Deset nejslavnějších obrazů všech dob! Každý rok utratí miliony eur sběratelé umění, kteří touží vlastnit nejvyhledávanější obrazy světa. Nejdražší obrazy však nemusí být nutně těmi nejslavnějšími obrazy. Ty nejznámější z nich jsou zpravidla v rukou muzeí, která je jen velmi zřídka prodají, a jako takové jsou doslova k nezaplacení. Zde uvádíme 10 nejslavnějších obrazů všech dob.
Zrození Venuše
Zrození Venuše je obraz italského malíře Sandra Botticelliho. Visí v galerii Uffizi v italské Florencii. Obraz je namalován temperou na plátně a měří 172,5 × 278,5 cm. Znázorňuje bohyni Venuši vystupující z moře jako zralá žena, jak ji popisuje řecká mytologie. Název díla však není zcela v souladu s událostí na něm zobrazenou, neboť podle legendy se Venuše zrodila z mořské pěny. Tento obraz však zobrazuje její příchod na Kypr, kde stojí na mušli. V klasickém starověku byla mušle metaforou pro vagínu. Póza Botticelliho Venuše připomíná Venuši Medicejskou, mramorovou sochu z klasické antiky ve sbírce Medicejských, kterou Botticelli studoval. Detail obrazu je použit jako vyobrazení na jedné z italských euromincí.
Vodní lekníny
Vodní lekníny je mnoho různých impresionistických obrazů leknínů od francouzského malíře Clauda Moneta. Monet nechal v 90. letech 19. století ve svém ateliéru v Giverny vybudovat barevnou zahradu s jezírkem, aby mohl svůj milovaný motiv malovat za všech povětrnostních podmínek (z poloviny venku). Nemusel už tolik cestovat a byl více doma se svou ženou a dětmi. Monet namaloval mnoho různých variací na toto téma. Jen v letech 1899-1900 vytvořil 18 různých obrazů leknínů.
V letech 1914-1926 vytvořil Monet sérii obrovských nástěnných panelů s lekníny pro Musée de l’Orangerie v pařížských Tuileriích (viz obrázek výše). Protože Monet byl na konci svého života pravděpodobně z velké části slepý, maloval tyto tzv. reflexní krajiny (krajiny bez explicitního zobrazení oblohy nebo horizontu) převážně zpaměti. Tato díla věnoval svému dobrému příteli Paulu Clemenceauovi. Clemenceau podnítil Moneta, aby při ustupujícím zraku pokračoval v malování. Monet díla daroval jako „poctu míru“. Obrazy byly dlouhou dobu veřejnosti nepřístupné, ale nyní jsou opět hlavními exponáty nedávno zrekonstruovaného muzea.
Noční hlídka
Noční hlídka je nejznámějším obrazem a mistrovským dílem Rembrandta van Rijna a je k vidění v Čestné galerii Rijksmusea. Rembrandt jej namaloval v letech 1639 až 1642. Oficiální název je: Rota kapitána Franse Banninga Cocqa a poručíka Willema van Ruytenburgha se chystá k pochodu. Toto dílo, dílo domobrany, si jako skupinový portrét objednala rota z cechovního cechu. Poprvé bylo pravděpodobně nazváno „Noční hlídka“ kolem roku 1796/1797. Podle Ernsta van de Weteringa se dílo v jistém smyslu nepovedlo.
Cenu obrazu nelze vyjádřit v penězích. Není na prodej a ani nikdy na prodej nebyl. Miliční společnost, která si Rembrandta tehdy objednala, byla městskou institucí a Noční hlídka je od té doby ve vlastnictví města Amsterodamu, které ji věčně zapůjčuje Rijksmuseu.
Křik
Křik je název čtyř obrazů a litografie Edvarda Muncha z roku 1893. Původní verze Křiku z roku 1893 visí v Národním muzeu umění (Nasjonalgalleriet) v Oslu. Je považována za nejdojemnější Munchův obraz. Vyjadřuje duševní utrpení a citové harašení, které malíř pociťoval v určitých obdobích svého života. Munch byl předchůdcem expresionismu, stylu, který chtěl vyjádřit emoce. Výkřik je psychický autoportrét Edvarda Muncha. Je to obraz založený na jeho vlastním traumatickém zážitku.
Jednoho večera se Edvard Munch vracel s přáteli do Osla. Zastavili se na mostě. Zatímco jeho přátelé šli dál, Edvard se zastavil, uchvácen krajinou a oblohou se zapadajícím sluncem. Slyšel a cítil, jak krajina kolem něj křičí. Cítil se bezmocný a sklíčený. Tato událost na něj zapůsobila natolik, že ji později zaznamenal na plátno.
6. Dívka s perlovou náušnicí
Dívka s perlovou náušnicí je obraz z let 1665-1667 od nizozemského mistra Johannese Vermeera. V posledních letech se Dívka s perlovou náušnicí stala nejoblíbenějším Vermeerovým obrazem. Dílo je v majetku Mauritshuis v Haagu. Žádný z Vermeerových modelů nebyl nikdy identifikován, což platí i pro tuto dívku. Možnou kandidátkou je jeho nejstarší dcera Maria, které v té době bylo dvanáct, respektive třináct let.
Dívka na obraze má na sobě modrý turban se žlutou padající látkou. Pokrývka hlavy kontrastuje s hnědožlutým kabátkem s bílým límcem. Perleť vyniká, je to velkolepý výtvor plný zářivých světel a stínů a roztřepených okrajů. Dvěma tahy barvy dal Vermeer vlevo nahoře jasný světelný akcent a dole odraz jejího bílého límce. Vzhledem k její velikosti jde spíše o skleněnou, lakovanou „kapkovou náušnici“ než o přírodní perlu. Zdá se, jako by dívka svým nespoutaným pohledem vyhledávala přímý kontakt s divákem, jako by jím byla překvapena. S polootevřenými ústy působí dojmem, že chce něco říct. Její vlhké, mimořádně červené rty jí propůjčují smyslný pohled.
5. Dívka se dívá do tváře, na níž je vidět, jak se jí líbí. Guernica
Guernica je obraz Pabla Picassa z roku 1937, pojmenovaný podle místa Guernica ve španělském Baskicku. Důvodem vzniku obrazu je bombardování Guerniky fašisty vedenými Franciscem Francem, které mělo zlomit odpor republikánů. Obraz s obrovskými rozměry 3,49 m na výšku a 7,76 m na šířku patří k Picassovým nejpůsobivějším a nejkontroverznějším dílům.
Malba zobrazuje město během bombardování. Na obraze je zároveň mnoho k vidění. Kůň se v panice řítí do domu. Vpravo někdo padá z hořící střechy a matka pláče pro své mrtvé dítě. Pablo Picasso chtěl, aby obraz při pohledu na něj vyvolal pocit chaosu během bombardování. Pozadí je také promíchané, není rozdíl mezi vnitřkem a vnějškem. Lidé v panice vybíhají ze svých domů.
Malba je namalována v liniích a plochách v černé, bílé a šedé barvě, aby vyjádřila válku. Nejedná se o realistický obraz. Pablo Picasso se snažil vyjádřit pocity během bombardování, ne to, jak to vypadalo. V popředí obrazu je muž se zlomeným mečem. Symbol mrtvého vojáka. Kůň vyjadřuje strach a je symbolem pro nevinné oběti války. Matka s mrtvým dítětem symbolizuje zármutek nad padlými. Lampa na obraze symbolizuje výbuch a bombardování v Guernice.
Stvoření Adama
Stvoření Adama je součástí fresky na klenbě Sixtinské kaple ve Vatikánu, kterou Michelangelo namaloval kolem roku 1511. Dílo je ztvárněním biblického příběhu z knihy Genesis, v němž Bůh Otec vdechuje Adamovi život. Z fresek ke knize Genesis v Sixtinské kapli je to chronologicky čtvrtý obraz tohoto příběhu. Michelangelo dokončil tuto fresku jako jednu z posledních z této série. Dílo měří 4,8 krát 2,3 metru.
Poslední večeře
Poslední večeře je freska namalovaná Leonardem da Vinci na objednávku vévody Ludovica Sforzy v refektáři Santa Maria delle Grazie (dominikánský klášter v Miláně). Jedná se o vyobrazení scény z Ježíšovy poslední večeře, jak je popsána v Bibli, a vychází z Janova evangelia 13, 21-26, v němž Ježíš oznamuje, že ho jeden z jeho dvanácti učedníků zradí. Obraz je známý po celém světě a jeho uspořádání je ikonografickou předlohou. Protože jej nelze přemístit, nebyl nikdy v soukromém vlastnictví. V souladu s ostatními tehdejšími obrazy poslední večeře Leonardo převzal konvenci zobrazovat při večeři všechny osoby na jedné straně stolu, aby se nikdo z přítomných nedíval dozadu. Od této konvence se však pozoruhodně odchyluje tím, že tam mezi ostatní učedníky umístil také Jidáše, zatímco obvykle byl Jidáš umístěn naproti ostatním apoštolům na druhé straně stolu. Dalším zvykem bylo opatřit všechny učedníky s výjimkou Jidáše svatozáří.
Leonardo se však rozhodl pro realističtější a dramatičtější efekt, když nikomu svatozář neposkytl, ale Jidáše ukázal opřeného ve stínu. Vytvořil také realistický a psychologický obraz, v němž se snaží vysvětlit, proč Jidáš a Ježíš berou chléb ve stejnou dobu, těsně poté, co Ježíš vyslovil předpověď zrady. Ježíš je zobrazen, jako by to říkal Tomášovi a Jakubovi po své levici, kteří jsou šokováni, protože Ježíš ukazuje na kousek chleba pro ně. Jidáš, vyrušený rozhovorem mezi Janem a Petrem, natahuje ruku k dalšímu kousku chleba, ke kterému Ježíš natahuje pravou ruku. Všechny perspektivní linie a také světlo upoutávají pozornost na Ježíše.
Hvězdná noc
Hvězdná noc je obraz nizozemského postimpresionistického malíře Vincenta van Gogha. Patří do stálé sbírky Muzea moderního umění v New Yorku. Dílo (olej na plátně) měří 73 × 92 cm. Je považováno za mistrovské dílo tohoto malíře. Od roku 1888 namaloval Van Gogh několik děl, která se Hvězdné noci podobají. Tuto studii nazval svou studií hvězdné oblohy. V roce 1888 například namaloval Hvězdnou noc nad Rhônou, která je velmi podobná tomuto obrazu. Vincent van Gogh vytvořil Hvězdnou noc, když byl v červnu 1889 v nemocnici Saint-Paul-de-Mausole v Saint-Rémy-de-Provence. Vytvořil také řadu perokreseb se stejným námětem. V polovině září poslal obrazy Hvězdné noci svému bratrovi do Paříže.
Malba představuje noční výjev se žlutými hvězdami nad malým městem s kopci. Je to pohled z pomyslného bodu na vesnici s kostelní věží a vlevo planoucím cypřišem a vpravo olivovníky na pozadí kopců. Van Gogh využil Delacroixe pro použití doplňkových barev. Obraz je často spojován se slovy Vincenta van Gogha: „Proč by, říkám si, nemohly být zářící tečky na obloze stejně snadno dosažitelné jako černé tečky na mapě Francie? Stejně jako jsme byli ve vlaku do Tarasconu nebo Rouenu, používáme smrt k cestě ke hvězdám. “ Van Gogh toto dílo namaloval v době, kdy cítil silné náboženské nutkání. Poté skončí v depresi.
Mona Lisa
Mona Lisa je obraz Leonarda da Vinciho namalovaný v letech 1503 až 1507. Použitá technika je olej na desce (topolové dřevo). Jedná se o portrét dámy, pravděpodobně Lisy Gherardini, třetí manželky Francesca del Giocondo. Portrét je trvale vystaven v pařížském Louvru a je jedním z mála děl, u nichž je jisté, že je namaloval sám Leonardo. Je to pravděpodobně jedno z nejznámějších uměleckých děl na světě, obraz denně navštíví kolem 20 000 návštěvníků.
Úsměv Mony Lisy je do značné míry ochrannou známkou obrazu, jako je například ermin (ve skutečnosti bílá fretka), který je pro ten další slavný Leonardův obraz Dáma s erminem, portrét Cecilie Gallerani. Stejně dobře by se dal obraz nazvat Dáma s úsměvem, což se odráží i v italském názvu, protože La Gioconda vlastně znamená šťastná, veselá. Leonardo tuto myšlenku štěstí, radosti proměňuje v ústřední téma svého obrazu, i když nejde o bujaré veselí, dáma působí spokojeně a šťastně. O jejím úsměvu existují desítky teorií, jedna extravagantnější než druhá. Od úsměvu šťastné těhotné ženy až po příznak nejrůznějších nemocí. Software, který by na základě výrazu obličeje rozpoznal emoce, v něm rozpoznal 83 % štěstí.
.