Katsaus 1900-luvun ikonisimpiin ja tärkeimpiin korusuunnittelijoihin on täynnä samoja subjektiivisia sudenkuoppia kuin mikä tahansa muukin taidekokoelma. Onko esimerkiksi modernististen maalausten arvioinnissa Magritten Kuvien petollisuus suhteellisesti enemmän vai vähemmän tärkeä taiteellinen ikoni kuin vaikkapa Duchampin Alaston laskeutuminen portaita alas nro 2? Näin on myös korujen kohdalla: Lyhyellä suunnittelijaluettelolla järkevät ihmiset voivat olla eri mieltä Gérard Sandozin ansioista – loppujen lopuksi hänen uransa jalokivitaiteilijana katkesi toiseen elämään näyttelijänä.
Sentähden on tärkeää varmistaa, että jokainen, joka kuratoi tällaisen suurten taiteilijoiden luettelon, on pätevä ottamaan kantaa. Ja Lee Siegelson tuntee varmasti helmensä. Kolmannen polven korutaiteilija on käyttänyt vuosia arvioimalla, keräämällä ja myymällä galleriatasoisia vintage-kappaleita tuotemerkin toimistosta Manhattanin Fifth Avenuella. Leen isoisä Louis perusti yrityksen Brooklynissa vuonna 1920 ja erikoistui alun perin kellojen korjaamiseen. 1940-luvulla – poikansa Hermanin (Leen isän) avustuksella – Siegelson muutti toimintaansa ja alkoi keskittyä enemmän vintage-koruihin. Ajan myötä hän keräsi upean ainutlaatuisten mallien varaston. Maailmanlaajuisessa koruyhteisössä Siegelsonin kokoelma on yksi arvostetuimmista. Tähän mennessä monia kappaleita on myyty museoihin tai asetettu näytteille museoissa – muun muassa New Yorkin Cooper Hewittissa ja Smithsonianissa.
Kuka voisi siis paremmin esitellä meille viime vuosisadan 10 ikonisinta ja vaikutusvaltaisinta suunnittelijaa kuin Lee Siegelson itse? Asiantuntija vetää tiiviin pikakurssin koruhistoriaan – Calderista Van Cleefiin, ja hän selvittää, mikä tekee kustakin taiteilijasta erottuvan. Ja mikä epätavallinen rintakoru oli Jeanne Boivinin suosikki? Mitä tekemistä lentokoneen suunnittelulla oli Jean Desprésin korujen kanssa? Usko meitä, haluat laittaa muutaman näistä keskustelunaiheisista helmistä taskuun seuraaviin illalliskutsuihisi.
Lee Siegelson esittäytymässä kuvataidemessuilla. Kuva: M: Courtesy Siegelson
Suzanne Belperron
Suzanne Belperron on kaikkien aikojen tärkein yksittäinen korusuunnittelija. Hän loi ikonisen estetiikan rohkeista kaarevista malleista, jotka ovat välittömästi tunnistettavissa Belperroniksi. Itse asiassa hän on tunnettu siitä, että hän ei signeeraa kappaleitaan toteamalla: ”Tyylini on minun allekirjoitukseni”. Ja hän on täysin oikeassa.
Belperron oli tunnettu siitä, että hän käytti epätavallisia veistettyjä kovakivimateriaaleja, kuten ruusukvartsia, vuorikristallia ja kalcedonia, rannekorujen ja sormusten kiinnitysmateriaalina. Hän myös patisti työpajojaan luomaan monimutkaisia kiviasetelmia kappaleisiin, jotka sisälsivät suuren ja monipuolisen määrän kivileikkauksia. Jokainen kiinnitys oli luotava käsin, jotta se sopisi yksittäisille kiville.
Tämä rintakoru on ikoninen Belperron-malli, joka koostuu epäsäännöllisen soikeista rubiineista, joiden välissä on timantteja ja jotka kaikki on kehystetty platinaan. Vaikka rubiinit ja timantit näyttävät satunnaisesti hajallaan olevilta, suunnittelija on itse asiassa sijoittanut ne huolella, kuten impressionistinen maalari saattaa hajottaa maalipisaroita luodakseen kauniimman kokonaisuuden. Tuloksena on upea nestemäinen tunnelma.
Muotisuunnittelijat, päätoimittajat ja haute couturen kantajat kunnioittivat ja kunnioittavat Belperronia täysin. Hänen teoksiaan ovat keränneet muun muassa Daisy Fellowes, Elsa Schiaparelli, Diana Vreeland, Windsorin herttuatar ja Karl Lagerfeld. Hän on suunnittelija, jota etsivät eniten ihmiset, jotka ymmärtävät, että vaatteet ja korut voivat olla taidetta.
Art Moderne Rubiini- ja timanttikaulakoru, Suzanne Belperron, Pariisi, noin 1945. Kuv: Courtesy Siegelson
Boivin
Jeanne Boivin (Boivinin pääomistaja miehensä kuoltua vuonna 1917) oli muodin ja korujen kuninkaallinen. Hän oli maineikkaan korufirman naisjohtaja ja Paul Poiret’n sisar, couturierin, joka muutti muodin ikuisesti uraauurtavilla malleillaan 1910- ja 1920-luvuilla. Jeanne antoi Suzanne Belperronille alun ja työskenteli myös Juliette Moutardin kanssa. Nämä kolme naista loivat yhdessä joitakin kaikkien aikojen merkittävimpiä koruja, joiden vahva veistoksellinen tyyli perustuu yleensä luontoon.
Tähtitähti-rintakoru on Boivinin muotoilun ehdoton huippu, ja Jeanne jopa sanoi, että tämä rintakoru oli hänen suosikkinsa. Tämän korun osti Claudette Colbert, 1930-luvun tunnetuin Hollywood-tähti voitettuaan Oscarin elokuvasta ”Se tapahtui yhtenä yönä”. Ja hän on kuvattuna rintakoru päällään aikalaisvalokuvassa.
Millicent Rogers omisti myöhemmän version, ja hänet kuvattiin Vogue-lehdessä käyttämässä sitä. Boivinin meritähti oli itse asiassa kuvattuna Voguessa neljä kertaa vuosina 1937-1945, mikä on ennennäkemättömän monta kertaa muodin eturintamassa olleelle lehdelle.
Claudette Colbertin meritähti: Juliette Moutardin René Boivinille suunnittelema Rubiinista ja ametistista valmistettu meritähti-rintakoru, Pariisi 1937. Valokuva: Courtesy Siegelson
Cartier
Cartier on luonut enemmän upeita kappaleita kuin yksikään muu koruntekijä – itse asiassa heidän mallinsa määrittelevät usein tietyn aikakauden tai tyylin. Ei ole materiaalia tai kiveä, jota Cartier ei hallitsisi. Cartierin suvun dynastia kesti vuosisadan, ja sen tuotanto ulottui kohtuuhintaisista hopeisista pöytäesineistä aina maharadžoille ja eurooppalaisille kuninkaallisille tehtyihin hienoihin uniikkeihin jalokiviluomuksiin.
Cartier palkkasi parhaat työpajat ja suunnittelijat ja antoi heille inspiraation saamiseksi käyttöönsä laajan kirjaston taidekirjoja ja persialaisia miniatyyrejä. Tämän rannekorun olisi ostanut huippuasiakas. Se on hieno sekä rakenteeltaan että muotoilultaan. Musta lakka tekee muodosta modernin, kun taas kolmilehtinen muotoilu viittaa eksoottisiin koristetyyleihin. Vihreät smaragdit erottuvat muuten ankarasta mustavalkoisesta paletista, ja kiiltävät helmet ovat hienoja päätelaitteita. Vain Cartier olisi voinut valmistaa tämän kappaleen, ja kun pidät sitä kädessäsi, huomaat, ettei siinä ole mitään sopimatonta, vaan se on täydellisesti harkittu ja hieno kappale.
Art deco -tyylinen timantti-, luonnonhelmi-, smaragdi- ja onyx-rannerengas, Cartier, circa 1925. Kuva: Cartier, 19.19.19. Kuva: Cartier, 19.19.19: Courtesy Siegelson
Van Cleef & Arpels
Van Cleef & Arpels on tunnettu ehdottoman tyylikkäistä makeisista. He kunnostautuivat erityisesti epätavallisissa kivenleikkauksissa ja muotoiluinnovaatioissa, kuten näkymättömässä kiinnityksessä, minaudiereissa ja vetoketjullisissa kaulakoruissa. Yritys valmisti erityisen kauniita kappaleita, joissa käytettiin navette-nimistä marquise-hiontaa. Tämä timanttihapsukaulakoru osoittaa VCA:n asiantuntevan tavan kerrostaa erilaisia kivenleikkauksia korostaakseen kivien geometriaa ja luodakseen upean rakenteen, joka on elegantti ja ylellinen ja tuntuu nykyäänkin nykyaikaiselta ja käyttökelpoiselta.
Platinaa ja timantteja sisältävä kaulakoru, Van Cleef & Arpels, Pariisi, 1948. Kuva: Arpel Arpeles, Pariisissa: Courtesy Siegelson
Boucheron
Aloittaessaan toimintansa vuonna 1858 Boucheron sai huomiota kansainvälisissä näyttelyissä harkituilla, kauniilla ja rohkeilla malleillaan. Vuoden 1925 Pariisin Exposition des Arts Décoratifs et Industriels -näyttelyssä yritys loi täydellisen muotoiluohjelman, johon kuului myös asennettuja vaaleanpunaisia sahramiharsokoteloita, jotka oli koristeltu näyttelyä varten luoduilla geometrisilla kuvioilla. (Siegelsonin omistamassa rannekorussa on ainoa tunnettu säilynyt rasia.)
Tämä rannekoru, joka on yksi kaikkien aikojen tärkeimmistä koruista, luotiin vuoden 1925 Pariisin näyttelyä varten. Stephen Harrison, Clevelandin taidemuseon koristeellisen taiteen kuraattori, sanoi: ”Boucheron loi poikkeuksellisen rannekorun innovatiivisesta osmiumista, joka on asetettu cabochon-rubiineilla, safiireilla ja smaragdeilla, jotka on järjestetty vedessä kelluviksi kupliksi”. Tämän kappaleen vallankumouksellinen muotoilu keskittyy timanttien ympäröimien kivien geometriseen sijoitteluun, jotka näyttävät liukuvan rannekorun pinnan yli liukuen paneelien timanttisen reunan alle. Diagonaalisesti sijoitetut mustat emaloidut tangot muodostavat dramaattisen folion värillisille jalokiville.
Art Deco Diamond, Emal, and Gem-Set Bracelet by Boucheron. Esillä vuoden 1925 Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes -näyttelyssä Pariisissa. Valokuva: Courtesy Siegelson
Gérard Sandoz
Gérard Sandoz valmisti upeita korujaan vain lyhyen aikaa art deco -kauden huipulla, vuosina 1920-1931. Hän oli viehättävä ja levoton luonne, jonka tiedettiin viihtyvän juhlissa Maxim’sissa, ja lopulta hän jätti perheyrityksensä korusepäntyön vaatimattoman elokuvauransa vuoksi.
Hänen tekemänsä korut ovat täysin puhdasta geometristen muotojen tutkimista eri materiaaleissa, väreissä ja viimeistelyissä, jotka yhdistyvät luodakseen monimutkaisen kerroksellisen muodon. Mitään muuta vastaavaa ei ole.
Sandoz itse sanoi: ”On mahdollista tehdä hyvin kauniita koruja pelkästään kullasta ja tehdä kauhuja timanttijoilla.”
Keskeisesti platinatankoon, joka kulkee huiputetun kultaisen suorakulmion läpi, jossa on kulta- ja onyx-”hampaita”, kuten hammaspyörän ”hammasrattaiden” hampaat, tämä rintaneula ammentaa inspiraationsa suoraan Sandozin rakastamista koneista. Keskielementti on kerrostettu himmeän vuorikristallin taustalle pave-timanttikolmion päälle. Tässä mestarillisessa rintakorussa Sandoz käänsi hienon korun materiaalien tavanomaisen järjestyksen, jossa tyypillisesti esiteltiin jalokiviä ja metallia pelkkänä kiinnikkeenä. Tässä Sandoz käyttää timantteja taustana ja kiillotettua kultaa keskeisenä elementtinä. Tuloksena on ikoninen ja tärkeä muotoilun mestariteos.
Art deco geometrinen rintaneula, Gérard Sandoz, Pariisi, noin 1927. Kuva: Sandoz Sandoz: Courtesy Siegelson
Jean Després
Syntynyt jalokivisuunnittelijoiden perheeseen ja saanut ikuisesti vaikutteita kokemuksistaan lentokonesuunnittelijana toisen maailmansodan aikana, Després vaikutti korumuotoilun kulkuun huolella suunnitelluilla, koneiden inspiroimilla teoksillaan, jotka tunnetaan nimellä ”bijoux-moteurs.”
Tämä Després’n suunnittelema rannekoru on ikoninen esimerkkinä art modernin muotoilun muodista, jossa yhdistyvät voimakas yksinkertaisuus ja koneiden inspiroima muotoilu. Muotoilu tuo mieleen massiivisen hammaspyörän hampaat, kun taas rannekoru kapenee myötäillen ranteen hoikkuutta. Tämä hienovarainen muotoilun mukautus tunnustaa, että tämä massiivinen rannekoru on tarkoitettu käytettäväksi, ja kuten aikalaiskuvassa näkyy, se on tyylikäs ranteessa.
Art Moderne Hopea ja musta lakka rannekoru, Jean Després, Pariisi, noin 1931. Esillä Salon d’Automne -näyttelyssä Pariisissa vuonna 1931. Valokuvassa: Courtesy Siegelson
Jean Dunand
Jean Dunand on yksi merkittävimmistä art deco -suunnittelijoista, joka tunnetaan lakkaisista huonekaluistaan, koriste-esineistään ja koruistaan. Hänet palkattiin lakkaamaan kokonaisia luksushuoneita upeille valtamerilaivoille, kuten Normandialle.
Koska Dunand loi sekä muotokuvia että koriste-esineitä ja koruja, hänen muotokuviinsa sisältyi usein esimerkkejä hänen töistään. Hiljattain huutokaupattiin kuuluisa ja hieno muotokuva hänen mentoristaan Madame Agnesista, ja siinä hänellä on yllään yksittäinen kirahvikaulakoru. Kirahvikaulakoru on Dunandin ikoninen teos, ja se kertoo tietystä hetkestä 1920-luvulla, jolloin suunnittelijat alkoivat siirtyä pois klassisesta ylellisyysmateriaalien käytöstä kohti modernimpaa muotoilua.
Samankaltainen malli valmistettiin ja sitä käytti Josephine Baker, joka oli Dunandin muusa; hänellä on kuuluisassa valokuvassa päällään (eikä juuri mitään muuta).
Viime aikoina palannut merkittävästä näyttelystä, The Jazz Age: American Style in the 1920s, Cooper Hewittissa ja Clevelandin taidemuseossa, tämä on suurin tunnettu setti, yhteensä kuusi kappaletta. Kyseessä on suurempi yksilö kuin Museé de Arts Decoratifsin ja Metropolitan Museum of Artin omistamat. Tämä on suurin sarja, jota todennäköisesti koskaan tullaan näkemään markkinoilla.
Punaista ja mustaa lakkaa ja oréumia sisältävä kolmen ”kirahvin” kaulakorun ja kolmen rannekorun sarja, Jean Dunand, Pariisi, noin 1927. Esillä näyttelyssä The Jazz Age: American Style in the 1920s at the Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, New York. Valokuva: Courtesy Siegelson
Paul Flato
Paul Flato oli alkuperäinen tähtien korukauppias, joka palveli Hollywoodin crème de la crèmea. Hän perusti yrityksensä New Yorkiin vuonna 1928 ja avasi Los Angelesin liikkeen vuonna 1937. Hänen figuratiivinen, usein humoristiseen rajautuva tyylinsä saavutti huippunsa 1930-luvulla, kun Adolph Kleaty, George Headley ja Fulco, Verduran herttua, suunnittelivat hänelle koruja. Flato teki höyheniä, kukkia piteleviä käsiä ja rintaneuloja, jotka olivat aarrearkkuja täynnä jalokiviä, mutta tyylikkäästi.
Hänen salongeissaan kävivät Joan Crawford, Marlene Dietrich ja Vivien Leigh sekä johtavat miehet Douglas Fairbanks, Laurence Olivier ja Orson Welles. Hänen korujaan käyttivät Katherine Hepburn elokuvassa Holiday, Greta Garbo elokuvassa Two Faced Woman ja Rita Hayward elokuvassa Blood and Sand.
Tässä kaulakorussa Verdura muutti tavallisen käyttöesineen, vyön, näyttäväksi akvamariini- ja rubiinikaulakoruksi. Tämä oli merkittävä saavutus aikana, jolloin useimmissa koruissa oli kukkia tai geometrisia kuvioita. Kaulakoru on taitavasti suunniteltu niin, että se näyttää siltä kuin vyö olisi solmittu, mikä luo kappaleen, jota voi kantaa keskellä tai sivussa, kuten Voguessa vuonna 1944.
Cole Porter -kaulakoru: Aquamarine and Ruby Belt with a Buckle Necklace Designed by Fulco, Duke of Verdura, for Paul Flato, New York, circa 1935. Valokuva: Courtesy Siegelson
Alexander Calder
Alexander Calder tunnetaan parhaiten herkästi tasapainoisista mobiles- ja veistoksistaan, jotka liikkuvat ilman tai kosketuksen vaikutuksesta, mutta korut olivat hänen henkilökohtaisin ja pysyvin välineensä. Jokainen taiteilijan käsintehty kappale oli ainutlaatuinen yhdistelmä hänen vasarointiaan ja hänen suurten teostensa sisältämää estetiikkaa ja armoa. Calderin koruja, boheemeja mutta hienostuneita, keräsivät muodikkaat taidekeräilijät, kuten Peggy Guggenheim, Mary Rockefeller ja Millicent Rogers.
Tämä messinkilangasta valmistettu rintakoru ilmentää samaa liikkeen tunnetta, joka on havaittavissa hänen mobiles-koruissaan, ja samaa geometriaa ja dynaamisuutta, joka on havaittavissa hänen litografioissaan, joissa hän usein tutki toistuvia toisiinsa kytkeytyviä ympyröitä.
Magneettisen menestyksekkään Calderin korut-näyttelyn kuraattori Elisabeth Agro kertoi koruistamme: ”Avaruus. Kyse on tilan valtaamisesta. Ja hän näkee kehon vain maadoittavana elementtinä tälle hänen työnsä toiselle puolelle. Ei niin, että ruumis olisi tiellä – ruumis on yksi osa tätä suurempaa taideteosta, kun sen pukee päälleen.”
Messingistä ja teräksestä valmistettu ”Six Circles” -prossu, Alexander Calder, New York, noin 1940. Valokuva: Courtesy: Siegelson