Kaikkien aikojen 10 kuuluisinta maalausta! Joka vuosi miljoonia euroja käyttävät taidekeräilijät, jotka haluavat omistaa maailman halutuimpia maalauksia. Kalleimmat maalaukset eivät kuitenkaan välttämättä ole kaikkein kuuluisimpia maalauksia. Tunnetuimmat niistä ovat yleensä museoiden hallussa, joita myydään hyvin harvoin, ja sellaisenaan ne ovat kirjaimellisesti korvaamattomia. Esittelemme tässä kaikkien aikojen 10 kuuluisinta maalausta.

Venuksen syntymä

Venuksen syntymä on italialaisen taidemaalarin Sandro Botticellin maalaus. Se on ripustettu Uffizin galleriaan Italian Firenzessä. Maalaus on tehty temperalla kankaalle ja sen koko on 172,5 cm x 278,5 cm. Se kuvaa jumalatar Venusta nousemassa merestä kypsänä naisena, kuten kreikkalaisessa mytologiassa kuvataan. Teoksen nimi ei kuitenkaan ole täysin sopusoinnussa siinä kuvatun tapahtuman kanssa, sillä legendan mukaan Venus syntyi meren vaahdosta. Tämä kuva esittää kuitenkin hänen saapumistaan Kyprokselle simpukan päällä seisten. Klassisessa antiikissa simpukka oli emättimen vertauskuva. Botticellin Venuksen asento muistuttaa Venus de Mediciä, Medicin kokoelmassa olevaa klassisen antiikin marmoriveistosta, jota Botticelli oli tutkinut. Yksityiskohtaa maalauksesta käytetään kuvana yhdessä Italian eurokolikoista.

Vesililjat

Vesililjat ovat ranskalaisen taiteilijan Claude Monet’n monta erilaista impressionistista maalausta vesililjoista. Monet rakennutti 1890-luvulla ateljeeseensa Givernyyn värikkään puutarhan, jossa oli lampi, voidakseen maalata rakkaan motiivinsa kaikenlaisissa sääolosuhteissa (puoliksi ulkona). Hänen ei tarvinnut enää matkustaa niin paljon ja hän oli enemmän kotona vaimonsa ja lastensa kanssa. Monet maalasi monia erilaisia variaatioita tästä aiheesta. Pelkästään vuosina 1899-1900 hän teki 18 erilaista vesililjamaalausta.

Vuosina 1914-1926 Monet loi sarjan valtavia seinäpaneeleita, joissa oli vesililjoja, Pariisin Tuileriesissa sijaitsevaan Musée de l’Orangerieen (ks. kuva yllä). Koska Monet oli todennäköisesti suurelta osin sokea elämänsä lopulla, hän olisi maalannut nämä niin sanotut refleksimaisemat (maisema ilman nimenomaista taivaan tai horisontin esittämistä) pääasiassa muistinsa perusteella. Hän lahjoitti nämä teokset hyvälle ystävälleen Paul Clemenceaulle. Clemenceau oli rohkaissut Monet’ta jatkamaan maalaamista samalla, kun hänen näkönsä heikkeni. Monet lahjoitti teokset ”kunnianosoituksena rauhalle”. Maalaukset olivat pitkään yleisön ulottumattomissa, mutta nyt ne ovat jälleen hiljattain remontoidun museon pääesineitä.

Yövartija

Yövartija on Rembrandt van Rijnin tunnetuin maalaus ja mestariteos, ja se on nähtävillä Rijksmuseumin kunniagalleriassa. Rembrandt maalasi sen vuosien 1639 ja 1642 välillä. Virallinen nimi on: Kapteeni Frans Banning Cocqin ja luutnantti Willem van Ruytenburghin komppania valmistautuu marssimaan. Tämä teos, miliisiteos, tilattiin ryhmämuotokuvaksi komppanian killan kiltalaisilta. Sen ensimmäinen nimi lienee ”Yövartio” vuosien 1796/1797 tienoilla. Ernst van de Weteringin mukaan teos epäonnistui tietyssä mielessä.

Taulun arvoa ei voi ilmaista rahassa. Se ei ole myytävänä eikä ole koskaan ollut myytävänä. Rembrandtin aikanaan tilannut miliisikomppania oli kaupunkilaitos, ja Yövartija on sittemmin ollut Amsterdamin kunnan omistuksessa, ikuisena lainana Rijksmuseumille.

Huuto

Huuto on Edvard Munchin neljän maalauksen ja litografian nimi vuodelta 1893. Huudon alkuperäinen versio vuodelta 1893 roikkuu Oslon kansallisessa taidemuseossa (Nasjonalgalleriet). Sitä pidetään Munchin koskettavimpana maalauksena. Se ilmaisee henkistä kärsimystä ja emotionaalista ahdistusta, jota taidemaalari on tuntenut tiettyinä elämänvaiheina. Munch oli ekspressionismin edelläkävijä, tyylin, joka halusi ilmaista tunteita. Huuto on Edvard Munchin psyykkinen omakuva. Se on maalaus, joka perustuu hänen omaan traumaattiseen kokemukseensa.

Eräänä iltana Edvard Munch käveli ystäviensä kanssa takaisin Osloon. He pysähtyivät sillalle. Ystävien kävellessä eteenpäin Edvard pysähtyi maiseman ja taivaalle laskevan auringon vangitsemana. Hän kuuli ja tunsi maiseman huutavan ympärillään. Hän tunsi itsensä voimattomaksi ja masentuneeksi. Tämä tapahtuma teki häneen niin suuren vaikutuksen, että hän myöhemmin taltioi tämän tapahtuman kankaalle.

6. Tyttö helmikorvakorvakorun kanssa

Tyttö helmikorvakorun kanssa on hollantilaisen mestarin Johannes Vermeerin maalaus vuosilta 1665-1667. Viime vuosina Tyttö helmikorvakorun kanssa on noussut Vermeerin rakastetuimmaksi maalaukseksi. Teos on Haagin Mauritshuisin hallussa. Yhtään Vermeerin mallia ei ole koskaan pystytty tunnistamaan, ja näin on myös tämän tytön kohdalla. Mahdollinen ehdokas on hänen vanhin tyttärensä Maria, joka oli tuolloin kaksitoista-, kolmetoistavuotias.

Kuvassa olevalla tytöllä on sininen turbaani, jossa on keltainen, putoava kangas. Päähine muodostaa kontrastin ruskeankeltaiseen takkiin, jossa on valkoinen kaulus. Helmi erottuu edukseen, loistavana luomuksena hehkuvaa valoa ja varjoja sekä hapsuuntuneita reunoja. Vermeer antoi kahdella maaliviivalla kirkasvaloisen korostuksen vasempaan yläkulmaan ja heijastuksen tytön valkoisesta kauluksesta alareunaan. Kokonsa puolesta se on enemmänkin lasinen, lakattu ”pudotuskorvakoru” kuin luonnonhelmi. Näyttää siltä, että tyttö hakee estottomalla katseellaan suoraa kontaktia katsojaan, ikään kuin hän olisi yllättynyt katsojasta. Puoliksi auki oleva suu antaa vaikutelman, että hän haluaa sanoa jotain. Hänen kosteat, erittäin punaiset huulensa antavat hänelle aistillisen ilmeen.

5. Guernica

Guernica on Pablo Picasson maalaus vuodelta 1937, joka on nimetty Espanjan Baskimaalla sijaitsevan Guernican paikan mukaan. Maalauksen taustalla on Francisco Francon johtamien fasistien pommitukset Guernicaan tasavaltalaisten vastarinnan murtamiseksi. Maalaus on valtavine mittasuhteineen 3,49 metriä korkea ja 7,76 metriä leveä, ja se on yksi Picasson vaikuttavimmista ja kiistellyimmistä teoksista.

Taulu esittää kaupunkia pommituksen aikana. Maalauksessa on samalla paljon nähtävää. Hevonen ryntää paniikissa taloon. Oikealla joku putoaa palavalta katolta ja äiti itkee kuollutta lastaan. Pablo Picasso halusi, että maalausta katsellessa tulee kaaoksen tuntu pommituksen aikana. Myös tausta on sekaisin, sisällä ja ulkona ei ole eroa. Ihmiset juoksevat paniikissa ulos kodeistaan.

Taulu on maalattu viivoilla ja pinnoilla mustalla, valkoisella ja harmaalla ilmaisemaan sotaa. Se ei ole realistinen maalaus. Pablo Picasso yritti välittää tunteen pommitusten aikana, ei sitä, miltä se näytti. Maalauksen etupuolella on mies, jolla on katkennut miekka. Se on kuolleen sotilaan symboli. Hevonen ilmaisee pelkoa ja on sodan viattomien uhrien symboli. Äiti kuolleen lapsen kanssa symboloi surua kaatuneista. Maalauksessa oleva lamppu symboloi Guernican räjähdystä ja pommitusta.

Aadamin luominen

Aadamin luominen on osa Michelangelon noin vuonna 1511 maalaamaa freskoa Sikstuksen kappelin holvissa Vatikaanissa. Teos kuvaa Raamatun kertomusta Ensimmäisen Mooseksen kirjasta, jossa Isä Jumala puhaltaa Aadamille elämän. Sikstuksen kappelin Genesiksen freskoista se on kronologisesti neljäs kuva tarinassa. Michelangelo viimeisteli tämän freskon yhtenä sarjan viimeisistä. Teoksen mitat ovat 4,8 kertaa 2,3 metriä.

Viimeinen ehtoollinen

Viimeinen ehtoollinen on Leonardo da Vincin maalaama fresko, jonka Leonardo da Vinci maalasi herttua Ludovico Sforzan toimeksiannosta Santa Maria delle Grazie -nimisen dominikaaniluostarin (dominikaaninen luostari Milanossa) ruokasaliin. Se kuvaa kohtausta Jeesuksen viimeiseltä ehtoolliselta, sellaisena kuin se on kuvattu Raamatussa, ja se perustuu Johanneksen evankeliumin kohtaan 13:21-26, jossa Jeesus ilmoittaa, että yksi hänen kahdestatoista opetuslapsestaan pettää hänet. Maalaus tunnetaan maailmanlaajuisesti, ja järjestely on ikonografinen malli. Koska sitä ei voi siirtää, se ei ole koskaan ollut yksityisomistuksessa. Muiden tuon ajan viimeisen ehtoollisen kuvien mukaisesti Leonardo on omaksunut tavan kuvata kaikki henkilöt pöydän yhdellä puolella illallisen aikana niin, ettei ketään läsnäolijoista katsota takaa. Hän poikkeaa kuitenkin huomattavassa määrin tästä konventiosta sijoittamalla myös Juudaksen sinne muiden opetuslasten joukkoon, kun tavallisesti Juudas oli sijoitettu muita apostoleja vastapäätä pöydän toiselle puolelle. Toinen tapa oli varustaa kaikki opetuslapset Juudasta lukuun ottamatta sädekehällä.

Leonardo on kuitenkin valinnut realistisemman ja dramaattisemman vaikutelman jättämällä kenellekään sädekehän antamatta ja näyttämällä Juudaksen nojaamassa taaksepäin varjossa. Hän luo myös realistisen ja psykologisen kuvan, jossa hän yrittää selittää, miksi Juudas ja Jeesus ottavat leivän samaan aikaan, juuri sen jälkeen, kun Jeesus oli ennustanut petoksen. Jeesus näytetään ikään kuin hän kertoisi asiasta Tuomakselle ja Jaakobille hänen vasemmalla puolellaan, jotka ovat järkyttyneitä, koska Jeesus osoittaa heille leipäpalaa. Johanneksen ja Pietarin välisen keskustelun häiritsemänä Juudas ojentaa kätensä toiselle leipäpalalle, jolle Jeesus ojentaa oikean kätensä. Kaikki perspektiiviviivat ja myös valo kiinnittävät huomion Jeesukseen.

Tähtiyö

Tähtiyö on hollantilaisen jälki-impressionistisen taidemaalarin Vincent van Goghin maalaus. Se kuuluu New Yorkissa sijaitsevan Museum of Modern Artin pysyvään kokoelmaan. Teoksen (öljy kankaalle) koko on 73 x 92 cm. Sitä pidetään tämän taidemaalarin mestariteoksena. Vuodesta 1888 lähtien Van Gogh maalasi useita teoksia, jotka muistuttavat The Starry Night -teosta. Hän kutsui tätä tutkimusta tutkimuksekseen tähtitaivaasta. Vuonna 1888 hän maalasi esimerkiksi Rhone-joen yläpuolella olevan tähtiyön, joka on hyvin samankaltainen kuin tämä maalaus. Vincent van Gogh teki Tähtiyön ollessaan Saint-Paul-de-Mausolen sairaalassa Saint-Rémy-de-Provencessa kesäkuussa 1889. Hän teki myös useita tussipiirroksia samasta aiheesta. Syyskuun puolivälissä hän lähetti Tähtiyön maalaukset veljelleen Pariisiin.

Taulu on yökuva, jossa on keltaisia tähtiä pienen kaupungin ja kukkuloiden yllä. Se on näkymä kuvitteellisesta pisteestä yli kylän, jossa on kirkontorni ja vasemmalla liekehtivä sypressi ja oikealla oliivipuita kukkuloita vasten. Van Gogh käytti Delacroixia täydentävien värien käytössä. Maalaukseen liitetään usein Vincent van Goghin sanat: ”Miksiköhän, ihmettelen, eivätkö taivaalla loistavat pisteet olisi yhtä helposti tavoitettavissa kuin mustat pisteet Ranskan kartalla?”. Aivan kuten olimme junassa Tarasconiin tai Roueniin, käytämme kuolemaa matkataksemme tähtiin. ” Van Gogh maalasi teoksen aikana, jolloin hän tunsi voimakasta uskonnonhalua. Tämän jälkeen hän päätyisi masennukseen.

Mona Lisa

Mona Lisa on Leonardo da Vincin vuosina 1503-1507 maalaama maalaus. Tekniikkana on käytetty öljyä paneelille (poppelipuu). Se on muotokuva naisesta, todennäköisesti Lisa Gherardinista, Francesco del Giocondon kolmannesta vaimosta. Muotokuva on pysyvästi esillä Pariisin Louvressa, ja se on yksi harvoista teoksista, jotka ovat varmasti Leonardon itsensä tekemiä. Se on luultavasti yksi maailman tunnetuimmista taideteoksista, maalauksella vierailee päivittäin noin 20 000 kävijää.

Mona Lisan hymy on melko lailla maalauksen tavaramerkki, kuten ermiini (itse asiassa valkoinen fretti), joka on tuon toisen kuuluisan Leonardon maalauksen The lady with the ermine, Cecilia Galleranin muotokuvan. Yhtä hyvin maalausta olisi voinut kutsua nimellä Hymyilevä nainen, ja se näkyy italialaisessa nimessä, sillä La Gioconda tarkoittaa itse asiassa iloista, onnellista. Leonardo tekee tästä onnellisuuden, onnellisuuden ajatuksesta maalauksensa keskeisen teeman, vaikkei se olekaan ylenpalttista iloisuutta, nainen vaikuttaa tyytyväiseltä ja onnelliselta. Hymystä esitetään kymmeniä teorioita, toinen toistaan yltiöpäisempiä. Se ulottuu onnellisen raskaana olevan naisen hymystä mitä erilaisimpien sairauksien oireeseen. Ohjelmisto, joka tunnistaisi tunteita kasvojen ilmeen perusteella, tunnisti siinä 83 prosenttia onnellisuudesta.