e varia quantità di tagli di pietra. Ogni montatura doveva essere creata a mano per adattarsi alle singole pietre.
Questa collana a bavaglino è un design iconico di Belperron composto da un campo di rubini ovoidali irregolari intervallati da diamanti, tutti incastonati in platino. Anche se i rubini e i diamanti sembrano essere sparsi a caso, in realtà sono stati collocati con grande cura dal designer, come un pittore impressionista potrebbe spargere gocce di vernice per creare un insieme più bello. Il risultato è una magnifica sensazione liquida.
Belperron era ed è assolutamente riverito da stilisti, editori e indossatori di alta moda. I suoi pezzi sono stati collezionati da Daisy Fellowes, Elsa Schiaparelli, Diana Vreeland, la duchessa di Windsor e Karl Lagerfeld, per citarne alcuni. È la designer più ricercata dalle persone che capiscono che l’abbigliamento e i gioielli possono essere arte.
Collana a bavaglino in rubino e diamanti Art Moderne di Suzanne Belperron, Parigi, 1945 circa. Foto: Courtesy Siegelson
Boivin
Jeanne Boivin (la direttrice di Boivin dopo la morte del marito nel 1917) era la regina della moda e dei gioielli. Era una direttrice femminile della rinomata azienda di gioielli e la sorella di Paul Poiret, il couturier che cambiò per sempre la moda con i suoi disegni innovativi negli anni 1910 e 1920. Jeanne ha dato il via a Suzanne Belperron e ha anche lavorato con Juliette Moutard. Queste tre donne insieme hanno creato alcuni dei gioielli più importanti mai disegnati con un forte stile scultoreo di solito basato sulla natura.
La spilla stella marina è l’apice assoluto del design Boivin, e Jeanne ha anche detto che questa spilla era la sua preferita. Questo gioiello fu acquistato da Claudette Colbert, la star più riconoscibile di Hollywood negli anni ’30 dopo la sua vittoria del premio Oscar per “Accadde una notte”. E lei è ritratta mentre indossa la spilla in una foto d’epoca.
Millicent Rogers ne possedeva una versione successiva ed è stata ritratta mentre la indossava su Vogue. La stella marina Boivin fu effettivamente ritratta in Vogue quattro volte tra il 1937 e il 1945, un numero inaudito di volte per una rivista all’avanguardia della moda.
La stella marina di Claudette Colbert: Una spilla a forma di stella marina di rubino e ametista disegnata da Juliette Moutard per René Boivin, Parigi, 1937. Foto: Courtesy Siegelson
Cartier
Cartier ha creato più grandi pezzi di qualsiasi altro gioielliere – infatti i loro disegni spesso definiscono una particolare epoca o stile. Non c’è materiale o pietra che Cartier non abbia padroneggiato. La dinastia della famiglia Cartier ha attraversato un secolo con una produzione che va dai pezzi d’argento da tavola a prezzi accessibili alle squisite creazioni ingioiellate fatte per i maharaja e i reali europei.
Cartier ha assunto i migliori laboratori e designer e ha dato loro accesso a una vasta biblioteca di libri d’arte e miniature persiane per l’ispirazione. Questo braccialetto sarebbe stato acquistato da un cliente importante. È squisito sia nella costruzione che nel design. La lacca nera rende la forma moderna, mentre il disegno a tre foglie fa un cenno agli stili decorativi esotici. Gli smeraldi verdi si stagliano sulla tavolozza bianca e nera e le perle lucenti sono terminali squisiti. Solo Cartier avrebbe potuto produrre questo pezzo e quando lo si tiene in mano, si può vedere che non c’è nulla fuori posto, è un pezzo perfettamente ponderato e squisito.
Art Deco Diamond, Natural Pearl, Emerald, and Onyx Bangle di Cartier, circa 1925. Foto: Courtesy Siegelson
Van Cleef & Arpels
Van Cleef & Arpels è noto per le sue confezioni assolutamente eleganti. L’azienda eccelleva particolarmente nell’uso di tagli di pietre insoliti e innovazioni di design come l’incastonatura invisibile, la minaudiere e la collana con cerniera. L’azienda ha realizzato pezzi particolarmente belli utilizzando un taglio marquise chiamato navette. Questa collana con frangia di diamanti mostra il modo esperto in cui VCA ha stratificato vari tagli di pietre per accentuare la geometria delle pietre e creare una splendida costruzione che è elegante e lussuosa e sembra moderna e indossabile oggi.
Collana di platino e diamanti di Van Cleef & Arpels, Parigi, 1948. Foto: Courtesy Siegelson
Boucheron
Dal loro inizio nel 1858, Boucheron ha ricevuto l’attenzione alle mostre internazionali per i loro disegni pensati, belli e audaci. All’Exposition des Arts Décoratifs et Industriels di Parigi del 1925, l’azienda creò uno schema di design completo che includeva casse in zigrino rosa decorate con disegni geometrici creati per l’esposizione. (Il braccialetto posseduto da Siegelson ha l’unica scatola rimasta.)
Questo braccialetto, uno dei più importanti pezzi di gioielleria mai realizzati, fu creato per l’Esposizione di Parigi del 1925. Stephen Harrison, curatore di arte decorativa al Cleveland Museum of Art, ha detto “Boucheron ha creato uno straordinario braccialetto di osmio innovativo con rubini cabochon, zaffiri e smeraldi, disposti come bolle che galleggiano nell’acqua”. Il design rivoluzionario di questo pezzo è incentrato sulla disposizione geometrica delle pietre circondate da diamanti che sembrano scivolare sulla superficie del bracciale, scivolando sotto il bordo di diamanti dei pannelli. Aste smaltate nere, posizionate diagonalmente, forniscono una drammatica lamina per le gemme colorate.
Bracciale Art Deco con diamanti, smalto e pietre incastonate di Boucheron. Esposto all’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes del 1925, Parigi. Foto: Courtesy Siegelson
Gérard Sandoz
Gérard Sandoz realizzò i suoi fantastici gioielli solo per un breve periodo all’apice del periodo Art Deco, dal 1920-1931. Personaggio affascinante e irrequieto, era noto per godersi le feste da Maxim’s e alla fine lasciò l’azienda di famiglia che produceva gioielli per una modesta carriera cinematografica.
I suoi gioielli sono un’esplorazione assolutamente pura di forme geometriche in vari materiali, colori e finiture che si combinano per creare una forma complessa a strati. Non c’è nient’altro di simile.
Sandoz stesso ha detto: “È possibile fare gioielli molto belli semplicemente con l’oro e fare orrori con fiumi di diamanti”
Centrato su una barra di platino che passa attraverso un rettangolo d’oro a punta con “denti” d’oro e onice, come quelli di un ingranaggio, questa spilla trae ispirazione direttamente dalle macchine che Sandoz amava. L’elemento centrale è stratificato su uno sfondo di cristallo di rocca smerigliato su un triangolo di pavé di diamanti. In questa spilla magistrale Sandoz ha invertito l’ordine standard dei materiali in un pezzo di alta gioielleria, che tipicamente presentava le pietre più preziose, con il metallo come semplice supporto. Qui, Sandoz usa i diamanti come sfondo, mentre sfrutta l’oro lucido come elemento centrale. Il risultato è un capolavoro di design iconico e importante.
Spilla geometrica Art Deco di Gérard Sandoz, Parigi, 1927 circa. Foto: Courtesy Siegelson
Jean Després
Nato in una famiglia di gioiellieri e per sempre influenzato dalla sua esperienza come progettista di aerei durante la seconda guerra mondiale, Després ha influenzato il corso del design dei gioielli con i suoi pezzi accuratamente disegnati ispirati alle macchine, noti come “bijoux-moteurs.”
Questo braccialetto di Després è un esempio iconico di design Art Moderne che unisce una potente semplicità al design ispirato alle macchine. Il design evoca i denti di un ingranaggio massiccio, mentre il bracciale si assottiglia per adattarsi alla forma del polso. Questo sottile aggiustamento del design riconosce che questo massiccio bracciale è fatto per essere indossato e, come si vede in una foto d’epoca, è elegante al polso.
Bracciale Art Moderne in argento e lacca nera di Jean Després, Parigi, 1931 circa. Esposto al Salon d’Automne, Parigi, 1931. Foto: Courtesy Siegelson
Jean Dunand
Jean Dunand è uno dei più importanti designer Art Deco conosciuto per i suoi mobili in lacca, oggetti decorativi e gioielli. Fu assunto per laccare intere stanze di lusso su favolosi transatlantici come il Normandie.
Dato che Dunand creava ritratti, oltre che arti decorative e gioielli, i suoi ritratti contenevano spesso esempi del suo lavoro. Un famoso e squisito ritratto della sua mentore Madame Agnes è stato messo all’asta di recente, e in esso si vede che indossa una singola collana di giraffe. La giraffa è un’opera iconica per Dunand e parla di un momento specifico degli anni Venti, quando i designer cominciarono ad allontanarsi dall’uso classico di materiali di lusso verso un design più moderno.
Un modello simile fu fatto per Josephine Baker, che era la musa di Dunand, e fu indossato da lei; in una famosa fotografia si vede che indossa la collana (e poco altro).
Di recente è tornata da una grande mostra, The Jazz Age: American Style in the 1920s, al Cooper Hewitt e Cleveland Museum of art, questo è il più grande set conosciuto con sei pezzi totali. Questo è un esempio più grande di quelli posseduti dal Museé de Arts Decoratifs e dal Metropolitan Museum of Art. Questo è il più grande set che probabilmente sarà mai visto sul mercato.
Lacca rossa e nera e set di tre collane e tre bracciali “Giraffe” di Jean Dunand, Parigi, circa 1927. Esposto in The Jazz Age: American Style in the 1920s at the Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, New York. Foto: Courtesy Siegelson
Paul Flato
Paul Flato era l’originale gioielliere delle star, che serviva la crème de la crème di Hollywood. Fondò la sua azienda a New York City nel 1928 e aprì un negozio a Los Angeles nel 1937. Il suo stile figurativo, spesso al limite dell’umorismo, raggiunse il suo apice negli anni ’30 quando Adolph Kleaty, George Headley e Fulco, Duca di Verdura, disegnarono pezzi per lui. Flato creò piume, mani che tenevano fiori e spille che erano scrigni pieni di gioielli, ma con brio.
I suoi saloni erano frequentati da Joan Crawford, Marlene Dietrich e Vivien Leigh, e dai protagonisti Douglas Fairbanks, Laurence Olivier e Orson Welles. I suoi gioielli furono indossati da Katherine Hepburn in Holiday, Greta Garbo in Two Faced Woman, e Rita Hayward in Blood and Sand.
Per questa collana, Verdura trasformò un ordinario oggetto d’uso, una cintura, in una vistosa collana di acquamarina e rubino. Un’impresa notevole in un’epoca in cui la maggior parte dei gioielli presentava fiori o disegni geometrici. La collana è abilmente progettata per sembrare come se la cintura fosse annodata, creando un pezzo che può essere indossato al centro o di lato, come era in Vogue nel 1944.
The Cole Porter Necklace: Una cintura di acquamarina e rubino con collana a fibbia disegnata da Fulco, Duca di Verdura, per Paul Flato, New York, 1935 circa. Foto: Courtesy Siegelson
Alexander Calder
Alexander Calder è meglio conosciuto per i suoi mobili delicatamente bilanciati e le sculture che si muovono in risposta all’aria o al tocco, ma i gioielli erano il suo mezzo più personale e costante. Fatto a mano dall’artista, ogni pezzo era una combinazione unica del suo martellamento e dell’estetica e della grazia contenute nelle sue opere su larga scala. I gioielli di Calder, bohémien ma raffinati, furono raccolti da collezionisti d’arte alla moda tra cui Peggy Guggenheim, Mary Rockefeller e Millicent Rogers.
Creata in filo d’ottone, questa spilla mostra lo stesso senso di movimento che si trova nei suoi mobili e la geometria e il dinamismo che si trovano nelle sue litografie dove spesso esplorava ripetuti cerchi ad incastro.
Elisabeth Agro, curatrice della mostra blockbuster Calder Jewelry ha detto dei gioielli: “Spazio. Si tratta di occupare lo spazio. E lui vede il corpo come un elemento di base per questo altro aspetto del suo lavoro. Non che il corpo si metta in mezzo – il corpo è una parte di questa più grande opera d’arte, quando lo si indossa.”
Spilla “Six Circles” in ottone e acciaio di Alexander Calder, New York, 1940 circa. Foto: Per gentile concessione: Siegelson