Mondo anticoModifica
Le radici della ritrattistica si trovano probabilmente nella preistoria, anche se poche di queste opere sopravvivono oggi. Nell’arte delle antiche civiltà della Mezzaluna Fertile, specialmente in Egitto, abbondano le rappresentazioni di sovrani e governanti come divinità. Tuttavia, la maggior parte di queste erano fatte in modo altamente stilizzato, e la maggior parte di profilo, di solito su pietra, metallo, argilla, gesso o cristallo. La ritrattistica egiziana poneva relativamente poca enfasi sulla somiglianza, almeno fino al periodo di Akhenaton nel XIV secolo a.C. La pittura di ritratti di notabili in Cina risale probabilmente a più del 1000 a.C., anche se nessuno sopravvive di quell’epoca. I ritratti cinesi esistenti risalgono a circa il 1000 d.C., ma non hanno posto molta enfasi sulla somiglianza fino a qualche tempo dopo.
Dalle prove letterarie sappiamo che la pittura greca antica includeva ritratti, spesso molto accurati se si deve credere alle lodi degli scrittori, ma non rimangono esempi dipinti. Teste scolpite di governanti e personaggi famosi come Socrate sopravvivono in una certa quantità, e come i busti individualizzati dei governanti ellenistici sulle monete, mostrano che la ritrattistica greca poteva raggiungere una buona somiglianza, e i soggetti, almeno delle figure letterarie, erano raffigurati con relativamente poca adulazione – i ritratti di Socrate mostrano perché aveva la reputazione di essere brutto. I successori di Alessandro Magno iniziarono la pratica di aggiungere la sua testa (come figura divinizzata) alle loro monete, e presto usarono la loro.
La ritrattistica romana adottò tradizioni di ritrattistica sia dagli Etruschi che dai Greci, e sviluppò una tradizione molto forte, legata al loro uso religioso di ritratti di antenati, così come alla politica romana. Di nuovo, le poche sopravvivenze dipinte, nei ritratti del Fayum, nella Tomba di Aline e nel Tondo Severiano, tutti dall’Egitto sotto il dominio romano, sono chiaramente produzioni provinciali che riflettono stili greci piuttosto che romani, ma abbiamo una ricchezza di teste scolpite, compresi molti ritratti individualizzati da tombe della classe media, e migliaia di tipi di ritratti di monete.
Il più grande gruppo di ritratti dipinti sono le pitture funerarie sopravvissute nel clima secco del distretto egiziano del Fayum (vedi illustrazione, sotto), datate dal II al IV secolo d.C. Questi sono quasi gli unici dipinti del periodo romano che sono sopravvissuti, a parte gli affreschi, anche se è noto dagli scritti di Plinio il Vecchio che la ritrattistica era ben stabilita in epoca greca, e praticata da artisti sia uomini che donne. Ai suoi tempi, Plinio si lamentava dello stato di declino dell’arte romana dei ritratti: “La pittura dei ritratti, che era solita trasmettere attraverso i secoli le sembianze accurate delle persone, si è completamente spenta… L’indolenza ha distrutto le arti”. Questi ritratti a tutto tondo dell’Egitto romano sono eccezioni fortunate. Presentano un senso piuttosto realistico delle proporzioni e dei dettagli individuali (anche se gli occhi sono generalmente sovradimensionati e l’abilità artistica varia considerevolmente da artista a artista). I ritratti del Fayum erano dipinti su legno o avorio con colori a cera e resina (encausto) o a tempera, e inseriti nell’involucro della mummia, per rimanere con il corpo attraverso l’eternità.
Mentre la ritrattistica libera diminuiva a Roma, l’arte del ritratto fioriva nella scultura romana, dove i clienti richiedevano realismo, anche se non lusinghiero. Durante il IV secolo, il ritratto scolpito dominò, con una ritirata in favore di un simbolo idealizzato dell’aspetto di quella persona. (Confronta i ritratti degli imperatori romani Costantino I e Teodosio I) Nel periodo tardo antico l’interesse in una somiglianza individuale diminuì considerevolmente, e la maggior parte dei ritratti nelle monete tardo romane e nei dittici consolari non sono quasi per niente individualizzati, anche se allo stesso tempo l’arte paleocristiana stava evolvendo immagini abbastanza standardizzate per la rappresentazione di Gesù e le altre figure principali dell’arte cristiana, come Giovanni Battista e San Pietro.
MedioevoModifica
La maggior parte dei ritratti del primo Medioevo erano ritratti di donatori, inizialmente soprattutto di papi nei mosaici romani, e manoscritti miniati, un esempio è un autoritratto della scrittrice, mistica, scienziata, miniatrice e musicista Ildegarda di Bingen (1152). Come per le monete contemporanee, c’è stato uno scarso tentativo di somiglianza. I monumenti sepolcrali in pietra si diffusero nel periodo romanico. Tra il 1350-1400, le figure secolari cominciarono a riapparire in affreschi e dipinti su tavola, come nel Maestro Teodorico che riceve la fedeltà di Carlo IV, e i ritratti divennero di nuovo chiare sembianze.
Alla fine del secolo, i primi ritratti a olio di individui contemporanei, dipinti su piccoli pannelli di legno, emersero in Borgogna e Francia, prima come profili, poi in altre vedute. Il dittico di Wilton del 1400 circa è uno dei due ritratti su tavola di Riccardo II d’Inghilterra, il primo re inglese di cui abbiamo esempi contemporanei.
Alla fine del Medioevo, nel XV secolo, la pittura del primo Olandese fu la chiave per lo sviluppo del ritratto individualizzato. I maestri includevano Jan van Eyck, Robert Campin e Rogier van der Weyden, tra gli altri. Furono commissionati ritratti su tavola piuttosto piccoli, a dimensioni inferiori alla metà della vita, non solo di figure di corte, ma anche di quelli che dai loro abiti relativamente semplici sembrano essere ricchi cittadini. Le miniature nei manoscritti miniati includevano anche ritratti individualizzati, di solito del committente. Nei dipinti religiosi, i ritratti dei donatori cominciarono ad essere mostrati come presenti, o partecipare alle principali scene sacre mostrate, e nelle immagini di corte più private i soggetti apparivano anche come figure significative come la Vergine Maria.
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Robert Campin (c. 1375 – 1444), Ritratto di giovane donna (in coppia con suo marito), 1430-1435. Lo stile di Van der Weyden fu fondato su quello di Campin.
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Ritratto di Arnolfini, di Jan van Eyck, 1434
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Rogier van der Weyden, Ritratto di signora, c. 1460
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Uno dei primi autoritratti autonomi, Jean Fouquet, c. 1450
RinascimentoEdit
In parte per interesse nel mondo naturale e in parte per interesse nelle culture classiche della Grecia antica e Roma, I ritratti, sia dipinti che scolpiti, ebbero un ruolo importante nella società rinascimentale e furono valutati come oggetti e come rappresentazioni del successo e dello status terreno. La pittura in generale raggiunse un nuovo livello di equilibrio, armonia e intuizione, e i più grandi artisti (Leonardo, Michelangelo e Raffaello) furono considerati “geni”, innalzandosi ben al di sopra dello status di commerciante a stimati servitori della corte e della chiesa.
Se il poeta dice che può infiammare gli uomini d’amore…
il pittore ha il potere di fare lo stesso…
in quanto può mettere davanti all’amante
la vera immagine di colui che è amato,
facendolo spesso baciare e parlare con essa.
-Leonardo de’ Vinci
Molte innovazioni nelle varie forme di ritrattistica si svilupparono durante questo periodo fertile. Iniziò la tradizione del ritratto in miniatura, che rimase popolare fino all’epoca della fotografia, sviluppandosi dall’abilità dei pittori delle miniature nei manoscritti miniati. I ritratti di profilo, ispirati agli antichi medaglioni, furono particolarmente popolari in Italia tra il 1450 e il 1500. Le medaglie, con le loro immagini su due lati, ispirarono anche una breve moda per i dipinti su due lati all’inizio del Rinascimento. La scultura classica, come l’Apollo Belvedere, influenzò anche la scelta delle pose utilizzate dai ritrattisti rinascimentali, pose che hanno continuato ad essere utilizzate attraverso i secoli. Ginevra de’ Benci di Leonardo (c. 1474-8) è uno dei primi ritratti di tre quarti conosciuti nell’arte italiana.
Gli artisti dell’Europa settentrionale hanno aperto la strada ai ritratti realistici di soggetti profani. Il maggior realismo e dettaglio degli artisti nordici durante il XV secolo era dovuto in parte alle pennellate più fini e agli effetti possibili con i colori ad olio, mentre i pittori italiani e spagnoli usavano ancora la tempera. Tra i primi pittori a sviluppare la tecnica a olio fu Jan van Eyck. I colori ad olio possono produrre più consistenza e gradi di spessore, e possono essere stratificati più efficacemente, con l’aggiunta di strati sempre più spessi uno sull’altro (conosciuti dai pittori come ‘grasso su magro’). Inoltre, i colori ad olio si asciugano più lentamente, permettendo all’artista di apportare modifiche prontamente, come ad esempio alterare i dettagli del viso. Antonello da Messina fu uno dei primi italiani a trarre vantaggio dall’olio. Formatosi in Belgio, si stabilì a Venezia intorno al 1475, e fu una grande influenza su Giovanni Bellini e sulla scuola del Nord Italia. Durante il XVI secolo, l’olio come mezzo si diffuse in tutta Europa, permettendo una resa più sontuosa di abiti e gioielli. A influenzare la qualità delle immagini fu anche il passaggio dal legno alla tela, che iniziò in Italia nella prima parte del XVI secolo e si diffuse nel Nord Europa nel secolo successivo. La tela resiste meglio del legno alle crepe, trattiene meglio i pigmenti e ha bisogno di meno preparazione, ma inizialmente era molto più scarsa del legno.
Presto, i nordeuropei abbandonarono il profilo e iniziarono a produrre ritratti di volume e prospettiva realistici. Nei Paesi Bassi, Jan van Eyck fu uno dei principali ritrattisti. Il Matrimonio Arnolfini (1434, National Gallery, Londra) è una pietra miliare dell’arte occidentale, un primo esempio di ritratto di coppia a figura intera, superbamente dipinto con colori ricchi e dettagli squisiti. Ma ugualmente importante, mette in mostra la nuova tecnica sviluppata della pittura a olio sperimentata da van Eyck, che ha rivoluzionato l’arte e si è diffusa in tutta Europa.
I ritrattisti tedeschi leader tra cui Lucas Cranach, Albrecht Dürer, e Hans Holbein il Giovane che hanno tutti imparato la tecnica della pittura a olio. Cranach fu uno dei primi artisti a dipingere a grandezza naturale commissioni a figura intera, una tradizione popolare da allora in poi. A quel tempo, l’Inghilterra non aveva ritrattisti di primo livello, e artisti come Holbein erano richiesti dai mecenati inglesi. Il suo dipinto di Sir Thomas More (1527), il suo primo patrono importante in Inghilterra, ha quasi il realismo di una fotografia. Holbein fece il suo grande successo dipingendo la famiglia reale, incluso Enrico VIII. Dürer fu un disegnatore eccezionale e uno dei primi grandi artisti a realizzare una sequenza di autoritratti, incluso un dipinto a tutto tondo. Mise anche la sua figura di autoritratto (come spettatore) in molti dei suoi dipinti religiosi. Dürer iniziò a fare autoritratti all’età di tredici anni. Più tardi, Rembrandt avrebbe amplificato questa tradizione.
In Italia, Masaccio aprì la strada alla modernizzazione dell’affresco adottando una prospettiva più realistica. Filippo Lippi aprì la strada sviluppando contorni più nitidi e linee sinuose e il suo allievo Raffaello estese il realismo in Italia a un livello molto più alto nei decenni successivi con i suoi monumentali dipinti murali. Durante questo periodo, il ritratto di fidanzamento divenne popolare, una particolare specialità di Lorenzo Lotto. Durante il primo Rinascimento, i ritratti erano generalmente piccoli e talvolta coperti da coperchi protettivi, incernierati o scorrevoli.
Durante il Rinascimento, la nobiltà fiorentina e milanese, in particolare, voleva rappresentazioni più realistiche di se stessa. La sfida di creare vedute complete e di tre quarti convincenti stimolò la sperimentazione e l’innovazione. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, Leonardo da Vinci e altri artisti ampliarono la loro tecnica di conseguenza, aggiungendo la ritrattistica ai tradizionali soggetti religiosi e classici. Leonardo e Pisanello furono tra i primi artisti italiani ad aggiungere simboli allegorici ai loro ritratti secolari.
Uno dei ritratti più noti nel mondo occidentale è il dipinto di Leonardo da Vinci intitolato Monna Lisa, chiamato per Lisa del Giocondo, un membro della famiglia Gherardini di Firenze e Toscana e la moglie del ricco mercante di seta fiorentino Francesco del Giocondo. Il famoso “sorriso di Monna Lisa” è un eccellente esempio di applicazione di una sottile asimmetria a un volto. Nei suoi taccuini, Leonardo consiglia sulle qualità della luce nella pittura di ritratto:
Un grado molto alto di grazia nella luce e nell’ombra si aggiunge alle facce di coloro che siedono nelle porte delle stanze che sono scure, dove gli occhi dell’osservatore vedono la parte in ombra della faccia oscurata dalle ombre della stanza, e vedono la parte illuminata della faccia con la maggiore brillantezza che l’aria le dà. Attraverso questo aumento delle ombre e delle luci, il volto riceve un maggior rilievo.
Leonardo fu allievo del Verrocchio. Dopo essere diventato membro della Gilda dei Pittori, iniziò ad accettare commissioni indipendenti. A causa dei suoi vasti interessi e in accordo con la sua mente scientifica, la sua produzione di disegni e studi preliminari è immensa anche se la sua produzione artistica finita è relativamente piccola. Altri suoi ritratti memorabili furono quelli delle nobildonne Ginevra de’ Benci e Cecilia Gallerani.
I ritratti su commissione di Raffaello sono molto più numerosi di quelli di Leonardo e mostrano una maggiore varietà di pose, illuminazione e tecnica. Piuttosto che produrre innovazioni rivoluzionarie, il grande risultato di Raffaello fu quello di rafforzare e raffinare le correnti in evoluzione dell’arte rinascimentale. Era particolarmente esperto nel ritratto di gruppo. Il suo capolavoro, la Scuola di Atene, è uno dei più importanti affreschi di gruppo, contenente le sembianze di Leonardo, Michelangelo, Bramante e lo stesso Raffaello, nelle vesti di filosofi antichi. Non è stato il primo ritratto di gruppo di artisti. Decenni prima, Paolo Uccello aveva dipinto un ritratto di gruppo che includeva Giotto, Donatello, Antonio Manetti e Brunelleschi. Man mano che saliva di importanza, Raffaello divenne uno dei ritrattisti preferiti dai papi. Mentre molti artisti del Rinascimento accettarono con entusiasmo commissioni di ritratti, alcuni artisti le rifiutarono, in particolare il rivale di Raffaello, Michelangelo, che invece intraprese le enormi commissioni della Cappella Sistina.
A Venezia intorno al 1500, Gentile Bellini e Giovanni Bellini dominarono la ritrattistica. Essi ricevettero le commissioni più alte dai principali funzionari dello stato. Il ritratto di Bellini del Doge Loredan è considerato uno dei più bei ritratti del Rinascimento e dimostra abilmente la padronanza dell’artista delle nuove tecniche di pittura a olio. Bellini è anche uno dei primi artisti in Europa a firmare le proprie opere, sebbene raramente le datasse. Più tardi nel XVI secolo, Tiziano assunse più o meno lo stesso ruolo, in particolare espandendo la varietà di pose e sedute dei suoi soggetti reali. Tiziano fu forse il primo grande ritrattista bambino. Dopo Tiziano, Tintoretto e Veronese divennero i principali artisti veneziani, aiutando la transizione al manierismo italiano. I manieristi contribuirono a molti ritratti eccezionali che enfatizzavano la ricchezza materiale e le pose elegantemente complesse, come nelle opere di Agnolo Bronzino e Jacopo da Pontormo. Bronzino raggiunse la sua fama ritraendo la famiglia Medici. Il suo audace ritratto di Cosimo I de’ Medici, mostra l’austero sovrano in armatura con un occhio diffidente rivolto alla sua estrema destra, in netto contrasto con la maggior parte dei dipinti reali che mostrano i loro personaggi come sovrani benigni. El Greco, che si formò a Venezia per dodici anni, andò in una direzione più estrema dopo il suo arrivo in Spagna, enfatizzando la sua “visione interiore” del personaggio al punto di diminuire la realtà dell’aspetto fisico. Uno dei migliori ritrattisti del XVI secolo in Italia fu Sofonisba Anguissola da Cremona, che infuse i suoi ritratti individuali e di gruppo con nuovi livelli di complessità.
La ritrattistica di corte in Francia iniziò quando l’artista fiammingo Jean Clouet dipinse il suo opulento ritratto di Francesco I di Francia intorno al 1525. Re Francesco era un grande mecenate di artisti e un avaro collezionista d’arte che invitò Leonardo da Vinci a vivere in Francia durante i suoi ultimi anni. La Gioconda rimase in Francia dopo la morte di Leonardo.
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Pisanello, forse Ginevra d’Este, 1440 circa
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Giovane di Sandro Botticelli, 1483 circa. Una prima posa integrale italiana.
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Fossalmente Raffaello, 1518 circa, Isabel de Requesens. Lo stile e il formato dell’Alto Rinascimento furono enormemente influenti per i grandi ritratti successivi.
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Christiane von Eulenau di Lucas Cranach il Vecchio, 1534
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Lucrezia Panciatichi, di Agnolo Bronzino, 1540
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Papa Paolo III e i suoi nipoti, Tiziano, 1546
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Maarten van Heemskerck (1498-1574), Famiglia di Pieter Jan Foppesz, prima del c.1532, considerato il primo ritratto di famiglia, nella ritrattistica olandese.
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Carles V di Tiziano, 1548, un ritratto equestre seminale.
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Il ritratto Armada di Elisabetta I d’Inghilterra, 1588 circa. Il ritratto stilizzato di Elisabetta I d’Inghilterra fu unico in Europa.
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Ritratto di un cardinale, probabilmente Fernando Niño de Guevara, El Greco, c. 1600
Barocco e RococòEdit
Durante i periodi barocco e rococò (XVII e XVIII secolo, rispettivamente), i ritratti divennero ancora più importanti registrazioni di status e posizione. In una società dominata sempre più da leader secolari in corti potenti, le immagini di figure opulente erano un mezzo per affermare l’autorità di individui importanti. I pittori fiamminghi Sir Anthony van Dyck e Peter Paul Rubens eccellevano in questo tipo di ritrattistica, mentre Jan Vermeer produceva ritratti soprattutto della classe media, al lavoro e al gioco in interni. Il ritratto di Rubens di se stesso e della sua prima moglie (1609) nel loro abito da sposa è un esempio virtuoso del ritratto di coppia. La fama di Rubens si estese oltre la sua arte: fu un cortigiano, un diplomatico, un collezionista d’arte e un uomo d’affari di successo. Il suo studio era uno dei più estesi di quel tempo, impiegando specialisti in nature morte, paesaggi, animali e scene di genere, oltre alla ritrattistica. Van Dyck si formò lì per due anni. Carlo I d’Inghilterra prima impiegò Rubens, poi importò van Dyck come pittore di corte, facendolo cavaliere e conferendogli lo status di corte. Van Dyck non solo adattò i metodi di produzione e le abilità commerciali di Rubens, ma anche le sue maniere eleganti e il suo aspetto. Come è stato registrato, “Andava sempre vestito magnificamente, aveva un equipaggiamento numeroso e galante, e teneva una tavola così nobile nel suo appartamento, che pochi principi non erano più visitati, o meglio serviti”. In Francia, Hyacinthe Rigaud dominò più o meno allo stesso modo, come un notevole cronista della regalità, dipingendo i ritratti di cinque re francesi.
Una delle innovazioni dell’arte rinascimentale fu il miglioramento della resa delle espressioni facciali per accompagnare diverse emozioni. In particolare, il pittore olandese Rembrandt esplorò le molte espressioni del volto umano, specialmente come uno dei primi autoritrattisti (ne dipinse più di 60 durante la sua vita). Questo interesse per il volto umano favorì anche la creazione delle prime caricature, accreditate all’Accademia degli Incamminati, gestita dai pittori della famiglia Carracci nel tardo XVI secolo a Bologna, in Italia.
I ritratti di gruppo furono prodotti in gran numero durante il periodo barocco, particolarmente nei Paesi Bassi. A differenza del resto d’Europa, gli artisti olandesi non ricevettero commissioni dalla Chiesa calvinista che aveva proibito tali immagini o dall’aristocrazia che era praticamente inesistente. Invece, le commissioni provenivano da associazioni civiche e commerciali. Il pittore olandese Frans Hals usava pennellate fluide di colori vivaci per animare i suoi ritratti di gruppo, compresi quelli delle guardie civili di cui faceva parte. Rembrandt beneficiò molto da tali commissioni e dal generale apprezzamento dell’arte da parte dei clienti borghesi, che sostenevano la ritrattistica così come la pittura di nature morte e paesaggi. Inoltre, i primi mercati significativi di arte e mercanti fiorirono in Olanda in quel periodo.
Con un sacco di domanda, Rembrandt fu in grado di sperimentare la composizione e la tecnica non convenzionale, come il chiaroscuro. Egli dimostrò queste innovazioni, sperimentate da maestri italiani come Caravaggio, in particolare nella sua famosa Ronda di notte (1642). La Lezione di anatomia del dottor Tulp (1632) è un altro bell’esempio della padronanza di Rembrandt della pittura di gruppo, in cui immerge il cadavere in una luce brillante per attirare l’attenzione sul centro del dipinto, mentre gli abiti e lo sfondo si fondono in nero, facendo risaltare i volti del chirurgo e degli studenti. È anche il primo dipinto che Rembrandt firmò con il suo nome completo.
In Spagna, Diego Velázquez dipinse Las Meninas (1656), uno dei ritratti di gruppo più famosi ed enigmatici di tutti i tempi. Esso commemora l’artista e i figli della famiglia reale spagnola, e apparentemente i posatori sono la coppia reale che sono visti solo come riflessi in uno specchio. Iniziando come pittore di genere, Velázquez salì rapidamente alla ribalta come pittore di corte di Filippo IV, eccellendo nell’arte del ritratto, in particolare nell’estendere la complessità dei ritratti di gruppo.
Gli artisti rococò, che erano particolarmente interessati alla ricca e intricata ornamentazione, erano maestri del ritratto raffinato. La loro attenzione ai dettagli dell’abbigliamento e della trama aumentava l’efficacia dei ritratti come testimonianza della ricchezza mondana, come evidenziato dai famosi ritratti di François Boucher di Madame de Pompadour vestita con abiti di seta svolazzanti.
I primi grandi ritrattisti nativi della scuola britannica furono i pittori inglesi Thomas Gainsborough e Sir Joshua Reynolds, che erano anche specializzati nel vestire i loro soggetti in modo accattivante. Il Blue Boy di Gainsborough è uno dei ritratti più famosi e riconosciuti di tutti i tempi, dipinto con pennelli molto lunghi e colore ad olio sottile per ottenere l’effetto scintillante del costume blu. Gainsborough era anche noto per le sue elaborate ambientazioni di sfondo per i suoi soggetti.
I due artisti britannici avevano opinioni opposte sull’uso degli assistenti. Reynolds li impiegava regolarmente (a volte facendo solo il 20% del dipinto stesso) mentre Gainsborough lo faceva raramente. A volte un cliente avrebbe estratto un impegno dall’artista, come fece Sir Richard Newdegate dal ritrattista Peter Lely (successore di van Dyck in Inghilterra), che promise che il ritratto sarebbe stato “dall’inizio alla fine disegnato con le mie mani”. A differenza dell’esattezza impiegata dai maestri fiamminghi, Reynolds riassunse il suo approccio alla ritrattistica affermando che “la grazia, e, possiamo aggiungere, la somiglianza, consiste più nel prendere l’aria generale, che nell’osservare l’esatta similitudine di ogni caratteristica”. Anche William Hogarth era in primo piano in Inghilterra, che osò andare contro i metodi convenzionali introducendo tocchi di umorismo nei suoi ritratti. Il suo “Autoritratto con carlino” è chiaramente più una presa in giro del suo animale domestico che un dipinto autoindulgente.
Nel XVIII secolo, le pittrici acquisirono nuova importanza, in particolare nel campo della ritrattistica. Tra le artiste degne di nota vi sono la pittrice francese Élisabeth Vigée-Lebrun, la pastellista italiana Rosalba Carriera e l’artista svizzera Angelica Kauffman. Sempre durante quel secolo, prima dell’invenzione della fotografia, i ritratti in miniatura – dipinti con incredibile precisione e spesso racchiusi in medaglioni d’oro o smaltati – erano molto apprezzati.
Negli Stati Uniti, John Singleton Copley, educato nella raffinata maniera britannica, divenne il principale pittore di ritratti a grandezza naturale e in miniatura, con le sue immagini iperrealistiche di Samuel Adams e Paul Revere particolarmente apprezzate. Copley è anche notevole per i suoi sforzi di fondere la ritrattistica con l’arte accademica più venerata della pittura storica, cosa che tentò con i suoi ritratti di gruppo di famosi militari. Altrettanto famoso fu Gilbert Stuart che dipinse più di 1.000 ritratti e fu particolarmente noto per la sua ritrattistica presidenziale. Stuart dipinse più di 100 repliche del solo George Washington. Stuart lavorava velocemente e impiegava pennellate più morbide e meno dettagliate di Copley per catturare l’essenza dei suoi soggetti. A volte faceva diverse versioni per un cliente, permettendo al cliente di scegliere la sua preferita. Noto per i suoi toni rosei delle guance, Stuart scrisse: “La carne è come nessun’altra sostanza sotto il cielo. Ha tutta l’allegria della bottega del mercante di seta senza la sua lucentezza, e tutta la morbidezza del vecchio mogano, senza la sua tristezza”. Altri importanti ritrattisti americani dell’epoca coloniale furono John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale e Rembrandt Peale.
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Filippo IV in marrone e argento, Diego Velázquez, 1632
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Sir Kenelm Digby di Anthony Van Dyck, c. 1640
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Rembrandt van Rijn, Ritratto di Jan Six, 1654
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Pastello di Madame de Pompadour, Maurice Quentin de La Tour, metà del XVIII secolo
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Thomas Kerrich (1748-1828), di Pompeo Batoni
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John Durand, The Rapalje Children, 1768, New-York Historical Society, New York City
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John Singleton Copley, Paul Revere, 1770
XIX secoloEdit
Nella fine del XVIII secolo e all’inizio del XIX, gli artisti neoclassici continuarono la tradizione di ritrarre i soggetti nelle ultime mode, che per le donne allora significava abiti diafani derivati dagli antichi stili di abbigliamento greci e romani. Gli artisti usavano la luce diretta per definire la struttura e la semplice rotondità dei volti e delle membra. I pittori francesi Jacques-Louis David e Jean-Auguste-Dominique Ingres dimostrarono virtuosismo in questa tecnica da disegnatore e un occhio attento al carattere. Ingres, un allievo di David, è notevole per i suoi ritratti in cui uno specchio è dipinto dietro il soggetto per simulare una vista posteriore del soggetto. Il suo ritratto di Napoleone sul suo trono imperiale è un tour de force della ritrattistica regale. (vedi galleria sotto)
Gli artisti romantici che lavorarono durante la prima metà del XIX secolo dipinsero ritratti di leader ispirati, belle donne e soggetti agitati, usando pennellate vivaci e un’illuminazione drammatica, a volte lunatica. Gli artisti francesi Eugène Delacroix e Théodore Géricault dipinsero ritratti particolarmente belli di questo tipo, specialmente di focosi cavalieri. Un esempio notevole di artista del periodo romantico in Polonia, che praticò il ritratto di cavaliere fu Piotr Michałowski (1800-1855). Degna di nota è anche la serie di ritratti di malati mentali di Géricault (1822-1824). Il pittore spagnolo Francisco de Goya dipinse alcune delle immagini più ricercate e provocatorie del periodo, tra cui La maja desnuda (1797-1800 circa), così come i famosi ritratti di corte di Carlo IV.
Gli artisti realisti del XIX secolo, come Gustave Courbet, crearono ritratti oggettivi raffiguranti persone della classe bassa e media. Dimostrando il suo romanticismo, Courbet dipinse diversi autoritratti che mostravano se stesso in vari stati d’animo ed espressioni. Altri realisti francesi includono Honoré Daumier che produsse molte caricature dei suoi contemporanei. Henri de Toulouse-Lautrec fece la cronaca di alcuni dei famosi interpreti del teatro, tra cui Jane Avril, catturandoli in movimento. Il pittore francese Édouard Manet, fu un importante artista di transizione il cui lavoro è in bilico tra realismo e impressionismo. Era un ritrattista di eccezionale intuizione e tecnica, con il suo dipinto di Stéphane Mallarmé che è un buon esempio del suo stile di transizione. Il suo contemporaneo Edgar Degas era principalmente un realista e il suo dipinto Ritratto della famiglia Bellelli è una resa perspicace di una famiglia infelice e uno dei suoi migliori ritratti.
In America, Thomas Eakins regnò come primo ritrattista, portando il realismo ad un nuovo livello di franchezza, specialmente con i suoi due ritratti di chirurghi al lavoro, così come quelli di atleti e musicisti in azione. In molti ritratti, come il “Ritratto della signora Edith Mahon”, Eakins trasmette audacemente le emozioni poco lusinghiere del dolore e della malinconia.
I realisti cedettero per lo più il passo agli impressionisti negli anni 1870. In parte a causa delle loro scarse entrate, molti degli impressionisti si affidavano alla famiglia e agli amici per posare per loro, e dipingevano gruppi intimi e figure singole sia all’aperto che in interni pieni di luce. Noti per le loro superfici scintillanti e le loro ricche macchie di colore, i ritratti impressionisti sono spesso disarmanti, intimi e attraenti. I pittori francesi Claude Monet e Pierre-Auguste Renoir crearono alcune delle immagini più popolari di singoli individui e gruppi. L’artista americana Mary Cassatt, che si formò e lavorò in Francia, è popolare ancora oggi per i suoi coinvolgenti dipinti di madri e bambini, così come Renoir. Paul Gauguin e Vincent van Gogh, entrambi post-impressionisti, hanno dipinto ritratti rivelatori di persone che conoscevano, vorticosi nel colore ma non necessariamente lusinghieri. Sono ugualmente, se non di più, celebrati per i loro potenti autoritratti.
John Singer Sargent ha anche attraversato il cambio di secolo, ma ha rifiutato l’impressionismo e il post-impressionismo palesi. Fu il ritrattista di maggior successo della sua epoca, utilizzando una tecnica prevalentemente realistica spesso effusa con l’uso brillante del colore. Fu ugualmente abile nei ritratti individuali e di gruppo, in particolare delle famiglie dell’alta società. Sargent nacque a Firenze da genitori americani. Studiò in Italia e in Germania e a Parigi. Sargent è considerato l’ultimo grande esponente della tradizione britannica del ritratto che inizia con van Dyck. Un altro importante ritrattista americano che si formò all’estero fu William Merritt Chase. La pittrice di società americana Cecilia Beaux, chiamata la “donna Sargent”, nacque da un padre francese, studiò all’estero e ottenne successo in patria, attenendosi ai metodi tradizionali. Un altro ritrattista paragonato a Sargent per la sua tecnica lussureggiante fu l’artista parigino di origine italiana Giovanni Boldini, amico di Degas e Whistler.
L’internazionalista americano James Abbott McNeill Whistler era ben collegato con gli artisti europei e dipinse anche alcuni ritratti eccezionali, il più famoso dei quali è Arrangement in Grey and Black, The Artist’s Mother (1871), noto anche come la Madre di Whistler. Anche con i suoi ritratti, come con i suoi paesaggi tonali, Whistler voleva che i suoi spettatori si concentrassero sulla disposizione armonica della forma e del colore nei suoi dipinti. Whistler ha usato una tavolozza sommessa per creare gli effetti desiderati, sottolineando l’equilibrio dei colori e i toni morbidi. Come ha dichiarato, “come la musica è la poesia del suono, così la pittura è la poesia della vista, e il soggetto non ha nulla a che fare con l’armonia del suono o del colore”. Forma e colore erano anche centrali nei ritratti di Cézanne, mentre il colore ancora più estremo e la tecnica della pennellata dominano i ritratti di André Derain, e Henri Matisse.
Lo sviluppo della fotografia nel XIX secolo ebbe un effetto significativo sulla ritrattistica, soppiantando la precedente camera oscura che era stata anche precedentemente usata come aiuto nella pittura. Molti modernisti accorsero agli studi fotografici per farsi ritrarre, compreso Baudelaire che, sebbene proclamasse la fotografia un “nemico dell’arte”, si trovò attratto dalla franchezza e dal potere della fotografia. Fornendo un’alternativa a buon mercato, la fotografia soppiantò gran parte del livello più basso della ritrattistica. Alcuni artisti realisti, come Thomas Eakins e Edgar Degas, erano entusiasti della fotografia fotografica e la trovavano un utile aiuto alla composizione. Dagli impressionisti in poi, i ritrattisti trovarono una miriade di modi di reinterpretare il ritratto per competere efficacemente con la fotografia. Sargent e Whistler furono tra quelli stimolati ad espandere la loro tecnica per creare effetti che la macchina fotografica non poteva catturare.
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Francisco de Goya, Carlo IV di Spagna e la sua famiglia, 1800-1801
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Jean Auguste Dominique Ingres, ritratto di Napoleone sul trono imperiale, 1806, Musée de l’Armée, Parigi
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Gustave Courbet, Ritratto di Charles Baudelaire, 1848
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Pierre-Auguste Renoir, Ritratto di Alfred Sisley, 1868
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James Abbott McNeill Whistler, Disposizione in grigio e nero: The Artist’s Mother (1871) popolarmente noto come Whistler’s Mother
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Edgar Degas, Ritratto di Miss Cassatt, seduta, che tiene delle carte, 1876-1878
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John Singer Sargent, Ritratto di Robert Louis Stevenson, 1887
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Paul Gauguin, Il pittore di girasoli, Ritratto di Vincent van Gogh, 1888
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Vincent van Gogh, Ritratto del dottor Gachet, (prima versione), 1890
XX secoloModifica
Anche altri artisti dell’inizio del XX secolo ampliarono il repertorio del ritratto in nuove direzioni. L’artista fauvista Henri Matisse produsse ritratti potenti usando colori non naturalistici, persino sgargianti, per i toni della pelle. Cézanne ha fatto affidamento su forme altamente semplificate nei suoi ritratti, evitando i dettagli e sottolineando le giustapposizioni di colore. Lo stile unico dell’austriaco Gustav Klimt applicava motivi bizantini e pittura dorata ai suoi memorabili ritratti. Il suo allievo Oskar Kokoschka fu un importante ritrattista dell’alta società viennese. Il prolifico artista spagnolo Pablo Picasso dipinse molti ritratti, comprese diverse rappresentazioni cubiste delle sue amanti, in cui le sembianze del soggetto sono grossolanamente distorte per ottenere una dichiarazione emotiva ben oltre i limiti della normale caricatura. Un ritrattista femminile eccezionale della fine del XX secolo, associato all’impressionismo francese, fu Olga Boznańska (1865-1940). I pittori espressionisti fornirono alcuni dei più ossessionanti e convincenti studi psicologici mai prodotti. Artisti tedeschi come Otto Dix e Max Beckmann produssero notevoli esempi di ritrattistica espressionista. Beckmann fu un prolifico autoritrattista, producendone almeno ventisette. Amedeo Modigliani dipinse molti ritratti nel suo stile allungato che deprezzava la “persona interiore” in favore di rigorosi studi di forma e colore. Per raggiungere questo obiettivo, egli de-enfatizzò gli occhi e le sopracciglia normalmente espressivi fino al punto di fessure annerite e semplici archi.
L’arte britannica fu rappresentata dai Vorticisti, che dipinsero alcuni ritratti notevoli nella prima parte del XX secolo. Il pittore dadaista Francis Picabia eseguì numerosi ritratti nel suo modo unico. Inoltre, i ritratti di Tamara de Lempicka hanno catturato con successo l’era dell’Art Deco con le sue curve snelle, i colori ricchi e gli angoli acuti. In America, Robert Henri e George Bellows furono ottimi ritrattisti degli anni venti e trenta della scuola realista americana. Max Ernst produsse un esempio di ritratto collegiale moderno con il suo dipinto del 1922 All Friends Together.
Un contributo significativo allo sviluppo della ritrattistica del 1930-2000 fu dato dagli artisti russi, che lavoravano principalmente nelle tradizioni della pittura realista e figurativa. Tra di loro dovrebbero essere chiamati Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov e altri.
La produzione di ritratti in Europa (esclusa la Russia) e nelle Americhe è generalmente diminuita negli anni ’40 e ’50, un risultato del crescente interesse per l’astrazione e l’arte non figurativa. Un’eccezione, tuttavia, fu Andrew Wyeth che divenne il principale ritrattista realista americano. Con Wyeth, il realismo, anche se palese, è secondario alle qualità tonali e all’atmosfera dei suoi dipinti. Questo è giustamente dimostrato con la sua serie di dipinti di riferimento conosciuta come i quadri “Helga”, il più grande gruppo di ritratti di una singola persona da parte di un grande artista (247 studi della sua vicina Helga Testorf, vestita e nuda, in vari ambienti, dipinti durante il periodo 1971-1985).
Negli anni ’60 e ’70, ci fu un revival della ritrattistica. Artisti inglesi come Lucian Freud (nipote di Sigmund Freud) e Francis Bacon hanno prodotto dipinti potenti. I ritratti di Bacon sono notevoli per la loro qualità da incubo. Nel maggio 2008, il ritratto di Freud del 1995 Benefits Supervisor Sleeping è stato venduto all’asta da Christie’s a New York City per 33,6 milioni di dollari, stabilendo un record mondiale per il valore di vendita di un dipinto di un artista vivente.
Molti artisti americani contemporanei, come Andy Warhol, Alex Katz e Chuck Close, hanno fatto del volto umano un punto focale del loro lavoro.
Warhol è stato uno dei più prolifici ritrattisti del XX secolo. Il dipinto di Warhol Orange Shot Marilyn di Marilyn Monroe è un primo esempio iconico del suo lavoro degli anni ’60, e Orange Prince (1984) del cantante pop Prince è un esempio successivo, entrambi mostrano lo stile grafico unico del ritratto di Warhol.
La specialità di Close erano enormi, iperrealistici ritratti “di testa” a parete basati su immagini fotografiche. Jamie Wyeth continua nella tradizione realista di suo padre Andrew, producendo famosi ritratti i cui soggetti vanno dai presidenti ai maiali.
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Henri Matisse, La striscia verde, Ritratto di Madame Matisse, 1905
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Olga Boznańska, Autoritratto, 1906, Museo Nazionale di Varsavia
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Umberto Boccioni, Autoritratto, 1906
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Gustav Klimt, Ritratto di Adele Bloch-Bauer I, 1907
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Pablo Picasso, Ritratto di Daniel-Henry Kahnweiler, 1910, The Art Institute of Chicago
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Juan Gris, Ritratto di Pablo Picasso, 1912
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Amedeo Modigliani, Ritratto di Chaim Soutine, 1916
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Boris Grigoriev, Ritratto di Vsevolod Meyerhold, 1916
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Boris Kustodiev, Kapitsa e Semyonov, 1921