Um levantamento dos mais icônicos e importantes designers de jóias do século XX está repleto das mesmas armadilhas subjetivas que qualquer outro conjunto de arte. Em uma avaliação das pinturas modernistas, por exemplo, é relativamente mais ou menos importante de Magritte’s The Traachery of Images do que, digamos, Duchamp’s Nude Descending a Staircase No. 2? E assim é com as jóias: Numa pequena lista de designers, pessoas razoáveis podem discordar sobre os méritos de Gérard Sandoz – afinal, a sua carreira como artista de jóias foi cortada por uma segunda vida como actor.
É por isso que é importante garantir que qualquer pessoa que curar tal lista de grandes é qualificado para opinar. E Lee Siegelson certamente conhece as suas jóias. O joalheiro de terceira geração passou anos avaliando, coletando e vendendo peças vintage de qualidade de galeria do escritório da marca na Quinta Avenida de Manhattan. Louis, avô de Lee, lançou o negócio no Brooklyn pela primeira vez em 1920, originalmente especializado na reparação de relógios. Nos anos 40 – com a ajuda de seu filho Herman (o pai de Lee) -, Siegelson se movimentou e começou a focar mais na joalheria vintage. Com o tempo, ele acumulou um inventário espetacular de designs únicos. Na comunidade mundial de jóias, a coleção Siegelson está entre as mais respeitadas. Até hoje, muitas peças foram vendidas ou expostas em museus – incluindo o Cooper Hewitt de Nova York e o Smithsonian.
Então, quem melhor para nos acompanhar através dos 10 designers mais icônicos e influentes do século passado do que o próprio Lee Siegelson? O especialista vai liderar um curso conciso de crash na história da joalharia – de Calder a Van Cleef, ele vai quebrar o que faz com que cada artista se destaque. Além disso – que broche invulgar era o favorito de Jeanne Boivin? O que é que o design de aviões tinha a ver com as peças de Jean Després? Confie em nós, você vai querer embolsar algumas dessas pedras preciosas para o seu próximo jantar.
Lee Siegelson expondo em uma feira de artes plásticas. Foto: Cortesia Siegelson
Suzanne Belperron
Suzanne Belperron é o designer de jóias mais importante de todos os tempos. Ela criou uma estética icônica de desenhos curvilíneos arrojados que são imediatamente reconhecíveis como Belperron. Na verdade, ela é conhecida por não assinar suas peças afirmando: “Meu estilo é minha assinatura”. E ela é absolutamente correta.
Belperron era conhecida por usar materiais de pedra dura esculpida incomuns, como quartzo rosa, cristal de rocha e calcedônia como material de montagem para braceletes e anéis. Ela também empurrou as suas oficinas para criar intrincados cenários de pedra para peças que incluíam uma grande e variada quantidade de cortes de pedra. Cada montagem teve de ser criada à mão para se ajustar às pedras individuais.
Este colar de babete é um desenho icónico do Belperron composto por um campo de rubis ovóides irregulares intercalados com diamantes, todos com luneta em platina. Embora os rubis e diamantes pareçam estar dispersos aleatoriamente, foram colocados com muito cuidado pelo designer, pois um pintor impressionista pode espalhar gotas de tinta para criar um todo mais bonito. O resultado é uma sensação líquida magnífica.
Belperron foi e é absolutamente reverenciado por estilistas, editores e usuários de alta costura. Suas peças foram coletadas por Daisy Fellowes, Elsa Schiaparelli, Diana Vreeland, a Duquesa de Windsor, e Karl Lagerfeld, para citar algumas. Ela é a estilista mais procurada por pessoas que entendem de roupas e jóias pode ser art.
Art Moderne Ruby e Diamond Bib Necklace de Suzanne Belperron, Paris, cerca de 1945. Foto: Cortesia Siegelson
Boivin
Jeanne Boivin (o director de Boivin após a morte do marido em 1917) era da moda e da realeza das jóias. Ela era uma diretora da renomada empresa de jóias e irmã de Paul Poiret, o costureiro que mudou para sempre a moda com seus designs revolucionários nos anos 1910 e 1920. Jeanne deu a Suzanne Belperron o seu início e também trabalhou com Juliette Moutard. Estas três mulheres juntas criaram algumas das jóias mais importantes já desenhadas com um forte estilo escultural geralmente baseado na natureza.
O broche estrela do mar é o pináculo absoluto do design de Boivin, e Jeanne até disse que este broche era o seu favorito. Esta jóia foi comprada por Claudette Colbert, a mais reconhecida estrela de Hollywood na década de 1930, após a sua vitória no Oscar por “It Happened One Night”. E ela foi fotografada usando o broche em uma foto de época.
Millicent Rogers possuía uma versão posterior e ela foi fotografada usando-o na Vogue. A estrela do mar Boivin foi retratada na Vogue quatro vezes entre 1937 e 1945, um número inédito de vezes para uma revista na vanguarda da moda.
The Claudette Colbert Starfish: A Ruby and Amethyst Starfish Brooch Designed by Juliette Moutard for René Boivin, Paris, 1937. Foto: Cortesia Siegelson
Cartier
Cartier criou mais peças fantásticas do que qualquer outro joalheiro – de facto, os seus desenhos definem frequentemente uma época ou estilo particular. Não há material ou pedra que Cartier não domine. A dinastia da família Cartier se estendeu por um século com a produção de peças de mesa de prata acessível para uma criação requintada de jóias feitas para marajás e realeza europeia.
Cartier contratou as melhores oficinas e designers e deu-lhes acesso a uma ampla biblioteca de livros de arte e miniaturas persas para inspiração. Esta pulseira teria sido comprada por um cliente de topo. É requintada tanto na construção quanto no design. A laca preta torna a forma moderna, enquanto o design de três folhas dá um aceno aos estilos decorativos exóticos. As esmeraldas verdes surgem contra a paleta preta e branca e as pérolas lustrosas são terminais requintados. Só Cartier poderia ter produzido esta peça e quando você a segura em sua mão, você pode ver que não há nada fora do lugar, é uma peça perfeitamente considerada e requintada.
Art Deco Diamond, Natural Pearl, Emerald, e Onyx Bangle by Cartier, por volta de 1925. Foto: Cortesia Siegelson
Art Deco Diamond &Arpels
Art Deco Diamond &Art Deco Diamond é conhecido por confecções absolutamente elegantes. Eles se destacam particularmente pelo uso de cortes de pedra incomuns e inovações em design como o cenário invisível, o minaudiere e o colar de zíperes. A empresa fez peças particularmente bonitas usando um corte de marquês que chamaram de navette. Este colar de franjas de diamantes mostra a forma especializada como a VCA estratificou cortes de pedra variados para acentuar a geometria das pedras e criar uma construção deslumbrante, elegante e luxuosa, que se sente moderna e vestível hoje.
Colar de Platina e Diamante de Van Cleef & Arpels, Paris, 1948. Foto: Cortesia Siegelson
Boucheron
Desde o seu início em 1858, Boucheron recebeu atenção em exposições internacionais pelos seus designs atenciosos, bonitos e arrojados. Na Exposition des Arts Décoratifs et Industriels de Paris de 1925, a empresa criou um esquema completo de design incluindo estojos de shagreen rosa decorados com desenhos geométricos criados para a exposição. (A bracelete de Siegelson tem a única caixa restante conhecida.)
Esta bracelete, uma das mais importantes peças de jóias já feitas, foi criada para a Exposição de Paris de 1925. Stephen Harrison, curador de Arte Decorativa no Museu de Arte de Cleveland, disse que “Boucheron criou uma pulseira extraordinária de inovador conjunto de ósmio com rubis de cabochon, safiras e esmeraldas, dispostas como bolhas flutuando na água”. O design revolucionário desta peça centra-se na disposição geométrica das pedras circundadas por diamantes que parecem deslizar sobre a superfície do bracelete, deslizando sob a borda diamantada dos painéis. Hastes esmaltadas em preto, posicionadas diagonalmente, fornecem uma película dramática para as pedras preciosas coloridas.
Art Deco Diamond, Esmalte e Pulseira Gem-Set da Boucheron. Exibido na Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925, Paris. Foto: Cortesia Siegelson
Gérard Sandoz
Gérard Sandoz fez as suas fantásticas jóias por apenas um breve período no auge do período Art Deco, de 1920-1931. Um personagem encantador e inquieto, ele era conhecido por gostar de festas na Maxim’s e eventualmente deixou o negócio familiar de fazer jóias para uma modesta carreira cinematográfica.
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A jóia que ele fez é uma exploração absolutamente pura de formas geométricas em materiais variados, cores e acabamentos que se combinam para criar uma forma complexa em camadas. Não há nada como isto.
O próprio Sandoz disse: “É possível fazer jóias muito bonitas simplesmente com ouro e fazer horrores com rios de diamantes”.
Centrando numa haste de platina passando por um rectângulo de ouro com picos de ouro e “dentes” de ônix, como os de uma engrenagem, este broche inspira-se directamente nas máquinas que Sandoz adorava. O elemento central é estratificado sobre um fundo de cristal de rocha fosca num triângulo de pavê-diamante. Neste magistral broche, Sandoz inverteu a ordem padrão dos materiais em uma peça de jóias finas, que tipicamente apresentava as pedras mais preciosas, com o metal como uma mera montagem. Aqui, Sandoz usa os diamantes como fundo, enquanto explora o ouro polido como elemento central. O resultado é uma obra-prima icónica e importante de design.
Art Deco Geometric Brooch de Gérard Sandoz, Paris, cerca de 1927. Foto: Cortesia Siegelson
Jean Després
Nascido numa família de joalheiros e para sempre influenciado pela sua experiência como designer de aviões durante a Segunda Guerra Mundial, Després influenciou o curso do design de jóias com as suas peças cuidadosamente desenhadas e inspiradas na máquina, conhecidas como “bijoux-moteurs”
Esta pulseira de Després é um exemplo icónico de design Art Moderne combinando uma poderosa simplicidade com um design inspirado na máquina. O design evoca os dentes de uma engrenagem maciça, enquanto que a bracelete se alinha ao adelgaçamento do pulso. Este subtil ajuste do design reconhece que esta bracelete maciça é para ser usada e, como é mostrado numa foto da época, é elegante no pulso.
Art Moderne Silver and Black Lacquer Bracelet de Jean Després, Paris, cerca de 1931. Exibido no Salon d’Automne, Paris, por volta de 1931. Foto: Cortesia Siegelson
Jean Dunand
Jean Dunand é um dos mais destacados designers Art Deco conhecidos pelos seus móveis em verniz, objectos decorativos e jóias. Ele foi contratado para lacar quartos inteiros de luxo em fabulosos liners oceânicos como o Normandie.
Como Dunand criou retratos, assim como artes decorativas e jóias, seus retratos muitas vezes continham exemplos de seu trabalho. Um retrato famoso e requintado de sua mentora Madame Agnes apareceu recentemente em leilão, e nele ela é vista usando um único colar de girafa. A Girafa é uma obra icónica para Dunand e fala de um momento específico da década de 1920, quando os designers começaram a afastar-se do uso clássico de materiais de luxo para um design mais moderno.
Um modelo semelhante foi feito e usado por Josephine Baker, que era a musa de Dunand; ela é mostrada usando o conjunto (e pouco mais) numa famosa fotografia.
Recentemente retornou de uma grande exposição, The Jazz Age: American Style in the 1920s, no Cooper Hewitt and Cleveland Museum of art, este é o maior conjunto conhecido com seis peças no total. Este é um exemplo maior do que aqueles pertencentes ao Museé de Arts Decoratifs e Museu Metropolitano de Arte. Este é o maior conjunto que provavelmente será visto no mercado.
Laca Vermelha e Preta e Conjunto Oréum de Três Colares “Girafas” e Três Pulseiras de Jean Dunand, Paris, por volta de 1927. Exibido em A Era do Jazz: American Style nos anos 20 no Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, Nova York. Foto: Cortesia Siegelson
Paul Flato
Paul Flato foi o joalheiro original para as estrelas, catering para o crème de la crème de Hollywood. Ele fundou sua empresa em Nova York em 1928 e abriu uma loja em Los Angeles em 1937. O seu estilo figurativo, muitas vezes com um estilo humorístico, atingiu o seu auge nos anos 30, quando Adolph Kleaty, George Headley, e Fulco, Duque de Verdura, desenharam peças para ele. Flato fez penas, mãos segurando flores, e broches que eram baús de tesouros cheios de jóias, mas com panache.
Os seus salões foram frequentados por Joan Crawford, Marlene Dietrich, e Vivien Leigh, e homens importantes como Douglas Fairbanks, Laurence Olivier, e Orson Welles. Suas jóias foram usadas por Katherine Hepburn em Holiday, Greta Garbo em Two Faced Woman, e Rita Hayward em Blood and Sand.
Para este colar, Verdura transformou um item utilitário comum, um cinto, em um colar de água e rubi. Este foi um feito notável numa altura em que a maioria das jóias apresentava flores ou desenhos geométricos. O colar foi inteligentemente concebido para parecer como se o cinto tivesse sido atado, criando uma peça que pode ser usada centrada ou ao lado, como estava na Vogue em 1944.
O Colar Cole Porter: Um Aquamarine e Ruby Belt com um Colar de Fivelas Desenhado por Fulco, Duque de Verdura, para Paul Flato, Nova Iorque, por volta de 1935. Foto: Cortesia Siegelson
Alexander Calder
Alexander Calder é mais conhecido pelos seus telemóveis e esculturas delicadamente equilibrados que se movem em resposta ao ar ou toque, mas as jóias eram o seu meio mais pessoal e constante. Feita à mão pelo artista, cada peça foi uma combinação única da sua martelagem e da estética e graça contida nas suas obras de grande escala. A jóia de Calder, boémia mas refinada, foi recolhida por coleccionadores de arte da moda incluindo Peggy Guggenheim, Mary Rockefeller, e Millicent Rogers.
Criado de fio de latão, este broche exibe o mesmo sentido de movimento encontrado nos seus telemóveis e a geometria e dinamismo encontrados nas suas litografias onde frequentemente explorava repetidos círculos entrelaçados.
Elisabeth Agro, curadora da exposição de jóias Calder, disse sobre as jóias: “Espaço”. Trata-se de ocupar espaço. E ele apenas vê o corpo como um elemento de base para este outro aspecto do seu trabalho. Não que o corpo se meta no caminho – o corpo é uma parte desta obra de arte maior, quando você o coloca”
Brooch “Six Circles” de Alexander Calder, Nova York, por volta de 1940. Foto: Cortesia: Siegelson