Il Rigi rosso di JMW Turner, pittura ad acquerello, 1842, 30,5 x 45,8 cm.

La pittura ad acquerello è il processo di pittura con pigmenti che vengono mescolati con acqua. Di tutti i processi pittorici, la pittura ad acquerello è nota per la sua intrinseca delicatezza e sottigliezza perché l’arte dell’acquerello è tutta basata su lavaggi sottili e colore trasparente (anche se gli acquerelli possono essere resi opachi con l’aggiunta di bianco cinese). Tradizionalmente, gli artisti acquerellisti lavorano su carta, anche se il dente della superficie può variare molto. Spesso il bianco della superficie pittorica brillerà attraverso e si presterà alla luminosità del dipinto.

Quando gli artisti imparano per la prima volta a dipingere ad acquerello, la fluidità del mezzo è spesso un ostacolo perché rende la pittura meno prevedibile. Gli artisti acquerellisti di successo sanno come bilanciare controllo e libertà nel loro lavoro, utilizzando tecniche di pittura ad acquerello che creano effetti che spesso si verificano quasi per caso piuttosto che di proposito.

Un acquerellista utilizza tecniche di pittura ad acquerello come i lavaggi, lavorando bagnato su bagnato e bagnato su asciutto, sollevando e mascherando per le luci, e decine di altre tecniche per ottenere effetti strutturali. Ma più di tutto, la pittura ad acquerello ritorna alla premessa che le lezioni di acquerello e i metodi contano – ma ciò che conta di più per un artista dell’acquerello è lasciarsi andare e trovare un equilibrio tra il controllo e la liberazione di questo mezzo di pittura.

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Lezione d’arte sull’acquerello passo dopo passo

FASE 1 Lo schizzo di Martin per il suo dipinto ad acquerello.

Le lezioni di acquerello sono spesso meglio viste, quindi la dimostrazione di acquerello passo dopo passo di Margaret Martin è particolarmente utile per gli studenti di quest’arte. Il suo dipinto, Country Jewels, è un dipinto in cui l’artista aggiunge figure alle sue scene architettoniche e paesaggistiche. Martin crede che questo le permetta di dirigere meglio lo sguardo dell’osservatore e dare un senso di movimento e di vita nei suoi dipinti ad acquerello.STEP 1 Martin inizia con un riferimento fotografico per molte delle sue opere d’arte ad acquerello, valutando le foto per forme e aspetti della composizione da cui può attingere. Per Country Jewels, ha deciso per una tavolozza di colori caldi e ha inserito delle figure nel dipinto per creare interesse. Crea uno schizzo per il dipinto ad acquerello, usando un pennarello per disegnare il primo piano, la terra di mezzo e lo sfondo del dipinto, oltre a identificare le luci e le ombre di base con pennarelli grigio freddo.

FASE 2 Martin stende dei lavaggi per il cielo e il terreno.

STEP 2 Iniziando il dipinto ad acquerello, la Martin ha disegnato la composizione sulla sua carta per acquerello e poi ha applicato un lavaggio di alizarina cremisi e giallo Winsor in primo piano. Una volta asciutto, l’acquerellista ha applicato sullo sfondo uno strato wet-in-wet di blu Winsor. I lavaggi si uniscono vicino alla linea dell’orizzonte e Martin aggiunge le montagne lontane con blu oltremare francese e blu Winsor.

FASE 3 L’acquerellista mantiene le sue pennellate ampie mentre riempie il fogliame dello sfondo.

FASE 3 Martin procede nel dipinto ad acquerello lavorando prima sulla grande area di fogliame nella composizione, usando la tonalità blu del verde Winsor e la terra di Siena bruciata. Le luci nella zona centrale della foresta sono fatte con l’umbro bruciato, il viola cobalto, l’arancio Winsor, il rosso e il giallo. L’acquerellista mantiene le pennellate larghe e ha dipinto intorno alle aree dove le figure sarebbero andate alla fine, lasciando aree di bianco.

FASE 4 I bordi delle figure variano e i riflessi nelle pozzanghere e gli uccelli sopra la testa aggiungono interesse visivo al dipinto ad acquerello.

FASE 4 Mentre il dipinto ad acquerello si riunisce sullo sfondo, Martin reindirizza la sua attenzione alla terra di mezzo. I bordi dei corridori sono nitidi e diffusi, e talvolta di un valore simile allo sfondo dell’acquerello. Le zone d’ombra sono giallo Winsor, blu e arancione, e viola perilene. Il risultato è che le ombre sono calde con sprazzi del bianco della carta per indicare la luce del sole. L’artista ha fatto un punto per stabilire un senso di unità visiva e di armonia dei colori usando gli stessi colori in tutto il dipinto. Si noti come l’artista ha anche migliorato il dipinto aggiungendo i riflessi nella pozzanghera e gli uccelli nel cielo per un maggiore interesse visivo. Fonte: Watercolor magazine, Winter 2008.

Let Go of the Details for Watercolor Art

Un dipinto ad acquerello di Jim McFarlane.

Jim McFarlane insegna l’arte dell’acquerello dalla prospettiva che la semplicità è tutto. Nei suoi workshop, sia che i suoi studenti stiano ritraendo una disposizione tradizionale o qualcosa dalla loro immaginazione, McFarlane sottolinea che il bianco della carta da acquerello dovrebbe essere usato per la luce del sole, e poi tutti i valori rimanenti dovrebbero essere ridotti a una luce, una media e una scura. “L’uso di un numero limitato di valori in un dipinto ad acquerello richiede che si colleghino insieme aree di valori simili, ottenendo forme più grandi e composizioni più solide”, dice.

Questi schizzi dell’arte dell’acquerello possono diventare tabelle di marcia per i dipinti finali e permettono effettivamente agli studenti del workshop di acquerello di sciogliersi perché li aiuta a imparare come evitare i dettagli e catturare grandi forme e valori. Ad un artista acquerellista della sua classe McFarlane ha ammonito: “Ti stai facendo prendere dalle minuzie. Posso dire che mentre stai mettendo giù il colore stai pensando ‘albero’. Dimentica cos’è e inserisci la forma grande. La questione è se si può vedere l’albero come una forma semplice e metterlo nel corretto rapporto di valore con il resto del dipinto.”

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Da lì, McFarlane incoraggia gli studenti a ridurre la loro immagine a tre o quattro aree di valore. Questo aiuta l’acquerellista a decidere quale zona – primo piano, terra di mezzo o sfondo – sarà al centro del dipinto. Per la fase finale della pittura, McFarlane usa una scala di nove valori. L’area del valore più chiaro ottiene pochi valori e più leggeri. Il valore medio rappresenta una gamma più ampia e leggermente più scura; e il valore scuro rappresenta tutti i valori su una scala di nove valori e il bianco della carta da acquerello. Questa disposizione è particolarmente utile per un dipinto ad acquerello perché semplifica tutte le informazioni visive e allo stesso tempo permette all’artista di cambiare il modello e cambiare il focus del dipinto se lo desidera. Fonte: Watercolor magazine, Spring 2011.

Watercolor Painting Essentials

Autumn in Blue and Gold di Stephen Quiller, 2005, pittura ad acquerello e caseina, 32 x 44.

Gli artisti che dipingono ad acquerello vogliono applicazioni fresche di pittura con un controllo fine, con abbastanza dettagli per dare una narrazione alle loro opere, evitando che il pezzo finito sembri troppo lavorato. L’artista John Falato sottolinea l’importanza della preparazione nella pittura ad acquerello, usando la sua area di lavoro come esempio. Egli dispone due tavolozze, una per i guazzi e una per gli acquerelli, due grandi contenitori per l’acqua e tre tazze per mescolare i colori.

Un’altra tazza di plastica conteneva una serie di pennelli che vanno dai tondi di zibellino e dai grandi piatti di scoiattolo alle setole tozze e ai pennelli morbidi per pulire. Quando si tratta di scegliere i pennelli per creare arte acquerello con, si desidera un pennello con la molla ad esso, e uno che terrà un sacco di vernice. per lavaggi lisci pittura ad acquerello, l’obiettivo è quello di creare una perlina di vernice e tenerlo in movimento intorno agli oggetti e attraverso la carta come meglio si è in grado. Usate un pennello di dimensioni adeguate al lavaggio che volete creare, e non è fuori dal regno della possibilità di usare due pennelli per un lavaggio – uno per aree grandi e uno per aree con molti dettagli o bordi.

I bordi morbidi sono il risultato del lavoro su una superficie di pittura ad acquerello bagnata. Se la superficie pittorica si è asciugata, ha bisogno di essere bagnata, e questo può essere fatto con un pennello, una spugna o uno spray. Uno spray è spesso più efficace perché non solleva il colore da sotto. Quando si rientra con un pennello, ricordarsi di non lavorare troppo il bordo. Fallo solo una volta e lascia asciugare l’area. I bordi continueranno a fondersi mentre la vernice si asciuga. Fonte: Adattato da un articolo di John A. Parks.