Antiikin maailma Muokkaa

Roomalais- egyptiläinen naisen hautausmuotokuva

Muotokuvamaalauksen juuret löytyvät todennäköisesti esihistoriallisilta ajoilta, vaikkakin vain harvat tällaiset teokset ovat säilyneet nykyään. Hedelmällisen puolikuun muinaisten sivilisaatioiden, erityisesti Egyptin, taiteessa esiintyy runsaasti hallitsijoiden ja hallitsijoiden kuvauksia jumalina. Useimmat niistä oli kuitenkin tehty hyvin tyyliteltyinä ja useimmiten profiilikuvina, yleensä kivelle, metallille, savelle, kipsille tai kristallille. Egyptiläisessä muotokuvataiteessa painotettiin suhteellisen vähän samankaltaisuutta, ainakin Akenatenin kauteen asti 1300-luvulla eaa. Kiinassa merkkihenkilöiden muotokuvamaalaukset juontavat juurensa luultavasti yli vuoteen 1000 eaa., vaikka tuolta ajalta ei olekaan säilynyt yhtään muotokuvaa. Kiinalaiset muotokuvat ovat peräisin noin vuodelta 1000 jKr., mutta niissä painotettiin kuvallisuutta vasta jonkin aikaa sen jälkeen.

Kirjallisista todisteista tiedämme, että antiikin Kreikan maalaustaiteeseen kuului myös muotokuvia, jotka olivat usein erittäin tarkkoja, jos kirjailijoiden ylistyksiä on uskominen, mutta niistä ei ole säilynyt maalattuja esimerkkejä. Hallitsijoiden ja kuuluisien persoonallisuuksien, kuten Sokrateen, veistettyjä päitä on säilynyt jonkin verran, ja kuten kolikoissa olevat hellenististen hallitsijoiden yksilöidyt rintakuvat osoittavat, että kreikkalaisessa muotokuvataiteessa pystyttiin saavuttamaan hyvä samankaltaisuus, ja ainakin kirjallisuuden henkilöiden aiheet kuvattiin suhteellisen vähällä imartelulla – Sokrateen muotokuvista käy ilmi, miksi hänellä oli ruman maineensa. Aleksanteri Suuren seuraajat alkoivat lisätä hänen päänsä (jumaloituna hahmona) kolikoihinsa, ja pian he käyttivät myös omaa päätään.

Roomalainen muotokuvaus omaksui sekä etruskien että kreikkalaisten muotokuvausperinteet ja kehitti hyvin vahvan perinteen, joka liittyi heidän uskonnolliseen käyttöönsä esi-isien muotokuvissa sekä Rooman politiikkaan. Ne muutamat maalatut muotokuvat, joita on säilynyt Fayumin muotokuvissa, Alinen haudassa ja Severan Tondossa, jotka kaikki ovat peräisin Rooman vallan aikaisesta Egyptistä, ovat selvästi maakunnallisia tuotoksia, jotka heijastavat pikemminkin kreikkalaisia kuin roomalaisia tyylejä, mutta meillä on runsaasti veistettyjä päitä, mukaan luettuina monet yksilölliset muotokuvat keskiluokan haudoista, ja tuhansia kolikkomuotokuvatyyppejä.

Paljon suurin maalattujen muotokuvien ryhmä ovat Egyptin Fayumin alueen kuivassa ilmastossa säilyneet hautamaalaukset (ks. kuva alla), jotka ajoittuvat 2.-4. vuosisadalle jKr. Nämä ovat lähes ainoat roomalaiselta ajalta säilyneet maalaukset freskojen lisäksi, vaikka Plinius Vanhemman kirjoituksista tiedetään, että muotokuvamaalaus oli vakiintunutta kreikkalaisella ajalla ja että sitä harrastivat sekä miehet että naiset taiteilijat. Omana aikanaan Plinius valitti roomalaisen muotokuvataiteen rappeutumista: ”Muotokuvien maalaaminen, jolla ennen välitettiin kautta aikojen ihmisten tarkkoja muotokuvia, on kokonaan kadonnut… Viattomuus on tuhonnut taiteen.” Nämä roomalaisesta Egyptistä peräisin olevat kokokasvoiset muotokuvat ovat onnekkaita poikkeuksia. Ne esittävät jokseenkin realistista suhteellisuudentajua ja yksilöllisiä yksityiskohtia (vaikka silmät ovatkin yleensä ylimitoitettuja ja taiteellinen taito vaihtelee huomattavasti taiteilijoittain). Fayumin muotokuvat maalattiin puulle tai norsunluun päälle vaha- ja hartsiväreillä (encaustic) tai temperalla, ja ne asetettiin muumion kääreeseen, jotta ne säilyisivät ruumiin mukana ikuisuuden.

Vaikka vapaamuotoinen muotokuvamaalaus väheni Roomassa, muotokuvataide kukoisti roomalaisessa veistotaiteessa, jossa tilaajat vaativat realismia, vaikkakin epämairittelevaa. Neljännellä vuosisadalla veistetty muotokuva hallitsi, ja se vetäytyi idealisoidun symbolin hyväksi siitä, miltä kyseinen henkilö näytti. (Vertaa Rooman keisareiden Konstantinus I:n ja Theodosius I:n muotokuvia.) Myöhäisantiikin aikana kiinnostus yksilölliseen muotokuvaan väheni huomattavasti, ja useimmat Rooman myöhäisroomalaisissa kolikoissa ja konsulien diptyykseissä olevat muotokuvat ovat tuskin lainkaan yksilöityjä, vaikka samaan aikaan varhaiskristillisessä taiteessa kehitettiinkin melko vakiomuotoisia mielikuvia Jeesuksen ja muiden kristillisen taiteen suurten hahmojen, kuten Johannes Kastajan ja Pyhän Pietarin, kuvaamista varten.

KeskiaikaEdit

Pieni yksityinen Wilton-diptyykki Englannin Rikhard II:lle, n. 1400, jossa on leimattuja kultataustoja ja paljon ultramariinia.

Useimmat varhaiskeskiaikaiset muotokuvat olivat lahjoittajamuotokuvia, aluksi enimmäkseen paaveja roomalaisissa mosaiikeissa, ja valaistuja käsikirjoituksia, joista esimerkkinä kirjailija, mystikko, tiedemies, valaisija ja muusikko Hildegard Bingenin omakuva (1152). Kuten aikalaiskolikoidenkin kohdalla, henkilökuvaan ei juurikaan pyritty. Kiviset hautamuistomerkit yleistyivät romaanisella kaudella. Vuosina 1350-1400 maallisia hahmoja alkoi jälleen esiintyä freskoissa ja paneelimaalauksissa, kuten mestari Theodoricin teoksessa Kaarle IV:n ottaessa vastaan uskollisuuttaan, ja muotokuvista tuli jälleen selviä samankaltaisuuksia.

Vuosisadan loppupuolella Burgundissa ja Ranskassa ilmestyivät ensimmäiset pienille puupaneeleille maalatut aikalaismuotokuvat aikalaishenkilöistä öljymuotokuvina, aluksi profiileina, sitten muina näkyminä. Wiltonin diptyykki noin vuodelta 1400 on yksi kahdesta säilyneestä paneelimuotokuvasta Englannin Rikhard II:sta, varhaisimmasta englantilaisesta kuninkaasta, josta meillä on aikalaisesimerkkejä.

Keskiajan lopulla 1400-luvulla varhaisnhollantilainen maalaustaide oli avainasemassa yksilöllisen muotokuvan kehityksessä. Mestareita olivat muun muassa Jan van Eyck, Robert Campin ja Rogier van der Weyden. Melko pienikokoisia, alle puolen elävänkokoisia taulumuotokuvia tilattiin hovin hahmoista, mutta myös varakkaista kaupunkilaisista, jotka suhteellisen yksinkertaisen pukeutumisensa perusteella vaikuttivat varakkailta kaupunkilaisilta. Valaistujen käsikirjoitusten miniatyyrit sisälsivät myös yksilöllisiä muotokuvia, yleensä tilaajasta. Uskonnollisissa maalauksissa lahjoittajien muotokuvat alkoivat näkyä läsnä olevina tai osallistua tärkeimpiin esitettyihin pyhiin kohtauksiin, ja yksityisemmissä hovikuvissa kuvattavat esiintyivät jopa merkittävinä hahmoina, kuten Neitsyt Mariana.

• Robert Campin (n. 1375 – 1444), Nuoren naisen muotokuva (parina miehensä kanssa), 1430-1435. Van der Weydenin tyyli perustui Campinin tyyliin.

• Arnolfinin muotokuva, Jan van Eyck, 1434

• Rogier van der Weyden, Naismuotokuva, k. 1460

• Yksi varhaisimmista itsenäisistä omakuvista, Jean Fouquet, n. 1450

RenaissanceEdit

Albrecht Dürer, omakuva, 1500

Osaksi kiinnostus luontoon ja osaksi kiinnostus antiikin Kreikan ja Rooman klassiseen kulttuuriin, muotokuvat – sekä maalatut että veistetyt – saivat renessanssin yhteiskunnassa tärkeän aseman, ja niitä arvostettiin esineinä sekä maallisen menestyksen ja aseman kuvauksina. Maalaustaide saavutti yleisesti ottaen uuden tasapainon, harmonian ja oivalluksen tason, ja suurimpia taiteilijoita (Leonardoa, Michelangeloa ja Rafaelia) pidettiin ”neroina”, jotka nousivat kauas käsityöläisen aseman yläpuolelle ja hovin ja kirkon arvostetuiksi palvelijoiksi.

Tämän hedelmällisen kauden aikana kehittyi monia uudistuksia muotokuvan eri muodoissa. Alkoi muotokuvaminiatyyrien perinne, joka säilyi suosittuna valokuvauksen aikakauteen asti ja kehittyi valaistujen käsikirjoitusten miniatyyrien maalareiden taidoista. Antiikin medaljonkien innoittamat profiilimuotokuvat olivat erityisen suosittuja Italiassa vuosina 1450-1500. Mitalit ja niiden kaksipuoliset kuvat innoittivat myös renessanssin alkuvuosina lyhytaikaista kaksipuolisen maalauksen muotia. Klassiset veistokset, kuten Apollo Belvedere, vaikuttivat myös renessanssin muotokuvataiteilijoiden käyttämiin asentoihin, jotka ovat jatkaneet käyttöä läpi vuosisatojen. Leonardon Ginevra de’ Benci (n. 1474-8) on yksi ensimmäisistä tunnetuista italialaisen taiteen kolmen neljäsosan muotokuvista.

Pohjoiseurooppalaiset taiteilijat olivat edelläkävijöitä maallisten henkilöiden realistisissa muotokuvissa. Pohjoisten taiteilijoiden suurempi realistisuus ja yksityiskohtaisuus 1400-luvulla johtui osittain hienommista siveltimenvedoista ja efekteistä, jotka olivat mahdollisia öljyväreillä, kun italialaiset ja espanjalaiset maalarit käyttivät vielä temperaa. Varhaisimpia öljyväritekniikkaa kehittäneitä maalareita oli Jan van Eyck. Öljyväreillä voidaan saada aikaan enemmän tekstuuria ja paksuusluokkia, ja niitä voidaan kerrostaa tehokkaammin lisäämällä yhä paksumpia kerroksia päällekkäin (maalarit kutsuvat sitä ”rasvaksi laihan päälle”). Öljyvärit kuivuvat myös hitaammin, jolloin taiteilija voi helposti tehdä muutoksia, kuten muuttaa kasvojen yksityiskohtia. Antonello da Messina oli yksi ensimmäisistä italialaisista, jotka käyttivät öljyä hyväkseen. Hän opiskeli Belgiassa ja asettui Venetsiaan noin vuonna 1475, ja hänellä oli suuri vaikutus Giovanni Belliniin ja pohjoisitalialaiseen koulukuntaan. 1500-luvulla öljy yleistyi kaikkialla Euroopassa, mikä mahdollisti vaatteiden ja korujen entistä runsaammat kuvaukset. Kuvien laatuun vaikutti myös siirtyminen puusta kankaalle, mikä alkoi Italiassa 1500-luvun alkupuolella ja levisi Pohjois-Eurooppaan seuraavan vuosisadan aikana. Kangas kestää halkeilua paremmin kuin puu, pitää pigmentit paremmin ja tarvitsee vähemmän valmistelua – mutta se oli aluksi paljon harvinaisempaa kuin puu.

Varhain pohjoiseurooppalaiset hylkäsivät profiilin ja alkoivat valmistaa realistisen tilavuuden ja perspektiivin omaavia muotokuvia. Alankomaissa Jan van Eyck oli johtava muotokuvataiteilija. Arnolfinin avioliitto (1434, National Gallery, Lontoo) on länsimaisen taiteen merkkipaalu, varhainen esimerkki täyspitkästä pariskuntamuotokuvasta, joka on maalattu upeasti runsain värein ja hienoin yksityiskohdin. Mutta yhtä tärkeää on, että se esittelee van Eyckin uranuurtajana kehittämän öljyvärimaalaustekniikan, joka mullisti taiteen ja levisi kaikkialle Eurooppaan.

Hans Holbein nuorempi, Sir Thomas Moren muotokuva, 1527

Saksalaisten muotokuvataiteilijoiden joukossa ovat johtavat saksalaiset muotokuvataiteilijat, mukaan luettuina Lucas Cranach, Albrecht Dürer ja Hans Holbein nuorempi, jotka kaikki hallitsivat öljyvärimaalaustekniikan. Cranach oli ensimmäisiä taiteilijoita, jotka maalasivat elämänmittaisia kokopituisia toimeksiantoja, mikä oli siitä lähtien suosittu perinne. Tuohon aikaan Englannissa ei ollut ensiluokkaisia muotokuvamaalareita, ja Holbeinin kaltaiset taiteilijat olivat kysyttyjä englantilaisten mesenaattien keskuudessa. Hänen maalauksensa Sir Thomas Moresta (1527), hänen ensimmäisestä merkittävästä mesenaatistaan Englannissa, on lähes valokuvan kaltaisen realistinen. Holbein saavutti suuren menestyksen maalaamalla kuninkaallista perhettä, mukaan lukien Henrik VIII. Dürer oli erinomainen piirtäjä ja yksi ensimmäisistä merkittävistä taiteilijoista, joka teki useita omakuvia, muun muassa kokokasvomaalauksen. Hän sijoitti omakuvahahmonsa (katsojana) myös useisiin uskonnollisiin maalauksiinsa. Dürer aloitti omakuvien tekemisen kolmetoistavuotiaana. Myöhemmin Rembrandt vahvisti tätä perinnettä.

Italiassa Masaccio oli edelläkävijä freskojen modernisoinnissa ottamalla käyttöön realistisemman perspektiivin. Filippo Lippi viitoitti tietä kehittämällä terävämpiä ääriviivoja ja kiemurtelevia linjoja, ja hänen oppilaansa Rafael laajensi realismia Italiassa paljon korkeammalle tasolle seuraavina vuosikymmeninä monumentaalisilla seinämaalauksillaan. Tänä aikana kihlajaismuotokuvasta tuli suosittu, ja se oli Lorenzo Loton erityinen erikoisuus. Varhaisrenessanssin aikana muotokuvamaalaukset olivat yleensä pieniä, ja joskus niitä peittivät saranoidut tai liukuvat suojakannet.

Renessanssin aikana erityisesti firenzeläinen ja milanolaisaatelisto halusi itsestään realistisempia kuvauksia. Haaste luoda vakuuttavia koko- ja kolmineljännesnäkymiä kannusti kokeilemaan ja innovoimaan. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi ja Leonardo da Vinci sekä muut taiteilijat laajensivat tekniikkaansa vastaavasti ja lisäsivät perinteisiin uskonnollisiin ja klassisiin aiheisiin muotokuvia. Leonardo ja Pisanello olivat ensimmäisiä italialaisia taiteilijoita, jotka lisäsivät maallisiin muotokuviinsa allegorisia symboleja.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa eli La Gioconda, 1503-1505/1507

Yksi länsimaisen maailman tunnetuimmista muotokuvista on Leonardo da Vincin maalaus nimeltä Mona Lisa, joka on saanut nimensä firenzeläisen ja toscanalaisen Gherardini-suvun jäsenen Lisa del Giocondon mukaan, joka oli varakkaan firenzeläisen silkkikauppiaan Francesco del Giocondon vaimo. Kuuluisa ”Mona Lisan hymy” on erinomainen esimerkki kasvojen hienovaraisesta epäsymmetriasta. Muistiinpanovihkoissaan Leonardo neuvoo valon ominaisuuksista muotokuvamaalauksessa:

Valon ja varjon erittäin suurta siroutta lisätään niiden kasvoihin, jotka istuvat pimeiden huoneiden oviaukoilla, jolloin katsojan silmät näkevät kasvojen varjostetun osan huoneen varjojen peittämänä ja näkevät kasvojen valaistun osan suuremmalla kirkkaudella, jonka ilma antaa sille. Tämän varjojen ja valojen lisääntymisen kautta kasvot saavat suuremman ilmeen.

Leonardo oli Verrocchion oppilas. Tultuaan Taidemaalarikillan jäseneksi hän alkoi ottaa vastaan itsenäisiä tilauksia. Monipuolisten kiinnostuksenkohteidensa vuoksi ja tieteellisen mielensä mukaisesti hänen piirustustensa ja alustavien tutkimustensa tuotanto on valtava, vaikka hänen valmis taiteellinen tuotantonsa on suhteellisen pieni. Hänen muihin mieleenpainuviin muotokuviinsa lukeutuvat muun muassa aatelisnaisista Ginevra de’ Bencistä ja Cecilia Galleranista tehdyt muotokuvat.

Rafaelin säilyneet tilausmuotokuvat ovat paljon lukuisampia kuin Leonardon muotokuvat, ja niissä on enemmän erilaisia poseerauksia, valaistusta ja tekniikkaa. Vallankumouksellisten innovaatioiden tuottamisen sijaan Rafaelin suuri saavutus oli renessanssitaiteen kehittyvien virtausten vahvistaminen ja jalostaminen. Hän oli erityisen taitava ryhmämuotokuvissa. Hänen mestariteoksensa Ateenan koulu on yksi merkittävimmistä ryhmäfreskoista, ja se sisältää Leonardon, Michelangelon, Bramanten ja Rafaelin itsensä muotokuvia antiikin filosofien hahmoissa. Se ei ollut ensimmäinen taiteilijoiden ryhmäkuva. Vuosikymmeniä aiemmin Paolo Uccello oli maalannut ryhmämuotokuvan, johon kuuluivat Giotto, Donatello, Antonio Manetti ja Brunelleschi. Raphaelista tuli tunnetuksi tullessaan paavien suosikkimuotokuvaaja. Monet renessanssitaiteilijat ottivat innokkaasti vastaan muotokuvatilauksia, mutta muutamat taiteilijat kieltäytyivät niistä, erityisesti Rafaelin kilpailija Michelangelo, joka sen sijaan otti vastaan Sikstuksen kappelin valtavat tilaustyöt.

Venetsiassa noin vuonna 1500 Gentile Bellini ja Giovanni Bellini hallitsivat muotokuvamaalausta. He saivat korkeimmat tilaukset valtion johtavilta virkamiehiltä. Bellinin muotokuvaa dogi Loredanista pidetään yhtenä renessanssin hienoimmista muotokuvista, ja se osoittaa taitavasti taiteilijan hallitsevan juuri saapuneen öljyvärimaalaustekniikan. Bellini on myös yksi Euroopan ensimmäisistä taiteilijoista, jotka signeerasivat teoksensa, vaikka hän harvoin päivitti ne. Myöhemmin 1500-luvulla Tizian omaksui pitkälti saman roolin erityisesti laajentamalla kuninkaallisten aiheidensa asentojen ja istumapaikkojen valikoimaa. Tizian oli ehkä ensimmäinen suuri lapsimuotokuvataiteilija. Tizianin jälkeen Tintorettosta ja Veronesesta tuli johtavia venetsialaisia taiteilijoita, jotka edistivät siirtymistä italialaiseen manierismiin. Manneristit loivat monia poikkeuksellisia muotokuvia, joissa korostettiin materiaalista rikkautta ja tyylikkään monimutkaisia asentoja, kuten Agnolo Bronzinon ja Jacopo da Pontormon töissä. Bronzino tuli tunnetuksi kuvaamalla Medicien perhettä. Hänen rohkea muotokuvansa Cosimo I de’ Medicistä kuvaa ankaraa hallitsijaa haarniskassa, jonka varovainen katse on suunnattu äärimmäiseen oikeaan laitaan, mikä on jyrkässä ristiriidassa useimpien kuninkaallisten maalausten kanssa, jotka esittävät henkilöidensä olevan hyväntahtoisia hallitsijoita. Kahdentoista vuoden ajan Venetsiassa kouluttautunut El Greco eteni Espanjaan saavuttuaan äärimmäisempään suuntaan ja korosti ”sisäistä näkemystään” roolihenkilöstä niin, että fyysisen ulkonäön todellisuus väheni. Yksi 1500-luvun Italian parhaista muotokuvataiteilijoista oli Cremonasta kotoisin oleva Sofonisba Anguissola, joka antoi yksilö- ja ryhmämuotokuviinsa uudenlaista monimutkaisuutta.

Hovimuotokuvat Ranskassa alkoivat, kun flaamilainen taiteilija Jean Clouet maalasi Ranskan Fransiskus I:stä yltäkylläisen muotokuvansa noin vuonna 1525. Kuningas Fransiskus oli suuri taiteilijoiden suojelija ja ahne taidekeräilijä, joka kutsui Leonardo da Vincin asumaan Ranskaan tämän myöhempinä vuosina. Mona Lisa jäi Ranskaan Leonardon kuoltua siellä.

• Pisanello, ehkä Ginevra d’Este, n. 1440

• Nuori mies, Sandro Botticelli, n. 1483. Varhainen italialainen kokokasvoposeeraus.

• Mahdollisesti Rafael, n. 1518, Isabel de Requesens. Korkean renessanssin tyyli ja formaatti vaikuttivat valtavasti myöhempiin suurmuotokuviin.

• Christiane von Eulenau, kuvannut Lucas Cranach vanhempi, 1534

• Lucrezia Panciatichi, kuvannut Agnolo Bronzino, 1540

• Paavi Paavali III ja hänen pojanpoikansa, Tizian, 1546

• Maarten van Heemskerck (1498-1574), Pieter Jan Foppeszin suku, ennen n.1532, pidetään hollantilaisen muotokuvataiteen ensimmäisenä perhemuotokuvana.

• Titaanin Kaarle V, 1548, uraauurtava ratsumuotokuva.

• Englannin Elisabetin I:n Armadamuotokuva, noin 1588. Englannin Elisabet I:n tyylitelty muotokuva oli ainutlaatuinen Euroopassa.

• Kardinaalin muotokuva, luultavasti Fernando Niño de Guevara, El Greco, k. 1600

Barokki ja rokokooEdit

Rembrandtin ryhmämuotokuva, The Syndics of the Clothmaker’s Guild, 1662.

Barokin ja rokokoon aikana (1600- ja 1700-luvuilla) muotokuvista tuli entistäkin tärkeämpiä aseman ja aseman osoituksia. Yhteiskunnassa, jota hallitsivat yhä enenevässä määrin mahtavien hovien maalliset johtajat, ylenpalttisesti pukeutuneiden hahmojen kuvat olivat keino vahvistaa tärkeiden henkilöiden auktoriteettia. Flaamilaiset taidemaalarit Sir Anthony van Dyck ja Peter Paul Rubens kunnostautuivat tämäntyyppisissä muotokuvissa, kun taas Jan Vermeer valmisti muotokuvia lähinnä keskiluokkaisista henkilöistä, jotka työskentelivät ja leikkivät sisätiloissa. Rubensin muotokuva itsestään ja ensimmäisestä vaimostaan (1609) hääasussaan on virtuoosimainen esimerkki pariskuntamuotokuvasta. Rubensin maine ulottui hänen taiteensa ulkopuolelle – hän oli hovimies, diplomaatti, taidekeräilijä ja menestyvä liikemies. Hänen ateljeensa oli yksi tuon ajan laajimmista, ja siinä työskenteli muotokuvien lisäksi myös asetelmien, maisemien, eläin- ja genrekuvausten asiantuntijoita. Van Dyck harjoitteli siellä kaksi vuotta. Englannin Kaarle I palkkasi ensin Rubensin ja toi sitten van Dyckin hovimaalarikseen, lyömällä hänet ritariksi ja antamalla hänelle hovin aseman. Van Dyck omaksui paitsi Rubensin tuotantomenetelmät ja liiketaidot myös hänen tyylikkäät tapansa ja ulkonäkönsä. Kuten kirjattiin, ”hän kulki aina upeasti pukeutuneena, hänellä oli lukuisat ja ritarilliset varusteet ja hän piti asunnossaan niin jaloa pöytää, että harvoja ruhtinaita ei vierailtu useammin tai palveltu paremmin”. Ranskassa Hyacinthe Rigaud hallitsi pitkälti samalla tavalla kuninkaallisten merkittävänä kronikoitsijana, joka maalasi viiden Ranskan kuninkaan muotokuvat.

Yksi renessanssitaiteen uudistuksista oli kasvojen ilmeiden entistä parempi esittäminen eri tunteisiin liittyen. Erityisesti hollantilainen taidemaalari Rembrandt tutki ihmiskasvojen monia ilmeitä, erityisesti yhtenä merkittävimmistä omakuvien piirtäjistä (joita hän maalasi elinaikanaan yli 60). Kiinnostus ihmiskasvoja kohtaan edisti myös ensimmäisten karikatyyrien luomista, ja niitä kehitettiin Accademia degli Incamminati -akatemiassa, jota Carracci-suvun maalarit johtivat 1500-luvun lopulla Bolognassa Italiassa.

Velázquez, Paavi Innocentus X, n. 1650, Doria Pamphilj -galleria, Rooma.

Ryhmämuotokuvia valmistettiin runsaasti barokin aikana erityisesti Alankomaissa. Toisin kuin muualla Euroopassa, hollantilaiset taiteilijat eivät saaneet tilauksia kalvinistiselta kirkolta, joka oli kieltänyt tällaiset kuvat, tai aristokratialta, joka oli käytännössä olematon. Sen sijaan tilaukset tulivat kansalais- ja elinkeinoelämän järjestöiltä. Hollantilainen taidemaalari Frans Hals elävöitti ryhmämuotokuviaan sujuvin siveltimenvedoin ja eloisilla väreillä, myös niitä, jotka koskivat siviilikaartia, johon hän kuului. Rembrandt hyötyi suuresti tällaisista toimeksiannoista ja siitä, että porvarilliset asiakkaat arvostivat yleisesti taidetta ja tukivat muotokuvamaalausta sekä asetelma- ja maisemamaalausta. Lisäksi Hollannissa kukoistivat tuohon aikaan ensimmäiset merkittävät taide- ja jälleenmyyjämarkkinat.

Kun kysyntää oli runsaasti, Rembrandt pystyi kokeilemaan epäsovinnaisia sommittelu- ja tekniikoita, kuten chiaroscuroa. Hän esitteli näitä italialaisten mestareiden, kuten Caravaggion, uraauurtavia innovaatioita erityisesti kuuluisassa Yövartiossaan (1642). Tohtori Tulpin anatomian oppitunti (1632) on toinen hieno esimerkki Rembrandtin mestarillisesta ryhmämaalauksesta, jossa hän kylvää ruumiin kirkkaassa valossa kiinnittääkseen huomion maalauksen keskelle samalla, kun vaatteet ja tausta sulautuvat mustiksi, jolloin kirurgin ja oppilaiden kasvot erottuvat. Se on myös ensimmäinen maalaus, jonka Rembrandt signeerasi täydellä nimellään.

Espanjassa Diego Velázquez maalasi Las Meninas -maalauksen (1656), yhden kaikkien aikojen kuuluisimmista ja arvoituksellisimmista ryhmämuotokuvista. Siinä muistellaan taiteilijaa ja Espanjan kuninkaallisen perheen lapsia, ja ilmeisesti istujat ovat kuninkaallinen pariskunta, joka nähdään vain peilikuvana peilissä. Aloittaessaan ensisijaisesti genremaalarina Velázquez nousi nopeasti maineeseen Filip IV:n hovimaalarina, ja hän kunnostautui muotokuvataiteessa, erityisesti ryhmämuotokuvien monimutkaisuuden laajentamisessa.

Rokokoo-taiteilijat, jotka olivat erityisen kiinnostuneita rikkaasta ja monimutkaisesta ornamentoinnista, olivat hienostuneen muotokuvan mestareita. Heidän huomionsa pukeutumisen ja tekstuurin yksityiskohtiin lisäsi muotokuvien tehoa maallisen rikkauden todistajina, kuten François Boucherin kuuluisat muotokuvat Madame de Pompadourista, joka oli pukeutunut pullisteleviin silkkipukuihin.

Thomas Gainsborough, Sininen poika, noin 1770, Huntington Library, San Marino, Kalifornia

Ranskan Ludvig XIV ja hänen perheensä kuvattuna roomalaisina jumalina Jean Nocretin maalauksessa vuodelta 1670.

Britannian koulukunnan ensimmäiset merkittävät kotimaiset muotokuvamaalarit olivat englantilaiset maalarit Thomas Gainsborough ja Sir Joshua Reynolds, jotka myös erikoistuivat kohteidensa huomiota herättävään pukeutumiseen. Gainsborough’n Sininen poika on yksi kaikkien aikojen tunnetuimmista ja tunnetuimmista muotokuvista, joka on maalattu hyvin pitkillä siveltimillä ja ohuella öljyvärillä sinisen puvun hohtavan vaikutelman aikaansaamiseksi. Gainsborough oli tunnettu myös kohteidensa taidokkaista tausta-asetelmista.

Kahdella brittitaiteilijalla oli vastakkaiset mielipiteet avustajien käytöstä. Reynolds käytti heitä säännöllisesti (tehden joskus vain 20 prosenttia maalaustyöstä itse), kun taas Gainsborough teki niin harvoin. Joskus asiakas sai taiteilijalta lupauksen, kuten Sir Richard Newdegate teki muotokuvataiteilija Peter Lelyltä (van Dyckin seuraaja Englannissa), joka lupasi, että muotokuva olisi ”alusta loppuun piirretty omin käsin”. Toisin kuin flaamilaisten mestareiden käyttämä tarkkuus, Reynolds kiteytti lähestymistapansa muotokuvaan toteamalla, että ”kauneus, ja voimme lisätä, samankaltaisuus, koostuu enemmän yleisestä ilmiasusta kuin jokaisen piirteen tarkasta samankaltaisuudesta”. Englannissa huomattavan suosittu oli myös William Hogarth, joka uskalsi vastustaa perinteisiä menetelmiä tuomalla muotokuviinsa huumorin sävyjä. Hänen ”Self-portrait with Pug” (Omakuva mopsin kanssa) on selvästi pikemminkin humoristinen suhtautuminen lemmikkiinsä kuin itsetarkoituksellinen maalaus.

1700-luvulla naismaalarit saivat uutta painoarvoa erityisesti muotokuvien alalla. Merkittäviä naistaiteilijoita olivat muun muassa ranskalainen taidemaalari Élisabeth Vigée-Lebrun, italialainen pastellitaiteilija Rosalba Carriera ja sveitsiläinen taiteilija Angelica Kauffman. Myös tuolla vuosisadalla, ennen valokuvauksen keksimistä, arvostettiin suuresti pienoismuotokuvia, jotka oli maalattu uskomattomalla tarkkuudella ja usein koteloitu kultaisiin tai emaloituihin lukkorasioihin.

Yhdysvalloissa hienostuneella brittiläisellä tavalla koulutetusta John Singleton Copleysta tuli johtava täysikokoisten muotokuvien ja pienoismuotokuvien maalari, jonka hyperrealistiset Samuel Adamsia ja Paul Revereä esittävät kuvat herättivät erityistä arvostusta. Copley tunnetaan myös pyrkimyksistään yhdistää muotokuvamaalaus ja akateemisesti arvostetumpi historiamaalaus, jota hän yritti toteuttaa kuuluisien sotilaiden ryhmämuotokuvillaan. Yhtä kuuluisa oli Gilbert Stuart, joka maalasi yli 1 000 muotokuvaa ja joka tunnettiin erityisesti presidentin muotokuvistaan. Stuart maalasi yli 100 jäljennöstä pelkästään George Washingtonista. Stuart työskenteli nopeasti ja käytti pehmeämpiä, vähemmän yksityiskohtaisia siveltimenvetoja kuin Copley vangitakseen kuvattaviensa olemuksen. Joskus hän teki asiakkaalle useita versioita, joista kuvattava sai valita suosikkinsa. Stuart, joka oli tunnettu ruusunpunaisista poskisävyistään, kirjoitti: ”Liha on kuin mikään muu aine taivaan alla. Siinä on kaikki silkkipajan iloisuus ilman sen räikeää kiiltoa ja kaikki vanhan mahongin pehmeys ilman sen surullisuutta.” Muita merkittäviä siirtomaa-ajan amerikkalaisia muotokuvaajia olivat John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale ja Rembrandt Peale.

• Philipus IV ruskeana ja hopeisena, Diego Velázquez, 1632

• Sir Kenelm Digby, Anthony Van Dyck, k. 1640

• Rembrandt van Rijn, Jan Sixin muotokuva, 1654

• Pastelli Madame de Pompadourista, Maurice Quentin de La Tour, 1800-luvun puoliväli

• Thomas Kerrich (1748-1828), Pompeo Batoni

• John Durand, The Rapalje Children, 1768, New-York Historical Society, New York City

• John Singleton Copley, Paul Revere, 1770

1800-luku Muokkaa

Madame Récamier (1800), uusklassisen muodin huipulla, Jacques-Louis David

1800-luvun loppupuolella ja 1800-luvun alussa, uusklassiset taiteilijat jatkoivat perinnettä kuvata henkilöitä uusimmassa muodissa, joka naisille tarkoitti tuolloin antiikin Kreikan ja Rooman vaatetyyleistä johdettuja läpikuultavia pukuja. Taiteilijat käyttivät suunnattua valoa määrittelemään tekstuuria sekä kasvojen ja raajojen yksinkertaista pyöreyttä. Ranskalaiset maalarit Jacques-Louis David ja Jean-Auguste-Dominique Ingres osoittivat virtuoosimaisuutta tässä piirtäjän kaltaisessa tekniikassa sekä tarkkaa silmää luonteenpiirteille. Davidin oppilaana ollut Ingres on tunnettu muotokuvistaan, joissa kohteen taakse on maalattu peili, joka simuloi kohteen takanäkymää. Hänen muotokuvansa Napoleonista keisarillisella valtaistuimellaan on kuninkaallisen muotokuvan voimannäyte. (ks. galleria alla)

1800-luvun alkupuoliskolla työskennelleet romanttiset taiteilijat maalasivat muotokuvia inspiroivista johtajista, kauniista naisista ja levottomista henkilöistä käyttäen eloisia siveltimenvetoja ja dramaattista, joskus tunnelmallista valaistusta. Ranskalaiset taiteilijat Eugène Delacroix ja Théodore Géricault maalasivat erityisen hienoja tämäntyyppisiä muotokuvia, erityisesti rohkeita ratsumiehiä. Merkittävä esimerkki hevosmuotokuvaa harrastaneesta romanttisen ajan taiteilijasta Puolassa oli Piotr Michałowski (1800-1855). Huomionarvoinen on myös Géricault’n mielisairaiden muotokuvasarja (1822-1824). Espanjalainen taidemaalari Francisco de Goya maalasi joitakin aikakauden etsivimpiä ja provosoivimpia kuvia, kuten La maja desnuda (n. 1797-1800), sekä kuuluisia hovimuotokuvia Kaarle IV:stä.

Thomas Eakins, The Gross Clinic, 1875

1800-luvun realistiset taiteilijat, kuten Gustave Courbet, loivat objektiivisia, alemman ja keskiluokan ihmisiä kuvaavia muotokuvia. Romanttisuuttaan osoittaen Courbet maalasi useita omakuvia, joissa hän näyttäytyi vaihtelevissa tunnelmissa ja ilmeissä. Muihin ranskalaisiin realisteihin kuuluu myös Honoré Daumier, joka teki monia irvikuvia aikalaisistaan. Henri de Toulouse-Lautrec kuvasi joitakin teatterin kuuluisia esiintyjiä, kuten Jane Avrilia, vangiten heidät liikkeessä. Ranskalainen taidemaalari Édouard Manet oli tärkeä siirtymäkauden taiteilija, jonka teokset liikkuvat realismin ja impressionismin välillä. Hän oli erinomaisen oivaltava ja teknisesti taitava muotokuvataiteilija, ja hänen maalauksensa Stéphane Mallarmésta on hyvä esimerkki hänen siirtymäkauden tyylistään. Hänen aikalaisensa Edgar Degas oli ensisijaisesti realisti, ja hänen maalauksensa Bellellin perheen muotokuva on oivaltava kuvaus onnettomasta perheestä ja yksi hänen hienoimmista muotokuvistaan.

Amerikassa Thomas Eakins hallitsi johtavana muotokuvamaalarina, joka vei realismin uudelle tasolle, erityisesti kahdessa muotokuvassaan, jotka esittivät kirurgeja työssään sekä urheilijoita ja muusikoita toiminnassa. Monissa muotokuvissa, kuten ”Portrait of Mrs. Edith Mahon”, Eakins välittää rohkeasti surun ja melankolian ei-mairittelevia tunteita.

Vincent van Gogh, Omakuva, 1887

Realistit väistyivät enimmäkseen impressionistien tieltä 1870-luvulle mennessä. Osittain niukkojen tulojensa vuoksi monet impressionistit tukeutuivat perheenjäseniin ja ystäviin mallina, ja he maalasivat intiimejä ryhmiä ja yksittäisiä hahmoja joko ulkona tai valoisissa sisätiloissa. Impressionistien muotokuvat ovat usein aseistariisuvan intiimejä ja viehättäviä, ja ne ovat tunnettuja hohtavista pinnoistaan ja runsaista maalitahroistaan. Ranskalaiset taidemaalarit Claude Monet ja Pierre-Auguste Renoir loivat joitakin suosituimpia kuvia yksittäisistä henkilöistä ja ryhmistä. Ranskassa kouluttautunut ja työskennellyt yhdysvaltalainen taiteilija Mary Cassatt on Renoirin tavoin suosittu vielä nykyäänkin äitejä ja lapsia esittävien viehättävien maalaustensa vuoksi. Paul Gauguin ja Vincent van Gogh, molemmat jälki-impressionisteja, maalasivat tuntemistaan ihmisistä paljastavia muotokuvia, jotka vilisevät värejä mutta eivät välttämättä ole mairittelevia. Heitä juhlitaan yhtä lailla, ellei enemmänkin, heidän voimakkaista omakuvistaan.

John Singer Sargent kattoi myös vuosisadan vaihteen, mutta hän hylkäsi avoimen impressionismin ja jälki-impressionismin. Hän oli aikakautensa menestynein muotokuvamaalari, joka käytti enimmäkseen realistista tekniikkaa, jota usein sävytti loistava värinkäyttö. Hän oli yhtä taitava sekä yksilö- että ryhmämuotokuvissa, erityisesti yläluokan perheistä. Sargent syntyi Firenzessä, Italiassa amerikkalaisille vanhemmille. Hän opiskeli Italiassa, Saksassa ja Pariisissa. Sargentia pidetään van Dyckistä alkaneen brittiläisen muotokuvaperinteen viimeisenä merkittävänä edustajana. Toinen merkittävä ulkomailla kouluttautunut amerikkalainen muotokuvataiteilija oli William Merritt Chase. Amerikkalainen seurapiirimaalari Cecilia Beaux, jota kutsutaan ”naispuoliseksi Sargentiksi”, syntyi ranskalaisen isän lapsena, opiskeli ulkomailla ja menestyi kotimaassaan pitäytyen perinteisissä menetelmissä. Toinen muotokuvataiteilija, jota verrattiin Sargentiin hänen rehevän tekniikkansa vuoksi, oli italialaissyntyinen pariisilaistaiteilija Giovanni Boldini, Degas’n ja Whistlerin ystävä.

Amerikkalaissyntyinen internationaalisti James Abbott McNeill Whistlerillä oli hyvät yhteydet eurooppalaisiin taiteilijoihin, ja hän maalasi myös joitakin poikkeuksellisia muotokuvia, joista tunnetuin on hänen harmaamusta- ja mustavalkoinen teoksensa Arrangement in Grey and Black, The Artist’s Mother, The Artiste’s Mother (1871) (Taiteilijan äiti), joka tunnettiin myös taiteilijan äidiksi. Whistler halusi muotokuviensa, kuten myös tonaalisten maisemiensa kohdalla, että katsojat keskittyisivät maalaustensa muotojen ja värien harmoniseen järjestelyyn. Whistler käytti tavoitellun vaikutuksen aikaansaamiseksi hillittyä palettia korostaen värien tasapainoa ja pehmeitä sävyjä. Kuten hän totesi, ”kuten musiikki on äänen runoutta, niin maalaus on näön runoutta, eikä aiheella ole mitään tekemistä äänen tai värin harmonian kanssa”. Muoto ja väri olivat keskeisiä myös Cézannen muotokuvissa, kun taas André Derainin ja Henri Matissen muotokuvissa hallitsevat vielä äärimmäisemmät väri- ja siveltimenvetotekniikat.

Fotografian kehittyminen 1800-luvulla vaikutti merkittävästi muotokuvamaalaukseen, sillä se syrjäytti aikaisemman camera obscuran, jota myös aiemmin käytettiin maalauksen apuvälineenä. Monet modernistit hakeutuivat valokuvausstudioihin teettämään muotokuviaan, mukaan lukien Baudelaire, joka, vaikka hän julisti valokuvauksen ”taiteen viholliseksi”, tunsi olevansa viehättynyt valokuvauksen rehellisyydestä ja voimasta. Tarjoamalla halvan vaihtoehdon valokuvaus syrjäytti suuren osan muotokuvamaalauksen alimmasta tasosta. Jotkut realistitaiteilijat, kuten Thomas Eakins ja Edgar Degas, innostuivat kameravalokuvauksesta ja pitivät sitä hyödyllisenä apuvälineenä sommittelussa. Impressionisteista lähtien muotokuvamaalarit löysivät lukemattomia tapoja tulkita muotokuvaa uudelleen kilpailemaan tehokkaasti valokuvauksen kanssa. Sargent ja Whistler kuuluivat niihin, jotka innostuivat laajentamaan tekniikkaansa luodakseen efektejä, joita kamera ei pystynyt vangitsemaan.

• Francisco de Goya, Espanjan Kaarle IV ja hänen perheensä, 1800-1801

• Jean Auguste Dominique Ingres, muotokuva Napoleonista keisarillisella valtaistuimellaan, 1806, Musée de l’Armée, Pariisi

• Gustave Courbet, Charles Baudelairen muotokuva, 1848

• Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisleyn muotokuva, 1868

• James Abbott McNeill Whistler, Arrangement in Grey and Black: The Artist’s Mother (1871), joka tunnetaan yleisesti nimellä Whistlerin äiti

• Edgar Degas, Portrait of Miss Cassatt, Seated, Holding Cards, 1876-1878

• John Singer Sargent, Robert Louis Stevensonin muotokuva, 1887

• Paul Gauguin, Auringonkukkien maalari, Vincent van Goghin muotokuva, 1888

• Vincent van Gogh, Tohtori Gachetin muotokuva, (ensimmäinen versio), 1890

1900-luku Muokkaa

Gertrude Steinin muotokuva, 1906, Metropolitan Museum of Art, New York. Kun joku kommentoi, että Stein ei näytä muotokuvansa näköiseltä, Picasso vastasi: ”Hänestä tulee”.

Myös muut 1900-luvun alun taiteilijat laajensivat muotokuvan repertuaaria uusiin suuntiin. Fauvistitaiteilija Henri Matisse tuotti voimakkaita muotokuvia, joissa hän käytti ihonsävyissä ei-naturalistisia, jopa räikeitä värejä. Cézanne luotti muotokuvissaan hyvin yksinkertaistettuihin muotoihin ja vältti yksityiskohtia korostaen samalla värien vastakkainasettelua. Itävaltalaisen Gustav Klimtin ainutlaatuinen tyyli sovelsi bysanttilaisia motiiveja ja kultamaalia ikimuistoisiin muotokuviinsa. Hänen oppilaansa Oskar Kokoschka oli merkittävä wieniläisen yläluokan muotokuvataiteilija. Tuottelias espanjalainen taiteilija Pablo Picasso maalasi monia muotokuvia, muun muassa useita kubistisia muotokuvia rakastajattaristaan, joissa kohteen muotokuvaa on vääristelty rajusti tavanomaisen karikatyyrin rajat ylittävän emotionaalisen ilmaisun aikaansaamiseksi. Ranskalaiseen impressionismiin liittyvä 1900-luvun vaihteen merkittävä naispuolinen muotokuvamaalari oli Olga Boznańska (1865-1940).Ekspressionistiset taidemaalarit loivat joitakin kaikkien aikojen ahdistavimpia ja kiehtovimpia psykologisia tutkimuksia. Saksalaiset taiteilijat, kuten Otto Dix ja Max Beckmann, tuottivat merkittäviä esimerkkejä ekspressionistisesta muotokuvamaalauksesta. Beckmann oli tuottelias omakuvataiteilija, joka teki ainakin kaksikymmentäseitsemän omakuvaa. Amedeo Modigliani maalasi monia muotokuvia pitkänomaisella tyylillään, joka väheksyi ”sisäistä ihmistä” tiukkojen muoto- ja väritutkimusten hyväksi. Saavuttaakseen tämän hän vähätteli normaalisti ilmeikkäitä silmiä ja kulmakarvoja niin, että ne muuttuivat mustiksi raoiksi ja yksinkertaisiksi kaariksi.

Britannialaista taidetta edustivat Vorticistit, jotka maalasivat 1900-luvun alkupuolella joitakin merkittäviä muotokuvia. Dada-maalari Francis Picabia toteutti lukuisia muotokuvia omintakeisella tavallaan. Lisäksi Tamara de Lempickan muotokuvat vangitsivat menestyksekkäästi art deco -aikakauden virtaviivaisilla kaarteillaan, täyteläisillä väreillään ja terävillä kulmillaan. Amerikassa Robert Henri ja George Bellows olivat 1920- ja 1930-luvun amerikkalaisen realistisen koulukunnan hienoja muotokuvataiteilijoita. Max Ernst tuotti esimerkin modernista kollegiaalisesta muotokuvasta vuonna 1922 maalaamallaan maalauksella Kaikki ystävät yhdessä.

Merkittävän panoksen muotokuvamaalauksen kehitykseen vuosina 1930-2000 antoivat venäläiset taiteilijat, jotka työskentelivät pääasiassa realistisen ja figuratiivisen maalaustaiteen perinteissä. Heidän joukostaan mainittakoon Isaak Brodski, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov ja muut.

Muotokuvatuotanto Euroopassa (Venäjää lukuun ottamatta) ja Amerikassa väheni yleisesti 1940- ja 1950-luvuilla, mikä oli seurausta kasvavasta kiinnostuksesta abstraktioon ja nonfiguratiiviseen taiteeseen. Yksi poikkeus oli kuitenkin Andrew Wyeth, josta kehittyi johtava amerikkalainen realistinen muotokuvamaalari. Wyethillä realismi, vaikka se onkin ilmeistä, on toissijaista hänen maalaustensa sävyihin ja tunnelmaan nähden. Tämän osoittaa osuvasti hänen merkkipaaluna tunnettu maalaussarjansa, joka tunnetaan nimellä ”Helga”-kuvat ja joka on suurimman taiteilijan suurin yksittäistä henkilöä esittävä muotokuvaryhmä (247 tutkimusta naapuristaan Helga Testorfista, pukeutuneista ja alastomista henkilöistä vaihtelevissa ympäristöissä, jotka on maalattu vuosina 1971-1985).

1960- ja 1970-luvuilla muotokuvamaalaustaiteessa elpyi. Englantilaiset taiteilijat, kuten Lucian Freud (Sigmund Freudin pojanpoika) ja Francis Bacon, tuottivat voimakkaita maalauksia. Baconin muotokuvat ovat huomattavan painajaismaisia. Toukokuussa 2008 Freudin muotokuva Benefits Supervisor Sleeping vuodelta 1995 myytiin Christie’sin huutokaupassa New Yorkissa 33,6 miljoonalla dollarilla, mikä oli maailmanennätys elävän taiteilijan maalauksen myyntiarvossa.

Monet amerikkalaiset nykytaiteilijat, kuten Andy Warhol, Alex Katz ja Chuck Close, ovat ottaneet ihmiskasvot teostensa keskipisteeksi.

Warhol oli yksi 1900-luvun tuotteliaimmista muotokuvamaalareista. Warholin maalaus Orange Shot Marilyn Marilyn Monroesta on ikoninen varhainen esimerkki hänen töistään 1960-luvulta, ja Orange Prince (1984) poplaulaja Princestä on myöhempi esimerkki, ja molemmissa näkyy Warholin ainutlaatuinen graafinen muotokuvatyyli.

Closen erikoisalaa olivat valtavat, hyperrealistiset, valokuvauskuviin perustuvat, seinänkokoiset ”päämuotokuvat”. Jamie Wyeth jatkaa isänsä Andrew’n realistista perinnettä ja tuottaa kuuluisia muotokuvia, joiden aiheet vaihtelevat presidenteistä sikoihin.

• Henri Matisse, Vihreä raita, Madame Matissen muotokuva, 1905

• Olga Boznańska, omakuva, 1906, Varsovan kansallismuseo

• Umberto Boccioni, Omakuva, 1906

• Gustav Klimt, Adele Bloch-Bauerin muotokuva I, 1907

• Pablo Picasso, Daniel-Henry Kahnweilerin muotokuva, 1910, The Art Institute of Chicago

• Juan Gris, Pablo Picasson muotokuva, 1912

• Amedeo Modigliani, Chaim Soutinen muotokuva, 1916

• Boris Grigorjev, Vsevolod Meyerholdin muotokuva, 1916

• Boris Kustodiev, Kapitsa ja Semjonov, 1921