Une enquête sur les créateurs de bijoux les plus emblématiques et les plus importants du 20e siècle est parsemée des mêmes pièges subjectifs que tout autre assemblage d’art. Dans une évaluation des peintures modernistes, par exemple, La trahison des images de Magritte est-elle relativement plus ou moins importante en tant qu’icône artistique que, disons, le Nu descendant un escalier n° 2 de Duchamp ? Il en va de même pour les bijoux : Sur une courte liste de designers, des personnes raisonnables peuvent ne pas être d’accord sur les mérites de Gérard Sandoz – après tout, sa carrière d’artiste gemmeur a été écourtée par une seconde vie d’acteur.
C’est pourquoi il est important de s’assurer que toute personne curant une telle liste de grands est qualifiée pour opiner. Et Lee Siegelson connaît certainement ses pierres précieuses. Ce bijoutier de troisième génération a passé des années à évaluer, collectionner et vendre des pièces vintage de qualité galerie depuis le bureau de la marque sur la cinquième avenue de Manhattan. Louis, le grand-père de Lee, a lancé l’entreprise à Brooklyn en 1920, en se spécialisant à l’origine dans la réparation de montres. Dans les années 1940, avec l’aide de son fils Herman (le père de Lee), Louis Siegelson a changé de cap et s’est concentré sur les bijoux anciens. Avec le temps, il a accumulé un inventaire spectaculaire de créations uniques. Dans la communauté mondiale des bijoutiers, la collection Siegelson est l’une des plus respectées. À ce jour, de nombreuses pièces ont été vendues ou exposées dans des musées – dont le Cooper Hewitt de New York et le Smithsonian.
Donc, qui de mieux pour nous guider à travers les 10 créateurs les plus emblématiques et influents du siècle dernier que Lee Siegelson lui-même ? L’expert animera un cours intensif concis sur l’histoire de la joaillerie – de Calder à Van Cleef, il expliquera ce qui distingue chaque artiste. De plus, quelle broche inhabituelle était la préférée de Jeanne Boivin ? Quel est le rapport entre la conception d’un avion et les pièces de Jean Després ? Croyez-nous, vous voudrez empocher quelques-uns de ces joyaux de conversation pour votre prochain dîner.
Lee Siegelson exposant à une foire de beaux-arts. Photo : Courtesy Siegelson
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Suzanne Belperron
Suzanne Belperron est la plus importante créatrice de bijoux de tous les temps. Elle a créé une esthétique iconique de conceptions audacieuses et curvilignes qui sont immédiatement reconnaissables comme Belperron. En fait, elle est connue pour ne pas signer ses pièces en déclarant : « Mon style est ma signature ». Et elle a tout à fait raison.
Belperron était connue pour utiliser des matériaux de pierre dure sculptés inhabituels tels que le quartz rose, le cristal de roche et la calcédoine comme matériau de montage pour les bracelets et les bagues. Elle poussait également ses ateliers à créer des montures de pierres complexes pour des pièces qui comprenaient une quantité importante et variée de coupes de pierres. Chaque monture devait être créée à la main pour s’adapter aux pierres individuelles.
Ce collier plastron est un design iconique de Belperron composé d’un champ de rubis ovoïdes irréguliers intercalés de diamants, le tout serti à la lunette en platine. Bien que les rubis et les diamants semblent éparpillés au hasard, ils ont en fait été placés avec grand soin par le designer, comme un peintre impressionniste pourrait disperser des gouttes de peinture pour créer un ensemble plus beau. Le résultat est une magnifique sensation liquide.
Belperron était et est absolument vénéré par les créateurs de mode, les éditeurs et les porteurs de la haute couture. Ses pièces ont été collectionnées par Daisy Fellowes, Elsa Schiaparelli, Diana Vreeland, la Duchesse de Windsor et Karl Lagerfeld, pour n’en citer que quelques-unes. Elle est la créatrice la plus recherchée par les personnes qui comprennent que les vêtements et les bijoux peuvent être de l’art.
Collier bavette Art Moderne en rubis et diamants par Suzanne Belperron, Paris, vers 1945. Photo : Courtesy Siegelson
Boivin
Jeanne Boivin (la directrice de Boivin après la mort de son mari en 1917) était une royauté de la mode et de la joaillerie. Elle était une femme directrice de la célèbre maison de joaillerie et la sœur de Paul Poiret, le couturier qui a changé à jamais la mode avec ses créations révolutionnaires dans les années 1910 et 1920. Jeanne a donné ses débuts à Suzanne Belperron et a également travaillé avec Juliette Moutard. Ces trois femmes ont créé ensemble certains des bijoux les plus importants jamais conçus avec un style sculptural fort généralement basé sur la nature.
La broche étoile de mer est le summum absolu du design Boivin, et Jeanne a même dit que cette broche était sa préférée. Ce bijou a été acheté par Claudette Colbert, la star hollywoodienne la plus reconnaissable dans les années 1930 après sa victoire aux Oscars pour « Il est arrivé une nuit ». Et elle est photographiée portant la broche dans une photographie d’époque.
Millicent Rogers possédait une version plus récente et elle a été photographiée la portant dans Vogue. L’étoile de mer Boivin a en fait été photographiée dans Vogue quatre fois entre 1937 et 1945, un nombre de fois inouï pour un magazine à la pointe de la mode.
L’étoile de mer Claudette Colbert : Une broche étoile de mer en rubis et améthyste conçue par Juliette Moutard pour René Boivin, Paris, 1937. Photo : Courtesy Siegelson
Cartier
Cartier a créé plus de grandes pièces que tout autre joaillier – en fait, leurs créations définissent souvent une époque ou un style particulier. Il n’y a pas de matériau ou de pierre que Cartier n’ait pas maîtrisé. La dynastie de la famille Cartier s’est étendue sur un siècle avec une production allant de pièces de table en argent abordables à des créations exquises de bijoux uniques en leur genre faites pour les maharajas et la royauté européenne.
Cartier a embauché les meilleurs ateliers et designers et leur a donné accès à une vaste bibliothèque de livres d’art et de miniatures persanes pour s’inspirer. Ce bracelet aurait été acheté par un client de premier plan. Il est exquis tant dans sa construction que dans sa conception. La laque noire rend la forme moderne, tandis que le motif à trois feuilles fait un clin d’œil aux styles décoratifs exotiques. Les émeraudes vertes ressortent de la palette noire et blanche austère et les perles lustrées sont des terminaisons exquises. Seul Cartier aurait pu produire cette pièce et lorsque vous la tenez dans votre main, vous pouvez voir qu’il n’y a rien de déplacé, c’est une pièce parfaitement réfléchie et exquise.
Bracelet Art déco en diamant, perle naturelle, émeraude et onyx par Cartier, vers 1925. Photo : Courtesy Siegelson
Van Cleef & Arpels
Van Cleef & Arpels est connu pour des confections absolument élégantes. Ils ont particulièrement excellé dans l’utilisation de coupes de pierres inhabituelles et d’innovations en matière de design, comme le sertissage invisible, la minaudière et le collier à fermeture éclair. La société a réalisé des pièces particulièrement belles en utilisant une taille marquise appelée navette. Ce collier à franges de diamants met en évidence la manière experte dont VCA a superposé des coupes de pierres variées pour accentuer la géométrie des pierres et créer une construction étonnante, élégante et luxueuse, qui semble moderne et portable aujourd’hui.
Collier en platine et diamants de Van Cleef & Arpels, Paris, 1948. Photo : Courtesy Siegelson
Boucheron
Dès leur début en 1858, les Boucheron ont reçu l’attention des expositions internationales pour leurs designs réfléchis, beaux et audacieux. Lors de l’Exposition des Arts Décoratifs et Industriels de Paris en 1925, la société a créé un schéma de design complet comprenant des boîtiers ajustés en galuchat rose décorés de motifs géométriques créés pour l’exposition. (Le bracelet appartenant à Siegelson possède la seule boîte restante connue.)
Ce bracelet, l’une des plus importantes pièces de joaillerie jamais fabriquées, a été créé pour l’Exposition de Paris de 1925. Stephen Harrison, conservateur des arts décoratifs au Cleveland Museum of Art, a déclaré : « Boucheron a créé un extraordinaire bracelet d’Osmium innovant serti de rubis, saphirs et émeraudes cabochons, disposés comme des bulles flottant dans l’eau. » Le design révolutionnaire de cette pièce est centré sur la disposition géométrique des pierres entourées de diamants qui semblent glisser sur la surface du bracelet, se glissant sous le bord diamanté des panneaux. Des tiges émaillées noires, positionnées en diagonale, fournissent un clin d’œil dramatique aux pierres précieuses colorées.
Bracelet Art déco à diamants, émail et pierres précieuses serties de Boucheron. Exposé à l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925, Paris. Photo : Courtesy Siegelson
Gérard Sandoz
Gérard Sandoz n’a réalisé ses fantastiques bijoux que pendant une brève période au sommet de l’Art déco, de 1920 à 1931. Personnage charmant et agité, il était connu pour apprécier les fêtes chez Maxim’s et a finalement quitté l’entreprise familiale de fabrication de bijoux pour une modeste carrière cinématographique.
Les bijoux qu’il a fabriqués sont une exploration absolument pure de formes géométriques dans des matériaux, des couleurs et des finitions variés qui se combinent pour créer une forme complexe en couches. Il n’y a rien d’autre de semblable.
Sandoz lui-même disait : « Il est possible de faire de très beaux bijoux simplement avec de l’or et de faire des horreurs avec des rivières de diamants. »
Centrée sur une tige de platine traversant un rectangle d’or à pics avec des « dents » en or et en onyx, comme celles d’un engrenage, cette broche s’inspire directement des machines que Sandoz aimait. L’élément central est superposé sur un fond de cristal de roche givré sur un triangle pavé de diamants. Dans cette broche magistrale, Sandoz a inversé l’ordre standard des matériaux dans une pièce de haute joaillerie, qui mettait généralement en valeur les pierres les plus précieuses, le métal n’étant qu’une simple monture. Ici, Sandoz utilise les diamants comme arrière-plan, tout en exploitant l’or poli comme élément central. Le résultat est un chef-d’œuvre de design iconique et important.
Broche géométrique Art déco de Gérard Sandoz, Paris, vers 1927. Photo : Courtesy Siegelson
Jean Després
Né dans une famille de bijoutiers et influencé à jamais par son expérience de concepteur d’avions pendant la Seconde Guerre mondiale, Després a influencé le cours de la conception de bijoux avec ses pièces soigneusement dessinées inspirées par des machines, connues sous le nom de « bijoux-moteurs ».
Ce bracelet de Després est un exemple emblématique du design Art Moderne combinant une puissante simplicité avec un design inspiré par des machines. Le design évoque les dents d’un engrenage massif, tandis que le bracelet s’effile pour s’aligner sur l’amincissement du poignet. Cet ajustement subtil du design reconnaît que cette manchette massive est destinée à être portée et, comme le montre une photo d’époque, est élégante au poignet.
Bracelet Art Moderne en argent et laque noire par Jean Després, Paris, vers 1931. Exposé au Salon d’Automne, Paris, 1931. Photo : Courtesy Siegelson
Jean Dunand
Jean Dunand est l’un des principaux designers Art déco connu pour ses meubles, objets décoratifs et bijoux en laque. Il fut engagé pour laquer des chambres de luxe entières sur de fabuleux paquebots comme le Normandie.
Comme Dunand créait des portraits ainsi que des arts décoratifs et des bijoux, ses portraits contenaient souvent des exemples de son travail. Un portrait célèbre et exquis de son mentor, Madame Agnès, a été mis aux enchères récemment, et on la voit porter un seul collier de girafe. La Girafe est une œuvre emblématique pour Dunand et elle parle d’un moment précis dans les années 1920, lorsque les designers ont commencé à s’éloigner de l’utilisation classique de matériaux de luxe vers un design plus moderne.
Un modèle similaire a été réalisé pour et porté par Joséphine Baker, qui était la muse de Dunand ; elle est montrée portant l’ensemble (et peu d’autres choses) dans une célèbre photographie.
Retour récemment d’une grande exposition, The Jazz Age : American Style in the 1920s, au Cooper Hewitt et au Cleveland Museum of art, il s’agit du plus grand ensemble connu avec six pièces au total. Il s’agit d’un plus grand exemplaire que ceux que possèdent le Musée des Arts Décoratifs et le Metropolitan Museum of Art. C’est le plus grand ensemble qui sera probablement jamais vu sur le marché.
Ensemble en laque rouge et noire et Oréum de trois colliers « Girafe » et trois bracelets par Jean Dunand, Paris, vers 1927. Exposé dans The Jazz Age : American Style in the 1920s au Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, New York. Photo : Courtesy Siegelson
Paul Flato
Paul Flato était le premier bijoutier des stars, s’occupant de la crème de la crème d’Hollywood. Il a fondé son entreprise à New York en 1928 et a ouvert un magasin à Los Angeles en 1937. Son style figuratif, souvent à la limite de l’humour, atteint son apogée dans les années 1930 lorsque Adolph Kleaty, George Headley et Fulco, duc de Verdura, conçoivent des pièces pour lui. Flato réalisait des plumes, des mains tenant des fleurs, et des broches qui étaient des coffres à trésors remplis de bijoux, mais avec panache.
Ses salons étaient fréquentés par Joan Crawford, Marlene Dietrich, et Vivien Leigh, et les hommes de premier plan Douglas Fairbanks, Laurence Olivier, et Orson Welles. Ses bijoux ont été portés par Katherine Hepburn dans Holiday, Greta Garbo dans Two Faced Woman, et Rita Hayward dans Blood and Sand.
Pour ce collier, Verdura a transformé un article utilitaire ordinaire, une ceinture, en un collier d’aigue-marine et de rubis éblouissant. C’était un exploit remarquable à une époque où la plupart des bijoux comportaient des fleurs ou des motifs géométriques. Le collier est astucieusement conçu pour donner l’impression que la ceinture était nouée, créant ainsi une pièce qui peut être portée au centre ou sur le côté, comme elle l’était dans Vogue en 1944.
Le collier Cole Porter : Une ceinture d’aigue-marine et de rubis avec un collier à boucle conçu par Fulco, duc de Verdura, pour Paul Flato, New York, vers 1935. Photo : Courtesy Siegelson
Alexander Calder
Alexander Calder est surtout connu pour ses mobiles délicatement équilibrés et ses sculptures qui bougent en réponse à l’air ou au toucher, mais les bijoux étaient son moyen le plus personnel et le plus constant. Faite à la main par l’artiste, chaque pièce était une combinaison unique de son martelage et de l’esthétique et de la grâce contenues dans ses œuvres à grande échelle. Les bijoux de Calder, bohèmes mais raffinés, étaient collectionnés par des collectionneurs d’art à la mode, notamment Peggy Guggenheim, Mary Rockefeller et Millicent Rogers.
Créée en fil de laiton, cette broche affiche le même sens du mouvement que l’on retrouve dans ses mobiles et la géométrie et le dynamisme que l’on retrouve dans ses lithographies où il explore souvent des cercles imbriqués répétés.
Elisabeth Agro, commissaire de l’exposition blockbuster Calder Jewelry a déclaré à propos de ces bijoux : « L’espace. Il s’agit d’occuper l’espace. Et il considère simplement le corps comme un élément de base pour cet autre aspect de son travail. Non pas que le corps soit un obstacle – le corps est une partie de cette œuvre d’art plus grande, lorsque vous le mettez. »
Brass and Steel « Six Circles » Brooch by Alexander Calder, New York, circa 1940. Photo : Courtesy : Siegelson