The Red Rigi by JMW Turner, pintura em aquarela, 1842, 30,5 x 45,8 cm.

A pintura de aguarela é o processo de pintura com pigmentos que são misturados com água. De todos os processos de pintura, a pintura de aquarela é conhecida pela sua delicadeza e sutileza inerentes, porque a arte da aquarela é toda sobre lavagens finas e cor transparente (embora as aquarelas possam ser tornadas opacas com a adição de branco chinês). Tradicionalmente, os artistas de aquarela trabalham sobre papel, embora o dente da superfície possa variar muito. Muitas vezes o branco da superfície da pintura brilhará e se prestará à luminosidade da pintura.

Quando os artistas aprendem pela primeira vez a pintar arte de aquarela, a fluidez do meio é muitas vezes um obstáculo porque torna a pintura menos previsível. Os artistas de aquarela de sucesso sabem como equilibrar controle e liberdade em seu trabalho, usando técnicas de pintura de aquarela que criam efeitos que muitas vezes ocorrem quase por acidente e não de propósito.

Um aquarelista usa técnicas de pintura de aquarela como lavagens, trabalhando molhado em molhado e molhado em seco, levantando e mascarando para fora para os destaques, e dezenas de outras técnicas para alcançar efeitos texturais. Mas acima de tudo, a pintura de aquarela volta à premissa de que as aulas de aquarela e métodos são importantes – mas o que mais importa para um artista de aquarela é deixar ir e encontrar um equilíbrio entre controlar e libertar este meio de pintura.

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Passo por Passo Aula de Arte em Aquarela

PASSO 1 Esboço de Martin para sua pintura em aquarela.

As aulas de aguarela são frequentemente melhor vistas, então o passo a passo da aquarela de Margaret Martin é particularmente útil para os alunos da arte. A sua pintura, Country Jewels, é uma em que a artista acrescenta figuras às suas cenas arquitectónicas e paisagísticas. Martin acredita que isso lhe permite dirigir melhor o olhar do espectador e dar uma sensação de movimento e vida em suas pinturas de aquarela. PASSO 1 Martin começa com uma referência fotográfica para muitas de suas peças de arte em aquarela, avaliando as fotos para formas e aspectos da composição que ela pode puxar. Para as Country Jewels, ela decidiu por uma paleta de cores quentes e inseriu figuras na pintura por interesse. Ela cria um esboço para a pintura em aquarela, usando uma caneta de feltro para desenhar o primeiro plano, o meio-termo e o fundo para a pintura, bem como identificar as luzes básicas e escuras com marcadores de cinza frio.

PASSO 2 Martin estabelece lavagens para o céu e o chão.

PASSO 2 Iniciando a pintura em aquarela, Martin desenhou a composição em seu papel de aquarela e depois aplicou uma lavagem de alizarina carmesim e amarelo Winsor em primeiro plano. Uma vez seca, uma camada molhada de azul Winsor foi aplicada ao fundo pelo aquarelista. As lavagens se juntam perto da linha do horizonte e Martin acrescenta nas montanhas distantes com ultramarino francês e azul Winsor.

PASSO 3 A aquarelista mantém as pinceladas largas enquanto ela preenche a folhagem de fundo.

PASSO 3 Martin progride através da pintura de aguarela, trabalhando primeiro na grande área de folhagem na composição, usando a tonalidade azul do verde Winsor e da terra de siena queimada. As luzes na área central da floresta são feitas com umber queimado, violeta cobalto, laranja Winsor, vermelho, e amarelo. A aquarelista mantém as pinceladas largas e pintadas em torno das áreas onde as figuras eventualmente iriam, deixando áreas de branco.

PASSO 4 As bordas das figuras variam e os reflexos nas poças e nos pássaros por cima adicionam interesse visual à pintura de aquarela.

PASSO 4 À medida que a pintura em aquarela se junta ao fundo, Martin redireciona seu foco para o meio-termo. As bordas dos corredores são nítidas e difusas, e às vezes de valor semelhante ao fundo da aquarela. As áreas de sombra são amarelo Winsor, azul, e laranja, e violeta perilene. O resultado é que as sombras são quentes com reflexos do branco do papel para indicar a luz solar. O artista fez questão de estabelecer uma sensação de unidade visual e harmonia de cores usando as mesmas cores ao longo de toda a pintura. Note como o artista também melhorou a pintura, acrescentando reflexos na poça e pássaros no céu para um maior interesse visual. Fonte: Revista Watercolor, Inverno 2008.

Let Go of the Details for Watercolor Art

Uma pintura em aquarela de Jim McFarlane.

Jim McFarlane ensina arte de aguarela a partir da perspectiva de que a simplicidade é tudo. Nos seus workshops, quer os seus alunos estejam a retratar um arranjo tradicional ou algo da sua imaginação, McFarlane sublinha que o branco do papel de pintura de aguarela deve ser usado para a luz solar, e depois todos os valores restantes devem ser reduzidos para uma luz, um meio, e um escuro. “Usar um número limitado de valores em uma pintura de aquarela requer que você ligue áreas de valores semelhantes, resultando em formas maiores e composições mais sonoras,” ele diz.

Estes esboços de arte de aquarela podem se tornar roteiros para as pinturas finais e realmente permitir que os alunos de aquarela se soltem porque os ajuda a aprender como evitar os detalhes e capturar grandes formas e valores. Para um artista de aquarela de sua classe McFarlane advertiu: “Você está ficando preso nas minúcias. Eu posso dizer, enquanto você está colocando cor, que você está pensando em ‘árvore’. Esquece o que é e fica em grande forma. A questão é se você pode ver a árvore como uma forma simples e colocá-la na relação correta de valor para o resto da pintura”

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A partir daí, McFarlane incentiva os alunos a reduzir sua imagem para três ou quatro áreas de valor. Isto ajuda o aquarelista a decidir que zona – primeiro plano, meio-termo ou fundo – vai ser o foco da pintura. Para a fase final da pintura, McFarlane usa uma escala de nove valores. A área do valor mais leve recebe poucos e mais leves valores. O valor médio representa uma gama maior e ligeiramente mais escura; e o valor escuro representa todos os valores numa escala de nove valores e o branco do papel de aguarela. Esta disposição é especialmente útil para uma pintura em aquarela porque simplifica toda a informação visual, permitindo ao artista mudar o padrão e mudar o foco da pintura, se assim o desejar. Fonte: Watercolor magazine, Primavera 2011.

Watercolor Painting Essentials

Autumn in Blue and Gold by Stephen Quiller, 2005, watercolor painting and casein, 32 x 44.

Os artistas de aguarela querem aplicações frescas de pintura com controle fino com detalhes suficientes para emprestar uma narrativa às suas obras, evitando que a peça acabada se sinta sobrecarregada. O artista John Falato enfatiza a importância da preparação na pintura de aguarela, usando como exemplo a sua própria área de trabalho. Ele expõe duas paletas, uma para baratas e outra para aquarelas – dois grandes recipientes para água e três copos para misturar lavagens.

Outro copo de plástico continha uma variedade de pincéis que variavam de redondos de zibelina e grandes planos de esquilo a cerdas de rolo e pincéis fofos para esfregar. Quando se trata de escolher pincéis para criar arte em aquarela, você quer um pincel com mola e um que segure muita tinta. Para lavagens suaves de pintura em aquarela, o objetivo é criar um grânulo de tinta e mantê-lo em movimento em torno dos objetos e através do papel o melhor possível. Use um pincel com o tamanho adequado à lavagem que pretende criar, e não está fora da possibilidade de usar dois pincéis para uma lavagem – um para grandes áreas e um para áreas com muitos detalhes ou bordas.

As bordas são o resultado do trabalho em uma superfície de pintura de aquarela molhada. Se a superfície de pintura estiver seca, é necessário molhá-la, e isso pode ser feito com um pincel, uma esponja ou um spray. Um frasco de spray é frequentemente mais eficaz porque não levanta a cor por baixo. Quando voltar a entrar com um pincel, lembre-se de não trabalhar demais a borda. Faça-o apenas uma vez e deixe a área secar. As bordas continuarão a misturar-se à medida que a tinta seca. Fonte: Adaptado de um artigo de John A. Parks.