L’arte, il design e la fotografia sono legati insieme in molti modi. Molti dei principi che usiamo ogni giorno in fotografia ci sono stati tramandati dai grandi maestri pittori e artisti di tutti i tempi.

I principi fondamentali del design sono l’esempio perfetto. Queste idee sono state usate dai disegnatori e dai pittori per centinaia di anni. I designer grafici li studiano e li applicano a tutto il loro lavoro. E, che se ne rendano conto o no, anche i fotografi li usano costantemente. I principi del design non si applicano solo alla fotografia, ma anche alle comunicazioni di marketing. Per esempio, il processo di creazione di un sito web di portfolio fotografico di successo farebbe anche uso di questi principi di design.

Comprendere i principi del design

I sette principi di base sono i seguenti:

• Equilibrio
• Spazio
• Evidenza
• Movimento
• Contrasto
• Modello o ripetizione
• Unità o armonia

Questi principi esistono da quando gli artisti hanno tradotto il mondo reale su pezzi di tela bidimensionali. A differenza dei pittori, i fotografi non creano fisicamente gli oggetti che catturano. Tuttavia, trasferirli dal mondo tridimensionale su una tela bidimensionale è lo stesso. E questo è l’aspetto più impegnativo di qualsiasi forma d’arte.

Usare i 7 principi del design in fotografia

Questi sette principi lavorano insieme e giocano tra loro. Nessuno di essi si esclude a vicenda, e molti di essi si basano sugli altri per diventare d’impatto. Ma presi nel loro insieme, questi principi sono alla base di ciò che renderà un’immagine di successo.

Suggerimento: Pensa a questi principi di design ogni volta che scatti una nuova fotografia. Lentamente, con la pratica, questi principi diventeranno una seconda natura per te.

Equilibrio

L’equilibrio è un elemento di design che è abbastanza facile da vedere per la maggior parte delle persone, anche se non ci pensano direttamente. Un’immagine sbilanciata sembra sbilanciata.

Gli elementi nella fotografia hanno un peso visivo. E il peso non riguarda solo quanto spazio occupa nell’inquadratura o quanto è grande qualcosa. Il peso visivo di un oggetto deriva da molti fattori, tra cui le dimensioni, la forma, il colore e il contrasto.

Se si fotografa un’immagine di due palle nere identiche, come si fa a farle bilanciare? Si potrebbe rendere l’immagine perfettamente simmetrica lungo il centro dell’inquadratura in modo che ogni metà dell’immagine abbia una delle palle. Questo creerebbe un perfetto esempio di equilibrio simmetrico. Questo è uno dei motivi per cui la simmetria è così piacevole in fotografia.

Ma se una delle palle fosse più lontana da te quando hai scattato la foto? Allora apparirebbe più piccola nell’inquadratura, e sarebbe più difficile bilanciare l’immagine. Non puoi bilanciarla simmetricamente, quindi devi usare una tecnica diversa. Puoi ancora bilanciarla, ma il trucco è cambiare la distanza tra le palle. Spostando la pallina più piccola più lontana da quella più grande, le si darà più peso. La stessa tecnica si applica se le palle sono di colori diversi.

Puoi immaginare le parti della tua immagine come se fossero su un’altalena in un parco giochi scolastico. Due bambini di dimensioni diverse possono fare in modo che l’altalena sia in equilibrio, ma devono cambiare la loro distanza dal fulcro. Esattamente così, si possono spostare oggetti apparentemente sbilanciati intorno alla cornice per bilanciare l’immagine.

Spazio

Lo spazio è positivo o negativo. Lo spazio positivo è pieno di oggetti, mentre quello negativo è vuoto. Molte persone si riferiscono allo spazio negativo come spazio bianco, ma non è necessariamente bianco. È semplicemente uno spazio che non ha un elemento essenziale al suo interno, come un oceano vuoto nel paesaggio marino o un cielo blu in un paesaggio. Queste aree della fotografia sono comunque importanti – aiutano a creare equilibrio con le aree di spazio positivo e occupato.

Emphasis

Emphasis è quanto qualcosa è dominante nella fotografia. Ci sono molti trucchi per far apparire un oggetto più dominante, ma l’idea di base dell’enfasi è che ciò che vuoi che sia d’impatto nella tua immagine sia visto e compreso da chi guarda. I designer usano trucchi come caratteri più grandi, o caratteri in grassetto e di colore diverso per far passare i punti.

Possiamo usare alcuni degli altri principi del design nella fotografia per aiutare a sottolineare ciò che vogliamo. Il contrasto, lo spazio, il modello, il movimento e l’equilibrio possono essere tutti utilizzati per aiutarvi a rendere il vostro soggetto il messaggio più importante che gli spettatori portano via.

Movimento

Nel design e nella fotografia, il movimento si riferisce effettivamente a come lo spettatore guarda la foto quando si avvicina per la prima volta. Quale percorso prende il suo occhio, ed è il modo in cui il fotografo ha voluto?

Uno dei migliori strumenti è l’uso di linee guida per guidare gli spettatori e indicare le cose importanti. Anche lo spazio bianco e l’equilibrio dell’immagine sono strumenti essenziali. Nelle loro forme più elementari, la Regola dei terzi e la Spirale d’oro sono strumenti compositivi che aiutano i fotografi a ottenere il movimento che vogliono all’interno dell’inquadratura.

Contrasto

Il contrasto ha due forme per la fotografia. Può essere mostrato con il tono, dove le aree chiare contrastano con quelle scure. Può anche essere mostrato con i colori, dove i colori opposti l’uno all’altro sulla ruota dei colori contrastano tra loro. Per esempio, il blu contrasta con l’arancione.

Il contrasto è uno strumento prezioso per aiutare i fotografi a sottolineare i loro soggetti. Se una foto ha troppo contrasto in tutta l’immagine, tenderà a confondere lo spettatore. Se c’è troppo poco contrasto, il pubblico potrebbe non vedere ciò che dovrebbe vedere – niente è enfatizzato abbastanza.

Anche lo spazio può essere usato per aggiungere contrasto a un’immagine. Lo spazio bianco vuoto può contrastare con il tuo soggetto o con un gruppo di soggetti. Il vuoto può aggiungere enfasi.

Pattern o ripetizione

Ogni volta che hai un elemento ripetuto in un’immagine, crea un pattern. Gli schemi sono importanti perché l’occhio umano e la mente li cercano naturalmente. Ci attirano e ci fanno interessare al soggetto. Gli schemi sono ovunque intorno a noi ogni giorno, quindi siamo abituati a vederli.

Aggiungere schemi nella tua fotografia è di solito semplice come notarli in primo luogo. I motivi sono ampiamente utilizzati in architettura, e ovunque tu vada con oggetti fatti dall’uomo, sei sicuro di vedere dei motivi.

E naturalmente, il modo in cui inquadri la tua immagine influenzerà notevolmente il motivo. Se usi gli altri principi del design per rendere il motivo più dominante, sarà molto più efficace nell’attirare lo spettatore.

Unità o armonia

L’unità di una composizione è come tutto va bene insieme. Questo non significa che deve essere blanda e noiosa. Significa solo che tutto appartiene e che se un elemento è fuori posto, era quello che il fotografo intendeva. L’esempio perfetto di questo nella fotografia è avere del disordine sullo sfondo. Se la foto è del disordine, il disordine è incredibile. Ma se l’immagine è quella di una modella che posa nella stanza, allora il disordine sta solo rovinando il posto con la distrazione.

Conclusione

I sette principi del design in fotografia sono essenziali da tenere a mente, anche se non sono la prima cosa a cui si pensa quando si tira fuori la macchina fotografica. Con un po’ di pratica con ognuno di essi, e vedrete rapidamente come possono essere utilizzati per migliorare non solo la vostra fotografia, ma anche il vostro branding e le comunicazioni di marketing che vi aiuterebbero a far crescere il vostro business fotografico.