Mundo antigoEditar
Raízes de um retrato são provavelmente encontradas em tempos pré-históricos, embora poucos destes trabalhos sobrevivam hoje em dia. Na arte das antigas civilizações do Crescente Fértil, especialmente no Egipto, abundam as representações de governantes e governantes como deuses. No entanto, a maioria delas era feita de forma altamente estilizada, e a maioria de perfil, geralmente em pedra, metal, argila, gesso ou cristal. O retrato egípcio colocou relativamente pouca ênfase na semelhança, pelo menos até o período de Akhenaten, no século XIV a.C. A pintura de retratos de personalidades na China provavelmente remonta a mais de 1000 a.C., embora nenhum sobreviva a partir dessa época. Retratos existentes na China remontam a cerca de 1000 a.C., mas não deu muita ênfase à semelhança até algum tempo depois disso.
A partir de evidências literárias sabemos que a pintura grega antiga incluía retratos, muitas vezes altamente precisos se acreditarmos nos elogios dos escritores, mas nenhum exemplo pintado permanece. Cabeças esculpidas de réguas e personalidades famosas como Sócrates sobrevivem em alguma quantidade, e como os bustos individualizados de réguas helenísticas em moedas, mostram que o retrato grego poderia alcançar uma boa semelhança, e os sujeitos, pelo menos de figuras literárias, foram retratados com relativamente pouca lisonja – os retratos de Sócrates mostram porque ele tinha uma reputação de ser feio. Os sucessores de Alexandre o Grande começaram a prática de adicionar sua cabeça (como uma figura deificada) às suas moedas, e logo estavam usando a sua própria.
O retrato romano adotou tradições de retratos tanto dos etruscos como dos gregos, e desenvolveu uma tradição muito forte, ligada ao seu uso religioso dos retratos dos antepassados, bem como da política romana. Mais uma vez, os poucos sobreviventes pintados, nos retratos de Fayum, no Túmulo de Aline e no Túmulo de Severan, todos do Egipto sob domínio romano, são claramente produções provinciais que reflectem estilos gregos e não romanos, mas temos uma riqueza de cabeças esculpidas, incluindo muitos retratos individualizados de túmulos de classe média, e milhares de tipos de retratos de moedas.
Muito maior grupo de retratos pintados são as pinturas funerárias que sobreviveram no clima seco do distrito egípcio de Fayum (ver ilustração, abaixo), datando do século II a IV d.C. Estas são quase as únicas pinturas do período romano que sobreviveram, além dos frescos, embora se saiba pelos escritos de Plínio o Ancião que a pintura de retratos foi bem estabelecida nos tempos gregos, e praticada tanto por homens como por mulheres artistas. No seu tempo, Plínio queixou-se do declínio do estado da arte do retrato romano, “A pintura de retratos que costumava transmitir através dos tempos as semelhanças exactas das pessoas, foi-se por completo…A indolência destruiu as artes”. Estes retratos de rosto inteiro do Egipto romano são excepções afortunadas. Eles apresentam um senso algo realista de proporção e detalhe individual (embora os olhos sejam geralmente grandes demais e a habilidade artística varie consideravelmente de artista para artista). Os retratos de Fayum foram pintados em madeira ou marfim em cores de cera e resina (encáustica) ou com têmpera, e inseridos no envoltório da múmia, para permanecerem com o corpo através da eternidade.
Embora a pintura de retratos livres tenha diminuído em Roma, a arte do retrato floresceu nas esculturas romanas, onde as pessoas exigiam realismo, mesmo que pouco lisonjeiro. Durante o século IV, o retrato esculpido dominou, com um retiro em favor de um símbolo idealizado de como aquela pessoa era. (Compare os retratos dos imperadores romanos Constantino I e Teodósio I) No período da Antiguidade Tardia, o interesse por uma semelhança individual diminuiu consideravelmente, e a maioria dos retratos em moedas romanas tardias e dípticos consulares dificilmente são individualizados, embora ao mesmo tempo a arte cristã primitiva estivesse evoluindo imagens bastante padronizadas para a representação de Jesus e de outras figuras importantes da arte cristã, como João Batista, e São Pedro.
Idade MédiaEditar
Os retratos medievais mais antigos eram retratos de doadores, inicialmente a maioria dos papas em mosaicos romanos, e manuscritos iluminados, sendo um exemplo um auto-retrato do escritor, místico, cientista, iluminador, e músico Hildegard de Bingen (1152). Como nas moedas contemporâneas, houve pouca tentativa de semelhança. Monumentos túmulos de pedra espalhados no período românico. Entre 1350-1400, figuras seculares começaram a reaparecer em afrescos e pinturas de painel, como no mestre Charles IV de Theodoric recebendo fidelidade, e retratos mais uma vez se tornaram claras semelhanças.
Ao redor do final do século, os primeiros retratos a óleo de indivíduos contemporâneos, pintados em pequenos painéis de madeira, surgiram na Borgonha e na França, primeiro como perfis, depois em outras vistas. O Wilton Diptych de ca. 1400 é um dos dois retratos de painel sobreviventes de Ricardo II da Inglaterra, o primeiro rei inglês para quem temos exemplos contemporâneos.
No final da Idade Média, no século XV, a pintura do início da Holanda foi a chave para o desenvolvimento do retrato individualizado. Os mestres incluíram Jan van Eyck, Robert Campin e Rogier van der Weyden, entre outros. Retratos de pintura em painel bastante pequenos, de tamanho inferior a metade do tamanho real, foram encomendados, não apenas de figuras da corte, mas o que parece a partir de seu traje relativamente simples para ser um povo rico da cidade. Miniaturas em manuscritos iluminados também incluíam retratos individualizados, geralmente do comissário. Nas pinturas religiosas, retratos de doadores começaram a ser mostrados como presentes, ou participam das principais cenas sagradas mostradas, e em imagens mais privadas da corte os sujeitos até apareceram como figuras significativas como a Virgem Maria.
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Robert Campin (c. 1375 – 1444), Retrato de uma Jovem Mulher (emparelhado com seu marido), 1430-1435. O estilo de Van der Weyden foi fundado em Campin’s.
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Arnolfini Portrait, de Jan van der Eyck, 1434
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Rogier van der Weyden, Portrait of a Lady, c. 1460
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Um dos primeiros auto-retratos isolados, Jean Fouquet, c. 1450
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RenaissanceEdit
>Parcialmente por interesse no mundo natural e parcialmente por interesse nas culturas clássicas da Grécia e Roma antigas, Os retratos – ambos pintados e esculpidos – tiveram um papel importante na sociedade renascentista e foram valorizados como objetos, e como representações do sucesso e status terreno. A pintura em geral atingiu um novo nível de equilíbrio, harmonia e discernimento, e os maiores artistas (Leonardo, Michelangelo e Rafael) foram considerados “gênios”, elevando-se muito acima do status de comerciante a servos valorizados da corte e da igreja.
Se o poeta diz que pode inflamar os homens com amor…
o pintor tem o poder de fazer o mesmo…
no qual ele pode colocar na frente do amante
a verdadeira semelhança de alguém que é amado,
a maioria das vezes fazendo-o beijar e falar com ele.
-Leonardo de’ Vinci
Muitas inovações nas várias formas de retrato evoluíram durante este período fértil. A tradição da miniatura do retrato começou, que se manteve popular até a era da fotografia, desenvolvendo-se a partir da habilidade dos pintores das miniaturas em manuscritos iluminados. Os retratos de perfil, inspirados em medalhões antigos, foram particularmente populares na Itália entre 1450 e 1500. As medalhas, com as suas imagens frente e verso, também inspiraram uma voga curta para pinturas frente e verso no início da Renascença. A escultura clássica, como o Miradouro Apollo, também influenciou a escolha das poses utilizadas pelos retratistas da Renascença, poses que continuaram em uso ao longo dos séculos. Ginevra de’ Benci (c. 1474-8) de Leonardo é um dos primeiros retratos de três quartos conhecidos na arte italiana.
A artistas do norte da Europa lideraram o caminho em retratos realistas de temas seculares. O maior realismo e detalhe dos artistas do Norte durante o século XV deveu-se em parte às finas pinceladas e efeitos possíveis com cores a óleo, enquanto os pintores italianos e espanhóis ainda usavam têmpera. Entre os primeiros pintores a desenvolver a técnica do óleo estava Jan van Eyck. As cores a óleo podem produzir mais textura e graus de espessura, e podem ser estratificadas mais eficazmente, com a adição de camadas cada vez mais espessas umas sobre as outras (conhecidas pelos pintores como “gorduras sobre magras”). Além disso, as cores de óleo secam mais lentamente, permitindo que o artista faça mudanças prontamente, tais como alterar os detalhes faciais. Antonello da Messina foi um dos primeiros italianos a tirar partido do óleo. Formado na Bélgica, ele se estabeleceu em Veneza por volta de 1475, e foi uma grande influência para Giovanni Bellini e para a escola do norte da Itália. Durante o século XVI, o petróleo como meio difundiu-se em popularidade por toda a Europa, permitindo uma maior sumptuosidade na confecção de roupas e jóias. Também afetando a qualidade das imagens, foi a mudança da madeira para a tela, começando na Itália no início do século 16 e se espalhando para o norte da Europa ao longo do século seguinte. A tela resiste melhor às rachaduras do que a madeira, suporta melhor os pigmentos e precisa de menos preparação – mas inicialmente era muito mais escassa do que a madeira.
No início, os europeus do Norte abandonaram o perfil, e começaram a produzir retratos de volume e perspectiva realistas. Na Holanda, Jan van Eyck era um dos principais retratistas. O Casamento Arnolfini (1434, National Gallery, Londres) é um marco da arte ocidental, um exemplo precoce de um retrato de casal completo, soberbamente pintado em cores ricas e detalhes requintados. Mas igualmente importante, ele mostra a técnica recentemente desenvolvida de pintura a óleo, pioneira por van Eyck, que revolucionou a arte, e se espalhou por toda a Europa.
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Dizendo retratos de artistas alemães, incluindo Lucas Cranach, Albrecht Dürer, e Hans Holbein o Jovem, que todos dominaram a técnica da pintura a óleo. Cranach foi um dos primeiros artistas a pintar comissões completas em tamanho real, uma tradição popular a partir de então. Naquela época, a Inglaterra não tinha retratos de pintores de primeira linha, e artistas como Holbein eram procurados por patronos ingleses. Sua pintura de Sir Thomas More (1527), seu primeiro patrono importante na Inglaterra, tem quase o realismo de uma fotografia. Holbein fez o seu grande sucesso pintando a família real, incluindo Henrique VIII. Dürer foi um excelente desenhista e um dos primeiros grandes artistas a fazer uma sequência de auto-retratos, incluindo uma pintura de rosto inteiro. Ele também colocou sua figura de auto-retrato (como um observador) em várias de suas pinturas religiosas. Dürer começou a fazer auto-retratos com a idade de treze anos. Mais tarde, Rembrandt ampliaria essa tradição.
Na Itália, Masaccio liderou o caminho na modernização do afresco adotando uma perspectiva mais realista. Filippo Lippi abriu caminho ao desenvolvimento de contornos mais nítidos e linhas sinuosas e o seu aluno Raphael estendeu o realismo na Itália a um nível muito mais elevado nas décadas seguintes com as suas pinturas murais monumentais. Durante este tempo, o retrato do noivado tornou-se popular, uma especialidade particular de Lorenzo Lotto. Durante o início da Renascença, as pinturas do retrato eram geralmente pequenas e por vezes cobertas com tampas de protecção, articuladas ou deslizantes.
Durante a Renascença, a nobreza florentina e milanesa, em particular, queria representações mais realistas de si mesmos. O desafio de criar visões convincentes completas e de três quartos estimulou a experimentação e a inovação. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, Leonardo da Vinci e outros artistas expandiram a sua técnica em conformidade, acrescentando o retrato a temas religiosos tradicionais e clássicos. Leonardo e Pisanello foram dos primeiros artistas italianos a acrescentar símbolos alegóricos aos seus retratos seculares.
Um dos retratos mais conhecidos do mundo ocidental é a pintura de Leonardo da Vinci intitulada Mona Lisa, nomeada por Lisa del Giocondo, membro da família Gherardini de Florença e Toscana e esposa do rico comerciante de seda florentina Francesco del Giocondo. O famoso “sorriso de Mona Lisa” é um excelente exemplo de aplicação de assimetria sutil a um rosto. Em seus cadernos, Leonardo aconselha sobre as qualidades da luz na pintura de retratos:
Um grau muito alto de graça na luz e sombra é acrescentado aos rostos daqueles que se sentam nas portas das salas que são escuras, onde os olhos do observador vêem a parte sombreada do rosto obscurecida pelas sombras da sala, e vêem a parte iluminada do rosto com o maior brilho que o ar lhe dá. Através deste aumento das sombras e das luzes, o rosto recebe maior relevo.
Leonardo foi um estudante de Verrocchio. Após tornar-se membro do Grémio de Pintores, começou a aceitar comissões independentes. Devido aos seus vastos interesses e de acordo com a sua mente científica, a sua produção de desenhos e estudos preliminares é imensa embora a sua produção artística final seja relativamente pequena. Seus outros retratos memoráveis incluem os das nobres Ginevra de’ Benci e Cecilia Gallerani.
Raphael’s retratos da comissão sobrevivente são muito mais numerosos do que os de Leonardo, e exibem uma maior variedade de poses, iluminação e técnica. Ao invés de produzir inovações revolucionárias, a grande realização de Rafael foi fortalecer e refinar as correntes em evolução da arte renascentista. Ele era particularmente especialista no retrato do grupo. Sua obra-prima, a Escola de Atenas, é um dos mais importantes afrescos de grupo, contendo semelhanças de Leonardo, Michelangelo, Bramante e do próprio Rafael, sob o disfarce de antigos filósofos. Não foi o primeiro retrato de grupo de artistas. Décadas antes, Paolo Uccello tinha pintado um retrato de grupo, incluindo Giotto, Donatello, Antonio Manetti, e Brunelleschi. À medida que se destacava, Raphael tornou-se um dos retratos favoritos dos papas. Enquanto muitos artistas renascentistas aceitaram avidamente as comissões de retratos, alguns artistas recusaram-nas, especialmente o rival de Raphael, Michelangelo, que em vez disso assumiu as enormes comissões da Capela Sistina.
Em Veneza por volta de 1500, Gentile Bellini e Giovanni Bellini dominaram a pintura de retratos. Eles receberam as mais altas comissões dos principais oficiais do estado. O retrato de Bellini de Doge Loredan é considerado um dos melhores retratos da Renascença e demonstra habilmente o domínio do artista sobre as técnicas de pintura a óleo recém-chegadas. Bellini é também um dos primeiros artistas na Europa a assinar os seus trabalhos, embora raramente os tenha datado. Mais tarde, no século XVI, Ticiano assumiu muito o mesmo papel, particularmente ao expandir a variedade de poses e sessões dos seus súbditos reais. Ticiano foi talvez o primeiro grande retratador infantil. Depois de Ticiano, Tintoretto e Veronese tornaram-se os principais artistas venezianos, ajudando na transição para o Maneirismo Italiano. Os Maneiristas contribuíram com muitos retratos excepcionais que enfatizaram a riqueza material e posturas elegantemente complexas, como nas obras de Agnolo Bronzino e Jacopo da Pontormo. Bronzino fez a sua fama retratando a família Medici. O seu ousado retrato de Cosimo I de’ Medici, mostra o soberano austero de armadura com um olhar atento à sua extrema direita, em nítido contraste com a maioria das pinturas reais que mostram as suas sentinelas como soberanas benignas. El Greco, que treinou em Veneza durante doze anos, foi numa direção mais extrema após sua chegada à Espanha, enfatizando sua “visão interior” da pessoa sentada ao ponto de diminuir a realidade da aparência física. Um dos melhores retratados da Itália do século XVI foi Sofonisba Anguissola, de Cremona, que infundiu seus retratos individuais e de grupo com novos níveis de complexidade.
Retrato cortês na França começou quando o artista flamengo Jean Clouet pintou sua opulenta imagem de Francisco I da França por volta de 1525. O Rei Francisco foi um grande patrono dos artistas e um coleccionador de arte avarento que convidou Leonardo da Vinci para viver em França durante os seus últimos anos. A Mona Lisa ficou na França depois que Leonardo morreu lá.
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Pisanello, talvez Ginevra d’Este, c. 1440
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Young Man de Sandro Botticelli, c. 1483. Uma pose inicial italiana completa.
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Possivelmente Raphael, c. 1518, Isabel de Requesens. O estilo e o formato do Alto Renascimento foram enormemente influentes para retratos grandiosos posteriores.
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Christiane von Eulenau, de Lucas Cranach, o Ancião, 1534
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Lucrezia Panciatichi, de Agnolo Bronzino, 1540
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Papa Paulo III e seus netos, Ticiano, 1546
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Maarten van Heemskerck (1498-1574), Família de Pieter Jan Foppesz, antes do c.1532, considerado o primeiro retrato de família, em Dutch portraiture.
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Charles V de Titian, 1548, um retrato equestre seminal.
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The Armada Portrait of Elizabeth I of England, c. 1588. O retrato estilizado de Elizabeth I da Inglaterra era único na Europa.
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Retrato de um cardeal, provavelmente Fernando Niño de Guevara, El Greco, c. 1600
Barroco e RococoEdit
>Durante os períodos Barroco e Rococó (séculos XVII e XVIII, respectivamente), os retratos tornaram-se registros ainda mais importantes de status e posição. Numa sociedade dominada cada vez mais por líderes seculares em tribunais poderosos, imagens de figuras opulentamente vestidas eram um meio de afirmar a autoridade de indivíduos importantes. Os pintores flamengos Sir Anthony van Dyck e Peter Paul Rubens destacaram-se neste tipo de retratos, enquanto Jan Vermeer produziu retratos principalmente da classe média, no trabalho e na brincadeira dentro de casa. O retrato de Rubens de si mesmo e de sua primeira esposa (1609) em seus trajes de casamento é um exemplo virtuoso do retrato do casal. A fama de Rubens se estendeu além de sua arte – ele era um cortesão, diplomata, colecionador de arte e empresário de sucesso. Seu estúdio foi um dos mais extensos da época, empregando especialistas em naturezas mortas, paisagens, animais e cenas de gênero, além de retratos. Van Dyck treinou lá por dois anos. Charles I da Inglaterra primeiro empregou Rubens, depois importou van Dyck como seu pintor da corte, sendo cavaleiro e concedendo-lhe o estatuto de cortesão. Van Dyck não só adaptou os métodos de produção e as habilidades comerciais de Rubens, mas também os seus modos e aparência elegantes. Como foi registrado, “Ele sempre se vestia magnificamente, tinha um equipamento numeroso e galante, e mantinha uma mesa tão nobre em seu apartamento, que poucos príncipes não eram mais visitados, ou melhor servidos”. Na França, Hyacinthe Rigaud dominou de forma muito semelhante, como notável cronista da realeza, pintando os retratos de cinco reis franceses.
Uma das inovações da arte renascentista foi a melhor rendição das expressões faciais para acompanhar diferentes emoções. Em particular, o pintor holandês Rembrandt explorou as muitas expressões do rosto humano, especialmente como um dos principais auto-retratos (dos quais ele pintou mais de 60 em sua vida). Este interesse pelo rosto humano favoreceu também a criação das primeiras caricaturas, creditadas à Accademia degli Incamminati, dirigidas por pintores da família Carracci no final do século XVI, em Bolonha, Itália.
Retratos de grupo foram produzidos em grande número durante o período barroco, particularmente na Holanda. Ao contrário do resto da Europa, os artistas holandeses não receberam comissões da Igreja Calvinista que tinha proibido tais imagens ou da aristocracia que era praticamente inexistente. Em vez disso, as comissões vinham de associações cívicas e empresariais. O pintor holandês Frans Hals usou pinceladas fluidas de cores vivas para animar seus retratos de grupo, incluindo os dos guardas civis aos quais ele pertencia. Rembrandt beneficiou-se muito de tais comissões e da apreciação geral da arte por parte dos clientes burgueses, que apoiavam o retrato, bem como a pintura de naturezas mortas e paisagens. Além disso, os primeiros mercados significativos de arte e revendedores floresceram na Holanda naquela época.
Com muita procura, Rembrandt foi capaz de experimentar composição e técnica não convencionais, como o chiaroscuro. Ele demonstrou essas inovações, pioneiras de mestres italianos como Caravaggio, principalmente em seu famoso Night Watch (1642). A Aula de Anatomia do Dr. Tulp (1632) é outro belo exemplo do domínio de Rembrandt sobre a pintura em grupo, na qual ele banha o cadáver em luz brilhante para chamar a atenção para o centro da pintura enquanto a roupa e o fundo se fundem em preto, fazendo sobressair os rostos do cirurgião e dos estudantes. É também o primeiro quadro que Rembrandt assinou com seu nome completo.
Em Espanha, Diego Velázquez pintou Las Meninas (1656), um dos mais famosos e enigmáticos retratos de grupo de todos os tempos. Ele memorializa o artista e os filhos da família real espanhola e, aparentemente, as pessoas sentadas são o casal real que são vistos apenas como reflexos em um espelho. Começando por ser um pintor de género, Velázquez rapidamente se destacou como o pintor da corte de Filipe IV, destacando-se na arte do retrato, particularmente na extensão da complexidade dos retratos de grupo.
Rococo artistas, particularmente interessados na ornamentação rica e intrincada, foram mestres do retrato refinado. Sua atenção aos detalhes do vestido e da textura aumentava a eficácia dos retratos como testamento da riqueza do mundo, como evidenciado pelos famosos retratos de François Boucher de Madame de Pompadour vestidos com vestidos de seda, Huntington Library, San Marino, California
Os primeiros grandes retratistas nativos da escola britânica foram os pintores ingleses Thomas Gainsborough e Sir Joshua Reynolds, que também se especializaram em vestir os seus súbditos de uma forma apelativa. O Blue Boy de Gainsborough é um dos retratos mais famosos e reconhecidos de todos os tempos, pintado com pincéis muito longos e cor de óleo fino para conseguir o efeito de brilho do traje azul. Gainsborough também foi notado por suas elaboradas configurações de fundo para seus temas.
Os dois artistas britânicos tinham opiniões opostas sobre o uso de assistentes. Reynolds os empregava regularmente (às vezes fazendo apenas 20% da pintura ele mesmo) enquanto Gainsborough raramente o fazia. Às vezes um cliente extraía uma promessa do artista, assim como Sir Richard Newdegate do retratista Peter Lely (sucessor de van Dyck na Inglaterra), que prometeu que o retrato seria “do princípio ao fim drawne com as minhas mãos”. Ao contrário da exactidão empregada pelos mestres flamengos, Reynolds resumiu a sua abordagem ao retrato afirmando que, “a graça, e, podemos acrescentar, a semelhança, consiste mais em tomar o ar geral, do que em observar a similitude exacta de cada característica”. Também proeminente na Inglaterra foi William Hogarth, que se atreveu a ousar usar métodos convencionais, introduzindo toques de humor em seus retratos. Seu “Auto-retrato com Pug” é claramente mais uma tomada humorística do que uma pintura auto-indulgente.
No século XVIII, pintoras femininas ganharam nova importância, particularmente no campo do retrato. Entre as artistas femininas notáveis estão a pintora francesa Élisabeth Vigée-Lebrun, a artista pastel italiana Rosalba Carriera, e a artista suíça Angelica Kauffman. Também durante esse século, antes da invenção da fotografia, retratos em miniatura – pintados com incrível precisão e muitas vezes envoltos em ouro ou esmaltados – eram altamente valorizados.
Nos Estados Unidos, John Singleton Copley, educado na refinada maneira britânica, tornou-se o principal pintor de retratos em tamanho real e em miniatura, com seus quadros hiper-realistas de Samuel Adams e Paul Revere especialmente bem conceituados. Copley também é notável por seus esforços para fundir o retrato com a arte academicamente mais reverenciada da pintura histórica, que ele tentou com seus retratos de grupo de homens militares famosos. Igualmente famoso foi Gilbert Stuart, que pintou mais de 1.000 retratos e era especialmente conhecido pelo seu retrato presidencial. Stuart pintou mais de 100 réplicas apenas de George Washington. Stuart trabalhou rapidamente e empregou pinceladas mais suaves e menos detalhadas do que Copley para capturar a essência de seus súditos. Às vezes ele fazia várias versões para um cliente, permitindo que a babá escolhesse a sua favorita. Notado por seus tons rosados, Stuart escreveu, “a carne é como nenhuma outra substância sob o céu”. Tem toda a alegria da loja de seda sem o brilho do gloss, e toda a suavidade do mogno velho, sem a sua tristeza”. Outros retratadores americanos proeminentes da era colonial foram John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale, e Rembrandt Peale.
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Philip IV in Brown and Silver, Diego Velázquez, 1632
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Sir Kenelm Digby de Anthony Van Dyck, c. 1640
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Rembrandt van Rijn, Portrait of Jan Six, 1654
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Pastel de Madame de Pompadour, Maurice Quentin de La Tour, meados do século XVIII
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Thomas Kerrich (1748-1828), por Pompeo Batoni
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John Durand, The Rapalje Children, 1768, New-York Historical Society, New York City
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John Singleton Copley, Paul Revere, 1770
Século XIXEditar
>No final do século XVIII e início do século XIX, Os artistas neoclássicos continuaram a tradição de retratar temas das últimas modas, o que para as mulheres, nessa altura, significava vestidos diáfanos derivados dos antigos estilos de vestuário grego e romano. Os artistas usavam luz dirigida para definir a textura e a simples redondeza dos rostos e dos membros. Os pintores franceses Jacques-Louis David e Jean-Auguste-Dominique Ingres demonstraram virtuosismo nesta técnica de desenhista, assim como um olhar aguçado para o carácter. Ingres, um estudante de David, é notável por seus retratos em que um espelho é pintado atrás do sujeito para simular uma visão traseira do sujeito. Seu retrato de Napoleão em seu trono imperial é um tour de force of regal portraiture. (ver Galeria abaixo)
Os artistas românticos que trabalharam durante a primeira metade do século 19 pintaram retratos de líderes inspiradores, mulheres bonitas e sujeitos agitados, usando pinceladas vivas e iluminação dramática, às vezes mal-humorada. Os artistas franceses Eugène Delacroix e Théodore Géricault pintaram retratos particularmente finos deste tipo, especialmente cavaleiros afoitos. Um exemplo notável de artista de época romântica na Polónia, que praticou um retrato de cavaleiro foi Piotr Michałowski (1800-1855). Destaca-se também a série de retratos de doentes mentais de Géricault (1822-1824). O pintor espanhol Francisco de Goya pintou algumas das imagens mais procuradas e provocativas da época, incluindo La maja desnuda (c. 1797-1800), assim como retratos da corte de Carlos IV.
Os artistas realistas do século XIX, como Gustave Courbet, criaram retratos objetivos retratando pessoas de classe baixa e média. Demonstrando seu romantismo, Courbet pintou vários auto-retratos, mostrando a si mesmo em diferentes estados de espírito e expressões. Outros realistas franceses incluem Honoré Daumier, que produziu muitas caricaturas de seus contemporâneos. Henri de Toulouse-Lautrec fez a crónica de alguns dos famosos artistas do teatro, incluindo Jane Avril, capturando-os em movimento. O pintor francês Édouard Manet, foi um importante artista de transição cuja obra paira entre o realismo e o impressionismo. Ele foi um retratador de extraordinária visão e técnica, sendo a sua pintura de Stéphane Mallarmé um bom exemplo do seu estilo de transição. Seu contemporâneo Edgar Degas foi principalmente um realista e sua pintura Retrato da Família Bellelli é um retrato perspicaz de uma família infeliz e um de seus melhores retratos.
Na América, Thomas Eakins reinou como o primeiro pintor de retratos, levando o realismo a um novo nível de franqueza, especialmente com os seus dois retratos de cirurgiões em acção, assim como os de atletas e músicos em acção. Em muitos retratos, como “Retrato da Sra. Edith Mahon”, Eakins transmite corajosamente as emoções pouco lisonjeiras da tristeza e da melancolia.
Os Realistas deram lugar, na sua maioria, aos Impressionistas na década de 1870. Em parte devido aos seus escassos rendimentos, muitos dos Impressionistas confiaram na família e amigos para serem modelos para eles, e pintaram grupos íntimos e figuras únicas, quer ao ar livre, quer em interiores cheios de luz. Notados pelas suas superfícies cintilantes e rica em tinta, os retratos impressionistas são muitas vezes desarmantemente íntimos e apelativos. Os pintores franceses Claude Monet e Pierre-Auguste Renoir criaram algumas das imagens mais populares de artistas individuais e grupos. A artista americana Mary Cassatt, que treinou e trabalhou na França, é popular ainda hoje por suas pinturas envolventes de mães e filhos, assim como Renoir. Paul Gauguin e Vincent van Gogh, ambos Pós-Impressionistas, pintaram retratos reveladores de pessoas que eles conheciam, girando em cores, mas não necessariamente lisonjeiras. Eles são igualmente, se não mais, celebrados por seus poderosos auto-retratos.
John Singer Sargent também atravessou a mudança de século, mas ele rejeitou o Impressionismo e o Pós-Impressionismo. Ele foi o pintor de retratos mais bem sucedido da sua época, usando uma técnica mais realista, frequentemente efusiva com o uso brilhante da cor. Ele era igualmente apto para retratos individuais e de grupo, particularmente de famílias de classe alta. Sargent nasceu em Florença, Itália, de pais americanos. Estudou na Itália e na Alemanha, e em Paris. Sargent é considerado o último grande expoente da tradição do retrato britânico, começando com van Dyck. Outro destacado retratista americano que treinou no exterior foi William Merritt Chase. A pintora da sociedade americana Cecilia Beaux, chamada “Sargent feminina”, nasceu de um pai francês, estudou no estrangeiro e obteve sucesso em casa, mantendo-se fiel aos métodos tradicionais. Outro retratista comparado a Sargent por sua técnica exuberante foi o artista parisiense de origem italiana Giovanni Boldini, amigo de Degas e Whistler.
O Internacionalista James Abbott McNeill Whistler, nascido nos Estados Unidos, estava bem ligado a artistas europeus e também pintou alguns retratos excepcionais, o mais famoso dos quais foi seu Arranjo em Cinza e Preto, A Mãe do Artista (1871), também conhecido como a Mãe de Whistler. Mesmo com seus retratos, como com suas paisagens tonais, Whistler queria que seus espectadores se concentrassem no arranjo harmônico da forma e da cor em suas pinturas. Whistler usou uma paleta subjugada para criar seus efeitos pretendidos, enfatizando o equilíbrio de cores e tons suaves. Como ele afirmou, “como a música é a poesia do som, também a pintura é a poesia da visão, e a matéria nada tem a ver com a harmonia do som ou da cor”. Forma e cor também foram centrais para os retratos de Cézanne, enquanto cores e pinceladas ainda mais extremas dominam os retratos de André Derain, e Henri Matisse.
O desenvolvimento da fotografia no século XIX teve um efeito significativo no retrato, suplantando a anterior obscura câmera que também tinha sido usada anteriormente como auxílio na pintura. Muitos modernistas afluíram aos estúdios fotográficos para que seus retratos fossem feitos, incluindo Baudelaire que, embora proclamasse a fotografia um “inimigo da arte”, se viu atraído pela franqueza e poder da fotografia. Ao fornecer uma alternativa barata, a fotografia suplantou muito do nível mais baixo da pintura de retratos. Alguns artistas realistas, como Thomas Eakins e Edgar Degas, ficaram entusiasmados com a fotografia fotográfica e acharam-na uma ajuda útil para a composição. Dos impressionistas em diante, os retratistas encontraram uma miríade de maneiras de reinterpretar o retrato para competir efetivamente com a fotografia. Sargent e Whistler estavam entre aqueles estimulados a expandir sua técnica para criar efeitos que a câmera não conseguia capturar.
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Francisco de Goya, Charles IV de Espanha e sua família, 1800-1801
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Jean Auguste Dominique Ingres, retrato de Napoleão no seu trono imperial, 1806, Musée de l’Armée, Paris
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Gustave Courbet, Retrato de Charles Baudelaire, 1848
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Pierre-Auguste Renoir, Retrato de Alfred Sisley, 1868
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James Abbott McNeill Whistler, Arranjo em Cinza e Preto: A Mãe do Artista (1871) popularmente conhecida como Whistler’s Mother
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Edgar Degas, Retrato da Menina Cassatt, Sentado, Segurando Cartas, 1876-1878
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John Singer Sargent, Retrato de Robert Louis Stevenson, 1887
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Paul Gauguin, The Painter of Sunflowers, Portrait of Vincent van Gogh, 1888
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Vincent van Gogh, Portrait of Doctor Gachet, (primeira versão), 1890
20th centuryEdit
>Outros artistas do início do século 20 também expandiram o repertório do retrato em novas direções. O artista fauvista Henri Matisse produziu retratos poderosos usando cores não-naturalistas, mesmo garridas, para tons de pele. Cézanne confiava em formas altamente simplificadas em seus retratos, evitando detalhes enquanto enfatizava as justaposições de cores. O estilo único do austríaco Gustav Klimt aplicou motivos bizantinos e tinta dourada aos seus retratos memoráveis. Seu aluno Oskar Kokoschka foi um importante retratista da classe alta vienense. O Prolífico artista espanhol Pablo Picasso pintou muitos retratos, incluindo vários retratos cubistas de suas amantes, nos quais a semelhança do sujeito é grosseiramente distorcida para alcançar uma afirmação emocional muito além dos limites da caricatura normal. Uma excelente pintora de retratos femininos da virada do século XX, associada ao impressionismo francês, foi Olga Boznańska (1865-1940). Pintoras expressionistas forneceram alguns dos mais assombrosos e convincentes estudos psicológicos jamais produzidos. Artistas alemães como Otto Dix e Max Beckmann produziram exemplos notáveis de retratos expressionistas. Beckmann foi um auto-retrato prolífico, produzindo pelo menos vinte e sete. Amedeo Modigliani pintou muitos retratos em seu estilo alongado que depreciaram a “pessoa interior” em favor de estudos rigorosos de forma e cor. Para ajudar a conseguir isso, ele desfatizou os olhos e sobrancelhas normalmente expressivos ao ponto de fendas enegrecidas e arcos simples.
A arte britânica foi representada pelos Vorticistas, que pintaram alguns retratos notáveis no início do século XX. O pintor Dada Francis Picabia executou numerosos retratos à sua maneira única. Além disso, os retratos de Tamara de Lempicka capturaram com sucesso a era Art Deco com suas curvas simplificadas, cores ricas e ângulos afiados. Na América, Robert Henri e George Bellows foram bons retratadores dos anos 20 e 30 da escola realista americana. Max Ernst produziu um exemplo de um retrato colegial moderno com sua pintura All Friends Together de 1922.
Uma contribuição significativa para o desenvolvimento da pintura de retratos de 1930-2000 foi feita por artistas russos, trabalhando principalmente nas tradições da pintura realista e figurativa. Entre eles deveriam ser chamados Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov e outros.
A produção de retratos na Europa (excluindo a Rússia) e nas Américas geralmente diminuiu nas décadas de 1940 e 1950, resultado do crescente interesse pela abstração e arte não-figurativa. Uma exceção, no entanto, foi Andrew Wyeth, que se tornou o principal pintor de retratos realista americano. Com Wyeth, o realismo, embora evidente, é secundário em relação às qualidades tonais e ao humor de suas pinturas. Isto é adequadamente demonstrado com a sua série histórica de pinturas conhecidas como os quadros “Helga”, o maior grupo de retratos de uma única pessoa por qualquer grande artista (247 estudos da sua vizinha Helga Testorf, vestida e nua, em ambientes variados, pintados durante o período 1971-1985).
Nos anos 60 e 70, houve um renascimento do retrato. Artistas ingleses como Lucian Freud (neto de Sigmund Freud) e Francis Bacon produziram pinturas poderosas. Os retratos de Bacon são notáveis pela sua qualidade de pesadelo. Em maio de 2008, Freud’s 1995 retrato Benefícios Supervisor Sleeping foi vendido em leilão pela Christie’s em Nova York por US $ 33,6 milhões, estabelecendo um recorde mundial de valor de venda de uma pintura de um artista vivo.
Muitos artistas contemporâneos americanos, como Andy Warhol, Alex Katz e Chuck Close, fizeram do rosto humano um ponto focal de seu trabalho.
Warhol foi um dos mais prolíficos pintores de retratos do século 20. A pintura de Warhol Orange Shot Marilyn de Marilyn Monroe é um exemplo emblemático do seu trabalho dos anos 60, e Orange Prince (1984) do cantor pop Prince é um exemplo mais tarde, ambos exibindo o estilo gráfico único de retrato de Warhol.
A especialidade de Close era enorme, hiper-realista retratos de “cabeça” em tamanho de parede baseados em imagens fotográficas. Jamie Wyeth continua na tradição realista de seu pai Andrew, produzindo retratos famosos cujos temas variam de presidentes a porcos.
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Henri Matisse, The Green Stripe, Portrait of Madame Matisse, 1905
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Olga Boznańska, Self-portrait, 1906, Museu Nacional em Varsóvia
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Umberto Boccioni, Auto-retrato, 1906
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Gustav Klimt, Retrato de Adele Bloch-Bauer I, 1907
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Pablo Picasso, Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler, 1910, The Art Institute of Chicago
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Juan Gris, Retrato de Pablo Picasso, 1912
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Amedeo Modigliani, Retrato de Chaim Soutine, 1916
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Boris Grigoriev, Retrato de Vsevolod Meyerhold, 1916
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Boris Kustodiev, Kapitsa e Semyonov, 1921