Oude wereldEdit

Romeins-Egyptisch begrafenisportret van een vrouw

De wortels van de portretkunst liggen waarschijnlijk in de prehistorie, hoewel er tegenwoordig nog maar weinig van deze werken bewaard zijn gebleven. In de kunst van de oude beschavingen van de Vruchtbare Halve Maan, met name in Egypte, zijn afbeeldingen van heersers en heersers als goden in overvloed te vinden. De meeste van deze afbeeldingen zijn echter zeer gestileerd en meestal in profiel, meestal op steen, metaal, klei, gips of kristal. De Egyptische portretschilderkunst legde betrekkelijk weinig nadruk op de gelijkenis, althans tot de periode van Achnaton in de 14e eeuw v. Chr. De portretschilderkunst van notabelen in China gaat waarschijnlijk terug tot meer dan 1000 v. Chr., hoewel er uit die tijd geen portretten bewaard zijn gebleven. Bestaande Chinese portretten gaan terug tot ongeveer 1000 na Christus, maar legden pas enige tijd daarna veel nadruk op de gelijkenis.

Van literaire bewijzen weten we dat de antieke Griekse schilderkunst ook portretten omvatte, vaak zeer nauwkeurig als we de loftuitingen van schrijvers mogen geloven, maar er zijn geen geschilderde voorbeelden overgebleven. Gebeeldhouwde hoofden van heersers en beroemde persoonlijkheden als Socrates zijn in enige mate bewaard gebleven, en net als de geïndividualiseerde borstbeelden van Hellenistische heersers op munten, laten zij zien dat de Griekse portretschilderkunst een goede gelijkenis kon bereiken, en dat onderwerpen, althans van literaire figuren, werden afgebeeld met betrekkelijk weinig vleierij – de portretten van Socrates laten zien waarom hij de reputatie had lelijk te zijn. De opvolgers van Alexander de Grote begonnen zijn hoofd (als vergoddelijkte figuur) op hun munten te zetten, en gebruikten al spoedig hun eigen munten.

De Romeinse portretschilderkunst nam tradities van portretschilderen over van zowel de Etrusken als de Grieken, en ontwikkelde een zeer sterke traditie, die verband hield met hun religieuze gebruik van voorouderportretten, alsmede met de Romeinse politiek. Nogmaals, de weinige geschilderde overblijfselen, in de Fayum portretten, Graf van Aline en de Severan Tondo, alle uit Egypte onder Romeinse heerschappij, zijn duidelijk provinciale producties die eerder Griekse dan Romeinse stijlen weerspiegelen, maar we hebben een rijkdom aan gebeeldhouwde hoofden, waaronder veel geïndividualiseerde portretten uit de middenklasse graven, en duizenden soorten muntportretten.

De grootste groep van geschilderde portretten zijn de begrafenis schilderijen die overleefden in het droge klimaat van Egypte’s Fayum district (zie illustratie, hieronder), daterend uit de 2e tot 4e eeuw n. Chr. Dit zijn bijna de enige schilderijen uit de Romeinse periode die bewaard zijn gebleven, afgezien van de fresco’s, hoewel uit de geschriften van Plinius de Oudere bekend is dat portretschilderen in de Griekse tijd goed ingeburgerd was, en zowel door mannelijke als vrouwelijke kunstenaars werd beoefend. In zijn tijd klaagde Plinius over de achteruitgang van de Romeinse portretkunst: “Het schilderen van portretten, waarmee door de eeuwen heen de juiste gelijkenissen van mensen werden overgebracht, is geheel verdwenen…De luiheid heeft de kunsten vernietigd.” Deze portretten met een volledig gezicht uit Romeins Egypte zijn gelukkige uitzonderingen. Ze vertonen een enigszins realistisch gevoel voor verhoudingen en individuele details (hoewel de ogen over het algemeen te groot zijn en de artistieke vaardigheid aanzienlijk varieert van kunstenaar tot kunstenaar). De portretten uit Fayum werden op hout of ivoor geschilderd in was en harskleuren (encaustic) of met tempera, en in de mummie gewikkeld, om tot in de eeuwigheid bij het lichaam te blijven.

Terwijl de vrijstaande portretschilderkunst in Rome afnam, bloeide de portretkunst op in de Romeinse beeldhouwkunst, waar de geportretteerden realisme eisten, ook al was het niet flatteus. In de 4e eeuw overheerste het gebeeldhouwde portret, met een terugtrekking ten gunste van een geïdealiseerd symbool van hoe die persoon eruitzag. (Vergelijk de portretten van de Romeinse keizers Constantijn I en Theodosius I) In de laat-antieke periode nam de belangstelling voor een individuele gelijkenis aanzienlijk af, en de meeste portretten op laat-Romeinse munten en consulaire diptieken zijn nauwelijks geïndividualiseerd, hoewel in dezelfde tijd de vroeg-christelijke kunst tamelijk gestandaardiseerde beelden ontwikkelde voor de afbeelding van Jezus en de andere belangrijke figuren in de christelijke kunst, zoals Johannes de Doper, en Sint Pieter.

MiddeleeuwenEdit

Het kleine particuliere Wilton diptiek voor Richard II van Engeland, ca. 1400, met gestempelde gouden achtergronden en veel ultramarijn.

De meeste vroegmiddeleeuwse portretten waren schenkersportretten, aanvankelijk vooral van pausen in Romeinse mozaïeken, en verluchte manuscripten, met als voorbeeld een zelfportret van de schrijfster, mystica, wetenschapster, verluchtster en musicienne Hildegard van Bingen (1152). Net als bij de contemporaine munten was er weinig sprake van een poging tot gelijkenis. Stenen grafmonumenten verspreidden zich in de Romaanse periode. Tussen 1350-1400 begonnen wereldlijke figuren weer op te duiken in fresco’s en paneelschilderijen, zoals in Meester Theodoric’s Karel IV die trouw ontvangt, en portretten werden weer duidelijke gelijkenissen.

Aan het eind van de eeuw verschenen in Bourgondië en Frankrijk de eerste olieverfportretten van eigentijdse personen, geschilderd op kleine houten panelen, eerst als profielen, daarna in andere aanzichten. Het Wilton diptiek van ca. 1400 is een van de twee bewaard gebleven paneelportretten van Richard II van Engeland, de vroegste Engelse koning waarvan we eigentijdse voorbeelden hebben.

Aan het eind van de Middeleeuwen in de 15e eeuw was de vroeg-Nederlandse schilderkunst de sleutel tot de ontwikkeling van het geïndividualiseerde portret. Meesters waren onder meer Jan van Eyck, Robert Campin en Rogier van der Weyden. Er werden vrij kleine portretten op paneel geschilderd, minder dan half levensgroot, niet alleen van figuren van het hof, maar ook van wat uit hun betrekkelijk eenvoudige kleding rijke stedelingen leken te zijn. Miniaturen in verluchte manuscripten bevatten ook geïndividualiseerde portretten, meestal van de opdrachtgever. In religieuze schilderijen begonnen portretten van schenkers te worden afgebeeld als aanwezig, of deel te nemen aan de belangrijkste afgebeelde heilige scènes, en in meer particuliere hofafbeeldingen verschenen onderwerpen zelfs als belangrijke figuren zoals de Maagd Maria.

• Robert Campin (ca. 1375 – 1444), Portret van een jonge vrouw (gepaard met haar echtgenoot), 1430-1435. De stijl van Van der Weyden was gebaseerd op die van Campin.

• Arnolfini Portret, door Jan van Eyck, 1434

• Rogier van der Weyden, Portret van een dame, ca. 1460

• Een van de vroegste op zichzelf staande zelfportretten, Jean Fouquet, ca. 1450

RenaissanceEdit

Albrecht Dürer, Self-Portrait, 1500

Deels uit interesse voor de natuur en deels uit interesse voor de klassieke culturen van het oude Griekenland en Rome, kregen portretten, zowel geschilderde als gebeeldhouwde, een belangrijke rol in de Renaissancemaatschappij en werden zij gewaardeerd als objecten en als afbeeldingen van aards succes en status. De schilderkunst in het algemeen bereikte een nieuw niveau van evenwicht, harmonie en inzicht, en de grootste kunstenaars (Leonardo, Michelangelo, en Rafaël) werden beschouwd als “genieën”, die ver uitstegen boven de status van handelaar tot gewaardeerde dienaren van het hof en de kerk.

Vele vernieuwingen in de verschillende vormen van portretschilderen ontwikkelden zich tijdens deze vruchtbare periode. De traditie van het portretminiatuur begon, die populair bleef tot het tijdperk van de fotografie, zich ontwikkelend uit de vaardigheden van de schilders van de miniaturen in verluchte manuscripten. Profielportretten, geïnspireerd op antieke medaillons, waren bijzonder populair in Italië tussen 1450 en 1500. Medailles, met hun tweezijdige afbeeldingen, inspireerden ook een kortstondige vogue voor tweezijdige schilderijen vroeg in de Renaissance. Klassieke beeldhouwwerken, zoals de Apollo Belvedere, beïnvloedden ook de keuze van de poses die door portrettisten uit de Renaissance werden gebruikt, poses die door de eeuwen heen in gebruik zijn gebleven. Leonardo’s Ginevra de’ Benci (ca. 1474-8) is een van de eerste bekende portretten in driekwart-view in de Italiaanse kunst.

Noord-Europese kunstenaars liepen voorop met realistische portretten van wereldlijke onderwerpen. Het grotere realisme en detail van de Noordelijke kunstenaars in de 15e eeuw was deels te danken aan de fijnere penseelstreken en effecten die mogelijk waren met olieverf, terwijl de Italiaanse en Spaanse schilders nog tempera gebruikten. Een van de vroegste schilders die de olieverftechniek ontwikkelde was Jan van Eyck. Olieverf kan meer textuur en diktes produceren en kan effectiever in lagen worden aangebracht door steeds dikkere lagen over elkaar heen aan te brengen (door schilders ‘vet over mager’ genoemd). Olieverf droogt ook langzamer, waardoor de kunstenaar gemakkelijker veranderingen kan aanbrengen, zoals het veranderen van gelaatstrekken. Antonello da Messina was een van de eerste Italianen die met olieverf aan de slag ging. Hij was opgeleid in België, vestigde zich rond 1475 in Venetië en was van grote invloed op Giovanni Bellini en de Noord-Italiaanse school. In de loop van de 16e eeuw werd olieverf als medium in heel Europa steeds populairder, waardoor kleding en juwelen weelderiger konden worden weergegeven. Ook de kwaliteit van de afbeeldingen werd beïnvloed door de overstap van hout naar doek, die in het begin van de 16e eeuw in Italië begon en zich in de daaropvolgende eeuw naar Noord-Europa verspreidde. Canvas is beter bestand tegen barsten dan hout, houdt pigmenten beter vast en behoeft minder voorbereiding – maar het was aanvankelijk veel schaarser dan hout.

Al snel lieten de Noord-Europeanen het profiel varen en begonnen zij portretten te maken met een realistisch volume en perspectief. In de Nederlanden was Jan van Eyck een vooraanstaand portrettist. Het Huwelijk van Arnolfini (1434, National Gallery, Londen) is een mijlpaal in de westerse kunst, een vroeg voorbeeld van een portret van een echtpaar ten voeten uit, schitterend geschilderd in rijke kleuren en met een uitmuntend detail. Maar even belangrijk, het toont de nieuw ontwikkelde techniek van het olieverfschilderen baanbrekend door van Eyck, die kunst revolutie, en verspreid over Europa.

Hans Holbein de Jongere, Portret van Sir Thomas More, 1527

Toonaangevende Duitse portret kunstenaars, waaronder Lucas Cranach, Albrecht Dürer, en Hans Holbein de Jongere die alle beheerste olieverftechniek. Cranach was een van de eerste kunstenaars die levensgrote portretten op ware grootte schilderde, een traditie die vanaf dat moment populair was. In die tijd had Engeland geen portretschilders van het hoogste niveau, en kunstenaars als Holbein waren in trek bij Engelse opdrachtgevers. Zijn schilderij van Sir Thomas More (1527), zijn eerste belangrijke opdrachtgever in Engeland, heeft bijna het realisme van een foto. Holbein had veel succes met het schilderen van de koninklijke familie, waaronder Hendrik VIII. Dürer was een uitstekend tekenaar en een van de eerste grote kunstenaars die een reeks zelfportretten maakte, waaronder een schilderij van een volledig gezicht. Hij plaatste ook zijn zelfportret figuur (als toeschouwer) in verschillende van zijn religieuze schilderijen. Dürer begon met het maken van zelfportretten toen hij dertien jaar oud was. Later zou Rembrandt die traditie versterken.

In Italië gaf Masaccio de toon aan voor de modernisering van het fresco door een realistischer perspectief aan te nemen. Filippo Lippi effende het pad door scherpere contouren en golvende lijnen te ontwikkelen en zijn leerling Rafaël breidde het realisme in Italië uit tot een veel hoger niveau in de volgende decennia met zijn monumentale muurschilderingen. In deze tijd werd het verlovingsportret populair, een bijzondere specialiteit van Lorenzo Lotto. Tijdens de vroege Renaissance waren portretschilderijen over het algemeen klein en soms bedekt met beschermende deksels, scharnierend of schuivend.

Tijdens de Renaissance wilde vooral de Florentijnse en Milanese adel meer realistische voorstellingen van zichzelf. De uitdaging om overtuigende volledige en driekwart gezichten te maken, stimuleerde experimenteren en innovatie. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, Leonardo da Vinci en andere kunstenaars breidden hun techniek dienovereenkomstig uit en voegden portretkunst toe aan traditionele religieuze en klassieke onderwerpen. Leonardo en Pisanello behoorden tot de eerste Italiaanse kunstenaars die allegorische symbolen aan hun wereldlijke portretten toevoegden.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa of La Gioconda, 1503-1505/1507

Een van de bekendste portretten in de westerse wereld is Leonardo da Vinci’s schilderij getiteld Mona Lisa, genoemd naar Lisa del Giocondo, een lid van de Gherardini familie van Florence en Toscane en de vrouw van de rijke Florentijnse zijdehandelaar Francesco del Giocondo. De beroemde “Mona Lisa glimlach” is een uitstekend voorbeeld van het toepassen van subtiele asymmetrie op een gezicht. In zijn aantekeningen geeft Leonardo advies over de kwaliteiten van het licht in de portretschilderkunst:

Een zeer hoge graad van gratie in licht en schaduw wordt toegevoegd aan de gezichten van hen die in de deuropeningen van donkere kamers zitten, waar de ogen van de toeschouwer het beschaduwde deel van het gezicht verduisterd zien door de schaduwen van de kamer, en het verlichte deel van het gezicht zien met de grotere schittering die de lucht eraan geeft. Door deze toename van schaduw en licht krijgt het gezicht meer reliëf.

Leonardo was een leerling van Verrocchio. Nadat hij lid was geworden van het schildersgilde, begon hij zelfstandig opdrachten aan te nemen. Door zijn brede belangstelling en in overeenstemming met zijn wetenschappelijke geest, is zijn productie van tekeningen en voorstudies immens, hoewel zijn afgewerkte artistieke productie relatief klein is. Tot zijn andere gedenkwaardige portretten behoorden die van de edelvrouwen Ginevra de’ Benci en Cecilia Gallerani.

Raphaels overgeleverde opdrachtportretten zijn veel talrijker dan die van Leonardo, en zij vertonen een grotere verscheidenheid aan poses, belichting en techniek. In plaats van revolutionaire vernieuwingen te produceren, was Rafaëls grote verdienste het versterken en verfijnen van de zich ontwikkelende stromingen in de renaissancekunst. Hij was bijzonder bedreven in het groepsportret. Zijn meesterwerk De School van Athene is een van de belangrijkste groepsfresco’s, met beeltenissen van Leonardo, Michelangelo, Bramante, en Rafaël zelf, in de gedaante van oude filosofen. Het was niet het eerste groepsportret van kunstenaars. Tientallen jaren eerder had Paolo Uccello een groepsportret geschilderd met Giotto, Donatello, Antonio Manetti en Brunelleschi. Naarmate hij meer bekendheid kreeg, werd Rafaël een van de favoriete portrettisten van de pausen. Terwijl veel kunstenaars uit de Renaissance gretig portretopdrachten aannamen, weigerden enkele kunstenaars deze, met name Rafaëls rivaal Michelangelo, die in plaats daarvan de enorme opdrachten van de Sixtijnse Kapel voor zijn rekening nam.

In Venetië rond 1500 domineerden Gentile Bellini en Giovanni Bellini de portretschilderkunst. Zij kregen de hoogste opdrachten van de leidende ambtenaren van de staat. Bellini’s portret van Doge Loredan wordt beschouwd als een van de mooiste portretten van de Renaissance en laat goed zien hoe de kunstenaar de pas ontdekte technieken van het olieverfschilderen beheerste. Bellini is ook een van de eerste kunstenaars in Europa die zijn werk signeerde, hoewel hij het zelden dateerde. Later in de 16e eeuw nam Titiaan grotendeels dezelfde rol op zich, vooral door de verscheidenheid aan poses en zittingen van zijn koninklijke onderwerpen uit te breiden. Titiaan was misschien wel de eerste grote kinderportrettist. Na Titiaan werden Tintoretto en Veronese toonaangevende Venetiaanse kunstenaars, die de overgang naar het Italiaanse maniërisme bevorderden. De maniëristen leverden veel uitzonderlijke portretten die de nadruk legden op materiële rijkdom en elegant complexe poses, zoals in het werk van Agnolo Bronzino en Jacopo da Pontormo. Bronzino verwierf faam met het portretteren van de Medici-familie. Zijn gedurfde portret van Cosimo I de’ Medici, toont de strenge heerser in harnas met een argwanende blik naar uiterst rechts, in scherp contrast met de meeste koninklijke schilderijen die hun zitters als goedaardige vorsten tonen. El Greco, die twaalf jaar in Venetië had gestudeerd, ging na zijn aankomst in Spanje een nog extremere richting uit en benadrukte zijn “innerlijke visie” van de geportretteerde zozeer dat hij de realiteit van het fysieke voorkomen verminderde. Een van de beste portrettisten van het 16de-eeuwse Italië was Sofonisba Anguissola uit Cremona, die haar individuele en groepsportretten van een nieuwe complexiteit voorzag.

Hoofdportretten in Frankrijk begonnen toen de Vlaamse kunstenaar Jean Clouet rond 1525 zijn weelderige beeltenis van Frans I van Frankrijk schilderde. Koning Frans was een groot beschermheer van kunstenaars en een gulzige kunstverzamelaar die Leonardo da Vinci uitnodigde om in Frankrijk te komen wonen tijdens zijn latere jaren. De Mona Lisa bleef in Frankrijk nadat Leonardo daar was gestorven.

• Pisanello, misschien Ginevra d’Este, ca. 1440

• Jonge man door Sandro Botticelli, ca. 1483. Een vroege Italiaanse pose met het volle gezicht.

• Waarschijnlijk Rafaël, ca. 1518, Isabel de Requesens. De stijl en het formaat van de hoogrenaissance waren van enorme invloed op latere grote portretten.

• Christiane von Eulenau door Lucas Cranach de Oudere, 1534

• Lucrezia Panciatichi, door Agnolo Bronzino, 1540

• Paus Paulus III en zijn kleinzonen, Titiaan, 1546

• Maarten van Heemskerck (1498-1574), Familie van Pieter Jan Foppesz, voorafgaand aan ca.1532, beschouwd als het eerste familieportret in de Nederlandse portretkunst.

• Charles V door Titiaan, 1548, een baanbrekend ruiterportret.

• Het Armada-portret van Elizabeth I van Engeland, ca. 1588. Het gestileerde portret van Elizabeth I van Engeland was uniek in Europa.

• Portret van een kardinaal, waarschijnlijk Fernando Niño de Guevara, El Greco, ca. 1600

Barok en RococoEdit

Groepsportret van Rembrandt, De Syndikanten van het Lakenmakersgilde, 1662.

Tijdens de barok- en rococoperiodes (respectievelijk de 17de en 18de eeuw) werden portretten nog belangrijkere getuigen van status en positie. In een maatschappij die steeds meer werd gedomineerd door wereldlijke leiders aan machtige hoven, waren afbeeldingen van weelderig geklede figuren een middel om het gezag van belangrijke personen te bevestigen. De Vlaamse schilders Sir Anthony van Dyck en Peter Paul Rubens blonken uit in dit soort portretten, terwijl Jan Vermeer vooral portretten maakte van de middenklasse, werkend en spelend binnenshuis. Rubens’ portret van hemzelf en zijn eerste vrouw (1609) in hun trouwkledij is een virtuoos voorbeeld van het paarportret. Rubens was niet alleen beroemd om zijn kunst – hij was ook hoveling, diplomaat, kunstverzamelaar en succesvol zakenman. Zijn atelier was een van de meest uitgebreide van die tijd, met specialisten in stillevens, landschappen, dier- en genretaferelen, naast portretschilderijen. Van Dyck volgde er gedurende twee jaar een opleiding. Karel I van Engeland had eerst Rubens in dienst en importeerde vervolgens Van Dyck als zijn hofschilder, waarbij hij hem tot ridder sloeg en hem een hoofse status verleende. Van Dyck paste niet alleen Rubens’ productiemethoden en zakelijke vaardigheden aan, maar ook zijn elegante manieren en voorkomen. Zoals werd opgetekend: “Hij ging altijd prachtig gekleed, had een talrijke en galante uitrusting, en hield zo’n nobele tafel in zijn appartement, dat weinig prinsen niet meer bezocht werden, of beter bediend.” In Frankrijk domineerde Hyacinthe Rigaud op vrijwel dezelfde wijze, als een opmerkelijk kroniekschrijver van het koningschap, door de portretten van vijf Franse koningen te schilderen.

Een van de vernieuwingen van de renaissancekunst was de verbeterde weergave van gelaatsuitdrukkingen om verschillende emoties te begeleiden. Met name de Nederlandse schilder Rembrandt onderzocht de vele uitdrukkingen van het menselijk gezicht, vooral als een van de belangrijkste zelfportrettisten (waarvan hij er meer dan 60 schilderde in zijn leven). Deze belangstelling voor het menselijk gelaat bevorderde ook de creatie van de eerste karikaturen, toegeschreven aan de Accademia degli Incamminati, geleid door schilders van de Carracci familie in de late 16de eeuw in Bologna, Italië.

Velázquez, Paus Innocentius X, ca. 1650, Doria Pamphilj Gallery, Rome.

Groepsportretten werden in de barokperiode in groten getale vervaardigd, vooral in de Nederlanden. Anders dan in de rest van Europa kregen Nederlandse kunstenaars geen opdrachten van de calvinistische kerk, die dergelijke afbeeldingen had verboden, of van de aristocratie, die vrijwel niet bestond. In plaats daarvan kwamen de opdrachten van burgerlijke en bedrijfsverenigingen. De Nederlandse schilder Frans Hals gebruikte vloeiende penseelstreken met levendige kleuren om zijn groepsportretten te verlevendigen, waaronder die van de burgerwacht waartoe hij behoorde. Rembrandt profiteerde in hoge mate van dergelijke opdrachten en van de algemene waardering voor kunst door de burgerij, die zowel portretschilderkunst als stillevens en landschappen ondersteunde. Bovendien bloeiden in die tijd in Holland de eerste belangrijke kunst- en handelaarsmarkten op.

Met voldoende vraag kon Rembrandt experimenteren met onconventionele compositie en techniek, zoals clair-obscur. Hij demonstreerde deze vernieuwingen, waarmee Italiaanse meesters als Caravaggio al waren begonnen, vooral in zijn beroemde Nachtwacht (1642). De Anatomische Les van Dr. Tulp (1632) is een ander goed voorbeeld van Rembrandts beheersing van het groepsschilderij, waarin hij het lijk in helder licht laat baden om de aandacht naar het centrum van het schilderij te trekken, terwijl de kleding en de achtergrond opgaan in zwart, waardoor de gezichten van de chirurg en de studenten opvallen. Het is ook het eerste schilderij dat Rembrandt met zijn volledige naam signeerde.

In Spanje schilderde Diego Velázquez Las Meninas (1656), een van de beroemdste en raadselachtigste groepsportretten aller tijden. Het herdenkt de kunstenaar en de kinderen van de Spaanse koninklijke familie, en schijnbaar zijn de zitters het koninklijk paar dat alleen wordt gezien als reflecties in een spiegel. Velázquez was aanvankelijk vooral genreschilder, maar werd al snel bekend als hofschilder van Filips IV. Hij blonk uit in de kunst van het portretteren, vooral in het uitbreiden van de complexiteit van groepsportretten.

Rocokokunstenaars, die vooral geïnteresseerd waren in rijke en ingewikkelde ornamentiek, waren meesters in het verfijnde portret. Hun aandacht voor de details van kleding en textuur vergrootte de doeltreffendheid van portretten als getuigen van wereldse rijkdom, zoals blijkt uit François Bouchers beroemde portretten van Madame de Pompadour, gekleed in golvende zijden gewaden.

Thomas Gainsborough, The Blue Boy, ca. 1770, Huntington Library, San Marino, Californië

Lodewijk XIV van Frankrijk en zijn familie geportretteerd als Romeinse goden op een schilderij uit 1670 van Jean Nocret.

De eerste grote autochtone portretschilders van de Britse school waren de Engelse schilders Thomas Gainsborough en Sir Joshua Reynolds, die zich ook specialiseerden in het op een opvallende manier kleden van hun onderwerpen. Gainsborough’s Blue Boy is een van de beroemdste en bekendste portretten aller tijden, geschilderd met zeer lange penselen en dunne olieverf om het glinsterende effect van het blauwe kostuum te bereiken. Gainsborough stond ook bekend om zijn uitgebreide achtergronden voor zijn onderwerpen.

De twee Britse kunstenaars hadden tegengestelde meningen over het gebruik van assistenten. Reynolds nam ze regelmatig in dienst (soms deed hij zelf maar 20% van het werk) terwijl Gainsborough dat zelden deed. Soms vroeg een opdrachtgever de kunstenaar om een belofte, zoals Sir Richard Newdegate aan portrettist Peter Lely (de opvolger van van Dyck in Engeland), die beloofde dat het portret “from the Beginning to ye endne drawne with my ownne hands” zou zijn. In tegenstelling tot de nauwkeurigheid van de Vlaamse meesters, vatte Reynolds zijn benadering van de portretkunst samen door te verklaren dat “de gratie, en, kunnen we daaraan toevoegen, de gelijkenis, meer bestaat in het nemen van de algemene lucht, dan in het in acht nemen van de exacte gelijkenis van elk kenmerk.” Ook prominent in Engeland was William Hogarth, die het aandurfde om de conventionele methodes te doorbreken door vleugjes humor in zijn portretten te verwerken. Zijn “Zelfportret met mopshond” is duidelijk meer een humoristische kijk op zijn huisdier dan een zelfingenomen schilderij.

In de 18e eeuw wonnen vrouwelijke schilders aan belang, vooral op het gebied van de portretschilderkunst. Bekende vrouwelijke kunstenaars zijn de Franse schilderes Élisabeth Vigée-Lebrun, de Italiaanse pastelkunstenares Rosalba Carriera en de Zwitserse Angelica Kauffman. Ook in die eeuw, vóór de uitvinding van de fotografie, werden miniatuurportretten – geschilderd met een ongelooflijke precisie en vaak gevat in gouden of geëmailleerde medaillons – zeer gewaardeerd.

In de Verenigde Staten werd John Singleton Copley, geschoold op de verfijnde Britse manier, de belangrijkste schilder van portretten op ware grootte en miniatuurportretten, waarbij vooral zijn hyperrealistische afbeeldingen van Samuel Adams en Paul Revere hoog werden aangeslagen. Copley is ook bekend om zijn pogingen om de portretkunst te laten samensmelten met de academisch meer gewaardeerde kunst van de historieschilderkunst, wat hij probeerde met zijn groepsportretten van beroemde militairen. Even beroemd was Gilbert Stuart, die meer dan 1.000 portretten schilderde en vooral bekend was om zijn presidentiële portretten. Stuart schilderde alleen al meer dan 100 replica’s van George Washington. Stuart werkte snel en gebruikte zachtere, minder gedetailleerde penseelstreken dan Copley om de essentie van zijn onderwerpen vast te leggen. Soms maakte hij meerdere versies voor een cliënt, zodat de geportretteerde zijn favoriet kon kiezen. Stuart stond bekend om zijn rozige wangen en schreef: “Vlees is als geen ander materiaal onder de hemel. Het heeft de vrolijkheid van de zijdehandelaar zonder zijn opzichtige glans, en de zachtheid van oud mahoniehout zonder zijn droefheid”. Andere vooraanstaande Amerikaanse portrettisten uit de koloniale tijd waren John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale, en Rembrandt Peale.

• Philip IV in bruin en zilver, Diego Velázquez, 1632

• Sir Kenelm Digby door Anthony Van Dyck, ca. 1640

• Rembrandt van Rijn, Portret van Jan Six, 1654

• Pastel van Madame de Pompadour, Maurice Quentin de La Tour, midden 18e eeuw

• Thomas Kerrich (1748-1828), door Pompeo Batoni

• John Durand, The Rapalje Children, 1768, New-York Historical Society, New York City

• John Singleton Copley, Paul Revere, 1770

19e eeuwEdit

Madame Récamier (1800), op het hoogtepunt van de neoklassieke mode, Jacques-Louis David

In de late 18e eeuw en het begin van de 19e eeuw, zetten neoklassieke kunstenaars de traditie voort om onderwerpen af te beelden in de laatste mode, die voor vrouwen op dat moment doorschijnende gewaden betekende, afgeleid van oude Griekse en Romeinse kledingstijlen. De kunstenaars gebruikten gericht licht om de textuur en de eenvoudige rondheid van gezichten en ledematen te definiëren. De Franse schilders Jacques-Louis David en Jean-Auguste-Dominique Ingres gaven blijk van virtuositeit in deze tekenaarachtige techniek en van een scherp oog voor karakter. Ingres, een leerling van David, is bekend om zijn portretten waarin een spiegel achter de geportretteerde is geschilderd om een achteraanzicht van de geportretteerde te simuleren. Zijn portret van Napoleon op zijn keizerlijke troon is een hoogstandje van vorstelijke portretschilderkunst. (zie Galerij hieronder)

Romantische kunstenaars die in de eerste helft van de 19e eeuw werkten, schilderden portretten van inspirerende leiders, mooie vrouwen en geagiteerde onderwerpen, waarbij ze levendige penseelstreken en dramatische, soms stemmige, belichting gebruikten. De Franse kunstenaars Eugène Delacroix en Théodore Géricault schilderden bijzonder fraaie portretten van dit type, vooral zwierige ruiters. Een opmerkelijk voorbeeld van een kunstenaar uit de romantische periode in Polen, die een ruiterportret beoefende was Piotr Michałowski (1800-1855). Ook opmerkelijk is Géricault’s serie portretten van geesteszieken (1822-1824). De Spaanse schilder Francisco de Goya schilderde enkele van de meest zoekende en provocerende beelden van de periode, waaronder La maja desnuda (ca. 1797-1800), evenals beroemde hofportretten van Karel IV.

Thomas Eakins, The Gross Clinic, 1875

De realistische kunstenaars van de 19e eeuw, zoals Gustave Courbet, maakten objectieve portretten van mensen uit de lagere en middenklasse. Als uiting van zijn romantiek schilderde Courbet verschillende zelfportretten waarop hij zichzelf in verschillende stemmingen en uitdrukkingen toonde. Andere Franse realisten zijn Honoré Daumier, die veel karikaturen maakte van zijn tijdgenoten. Henri de Toulouse-Lautrec schilderde enkele beroemde theaterartiesten, waaronder Jane Avril, en legde hen in beweging vast. De Franse schilder Édouard Manet, was een belangrijke overgangskunstenaar wiens werk zweeft tussen realisme en impressionisme. Hij was een portrettist met een uitstekend inzicht en techniek, waarbij zijn schilderij van Stéphane Mallarmé een goed voorbeeld is van zijn overgangsstijl. Zijn tijdgenoot Edgar Degas was in de eerste plaats een realist en zijn schilderij Portret van de familie Bellelli is een inzichtelijke weergave van een ongelukkig gezin en één van zijn mooiste portretten.

In Amerika heerste Thomas Eakins als de belangrijkste portretschilder. Hij bracht het realisme naar een nieuw niveau van openhartigheid, vooral met zijn twee portretten van chirurgen aan het werk, en die van atleten en musici in actie. In veel portretten, zoals “Portrait of Mrs. Edith Mahon”, brengt Eakins de onflatteuze emoties van verdriet en melancholie vrijmoedig over.

Vincent van Gogh, Zelfportret, 1887

De Realisten maakten tegen de jaren 1870 meestal plaats voor de Impressionisten. Deels vanwege hun magere inkomen vertrouwden veel van de impressionisten op familie en vrienden om voor hen te modelleren, en zij schilderden intieme groepen en enkele figuren, zowel buiten als in lichte interieurs. De portretten van de impressionisten, die bekend staan om hun glanzende oppervlakten en rijke verfpartijen, zijn vaak ontwapenend intiem en aantrekkelijk. De Franse schilders Claude Monet en Pierre-Auguste Renoir creëerden enkele van de meest populaire afbeeldingen van individuele personen en groepen. De Amerikaanse kunstenares Mary Cassatt, die in Frankrijk werd opgeleid en werkte, is zelfs vandaag nog populair om haar innemende schilderijen van moeders en kinderen, net als Renoir. Paul Gauguin en Vincent van Gogh, beide post-impressionisten, schilderden onthullende portretten van mensen die zij kenden, wervelend van kleur maar niet noodzakelijk flatteus. Zij worden evenzeer, zo niet meer, geroemd om hun krachtige zelfportretten.

John Singer Sargent overbrugde ook de eeuwwisseling, maar hij verwierp het openlijke impressionisme en post-impressionisme. Hij was de meest succesvolle portretschilder van zijn tijd, gebruikmakend van een meestal realistische techniek, vaak doorspekt met een briljant gebruik van kleur. Hij was even bekwaam in individuele als in groepsportretten, vooral van families uit de hogere klasse. Sargent werd geboren in Florence, Italië, uit Amerikaanse ouders. Hij studeerde in Italië en Duitsland, en in Parijs. Sargent wordt beschouwd als de laatste belangrijke exponent van de Britse portrettraditie die begon met van Dyck. Een andere prominente Amerikaanse portrettist die zijn opleiding in het buitenland had genoten was William Merritt Chase. De Amerikaanse societyschilderes Cecilia Beaux, ook wel de “vrouwelijke Sargent” genoemd, werd geboren uit een Franse vader, studeerde in het buitenland en kreeg succes in eigen land door vast te houden aan traditionele methoden. Een andere portrettist die met Sargent werd vergeleken vanwege zijn weelderige techniek was de in Italië geboren Parijse kunstenaar Giovanni Boldini, een vriend van Degas en Whistler.

De in Amerika geboren internationalist James Abbott McNeill Whistler had goede connecties met Europese kunstenaars en schilderde ook een aantal uitzonderlijke portretten, het beroemdst is zijn Arrangement in Grey and Black, The Artist’s Mother (1871), ook bekend als Whistler’s Mother. Zelfs bij zijn portretten, zoals bij zijn tonale landschappen, wilde Whistler dat zijn kijkers zich concentreerden op de harmonische ordening van vorm en kleur in zijn schilderijen. Whistler gebruikte een ingetogen palet om zijn beoogde effecten te bereiken, waarbij hij de nadruk legde op kleurbalans en zachte tinten. Zoals hij verklaarde: “Zoals muziek de poëzie van het geluid is, zo is schilderen de poëzie van het zicht, en het onderwerp heeft niets te maken met de harmonie van geluid of van kleur.” Vorm en kleur stonden ook centraal in de portretten van Cézanne, terwijl een nog extremere kleur- en penseelstreektechniek de portretten van André Derain, en Henri Matisse domineren.

De ontwikkeling van de fotografie in de 19e eeuw had een belangrijk effect op de portretkunst, en verdrong de vroegere camera obscura, die eerder ook als hulpmiddel bij het schilderen was gebruikt. Veel modernisten stroomden naar de fotostudio’s om hun portretten te laten maken, onder wie Baudelaire die, hoewel hij de fotografie een “vijand van de kunst” noemde, zich aangetrokken voelde tot de openhartigheid en kracht van de fotografie. Door een goedkoop alternatief te bieden, verdrong de fotografie een groot deel van het laagste niveau van portretschilderkunst. Sommige realistische kunstenaars, zoals Thomas Eakins en Edgar Degas, waren enthousiast over camerafotografie en beschouwden het als een nuttig hulpmiddel bij de compositie. Vanaf de Impressionisten vonden portretschilders een groot aantal manieren om het portret te herinterpreteren en zo effectief met de fotografie te concurreren. Sargent en Whistler behoorden tot degenen die werden gestimuleerd hun techniek uit te breiden om effecten te creëren die de camera niet kon vastleggen.

• Francisco de Goya, Karel IV van Spanje en zijn familie, 1800-1801

• Jean Auguste Dominique Ingres, portret van Napoleon op zijn keizerlijke troon, 1806, Musée de l’Armée, Parijs

• Gustave Courbet, Portret van Charles Baudelaire, 1848

• Pierre-Auguste Renoir, Portret van Alfred Sisley, 1868

• James Abbott McNeill Whistler, Schikking in grijs en zwart: The Artist’s Mother (1871), in de volksmond bekend als Whistlers Moeder

• Edgar Degas, Portret van juffrouw Cassatt, zittend, kaarten vasthoudend, 1876-1878

• John Singer Sargent, Portret van Robert Louis Stevenson, 1887

• Paul Gauguin, De schilder van zonnebloemen, Portret van Vincent van Gogh, 1888

• Vincent van Gogh, Portret van dokter Gachet, (eerste versie), 1890

20e eeuwEdit

Portret van Gertrude Stein, 1906, Metropolitan Museum of Art, New York City. Toen iemand opmerkte dat Stein niet op haar portret leek, antwoordde Picasso: “Dat komt nog wel”.

Andere kunstenaars uit het begin van de 20e eeuw verruimden ook het repertoire van de portretkunst in nieuwe richtingen. De fauvistische kunstenaar Henri Matisse maakte krachtige portretten met niet-naturalistische, zelfs schreeuwerige kleuren voor de huidtinten. Cézanne vertrouwde op sterk vereenvoudigde vormen in zijn portretten, waarbij hij details vermeed en de nadruk legde op kleurcombinaties. De unieke stijl van de Oostenrijker Gustav Klimt paste Byzantijnse motieven en goudverf toe op zijn gedenkwaardige portretten. Zijn leerling Oskar Kokoschka was een belangrijk portrettist van de Weense bovenklasse. De veelbelovende Spaanse kunstenaar Pablo Picasso schilderde veel portretten, waaronder een aantal kubistische weergaven van zijn minnaressen, waarin de gelijkenis van het onderwerp op grove wijze is vervormd om een emotioneel statement te maken dat de grenzen van een normale karikatuur ver overschrijdt. Een opmerkelijke vrouwelijke portretschilder van rond de eeuwwisseling van de 20ste eeuw, geassocieerd met het Franse impressionisme, was Olga Boznańska (1865-1940).Expressionistische schilders leverden enkele van de meest beklijvende en meeslepende psychologische studies die ooit zijn gemaakt. Duitse kunstenaars als Otto Dix en Max Beckmann maakten opmerkelijke voorbeelden van expressionistische portretten. Beckmann was een productieve zelfportrettist, hij maakte er minstens zevenentwintig. Amedeo Modigliani schilderde veel portretten in zijn langgerekte stijl, waarin hij de “innerlijke mens” verwaarloosde ten gunste van strikte studies van vorm en kleur. Om dit te bereiken verminderde hij de nadruk op de normaal expressieve ogen en wenkbrauwen tot het punt van zwart gemaakte spleten en eenvoudige bogen.

De Britse kunst werd vertegenwoordigd door de Vorticisten, die enkele opmerkelijke portretten schilderden in het begin van de 20e eeuw. De Dada-schilder Francis Picabia maakte talrijke portretten op zijn unieke wijze. Ook Tamara de Lempicka’s portretten veroverden met succes het Art Deco tijdperk met haar gestroomlijnde rondingen, rijke kleuren en scherpe hoeken. In Amerika waren Robert Henri en George Bellows in de jaren 1920 en 1930 goede portrettisten van de Amerikaanse realistische school. Max Ernst maakte een voorbeeld van een modern collegiaal portret met zijn schilderij All Friends Together uit 1922.

Een belangrijke bijdrage aan de ontwikkeling van de portretschilderkunst van 1930-2000 werd geleverd door Russische kunstenaars, voornamelijk werkend in de tradities van de realistische en figuratieve schilderkunst. Onder hen moeten genoemd worden Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov en anderen.

De productie van portretten in Europa (met uitzondering van Rusland) en Amerika liep in de jaren veertig en vijftig van de vorige eeuw over het algemeen terug, als gevolg van de toenemende belangstelling voor abstractie en non-figuratieve kunst. Een uitzondering was echter Andrew Wyeth, die uitgroeide tot de belangrijkste Amerikaanse realistische portretschilder. Bij Wyeth is het realisme, hoewel openlijk, ondergeschikt aan de tonale kwaliteiten en de stemming van zijn schilderijen. Dit wordt treffend gedemonstreerd door zijn baanbrekende serie schilderijen die bekend staan als de “Helga” schilderijen, de grootste groep portretten van één enkel persoon door een groot kunstenaar (247 studies van zijn buurvrouw Helga Testorf, gekleed en naakt, in verschillende omgevingen, geschilderd in de periode 1971-1985).

Tegen de jaren zestig en zeventig was er een opleving van de portretkunst. Engelse kunstenaars als Lucian Freud (kleinzoon van Sigmund Freud) en Francis Bacon hebben krachtige schilderijen gemaakt. De portretten van Bacon vallen op door hun nachtmerrie-achtige kwaliteit. In mei 2008 werd Freuds portret Benefits Supervisor Sleeping uit 1995 door Christie’s in New York geveild voor $33,6 miljoen, waarmee een wereldrecord werd gevestigd voor de verkoopwaarde van een schilderij van een levende kunstenaar.

Veel hedendaagse Amerikaanse kunstenaars, zoals Andy Warhol, Alex Katz en Chuck Close, hebben het menselijk gelaat tot middelpunt van hun werk gemaakt.

Warhol was een van de meest productieve portretschilders van de 20ste eeuw. Warhols schilderij Orange Shot Marilyn van Marilyn Monroe is een iconisch vroeg voorbeeld van zijn werk uit de jaren zestig, en Orange Prince (1984) van de popzanger Prince is een later voorbeeld, die beide Warhols unieke grafische stijl van portretschilderen laten zien.

Close’s specialiteit waren enorme, hyperrealistische wandvullende “hoofd”-portretten, gebaseerd op fotografische beelden. Jamie Wyeth zet de realistische traditie van zijn vader Andrew voort en maakt beroemde portretten waarvan de onderwerpen variëren van presidenten tot varkens.

• Henri Matisse, De groene streep, portret van Madame Matisse, 1905

• Olga Boznańska, Zelfportret, 1906, Nationaal Museum in Warschau

• Umberto Boccioni, Zelfportret, 1906

• Gustav Klimt, Portret van Adele Bloch-Bauer I, 1907

• Pablo Picasso, Portret van Daniel-Henry Kahnweiler, 1910, The Art Institute of Chicago

• Juan Gris, Portret van Pablo Picasso, 1912

• Amedeo Modigliani, Portret van Chaim Soutine, 1916

• Boris Grigoriev, Portret van Vsevolod Meyerhold, 1916

• Boris Kustodiev, Kapitsa en Semyonov, 1921