アート、デザイン、そして写真は、多くの点で互いに結びついています。 私たちが写真で毎日使っている教義や原則の多くは、古代の偉大な巨匠画家や芸術家から受け継がれています。

デザインの基礎となる原則は、まさにその好例と言えるでしょう。 これらの考え方は、何百年もの間、絵描きや画家たちによって使われてきたものです。 グラフィックデザイナーはそれらを研究し、すべての作品に適用しています。 そして、自覚があろうとなかろうと、写真家もこれらを常に使っているのです。 デザインの原則は、写真だけでなく、マーケティングコミュニケーションにも適用されます。 例えば、成功する写真ポートフォリオウェブサイトの制作プロセスにも、このデザインの原則が生かされています。

デザインの原則を理解する

7つの基本原則は以下の通りです。

• バランス
• 空間
• 強調
• 動き
• コントラスト
• パターンまたは反復
• 統一または調和

これらの原則は、アーティストが現実世界を二次元キャンバスに変換して以来、ずっと存在し続けています。 写真家は画家とは異なり、撮影したものを物理的に作り出すことはありません。 しかし、3次元の世界から2次元のキャンバスに移し替えることは同じことです。

Using the 7 Principles of Design in Photography

この7つの原則は互いに作用しあいながら、機能しています。 どれも相互に排他的ではなく、インパクトのあるものにするために他の原則に依存するものも多くあります。 しかし、全体として見ると、これらの原則は、イメージを成功に導く基礎となるものです。 ゆっくり練習すれば、これらの原則は自然に身につくでしょう。

バランス

バランスは、ほとんどの人が意識していなくても、簡単にわかるデザイン要素です。 バランスが取れていない画像は、横並びになっているように感じます。 その重みは、フレーム内でどれだけのスペースを占めているか、あるいは何かがどれだけの大きさであるかということだけではありません。 オブジェクトの視覚的な重みは、そのサイズ、形状、色、コントラストなど多くの要因から生まれます。

2つの同じ黒いボールの画像を撮影した場合、どのようにしてそれらのバランスを取ることができますか。 画像の中心を完全に対称にして、画像の半分にそれぞれボールの1つがあるようにすることができます。 そうすれば、完璧な左右対称のバランスが保たれます。

しかし、写真を撮ったときにボールの1つが自分から遠くにあったとしたらどうでしょう。 そうすると、フレーム内で小さく表示され、画像のバランスをとるのが難しくなります。 左右対称のバランスにすることはできないので、別のテクニックを使う必要があります。 それでもバランスは取れるのですが、そのコツは、ボールの間隔を変えることです。 小さい方の球を大きい方の球から離すことで、重さを与えることができます。

イメージのパーツは、学校の校庭にあるティーター・トッターの上に乗っていると想像していただければと思います。 サイズの違う2人の子供がシーソーのバランスを取ることはできますが、支点からの距離を変えなければなりません。 それとまったく同じように、一見アンバランスに見えるものをフレームの中で動かして、イメージのバランスをとることができます。

Space

空間にはプラスとマイナスがあります。 正の空間は物で満たされており、負の空間は空である。 ネガティブな空間をホワイトスペースと呼ぶ人が多いが、必ずしも白いわけではない。 海景の中の何もない海や風景の中の青空のように、本質的な要素がない空間に過ぎないのです。

Emphasis

強調とは、写真の中で何かがどれだけ支配的であるかということです。 オブジェクトをより支配的に見せるためのトリックはたくさんありますが、強調の基本的な考え方は、画像の中でインパクトを与えたいものを、見る人が見て理解できるようにすることです。 デザイナーは、ポイントを伝えるために、フォントサイズを大きくしたり、太字や異なる色のフォントを使用したりします。

私たちが望むものを強調するために、写真におけるデザインの他の原則のいくつかを使用することができます。 コントラスト、スペース、パターン、動き、バランスはすべて、視聴者が受け取る最も重要なメッセージにするために使用できます。

動き

デザインや写真において、動きは実際に、視聴者が初めて写真に近づいたときにどのように見るかを指します。 その視線はどのような経路をたどるのか、そしてそれは写真家が意図したものなのか、

最高のツールの1つは、誘導線を使用して見る人を導き、重要なものを指摘することです。 また、ホワイトスペースやイメージバランスも欠かせないツールです。 最も基本的な形である「三分の一の法則」と「ゴールデンスパイラル」は、写真家がフレーム内で望む動きを得るための構図ツールです。

コントラスト

写真にとってコントラストは2つの形態で存在します。 明るい部分と暗い部分が対照的なトーンで示されることがあります。 また、色で表すこともできます。カラーホイール上で互いに反対側にある色が、互いに対照的な色になります。 例えば、青はオレンジと対照的です。

コントラストは、写真家が被写体を強調するのに役立つ貴重なツールです。 写真全体のコントラストが高すぎると、見る人を混乱させる傾向があります。 コントラストが低すぎると、見るべきものが見えず、十分に強調されていないことになりかねません。 空白のスペースは、被写体や被写体のグループと対比させることができます。

Pattern or Repetition

画像全体で繰り返される要素は、常にパターンを作成します。 人間の目や心は自然にそれを探すので、パターンは重要です。 パターンは私たちを引き付け、被写体に興味を抱かせます。

写真にパターンを追加することは、通常、最初の段階でパターンに気づくのと同じくらい簡単です。 建築物にはパターンが多用されていますし、人間が作ったものであれば、どこに行っても必ずパターンを目にすることができます。 他のデザインの原則を利用してパターンをより支配的にすれば、それだけ見る人を引きつける効果が高くなります。 それは、当たり障りのない、退屈なものである必要はないということです。 ただ、すべてが属するものであり、ある要素が場違いであったとしても、それが撮影者の意図したものであることを意味します。 写真におけるこの完璧な例は、背景に雑然としたものがあることです。 その雑然としたものが写っている写真なら、雑然としていることが不思議です。 しかし、その写真が部屋の中でポーズをとっているモデルであれば、雑然としているのは気が散ってしまうだけです。

結論

写真におけるデザインの7原則は、たとえあなたがカメラを取り出すときに最初に思いつくことではなくても、心に留めておくべき必須のものです。 それぞれを少し練習すれば、写真だけでなく、ブランディングやマーケティング・コミュニケーションなど、写真ビジネスを成長させるために、どのように活用できるかがすぐにわかるでしょう

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