Starověký světEdit

Římsko-egyptský pohřební portrét ženy

Kořeny portrétní malby lze pravděpodobně nalézt v prehistorických dobách, ačkoli se dnes dochovalo jen málo těchto děl. V umění starověkých civilizací Úrodného půlměsíce, zejména v Egyptě, se hojně vyskytují vyobrazení panovníků a vládců jako bohů. Většina z nich však byla provedena vysoce stylizovaným způsobem a většinou z profilu, obvykle na kameni, kovu, hlíně, sádře nebo křišťálu. Egyptské portréty kladly poměrně malý důraz na podobu, přinejmenším do Achnatonova období ve 14. století př. n. l.. Portrétní malba významných osobností v Číně sahá pravděpodobně až do doby přes 1000 let př. n. l., ačkoli se z této doby žádná nedochovala. Existující čínské portréty pocházejí z doby kolem roku 1000 n. l., ale až do doby po tomto roce se na podobiznu nekladl velký důraz.

Z literárních pramenů víme, že starověké řecké malířství zahrnovalo portréty, často velmi přesné, pokud lze věřit chvále spisovatelů, ale nezachovaly se žádné malované příklady. Sochařské hlavy panovníků a slavných osobností, jako byl Sókratés, se dochovaly v určitém množství a stejně jako individualizované busty helénistických vládců na mincích ukazují, že řecké portréty dokázaly dosáhnout dobré podoby a předměty, přinejmenším literární postavy, byly zobrazovány s poměrně malou mírou lichocení – Sókratovy portréty ukazují, proč měl pověst ošklivého člověka. Nástupci Alexandra Velikého začali praktikovat přidávání jeho hlavy (jako zbožštěné postavy) na své mince a brzy používali své vlastní.

Římská portrétní tvorba převzala tradice portrétování od Etrusků i Řeků a vytvořila velmi silnou tradici, která souvisela s jejich náboženským používáním portrétů předků i s římskou politikou. Opět platí, že několik málo dochovaných malovaných portrétů, ve Fajumských portrétech, Alinově hrobce a Severově Tondě, všechny z Egypta pod římskou nadvládou, jsou zjevně provinční produkce, která odráží spíše řecké než římské styly, ale máme k dispozici bohatství sochařských hlav, včetně mnoha individualizovaných portrétů z hrobek střední třídy, a tisíce typů portrétů na mincích.

Největší skupinou malovaných portrétů jsou pohřební malby, které se dochovaly v suchém klimatu egyptské čtvrti Fajum (viz obrázek níže) a pocházejí z 2. až 4. století n. l. Na nich je zachyceno i několik hrobů, které se dochovaly v egyptské čtvrti Fajum. Jsou to téměř jediné malby z římského období, které se dochovaly kromě fresek, ačkoli ze spisů Plinia Staršího je známo, že portrétní malba byla v řecké době dobře zavedená a provozovali ji jak muži, tak ženy umělci. Ve své době si Plinius stěžoval na úpadek římského portrétního umění: „Malování portrétů, které dříve přenášelo přesné podoby lidí po celé věky, zcela vymizelo… Indolence zničila umění.“ Tyto celoobličejové portréty z římského Egypta jsou šťastnou výjimkou. Představují do jisté míry realistický smysl pro proporce a jednotlivé detaily (i když oči jsou většinou předimenzované a umělecká zručnost se u jednotlivých umělců značně liší). Fajumské portréty byly malovány na dřevo nebo slonovinu voskem a pryskyřičnými barvami (enkaustikou) nebo temperou a vkládány do obalů mumií, aby zůstaly s tělem po celou věčnost.

Zatímco volná portrétní malba v Římě upadala, umění portrétu vzkvétalo v římském sochařství, kde sedící vyžadovali realismus, i když nelichotivý. Během 4. století převládl sochařský portrét, od něhož se ustoupilo ve prospěch idealizovaného symbolu toho, jak daná osoba vypadala. (Srovnej portréty římských císařů Konstantina I. a Theodosia I.) V pozdně antickém období zájem o individuální podobu značně poklesl a většina portrétů na pozdně římských mincích a konzulských diptyších není téměř vůbec individualizována, ačkoli ve stejné době se v raně křesťanském umění vyvíjely poměrně standardizované podoby pro zobrazování Ježíše a dalších významných postav křesťanského umění, jako byl Jan Křtitel a sv.

StředověkEdit

Malý soukromý wiltonský diptych pro anglického krále Richarda II. kolem roku 1400 s raženým zlatým pozadím a velkým množstvím ultramarínu.

Většina raně středověkých portrétů byly dárcovské portréty, zpočátku většinou papežů v římských mozaikách, a iluminované rukopisy, příkladem je autoportrét spisovatelky, mystičky, vědkyně, iluminátorky a hudebnice Hildegardy z Bingenu (1152). Stejně jako u soudobých mincí byla snaha o podobiznu malá. V románském období se rozšířily kamenné náhrobní památky. V letech 1350-1400 se světské postavy začaly znovu objevovat na freskách a deskových malbách, například na obraze Mistra Theodorika Karel IV. přijímá lenní přísahu, a portréty se opět staly zřetelnými podobiznami.

Koncem století se v Burgundsku a ve Francii objevily první olejové portréty současných osobností, malované na malých dřevěných deskách, nejprve jako profily, později v jiných pohledech. Wiltonský diptych z doby kolem roku 1400 je jedním ze dvou dochovaných deskových portrétů anglického krále Richarda II, nejstaršího anglického krále, pro kterého máme soudobé příklady.

Na konci středověku v 15. století bylo pro rozvoj individualizovaného portrétu klíčové raně nizozemské malířství. Mezi mistry patřili mimo jiné Jan van Eyck, Robert Campin a Rogier van der Weyden. Objednávaly se spíše drobné deskové portréty v menší než poloviční životní velikosti, a to nejen postavy od dvora, ale podle poměrně prostého oblečení i zámožní měšťané. Součástí miniatur v iluminovaných rukopisech byly také individualizované portréty, obvykle objednavatele. Na náboženských obrazech se portréty donátorů začaly zobrazovat jako přítomné nebo se účastnily hlavních zobrazovaných sakrálních scén a na soukromějších dvorských obrazech se subjekty dokonce objevovaly jako významné postavy, například Panna Maria.

• Robert Campin (asi 1375-1444), Portrét mladé ženy (v páru s manželem), 1430-1435. 1460

• Jeden z prvních samostatných autoportrétů, Jean Fouquet, kolem roku 1460

• Jeden z prvních samostatných autoportrétů, Jean Fouquet, kol. 1450

RenesanceEdit

Albrecht Dürer, Autoportrét, 1500

Částečně ze zájmu o svět přírody a částečně ze zájmu o klasické kultury antického Řecka a Říma, portréty – malované i sochařské – získaly v renesanční společnosti důležitou roli a byly ceněny jako předměty a jako zobrazení pozemského úspěchu a postavení. Malířství obecně dosáhlo nové úrovně vyváženosti, harmonie a vhledu a největší umělci (Leonardo, Michelangelo a Rafael) byli považováni za „génie“ a povýšili daleko nad postavení řemeslníků na vážené služebníky dvora a církve.

V tomto plodném období se vyvinulo mnoho inovací v různých formách portrétování. Začala tradice portrétní miniatury, která zůstala populární až do věku fotografie a rozvíjela se z dovedností malířů miniatur v iluminovaných rukopisech. Profilové portréty, inspirované antickými medailony, byly oblíbené zejména v Itálii v letech 1450-1500. Medaile se svými oboustrannými obrazy inspirovaly také krátkodobou módu oboustranných obrazů na počátku renesance. Klasické sochy, jako například Apollón Belvedér, rovněž ovlivnily výběr póz, které využívali renesanční portrétisté a které se používaly i v průběhu staletí. Leonardova Ginevra de‘ Benci (asi 1474-8) je jedním z prvních známých tříčtvrtečních portrétů v italském umění.

Severoevropští umělci vedli v oblasti realistických portrétů světských subjektů. Větší realističnost a detailnost severských umělců v 15. století byla částečně způsobena jemnějšími tahy štětce a efekty, které umožňovaly olejové barvy, zatímco italští a španělští malíři stále používali tempery. Mezi prvními malíři, kteří rozvíjeli olejovou techniku, byl Jan van Eyck. Olejové barvy mohou vytvářet více textur a stupňů tloušťky a lze je účinněji vrstvit, přičemž se přidávají stále silnější vrstvy jedna přes druhou (malíři to nazývají „tuk přes tuk“). Olejové barvy také pomaleji schnou, což umělci umožňuje snadno provádět změny, například měnit detaily obličeje. Antonello da Messina byl jedním z prvních Italů, kteří olej využili. Vyučil se v Belgii, kolem roku 1475 se usadil v Benátkách a měl velký vliv na Giovanniho Belliniho a severoitalskou školu. V průběhu 16. století se olej jako médium rozšířil v celé Evropě a umožnil honosnější ztvárnění oděvů a šperků. Kvalitu obrazů ovlivnil také přechod od dřeva k plátnu, který začal v Itálii na počátku 16. století a v následujícím století se rozšířil do severní Evropy. Plátno odolává praskání lépe než dřevo, lépe drží pigmenty a vyžaduje méně přípravy – zpočátku však bylo mnohem vzácnější než dřevo.

Severoevropané brzy opustili profil a začali vytvářet portréty realistického objemu a perspektivy. V Nizozemsku byl předním portrétistou Jan van Eyck. Arnolfiniho svatba (1434, Národní galerie v Londýně) je mezníkem západního umění, raným příkladem portrétu páru v celé délce, skvěle namalovaného v bohatých barvách a s vynikajícími detaily. Stejně důležitá je však i ukázka nově vyvinuté techniky olejomalby, jejímž průkopníkem byl van Eyck a která způsobila revoluci v umění a rozšířila se po celé Evropě.

Hans Holbein mladší, Portrét sira Thomase Mora, 1527

Přední němečtí portrétisté včetně Lucase Cranacha, Albrechta Dürera a Hanse Holbeina mladšího, kteří všichni ovládali techniku olejomalby. Cranach byl jedním z prvních umělců, kteří malovali zakázky v životní velikosti, což byla od té doby oblíbená tradice. Anglie v té době neměla žádné portrétní malíře první kategorie a umělci jako Holbein byli anglickými mecenáši žádaní. Jeho obraz sira Thomase Mora (1527), jeho prvního významného mecenáše v Anglii, má téměř realistický charakter fotografie. Velkého úspěchu dosáhl Holbein malováním královské rodiny, včetně Jindřicha VIII. Dürer byl vynikající kreslíř a jeden z prvních významných umělců, který vytvořil sérii autoportrétů, včetně malby celého obličeje. Svou autoportrétní postavu (jako přihlížejícího) umístil také do několika svých náboženských obrazů. Dürer začal vytvářet autoportréty ve třinácti letech. Později tuto tradici posílil Rembrandt.

V Itálii stál Masaccio v čele modernizace fresky tím, že si osvojil realističtější perspektivu. Filippo Lippi razil cestu rozvoji ostřejších kontur a klikatých linií a jeho žák Rafael v následujících desetiletích svými monumentálními nástěnnými malbami rozšířil realismus v Itálii na mnohem vyšší úroveň. V této době se stal populárním zásnubní portrét, na který se specializoval zejména Lorenzo Lotto. V rané renesanci byly portrétní obrazy zpravidla malé a někdy zakryté ochranným víkem, sklopným nebo posuvným.

V průběhu renesance si zejména florentská a milánská šlechta přála realističtější zobrazení sebe sama. Výzva vytvořit přesvědčivé celoplošné a tříčtvrteční pohledy podnítila experimentování a inovace. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, Leonardo da Vinci a další umělci odpovídajícím způsobem rozšířili svou techniku a tradiční náboženské a klasické náměty doplnili o portréty. Leonardo a Pisanello byli mezi prvními italskými umělci, kteří své světské portréty doplnili alegorickými symboly.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa neboli La Gioconda, 1503-1505/1507

Jedním z nejznámějších portrétů západního světa je obraz Leonarda da Vinciho s názvem Mona Lisa, pojmenovaný po Lise del Giocondo, člence florentského a toskánského rodu Gherardini a manželce bohatého florentského obchodníka s hedvábím Francesca del Giocondo. Slavný „úsměv Mony Lisy“ je vynikajícím příkladem použití jemné asymetrie obličeje. Leonardo ve svých zápisnících radí o kvalitách světla v portrétní malbě:

Velmi vysoký stupeň půvabu ve světle a stínu dodává tvářím těch, kteří sedí ve dveřích tmavých místností, kde oči pozorovatele vidí zastíněnou část tváře zastíněnou stíny místnosti a vidí osvětlenou část tváře s větším leskem, který jí dodává vzduch. Tímto zvětšením stínů a světel získává tvář větší reliéf.

Leonardo byl Verrocchiovým žákem. Poté, co se stal členem malířského cechu, začal přijímat samostatné zakázky. Díky jeho širokým zájmům a v souladu s jeho vědeckým myšlením je jeho produkce kreseb a předběžných studií obrovská, i když jeho hotové umělecké dílo je poměrně malé. Mezi jeho další památné portréty patří portréty šlechtičen Ginevry de‘ Benci a Cecilie Gallerani.

Raphaelovy dochované portréty na zakázku jsou mnohem početnější než Leonardovy a vykazují větší rozmanitost póz, osvětlení a techniky. Rafaelovým velkým úspěchem bylo spíše než vytváření převratných novinek posílení a zdokonalení rozvíjejících se proudů renesančního umění. Byl obzvláště zkušený ve skupinovém portrétu. Jeho mistrovské dílo Athénská škola je jednou z nejvýznamnějších skupinových fresek a obsahuje podobizny Leonarda, Michelangela, Bramanteho a samotného Rafaela v podobě antických filozofů. Nebyl to první skupinový portrét umělců. O několik desetiletí dříve namaloval Paolo Uccello skupinový portrét, na němž byli Giotto, Donatello, Antonio Manetti a Brunelleschi. S rostoucím věhlasem se Rafael stal oblíbeným portrétistou papežů. Zatímco mnoho renesančních umělců ochotně přijímalo zakázky na portréty, několik umělců je odmítlo, především Rafaelův rival Michelangelo, který se místo toho ujal obrovské zakázky na Sixtinskou kapli.

V Benátkách kolem roku 1500 dominovali portrétní malbě Gentile Bellini a Giovanni Bellini. Dostávali nejvyšší zakázky od předních státních úředníků. Belliniho portrét dóžete Loredana je považován za jeden z nejlepších portrétů renesance a zdatně dokládá umělcovo mistrovství v nově příchozí technice olejomalby. Bellini je také jedním z prvních umělců v Evropě, kteří svá díla signovali, i když je jen zřídka datovali. Později v 16. století převzal Tizian v podstatě stejnou úlohu, zejména tím, že rozšířil rozmanitost póz a sitací svých královských subjektů. Tizian byl pravděpodobně prvním velkým dětským portrétistou. Po Tizianovi se předními benátskými umělci stali Tintoretto a Veronese, kteří napomohli přechodu k italskému manýrismu. Manýristé přispěli mnoha výjimečnými portréty, které kladly důraz na materiálové bohatství a elegantně složité pózy, jako například v dílech Agnola Bronzina a Jacopa da Pontormo. Bronzino se proslavil portrétováním rodiny Medicejských. Jeho odvážný portrét Cosima I. Medicejského zobrazuje přísného panovníka v brnění s ostražitým pohledem upřeným zcela vpravo, což ostře kontrastuje s většinou královských obrazů, které zobrazují své sedící jako vlídné panovníky. El Greco, který se dvanáct let vzdělával v Benátkách, se po příchodu do Španělska vydal extrémnějším směrem a zdůraznil „vnitřní vidění“ portrétovaného až do té míry, že snížil reálnost fyzického vzhledu. Jedním z nejlepších portrétistů Itálie 16. století byla Sofonisba Anguissola z Cremony, která svým individuálním i skupinovým portrétům vdechla novou úroveň složitosti.

Dvorská portrétní tvorba ve Francii začala, když vlámský umělec Jean Clouet namaloval kolem roku 1525 svou opulentní podobiznu Františka I. Francouzského. Král František byl velkým mecenášem umělců a hrabivým sběratelem umění, který pozval Leonarda da Vinciho, aby v pozdějších letech žil ve Francii. Mona Lisa zůstala ve Francii i poté, co tam Leonardo zemřel.

• Pisanello, snad Ginevra d’Este, asi 1440

• Mladík od Sandra Botticelliho, asi 1483. Raná italská celoobličejová póza.

• Možná Rafael, kolem 1518, Isabel de Requesens. Styl a formát vrcholné renesance měly obrovský vliv na pozdější velké portréty.

• Christiane von Eulenau od Lucase Cranacha staršího, 1534

• Lucrezia Panciatichi, autor Agnolo Bronzino, 1540

• Papež Pavel III. a jeho vnuci, Tizian, 1546

• Maarten van Heemskerck (1498-1574), Rodina Pietera Jana Foppése, před cca 1540.1532, považovaný za první rodinný portrét, v nizozemské portrétní tvorbě.

• Karel V. od Tiziana, 1548, zásadní jezdecký portrét.

• Armádní portrét Alžběty I. Anglické, cca 1588. Stylizovaný portrét Alžběty I. Anglické byl evropským unikátem.

• Portrét kardinála, pravděpodobně Fernando Niño de Guevara, El Greco, kolem roku 1588. 1600

Baroko a rokokoEdit

Rembrandtův skupinový portrét, Syndikové cechu soukeníků, 1662.

V období baroka a rokoka (17., resp. 18. století) se portréty staly ještě důležitějším dokladem postavení a postavení. Ve společnosti, které stále více dominovali světští vůdci na mocných dvorech, byly obrazy bohatě oděných postav prostředkem k potvrzení autority významných osobností. V tomto typu portrétů vynikali vlámští malíři Sir Anthony van Dyck a Peter Paul Rubens, zatímco Jan Vermeer vytvářel portréty převážně střední třídy při práci a zábavě v interiéru. Rubensův portrét sebe a své první ženy (1609) ve svatebním oděvu je virtuózní ukázkou párového portrétu. Rubens se proslavil nejen svým uměním – byl dvořanem, diplomatem, sběratelem umění a úspěšným obchodníkem. Jeho ateliér patřil k nejrozsáhlejším v té době a kromě portrétů zaměstnával i specialisty na zátiší, krajinu, zvířata a žánrové výjevy. Van Dyck se zde dva roky vzdělával. Anglický král Karel I. nejprve zaměstnal Rubense a poté si van Dycka přivedl jako svého dvorního malíře, pasoval ho na rytíře a udělil mu dvorský status. Van Dyck si osvojil nejen Rubensovy výrobní metody a obchodní dovednosti, ale také jeho elegantní způsoby a vystupování. Jak bylo zaznamenáno: „Vždy chodil nádherně oblečen, měl početnou a galantní výbavu a ve svém bytě udržoval tak vznešený stůl, že málokterý princ nebyl více navštěvován nebo lépe obsluhován.“ Ve Francii podobně dominoval Hyacint Rigaud, pozoruhodný kronikář královské rodiny, který namaloval portréty pěti francouzských králů.

Jednou z novinek renesančního umění bylo dokonalejší ztvárnění výrazů tváře doprovázejících různé emoce. Zejména nizozemský malíř Rembrandt se zabýval mnoha výrazy lidské tváře, zejména jako jeden z předních autoportrétistů (za svůj život jich namaloval přes 60). Tento zájem o lidskou tvář také podpořil vznik prvních karikatur, které jsou připisovány Accademii degli Incamminati, vedené malíři z rodiny Carracci na konci 16. století v italské Bologni.

Velázquez, Papež Inocenc X., kolem 1650, Galerie Doria Pamphilj, Řím.

Skupinové portréty vznikaly v období baroka ve velkém množství zejména v Nizozemsku. Na rozdíl od zbytku Evropy nedostávali nizozemští umělci zakázky od kalvínské církve, která takové obrazy zakazovala, ani od šlechty, která prakticky neexistovala. Místo toho přicházely zakázky od občanských a podnikatelských sdružení. Nizozemský malíř Frans Hals používal plynulé tahy štětce s živými barvami, aby oživil své skupinové portréty, včetně portrétů občanské gardy, k níž patřil. Rembrandt z těchto zakázek a z obecného uznání umění ze strany měšťanské klientely, která podporovala portrétní malbu i malbu zátiší a krajin, velmi těžil. Kromě toho v té době v Holandsku vzkvétal první významný trh s uměním a obchodníky.

Díky velké poptávce mohl Rembrandt experimentovat s netradiční kompozicí a technikou, například s chiaroscurem. Tyto inovace, jejichž průkopníky byli italští mistři jako Caravaggio, předvedl především ve své slavné Noční hlídce (1642). Lekce anatomie doktora Tulpa (1632) je dalším skvělým příkladem Rembrandtova mistrovství ve skupinové malbě, v níž mrtvolu zalévá jasným světlem, aby upoutal pozornost na střed obrazu, zatímco oděv a pozadí splývají do černé, čímž vyniknou tváře chirurga a studentů. Je to také první obraz, který Rembrandt podepsal celým jménem.

Ve Španělsku namaloval Diego Velázquez obraz Las Meninas (1656), jeden z nejslavnějších a nejzáhadnějších skupinových portrétů všech dob. Zpodobňuje umělce a děti španělské královské rodiny a sedícími jsou zřejmě královský pár, který je vidět pouze jako odraz v zrcadle. Velázquez začínal především jako žánrový malíř, ale rychle se proslavil jako dvorní malíř Filipa IV. a vynikl v umění portrétování, zejména v rozšiřování složitosti skupinových portrétů.

Mistry rafinovaného portrétu byli rokokoví umělci, kteří si potrpěli zejména na bohatou a složitou ornamentiku. Jejich pozornost věnovaná detailům šatů a textury zvyšovala účinnost portrétů jako svědectví o světském bohatství, jak dokládají slavné portréty Françoise Bouchera, na nichž je Madame de Pompadour oděna do rozevlátých hedvábných šatů.

Thomas Gainsborough, Modrý chlapec, kolem roku 1770, Huntington Library, San Marino, Kalifornie

Francouzský král Ludvík XIV. a jeho rodina zobrazeni jako římští bohové na obraze Jeana Nocreta z roku 1670.

Prvními významnými rodilými portrétisty britské školy byli angličtí malíři Thomas Gainsborough a sir Joshua Reynolds, kteří se rovněž specializovali na nápadné oblečení svých portrétovaných. Gainsboroughův Modrý chlapec je jedním z nejznámějších a nejuznávanějších portrétů všech dob, namalovaný velmi dlouhými štětci a řídkou olejovou barvou pro dosažení třpytivého efektu modrého kostýmu. Gainsborough byl také známý svými propracovanými kulisami pozadí pro své objekty.

Dva britští umělci měli opačné názory na používání asistentů. Reynolds je zaměstnával pravidelně (někdy dělal sám jen 20 procent malby), zatímco Gainsborough jen zřídka. Někdy si klient od umělce vyžádal slib, jako to udělal sir Richard Newdegate od portrétisty Petera Lelyho (van Dyckova nástupce v Anglii), který slíbil, že portrét bude „od začátku až do konce nakreslený mýma vlastníma rukama“. Na rozdíl od exaktnosti vlámských mistrů Reynolds shrnul svůj přístup k portrétování tvrzením, že „půvab, a můžeme dodat, že i podobnost, spočívá spíše v zachycení celkového vzhledu než v dodržení přesné podobnosti každého rysu“. V Anglii byl také významný William Hogarth, který se odvážil vymykat konvenčním metodám a do svých portrétů vnášel humor. Jeho „Autoportrét s mopslíkem“ je zjevně spíše humorným pohledem na jeho domácího mazlíčka než požitkářskou malbou.

V 18. století získaly malířky nový význam, zejména v oblasti portrétování. K významným umělkyním patří francouzská malířka Élisabeth Vigée-Lebrun, italská pastelářka Rosalba Carriera a švýcarská malířka Angelica Kauffman. V tomto století, ještě před vynálezem fotografie, byly také vysoce ceněny miniaturní portréty – namalované s neuvěřitelnou přesností a často zasazené do zlatých nebo smaltovaných medailonků.

Ve Spojených státech se předním malířem portrétů ve skutečné velikosti i miniatur stal John Singleton Copley, vyučený ve vytříbeném britském stylu, přičemž obzvláště ceněné byly jeho hyperrealistické obrazy Samuela Adamse a Paula Revera. Copley je také pozoruhodný svou snahou spojit portrétní malbu s akademicky více ctěným uměním historické malby, o což se pokusil svými skupinovými portréty slavných vojáků. Stejně slavný byl Gilbert Stuart, který namaloval více než 1 000 portrétů a proslul zejména svými prezidentskými portréty. Jen George Washingtona namaloval Stuart více než 100 replik. Stuart pracoval rychle a používal jemnější a méně detailní tahy štětcem než Copley, aby zachytil podstatu svých subjektů. Někdy pro klienta vytvořil několik verzí a umožnil mu, aby si vybral svou oblíbenou. Stuart, známý svými růžovými tóny tváří, napsal: „Tělo se nepodobá žádné jiné látce pod nebem. Má všechnu veselost hedvábnického obchodu bez jeho křiklavého lesku a všechnu měkkost starého mahagonu bez jeho smutku.“ Dalšími významnými americkými portrétisty koloniální éry byli John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale a Rembrandt Peale.

• Filip IV. v hnědém a stříbrném, Diego Velázquez, 1632

• Sir Kenelm Digby od Anthonyho Van Dycka, kolem 16. století. 1640

• Rembrandt van Rijn, Portrét Jana Sixe, 1654

• Pastel Madame de Pompadour, Maurice Quentin de La Tour, polovina 18. století

• Thomas Kerrich (1748-1828), Pompeo Batoni

• John Durand, The Rapalje Children, 1768, New-York Historical Society, New York City

• John Singleton Copley, Paul Revere, 1770

19. stoletíEdit

Madame Récamier (1800), v době vrcholné neoklasicistní módy, Jacques-Louis David

Na konci 18. a na počátku 19. století, neoklasicistní umělci pokračovali v tradici zobrazování subjektů v nejnovější módě, což pro ženy v té době znamenalo diafánové šaty odvozené ze starořeckých a římských oděvních stylů. Umělci používali usměrněné světlo k definování textury a jednoduchého zaoblení obličejů a končetin. Francouzští malíři Jacques-Louis David a Jean-Auguste-Dominique Ingres prokázali virtuozitu v této kreslířské technice i cit pro charakter. Ingres, Davidův žák, se proslavil svými portréty, na nichž je za portrétovaným namalováno zrcadlo, které simuluje pohled zezadu. Jeho portrét Napoleona na císařském trůnu je vrcholným dílem královského portrétu. (viz Galerie níže)

Romantičtí umělci, kteří tvořili v první polovině 19. století, malovali portréty inspirativních vůdců, krásných žen a rozrušených subjektů za použití živých tahů štětce a dramatického, někdy náladového osvětlení. Francouzští umělci Eugène Delacroix a Théodore Géricault malovali obzvláště kvalitní portréty tohoto typu, zejména temperamentní jezdce. Významným příkladem umělce z období romantismu v Polsku, který se věnoval jezdeckému portrétu, byl Piotr Michałowski (1800-1855). Pozoruhodná je také Géricaultova série portrétů duševně nemocných (1822-1824). Španělský malíř Francisco de Goya namaloval některé z nejhledanějších a nejprovokativnějších obrazů tohoto období, včetně La maja desnuda (asi 1797-1800), a také slavné dvorní portréty Karla IV.

Thomas Eakins, The Gross Clinic, 1875

Realističtí umělci 19. století, například Gustave Courbet, vytvářeli objektivní portréty zobrazující lidi z nižších a středních vrstev. Courbet, demonstrující svůj romantismus, namaloval několik autoportrétů, na nichž zobrazil sám sebe v různých náladách a výrazech. Mezi další francouzské realisty patří Honoré Daumier, který vytvořil mnoho karikatur svých současníků. Henri de Toulouse-Lautrec zachytil některé slavné divadelní umělce včetně Jane Avril a zachytil je v pohybu. Francouzský malíř Édouard Manet byl významným přechodným umělcem, jehož dílo se pohybovalo na pomezí realismu a impresionismu. Byl portrétistou s vynikajícím vhledem a technikou, dobrým příkladem jeho přechodového stylu je obraz Stéphana Mallarmého. Jeho současník Edgar Degas byl především realistou a jeho obraz Portrét rodiny Bellelliových je pronikavým ztvárněním nešťastné rodiny a jedním z jeho nejlepších portrétů.

V Americe kraloval Thomas Eakins jako přední portrétista, který pozvedl realismus na novou úroveň upřímnosti, zejména svými dvěma portréty chirurgů při práci a portréty sportovců a hudebníků v akci. V mnoha portrétech, jako je například „Portrét paní Edith Mahonové“, Eakins odvážně vyjadřuje nelichotivé emoce smutku a melancholie.

Vincent van Gogh, Autoportrét, 1887

Realisté do 70. let 19. století většinou ustupovali impresionistům. Částečně kvůli svým skromným příjmům se mnozí impresionisté spoléhali na rodinu a přátele, kteří jim stáli modelem, a malovali intimní skupiny a jednotlivé postavy buď v exteriéru, nebo ve světlem naplněných interiérech. Impresionistické portréty, proslulé svými třpytivými plochami a bohatými nánosy barev, jsou často odzbrojujícím způsobem intimní a přitažlivé. Francouzští malíři Claude Monet a Pierre-Auguste Renoir vytvořili jedny z nejoblíbenějších obrazů jednotlivých sedících osob i skupin. Americká malířka Mary Cassattová, která se vzdělávala a pracovala ve Francii, je dodnes oblíbená pro své poutavé obrazy matek a dětí, stejně jako Renoir. Paul Gauguin a Vincent van Gogh, oba postimpresionisté, malovali odhalující portréty lidí, které znali, hýřící barvami, ale ne vždy lichotivé. Stejně, ne-li více, jsou oslavováni pro své působivé autoportréty.

John Singer Sargent také překlenul změnu století, ale odmítl otevřený impresionismus a postimpresionismus. Byl nejúspěšnějším portrétistou své doby, který používal převážně realistickou techniku často oplývající brilantním použitím barev. Stejně dobře se mu dařily individuální i skupinové portréty, zejména rodin z vyšších vrstev. Sargent se narodil v italské Florencii americkým rodičům. Studoval v Itálii a Německu a v Paříži. Sargent je považován za posledního významného představitele britské portrétní tradice počínající van Dyckem. Dalším významným americkým portrétistou, který se vzdělával v zahraničí, byl William Merritt Chase. Americká společenská malířka Cecilia Beauxová, nazývaná „ženský Sargent“, se narodila francouzskému otci, studovala v zahraničí a doma dosáhla úspěchu, přičemž se držela tradičních metod. Dalším portrétistou přirovnávaným k Sargentovi pro jeho bujnou techniku byl pařížský malíř italského původu Giovanni Boldini, přítel Degase a Whistlera.

Americký internacionalista James Abbott McNeill Whistler měl dobré styky s evropskými umělci a také namaloval několik výjimečných portrétů, z nichž nejznámější je jeho Aranžmá v šedé a černé, Umělcova matka (1871), známé také jako Whistlerova matka. I u portrétů, stejně jako u svých tonálních krajin, chtěl Whistler, aby se diváci soustředili na harmonické uspořádání tvarů a barev na jeho obrazech. K dosažení zamýšlených efektů používal Whistler tlumenou paletu s důrazem na vyváženost barev a jemné tóny. Jak sám prohlásil, „jako je hudba poezií zvuku, tak je malba poezií zraku a námět nemá nic společného s harmonií zvuku nebo barvy“. Forma a barva byly stěžejní i pro Cézannovy portréty, zatímco ještě extrémnější barva a technika tahu štětce dominují portrétům André Deraina a Henriho Matisse.

Významný vliv na portrétní tvorbu měl rozvoj fotografie v 19. století, která vytlačila dřívější kameru obscuru, jež se dříve používala i jako pomůcka při malování. Mnozí modernisté se hrnuli do fotografických ateliérů, aby si nechali zhotovit portréty, včetně Baudelaira, který sice prohlásil fotografii za „nepřítele umění“, ale zjistil, že ho upřímnost a síla fotografie přitahuje. Tím, že poskytla levnou alternativu, nahradila fotografie většinu nejnižší úrovně portrétní malby. Někteří realističtí umělci, jako například Thomas Eakins a Edgar Degas, byli fotografií s fotoaparátem nadšeni a považovali ji za užitečnou pomůcku při kompozici. Od impresionistů nalezli portrétisté nesčetné množství způsobů, jak portrét nově interpretovat, aby mohl účinně konkurovat fotografii. Sargent a Whistler patřili k těm, kteří byli podněcováni k tomu, aby rozšířili svou techniku a vytvořili efekty, které fotoaparát nedokázal zachytit.

• Francisco de Goya, Karel IV. španělský a jeho rodina, 1800-1801

• Jean Auguste Dominique Ingres, portrét Napoleona na císařském trůně, 1806, Musée de l’Armée, Paříž

• Gustave Courbet, Portrét Charlese Baudelaira, 1848

• Pierre-Auguste Renoir, Portrét Alfreda Sisleyho, 1868

• James Abbott McNeill Whistler, Aranžmá v šedé a černé:

• Edgar Degas, Portrét slečny Cassattové, sedící, držící karty, 1876-1878

• John Singer Sargent, Portrét Roberta Louise Stevensona, 1887

• Paul Gauguin, Malíř slunečnic, Portrét Vincenta van Gogha, 1888

• Vincent van Gogh, Portrét doktora Gacheta, (první verze), 1890

20. stoletíEdit

Portrét Gertrudy Steinové, 1906, Metropolitní muzeum umění, New York. Když někdo poznamenal, že Steinová nevypadá jako její portrét, Picasso odpověděl: „Bude“.

I další umělci počátku 20. století rozšířili repertoár portrétů novými směry. Fauvistický umělec Henri Matisse vytvářel působivé portréty s použitím nenaturalistických, až křiklavých barev pro odstíny pleti. Cézanne ve svých portrétech sázel na velmi zjednodušené formy, vyhýbal se detailům a zdůrazňoval barevné soutisky. Rakušan Gustav Klimt ve svém jedinečném stylu uplatňoval na svých nezapomenutelných portrétech byzantské motivy a zlatou barvu. Jeho žák Oskar Kokoschka byl významným portrétistou vídeňské vyšší třídy. Plodný španělský umělec Pablo Picasso namaloval mnoho portrétů, včetně několika kubistických ztvárnění svých milenek, v nichž je podoba portrétovaného hrubě zkreslena, aby bylo dosaženo emocionální výpovědi daleko za hranicemi běžné karikatury. Vynikající malířkou ženských portrétů z přelomu 19. a 20. století, spojenou s francouzským impresionismem, byla Olga Boznańska (1865-1940). expresionističtí malíři poskytli některé z nejstrašidelnějších a nejpřesvědčivějších psychologických studií, jaké kdy vznikly. Pozoruhodné příklady expresionistického portrétu vytvořili němečtí umělci jako Otto Dix a Max Beckmann. Beckmann byl plodným autoportrétistou, vytvořil jich nejméně dvacet sedm. Amedeo Modigliani namaloval mnoho portrétů svým protáhlým stylem, který znehodnotil „vnitřní osobu“ ve prospěch přísných studií formy a barvy. Aby toho dosáhl, oslabil obvykle výrazné oči a obočí až k začerněným štěrbinám a jednoduchým obloukům.

Britské umění reprezentovali vorticisté, kteří na počátku 20. století namalovali několik pozoruhodných portrétů. Dadaistický malíř Francis Picabia provedl řadu portrétů svým jedinečným způsobem. Kromě toho portréty Tamary de Lempické úspěšně vystihovaly éru art deco svými uhlazenými křivkami, sytými barvami a ostrými úhly. V Americe patřili ve 20. a 30. letech 20. století k vynikajícím portrétistům americké realistické školy Robert Henri a George Bellows. Max Ernst vytvořil příklad moderního kolegiálního portrétu obrazem Všichni přátelé pohromadě z roku 1922.

Významný podíl na vývoji portrétní malby let 1930-2000 měli ruští umělci, pracující především v tradicích realistické a figurální malby. Mezi nimi je třeba jmenovat Isaaka Brodského, Nikolaje Fečina, Abrama Archipova a další.

Portrétní tvorba v Evropě (s výjimkou Ruska) a v Americe ve 40. a 50. letech 20. století obecně upadala, což bylo důsledkem rostoucího zájmu o abstrakci a nefigurativní umění. Výjimkou však byl Andrew Wyeth, který se vypracoval na předního amerického realistického portrétistu. U Wyetha je realismus, i když zjevný, druhotný ve srovnání s tonálními kvalitami a náladou jeho obrazů. Výstižně to dokládá jeho přelomová série obrazů známá jako obrazy „Helga“, největší skupina portrétů jedné osoby od kteréhokoli významného umělce (247 studií jeho sousedky Helgy Testorfové, oblečené i nahé, v různém prostředí, namalovaných v letech 1971-1985).

V 60. a 70. letech 20. století došlo k oživení portrétní malby. Angličtí umělci jako Lucian Freud (vnuk Sigmunda Freuda) a Francis Bacon vytvořili silné obrazy. Baconovy portréty jsou pozoruhodné svou noční můrou. V květnu 2008 byl Freudův portrét z roku 1995 Benefits Supervisor Sleeping prodán v aukční síni Christie’s v New Yorku za 33,6 milionu dolarů, čímž byl stanoven světový rekord v prodejní hodnotě obrazu žijícího umělce.

Mnoho současných amerických umělců, jako například Andy Warhol, Alex Katz a Chuck Close, učinilo z lidské tváře ústřední bod své tvorby.

Warhol byl jedním z nejplodnějších portrétistů 20. století. Warholův obraz Orange Shot Marilyn Marilyn Monroe je ikonickým příkladem jeho rané tvorby z 60. let a Orange Prince (1984) popového zpěváka Prince je pozdějším příkladem, přičemž v obou případech se projevuje Warholův jedinečný grafický styl portrétování.

Closeovou specialitou byly obrovské, hyperrealistické nástěnné „hlavové“ portréty založené na fotografických snímcích. Jamie Wyeth pokračuje v realistické tradici svého otce Andrewa a vytváří slavné portréty, jejichž náměty sahají od prezidentů až po prasata.

• Henri Matisse, Zelený pruh, Portrét madam Matisse, 1905

• Olga Boznańska, Autoportrét, 1906, Národní muzeum ve Varšavě

• Umberto Boccioni, Autoportrét, 1906

• Gustav Klimt, Portrét Adele Bloch-Bauerové I, 1907

• Pablo Picasso, Portrét Daniela-Henryho Kahnweilera, 1910, The Art Institute of Chicago

• Juan Gris, Portrét Pabla Picassa, 1912

• Amedeo Modigliani, Portrét Chaima Soutina, 1916

• Boris Grigorjev, Portrét Vsevoloda Mejercholda, 1916

• Boris Kustodiev, Kapitsa a Semjonov, 1921