As 10 pinturas mais famosas de todos os tempos! Todos os anos milhões de euros são gastos por colecionadores de arte que estão ansiosos para possuir as pinturas mais procuradas do mundo. No entanto, os quadros mais caros não são necessariamente os quadros mais famosos. Os mais conhecidos estão geralmente nas mãos dos museus, que muito raramente serão vendidos, e como tal não têm literalmente preço. Aqui fornecemos os 10 quadros mais famosos de todos os tempos.

O Nascimento de Vénus

O Nascimento de Vénus é uma pintura do pintor italiano Sandro Botticelli. Está pendurado na galeria Uffizi na cidade italiana de Florença. A pintura é feita com têmpera sobre tela e mede 172,5 cm por 278,5 cm. Descreve a deusa Vénus levantando-se do mar como uma mulher madura, como descrito na mitologia grega. O nome da obra, no entanto, não está inteiramente de acordo com o acontecimento nela descrito, pois, segundo a lenda, Vénus nasceu da espuma do mar. No entanto, esta imagem mostra a sua chegada ao Chipre, de pé sobre uma concha. Na antiguidade clássica, uma concha era uma metáfora para uma vagina. A pose da Vénus de Botticelli lembra a Vénus de Medici, uma escultura de mármore da antiguidade clássica da colecção Medici que Botticelli tinha estudado. Um detalhe da pintura é usado como imagem numa das moedas de euro italianas.

Aguas Lírios

Os Lírios de Água são muitas pinturas impressionistas diferentes de lírios de água do artista francês Claude Monet. Monet tinha um jardim colorido com um lago construído no seu estúdio em Giverny nos anos 1890 para poder pintar o seu amado motivo em todos os tipos de condições meteorológicas (metade ao ar livre). Ele não precisava mais viajar tanto e estava mais em casa com sua esposa e filhos. Monet pintou muitas variações diferentes sobre este tema. Só no período 1899-1900, ele fez 18 diferentes pinturas de lírios de água.

No período 1914-1926, Monet criou uma série de enormes painéis de parede com lírios de água para o Musée de l’Orangerie nas Tuileries em Paris (ver imagem acima). Como Monet era provavelmente muito cego no final da sua vida, ele teria pintado estas paisagens ditas reflexas (paisagem sem representação explícita do céu ou do horizonte) principalmente a partir da sua memória. Ele doou estas obras ao seu bom amigo Paul Clemenceau. Clemenceau tinha estimulado Monet, enquanto subsidiava a sua visão, a continuar a pintar. Monet doou as obras como um “tributo à paz”. As pinturas foram durante muito tempo inacessíveis ao público, mas agora são novamente as principais obras do museu recentemente renovado.

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The Night Watch

The Night Watch é a pintura e obra-prima mais conhecida de Rembrandt van Rijn e pode ser vista na Galeria de Honra do Rijksmuseum. Rembrandt pintou-o entre 1639 e 1642. O nome oficial é: A companhia do Capitão Frans Banning Cocq e do Tenente Willem van Ruytenburgh está a preparar-se para marchar para fora. Esta obra, uma peça da milícia, foi encomendada como retrato de grupo por uma companhia da guilda. Foi provavelmente chamado pela primeira vez de ‘The Night Watch’ por volta de 1796/1797. Segundo Ernst van de Wetering, a obra falhou em certo sentido.

O valor da pintura não pode ser expresso em dinheiro. Não está à venda ou alguma vez esteve à venda. A milícia que na época encomendou Rembrandt era uma instituição urbana e The Night Watch pertence desde então ao município de Amesterdão, em empréstimo perpétuo ao Rijksmuseum.

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The Scream

The Scream é o nome de quatro quadros e uma litografia de Edvard Munch de 1893. A versão original do grito de 1893 encontra-se no Museu Nacional de Arte (Nasjonalgalleriet), em Oslo. É considerada a pintura mais comovente de Munch. Ela expressa o sofrimento espiritual e o assédio emocional que o pintor tem sentido durante certos períodos de sua vida. Munch foi um precursor do expressionismo, um estilo que queria expressar emoções. O Grito é um auto-retrato psíquico de Edvard Munch. É uma pintura baseada em sua própria experiência traumática.

Uma noite Edvard Munch voltou à cidade de Oslo com amigos. Eles pararam em uma ponte. Enquanto seus amigos caminhavam, Edvard parou, agarrado pela paisagem e pelo céu com o sol poente. Ele ouviu e sentiu a paisagem à sua volta gritar. Ele se sentiu impotente e deprimido. Este evento impressionou-o tanto que mais tarde ele gravou este evento na tela.

6. Rapariga com um Brinco de Pérola

Rapariga com um Brinco de Pérola é uma pintura de 1665-1667 do mestre holandês Johannes Vermeer. Nos últimos anos, a Rapariga com um Brinco de Pérola tornou-se a pintura mais adorada de Vermeer. A obra está na posse dos Mauritshuis em Haia. Nenhum dos modelos de Vermeer foi jamais identificado e isto também se aplica a esta menina. Uma possível candidata é sua filha mais velha Maria, que tinha doze, treze anos na época.

A menina retratada veste um turbante azul com um pano amarelo, caindo. A cobertura da cabeça contrasta com o casaco amarelo acastanhado com o colarinho branco. A pérola se destaca, uma grande criação de luzes brilhantes e sombras e bordas desfiadas. Com duas pinceladas de tinta Vermeer deu um acento luminoso à parte superior esquerda e um reflexo do seu colarinho branco na parte inferior. Dado o seu tamanho, é mais um vidro, lacado “brinco de gota” do que uma pérola natural. Parece que a menina, com o seu olhar desinibido, procura o contacto directo com o espectador, como se tivesse sido surpreendida por ele. Com a boca meio aberta, ela dá a impressão de que quer dizer alguma coisa. Os seus lábios húmidos e extra-vermelhos dão-lhe um ar sensual.

5. Guernica

Guernica é uma pintura de Pablo Picasso de 1937, com o nome do lugar Guernica no País Basco espanhol. O motivo da pintura é o bombardeio de Guernica pelos fascistas liderados por Francisco Franco, para quebrar a resistência dos republicanos. A pintura, com suas enormes dimensões de 3,49 m de altura e 7,76 m de largura, é uma das obras mais impressionantes e controversas de Picasso.

A pintura mostra a cidade durante o bombardeio. Há muito para ver ao mesmo tempo na pintura. Um cavalo a correr para dentro de uma casa em pânico. À direita, alguém cai do telhado em chamas e uma mãe chora pelo seu filho morto. Pablo Picasso queria que o quadro fizesse sentir o caos durante um bombardeio, quando você olha para o quadro. O fundo também está misturado, não há diferença entre o interior e o exterior. As pessoas estão saindo de casa em pânico.

A pintura é pintada em linhas e superfícies em preto, branco e cinza para expressar a guerra. Não é uma pintura realista. Pablo Picasso tentou transmitir a sensação durante o bombardeio, não o que parecia. Na frente do quadro está um homem com uma espada quebrada. Um símbolo para um soldado morto. O cavalo expressa o medo e é o símbolo para as vítimas inocentes da guerra. A mãe com a criança morta simboliza a dor pelos caídos. A lâmpada na pintura simboliza a explosão e o bombardeio em Guernica.

A criação de Adão

A criação de Adão faz parte do afresco na abóbada da Capela Sistina, na Cidade do Vaticano, pintado por Michelangelo por volta de 1511. A obra é a representação da história bíblica do livro do Gênesis, no qual Deus Pai dá vida a Adão. Dos afrescos ao Génesis na Capela Sistina, é cronologicamente a quarta imagem da história. Michelangelo terminou este afresco como um dos últimos da série. A obra mede 4,8 por 2,3 metros.

A Última Ceia

A Última Ceia é um afresco pintado por Leonardo da Vinci encomendado pelo Duque Ludovico Sforza no refeitório de Santa Maria delle Grazie (um mosteiro dominicano em Milão). É uma representação de uma cena da Última Ceia de Jesus, como descrita na Bíblia e é baseada em João 13,21-26, na qual Jesus anuncia que um dos seus doze discípulos irá traí-lo. A pintura é conhecida mundialmente e o arranjo é um modelo iconográfico. Como não pode ser movido, nunca foi propriedade privada. De acordo com outras imagens da última ceia da época, Leonardo assumiu a convenção para retratar todas as pessoas de um lado da mesa durante o jantar, para que nenhum dos presentes seja olhado na parte de trás. Mas ele se desvia notavelmente daquela convenção ao colocar Judas também ali entre os outros discípulos, enquanto que normalmente Judas era colocado em frente aos outros apóstolos do outro lado da mesa. Outro costume era fornecer a todos os discípulos, com exceção de Judas, uma auréola.

No entanto, Leonardo optou por um efeito mais realista e dramático ao não fornecer a ninguém uma auréola, mas mostrando Judas inclinado para trás à sombra. Ele também cria uma imagem realista e psicológica na qual ele tenta explicar porque Judas e Jesus tomam o pão ao mesmo tempo, logo após Jesus ter feito a predição da traição. Jesus é mostrado como se estivesse dizendo a Tomé e Tiago à sua esquerda, que estão chocados porque Jesus aponta para um pedaço de pão para eles. Distraído pela conversa entre João e Pedro, Judas estende a mão para outro pedaço de pão, para o qual Jesus estende a mão direita. Todas as linhas de perspectiva e também a luz caem a atenção para Jesus.

A noite estrelada

A noite estrelada é uma pintura do pintor pós-impressionista holandês Vincent van Gogh. Pertence à colecção permanente do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque. A obra (óleo sobre tela) mede 73 por 92 cm. É vista como a obra-prima deste pintor. A partir de 1888 Van Gogh pintou várias peças que se assemelham a The Starry Night. Ele chamou a este estudo o seu estudo do céu estrelado. Em 1888, por exemplo, ele pintou a noite estrelada sobre o Ródano, que é muito semelhante a esta pintura. Vincent van Gogh fez The Starry Night quando estava no hospital de Saint-Paul-de-Mausole em Saint-Rémy-de-Provence, em junho de 1889. Ele também fez uma série de desenhos com caneta com o mesmo tema. Em meados de setembro ele enviou as pinturas da noite estrelada para seu irmão em Paris.

A pintura é uma cena noturna com estrelas amarelas sobre uma pequena cidade com colinas. É uma vista de um ponto imaginário sobre uma aldeia com torre de igreja e à esquerda um cipreste em chamas e à direita oliveiras contra as colinas. Van Gogh usou Delacroix para o uso de cores complementares. A pintura é frequentemente associada às palavras de Vincent van Gogh: “Por que, pergunto-me, os pontos brilhantes no céu não seriam tão fáceis de alcançar como os pontos negros no mapa da França? Tal como estávamos no comboio para Tarascon ou Rouen, nós usamos a morte para viajar até às estrelas. “Van Gogh pintou a peça numa altura em que sentia um forte desejo de religião. Depois disso ele acabaria numa depressão.

Mona Lisa

A Mona Lisa é uma pintura de Leonardo da Vinci pintada entre 1503 e 1507. A técnica utilizada é a óleo sobre painel (madeira de choupo). É o retrato de uma senhora, provavelmente Lisa Gherardini, a terceira esposa de Francesco del Giocondo. O retrato está em exposição permanente no Louvre de Paris e é uma das poucas obras que com certeza será do próprio Leonardo. É provavelmente uma das obras de arte mais famosas do mundo, a pintura recebe cerca de 20.000 visitantes por dia.

O sorriso da Mona Lisa é praticamente a marca registrada da pintura como o ermine (na verdade um furão branco) que é para aquele outro famoso quadro de Leonardo A senhora com o ermine, o retrato de Cecília Gallerani. Poder-se-ia facilmente ter chamado a pintura A senhora com o sorriso, e isso se reflete no nome italiano, porque La Gioconda na verdade significa a feliz, a feliz. Leonardo transforma esta ideia de ser feliz, de ser feliz no tema central do seu quadro, mesmo não sendo uma alegria exuberante, a dama parece satisfeita e feliz. Dezenas de teorias sobre o sorriso são postas, uma mais extravagante do que a outra. Vai desde o sorriso de uma mulher grávida feliz até o sintoma das mais diversas doenças. Um software que reconheceria emoções com base na expressão facial reconheceu 83% de felicidade nele.