I 10 quadri più famosi di tutti i tempi! Ogni anno milioni di euro vengono spesi dai collezionisti d’arte che sono desiderosi di possedere i dipinti più ricercati al mondo. Tuttavia, i quadri più costosi non sono necessariamente i quadri più famosi. I più noti di questi sono generalmente nelle mani dei musei, che molto raramente saranno venduti, e come tali sono letteralmente senza prezzo. Qui forniamo i 10 dipinti più famosi di tutti i tempi.
La nascita di Venere
La nascita di Venere è un dipinto del pittore italiano Sandro Botticelli. È appeso nella galleria degli Uffizi nella città italiana di Firenze. Il dipinto è realizzato con tempera su tela e misura 172,5 cm per 278,5 cm. Raffigura la dea Venere che sorge dal mare come una donna matura, come descritto nella mitologia greca. Il nome dell’opera, tuttavia, non è del tutto in accordo con l’evento raffigurato su di essa, poiché, secondo la leggenda, Venere nacque dalla schiuma del mare. Tuttavia, questa immagine mostra il suo arrivo a Cipro, in piedi su una conchiglia. Nell’antichità classica, una conchiglia era una metafora per una vagina. La posa della Venere di Botticelli ricorda la Venere dei Medici, una scultura in marmo dell’antichità classica nella collezione dei Medici che Botticelli aveva studiato. Un dettaglio del dipinto è usato come immagine su una delle monete italiane in euro.
Le Ninfee
Le Ninfee sono diversi dipinti impressionisti di ninfee dell’artista francese Claude Monet. Monet fece costruire un giardino colorato con uno stagno nel suo studio a Giverny nel 1890 per essere in grado di dipingere il suo amato motivo in tutti i tipi di condizioni atmosferiche (metà all’aperto). Non doveva più viaggiare tanto ed era più a casa con la moglie e i figli. Monet dipinse molte variazioni diverse su questo tema. Solo nel periodo 1899-1900, fece 18 diversi dipinti di ninfee.
Nel periodo 1914-1926, Monet creò una serie di enormi pannelli murali con ninfee per il Musée de l’Orangerie nelle Tuileries a Parigi (vedi immagine sopra). Poiché Monet era probabilmente in gran parte cieco alla fine della sua vita, avrebbe dipinto questi cosiddetti paesaggi riflessi (paesaggio senza rappresentazione esplicita del cielo o dell’orizzonte) principalmente dalla sua memoria. Donò queste opere al suo buon amico Paul Clemenceau. Clemenceau aveva stimolato Monet, mentre si placava la sua visione, a continuare a dipingere. Monet donò le opere come “omaggio alla pace”. I dipinti sono stati per lungo tempo inaccessibili al pubblico, ma ora sono di nuovo i principali capolavori del museo recentemente rinnovato.
La ronda di notte
La ronda di notte è il dipinto più noto e il capolavoro di Rembrandt van Rijn e può essere visto nella Galleria d’onore del Rijksmuseum. Rembrandt lo dipinse tra il 1639 e il 1642. Il nome ufficiale è: La compagnia del capitano Frans Banning Cocq e del tenente Willem van Ruytenburgh si prepara a partire. Quest’opera, un pezzo di milizia, fu ordinata come ritratto di gruppo da una compagnia della gilda. Fu probabilmente chiamato per la prima volta “La ronda di notte” intorno al 1796/1797. Secondo Ernst van de Wetering, l’opera fallì in un certo senso.
Il valore del dipinto non può essere espresso in denaro. Non è in vendita e non è mai stato in vendita. La compagnia di milizia che commissionò Rembrandt all’epoca era un’istituzione urbana e La ronda di notte è da allora di proprietà del comune di Amsterdam, in prestito perpetuo al Rijksmuseum.
L’urlo
L’urlo è il nome di quattro dipinti e una litografia di Edvard Munch del 1893. La versione originale dell’urlo del 1893 è appesa al Museo Nazionale d’Arte (Nasjonalgalleriet) di Oslo. È considerato il dipinto più commovente di Munch. Esprime la sofferenza spirituale e la molestia emotiva che il pittore ha provato durante certi periodi della sua vita. Munch fu un precursore dell’espressionismo, uno stile che voleva esprimere le emozioni. L’Urlo è un autoritratto psichico di Edvard Munch. È un dipinto basato sulla propria esperienza traumatica.
Una sera Edvard Munch tornò a piedi nella città di Oslo con degli amici. Si fermarono su un ponte. Mentre i suoi amici proseguivano, Edvard si fermò, rapito dal paesaggio e dal cielo con il sole che tramontava. Sentì e sentì il paesaggio intorno a lui urlare. Si sentì impotente e depresso. Questo evento lo impressionò così tanto che in seguito lo registrò su tela.
6. Ragazza con l’orecchino di perla
La Ragazza con l’orecchino di perla è un dipinto del 1665-1667 del maestro olandese Johannes Vermeer. Negli ultimi anni, Ragazza con l’orecchino di perla è diventato il quadro più amato di Vermeer. L’opera è in possesso del Mauritshuis all’Aia. Nessuna delle modelle di Vermeer è mai stata identificata e questo vale anche per questa ragazza. Un possibile candidato è la sua figlia maggiore Maria, che all’epoca aveva dodici, tredici anni.
La ragazza raffigurata indossa un turbante blu con un panno giallo cadente. Il copricapo contrasta con la giacca giallo bruno con il colletto bianco. La perla spicca, una grandiosa creazione di luci e ombre incandescenti e di bordi sfrangiati. Con due pennellate di pittura Vermeer ha dato un accento di luce brillante in alto a sinistra e un riflesso del suo colletto bianco in basso. Date le sue dimensioni, è più un “orecchino a goccia” di vetro laccato che una perla naturale. Sembra che la ragazza, con il suo sguardo disinibito, cerchi un contatto diretto con lo spettatore, come se fosse stata sorpresa da lui. Con la bocca semiaperta, dà l’impressione di voler dire qualcosa. Le sue labbra umide ed extra-rosse le danno un aspetto sensuale.
5. Guernica
Guernica è un dipinto di Pablo Picasso del 1937, che prende il nome dalla località di Guernica nei Paesi Baschi spagnoli. Il motivo del dipinto è il bombardamento di Guernica da parte dei fascisti guidati da Francisco Franco, per spezzare la resistenza dei repubblicani. Il quadro, con le sue enormi dimensioni di 3,49 m di altezza e 7,76 m di larghezza, è una delle opere più impressionanti e controverse di Picasso.
Il quadro mostra la città durante il bombardamento. C’è molto da vedere allo stesso tempo nel dipinto. Un cavallo che si precipita in una casa in preda al panico. Sulla destra, qualcuno cade dal tetto in fiamme e una madre piange il suo bambino morto. Pablo Picasso voleva che il dipinto facesse sentire il caos durante un bombardamento quando si guarda il quadro. Anche lo sfondo è confuso, non c’è differenza tra interno ed esterno. La gente corre fuori dalle loro case in preda al panico.
Il quadro è dipinto con linee e superfici in nero, bianco e grigio per esprimere la guerra. Non è un dipinto realistico. Pablo Picasso ha cercato di trasmettere la sensazione durante il bombardamento, non l’aspetto che aveva. Nella parte anteriore del dipinto c’è un uomo con una spada rotta. Un simbolo per un soldato morto. Il cavallo esprime la paura ed è il simbolo delle vittime innocenti della guerra. La madre con il bambino morto simboleggia il dolore per i caduti. La lampada nel dipinto simboleggia l’esplosione e il bombardamento di Guernica.
La creazione di Adamo
La creazione di Adamo fa parte dell’affresco sulla volta della Cappella Sistina in Vaticano dipinto da Michelangelo intorno al 1511. L’opera è la rappresentazione della storia biblica dal libro della Genesi in cui Dio Padre dà la vita ad Adamo. Dagli affreschi della Genesi nella Cappella Sistina, è cronologicamente la quarta immagine della storia. Michelangelo terminò questo affresco come uno degli ultimi della serie. L’opera misura 4,8 per 2,3 metri.
L’ultima cena
L’ultima cena è un affresco dipinto da Leonardo da Vinci commissionato dal duca Ludovico Sforza nel refettorio di Santa Maria delle Grazie (un monastero domenicano a Milano). È una rappresentazione di una scena dell’Ultima Cena di Gesù, come descritto nella Bibbia e si basa su Giovanni 13: 21-26, in cui Gesù annuncia che uno dei suoi dodici discepoli lo tradirà. Il dipinto è conosciuto in tutto il mondo e la disposizione è un modello iconografico. Poiché non può essere spostato, non è mai stato di proprietà privata. In accordo con altre immagini dell’ultima cena dell’epoca, Leonardo ha ripreso la convenzione di raffigurare tutte le persone a un lato della tavola durante la cena, in modo che nessuno dei presenti sia guardato in fondo. Ma si discosta notevolmente da quella convenzione mettendo anche Giuda lì tra gli altri discepoli, mentre di solito Giuda era posto di fronte agli altri apostoli dall’altra parte della tavola. Un’altra usanza era quella di dotare tutti i discepoli, ad eccezione di Giuda, di un’aureola.
Tuttavia, Leonardo ha optato per un effetto più realistico e drammatico non dotando nessuno di un’aureola, ma mostrando Giuda appoggiato all’ombra. Crea anche un’immagine realistica e psicologica in cui cerca di spiegare perché Giuda e Gesù prendono il pane nello stesso momento, subito dopo che Gesù ha fatto la predizione del tradimento. Gesù è mostrato come se stesse dicendo a Tommaso e Giacomo alla sua sinistra, che sono scioccati perché Gesù indica un pezzo di pane per loro. Distratto dalla conversazione tra Giovanni e Pietro, Giuda tende la mano verso un altro pezzo di pane a cui Gesù tende la mano destra. Tutte le linee prospettiche e anche la luce fanno cadere l’attenzione su Gesù.
La notte stellata
La notte stellata è un dipinto del pittore olandese post-impressionista Vincent van Gogh. Appartiene alla collezione permanente del Museum of Modern Art di New York. L’opera (olio su tela) misura 73 per 92 cm. È vista come il capolavoro di questo pittore. Dal 1888 Van Gogh dipinse diverse opere che assomigliano a La notte stellata. Ha chiamato questo studio il suo studio del cielo stellato. Nel 1888, per esempio, dipinse La notte stellata sopra il Rodano, che è molto simile a questo quadro. Vincent van Gogh realizzò La notte stellata quando era all’ospedale Saint-Paul-de-Mausole a Saint-Rémy-de-Provence nel giugno 1889. Fece anche una serie di disegni a penna con lo stesso soggetto. A metà settembre invia i dipinti della notte stellata a suo fratello a Parigi.
Il dipinto è una scena notturna con stelle gialle sopra una piccola città con colline. È una vista da un punto immaginario su un villaggio con un campanile e sulla sinistra un cipresso fiammeggiante e sulla destra degli ulivi contro le colline. Van Gogh ha usato Delacroix per l’uso di colori complementari. Il dipinto è spesso associato alle parole di Vincent van Gogh: “Perché, mi chiedo, i punti luminosi nel cielo non sarebbero facili da raggiungere come i punti neri sulla mappa della Francia? Proprio come se fossimo sul treno per Tarascon o Rouen, usiamo la morte per viaggiare verso le stelle. “Van Gogh dipinse l’opera in un momento in cui sentiva un forte desiderio di religione. Dopo questo finirà in depressione.
Mona Lisa
La Monna Lisa è un quadro di Leonardo da Vinci dipinto tra il 1503 e il 1507. La tecnica utilizzata è olio su tavola (legno di pioppo). È il ritratto di una signora, probabilmente Lisa Gherardini, la terza moglie di Francesco del Giocondo. Il ritratto è in esposizione permanente al Louvre di Parigi ed è una delle poche opere che è certo essere di Leonardo stesso. È probabilmente una delle opere d’arte più famose al mondo, il quadro riceve circa 20.000 visitatori al giorno.
Il sorriso della Gioconda è praticamente il marchio di fabbrica del quadro come l’ermellino (in realtà un furetto bianco) che è per quell’altro famoso quadro di Leonardo La signora con l’ermellino, il ritratto di Cecilia Gallerani. Si sarebbe potuto chiamare altrettanto facilmente il quadro La dama con il sorriso, e questo si riflette nel nome italiano, perché La Gioconda in realtà significa la felice, la felice. Leonardo trasforma questa idea di essere felice, di essere felice nel tema centrale del suo quadro, anche se non è un’allegria esuberante, la signora sembra soddisfatta e felice. Sono state proposte decine di teorie sul sorriso, una più stravagante dell’altra. Si va dal sorriso di una donna incinta felice al sintomo delle più diverse malattie. Un software che riconoscerebbe le emozioni in base all’espressione facciale ha riconosciuto in essa l’83% di felicità.
