J’ai le privilège de travailler avec des artistes et de les observer depuis longtemps. En tant que galeriste, j’ai été particulièrement intéressé par l’observation de la carrière des artistes qui ont construit de fortes ventes de leurs œuvres. Ces artistes sont capables de générer des ventes qui leur permettent de consacrer tout leur temps à leur art. Ils ont trouvé des moyens de gagner leur vie avec succès tout en poursuivant leur passion.

Aujourd’hui, j’aimerais partager certaines des stratégies que j’ai observé ces artistes suivre pour atteindre ce niveau de succès. Mais avant de commencer, j’aimerais prendre un bref moment pour me présenter. Je m’appelle Jason Horejs. J’ai fondé la galerie Xanadu à Scottsdale, en Arizona, en 2001, et j’ai créé RedDotBlog en 2008 comme un forum où je pouvais partager mes expériences et mes idées sur le commerce de l’art avec les artistes et les galeristes.

Une carrière réussie dans les beaux-arts dépend de nombreux facteurs. Les stratégies que je vais partager ici ne sont certainement pas les seules qu’il est important pour un artiste de considérer, mais ces stratégies de base auront un impact énorme sur votre succès. Je vous invite à prendre en compte ces facteurs et à explorer les autres articles du blog. Si vous trouvez ces informations utiles, inscrivez-vous à notre liste de diffusion pour recevoir des mises à jour gratuites dans votre boîte de réception qui vous aideront à construire une meilleure entreprise artistique.

Stratégie #1 : Les artistes qui réussissent définissent ce que le succès signifie pour eux

Avant même de commencer à parler de la façon dont un artiste peut construire une carrière réussie, je comprends que la définition du succès peut varier considérablement d’un artiste à l’autre.

Pour certains artistes, le succès n’a rien à voir avec l’argent. Le succès pour ces artistes peut provenir de la satisfaction de créer une œuvre unique et innovante. D’autres artistes apprécient l’excitation de partager leurs talents avec d’autres et l’adulation qu’ils reçoivent pour leur travail. Ces artistes recherchent les avantages intangibles qui découlent du partage de leur créativité.

J’ai élaboré ce diagramme de Venn pour aider à illustrer les différentes motivations qui peuvent pousser un artiste.

Je vois trois domaines clés qui peuvent motiver un artiste à créer : l’excellence artistique, la reconnaissance et la stabilité financière. Comme vous pouvez le voir dans le diagramme, ces trois domaines peuvent se chevaucher. Le plus grand succès peut venir à un artiste qui atteint un équilibre entre les trois, mais atteindre le succès dans ces trois domaines peut prendre toute une vie.

Déterminer où se trouve votre motivation vous aidera à prioriser vos efforts. Par exemple, une artiste qui se concentre sur l’excellence artistique peut mettre tous ses efforts dans le travail de studio. Il peut passer très peu de temps à essayer d’exposer ou de vendre ses œuvres. Cet artiste devra peut-être trouver d’autres moyens de subsister – en prenant des emplois à côté pour survivre et acheter des fournitures.

Pour un artiste qui recherche la reconnaissance, les priorités seront différentes. Aucun artiste ne crée dans le vide, et beaucoup soutiendraient qu’aucune œuvre n’est complète tant qu’elle n’a pas été partagée avec un public. De nombreux artistes ont faim de pouvoir partager leur travail. L’art est une communication à un niveau très émotionnel et élémentaire.

Pour certains artistes, la perspective d’un prix ou d’un éloge critique de leur œuvre est plus importante que tout gain monétaire qui pourrait provenir de la vente de l’œuvre.

Enfin, pour certains artistes, que j’appellerai des artistes entrepreneurs, il semble plus naturel de se concentrer sur la création d’une œuvre qui plaira à un large public. Ces artistes alignent leur passion et leurs efforts de vente et se concentrent non seulement sur la création, mais aussi sur la présentation des œuvres aux acheteurs potentiels.

Déterminer votre motivation sous-jacente peut vous aider à orienter vos efforts pour exposer vos œuvres. Si l’excellence artistique est la plus importante pour vous, vous pouvez vous concentrer sur le partage de votre travail uniquement aux mentors, aux critiques et aux musées – vous pourriez même ne pas essayer de vendre l’œuvre.

Les artistes intéressés par la reconnaissance pourraient se concentrer sur la candidature aux expositions et sur l’obtention du statut de signature auprès des sociétés nationales d’artistes. Encore une fois, les ventes peuvent ne pas être la plus grande priorité.

Un artiste est qui cherche à construire une entreprise de son travail artistique, va poursuivre les opportunités de vendre des œuvres d’art. Les festivals d’art et la représentation en galerie pourraient être la plus grande priorité.

Seul vous pouvez décider de ce que le succès signifie pour vous. En tant que galeriste, je me concentre sur la vente d’œuvres d’art, et mon post d’aujourd’hui va donc se concentrer sur les principes qui ont aidé les artistes à mieux réussir à vendre leurs œuvres. Je tiens cependant à reconnaître que la vente n’est pas le seul objectif valable pour un artiste. Cela dit, ce billet s’adresse aux artistes qui souhaitent vendre davantage d’œuvres.

Il est également important de souligner que réussir dans l’un des trois domaines énumérés ci-dessus demande du temps et des efforts considérables. Un artiste doit être prêt à travailler dur et à faire des sacrifices afin d’atteindre le succès.

Mise en œuvre de cette stratégie

Décidez quelle est votre motivation principale à l’aide du diagramme de Venn. Votre motivation vous aidera à établir vos priorités.

Stratégie n°2 : les artistes à succès consacrent régulièrement du temps à la production

Comme je l’ai mentionné plus haut, construire une carrière réussie en tant qu’artiste demande du temps et du travail. Beaucoup de temps et beaucoup de travail.

S’il y a un trait commun que j’ai vu chez les artistes à succès, c’est qu’ils n’ont pas peur de travailler. Les artistes à succès sont dévoués à leurs efforts créatifs. Ils sont constamment et constamment dans le studio à produire.

Vendre de l’art est un jeu de chiffres. Afin de générer des ventes régulières, vous devez avoir votre travail en face d’un grand nombre d’acheteurs potentiels dans une variété de lieux (plus sur ce point ci-dessous). Afin de soutenir de multiples lieux, vous devez avoir un corps d’œuvre solide et important.

En fin de compte, la meilleure façon d’y parvenir est de poursuivre votre art à temps plein. La grande majorité des artistes à succès que j’ai rencontrés au fil des ans avaient fait le grand saut pour produire leur art à temps plein avant de trouver le succès financier dans leur carrière.

Je comprends que poursuivre l’art à temps plein est un énorme défi, et parfois les exigences de la vie et les engagements familiaux ne permettront pas à un artiste de quitter un emploi stable pour poursuivre l’art à temps plein.

Cela signifie-t-il qu’un artiste qui ne peut pas travailler à temps plein sur l’art devrait abandonner le rêve d’une carrière artistique réussie ? Pas du tout. Je vous encourage à examiner le temps dont vous disposez et à établir un calendrier qui vous permette à la fois de créer et de respecter vos autres engagements. Réservez du temps spécifique et régulier que vous pouvez consacrer à la création.

Il vous faudra une énorme discipline pour créer le week-end ou après avoir passé une longue journée au travail. Cette discipline sera inestimable pour vous aider à produire un corpus d’art vendable. La discipline que vous établissez maintenant vous rendra incroyablement productif lorsque vous serez en mesure de faire le saut et de vous concentrer sur votre travail à temps plein.

Mise en œuvre de cette stratégie

Planifiez votre horaire hebdomadaire sur un calendrier ou une feuille de calcul. Bloquez le temps que vous pouvez consacrer à votre art.

Exemple d’emploi du temps – Artiste à temps partiel (téléchargement de la feuille de calcul Excel)

Autres considérations :

Partagez votre emploi du temps avec votre famille et vos amis, et demandez-leur de vous aider à protéger votre temps de création. Dites-leur à quel point votre art est important pour vous – si vous pouvez obtenir leur adhésion, vous êtes beaucoup plus susceptible de respecter votre calendrier.

On me demande souvent combien d’œuvres d’art un artiste doit produire pour réussir. C’est une question à laquelle il est difficile de répondre car ce nombre varie assez fortement d’un artiste à l’autre. Je travaille avec des artistes qui produisent plus de 100 pièces par an, et avec des artistes qui en produisent moins de 30.

Certains artistes travaillent rapidement, mais certains arts nécessitent des détails intensifs. Au lieu de vous donner un nombre spécifique à viser, je vous encourage à regarder l’année dernière et à calculer le nombre de pièces que vous avez produites. Une fois que vous savez combien d’œuvres vous avez produites au cours de l’année dernière, fixez-vous comme objectif d’augmenter votre production de 25 % l’année suivante.

Stratégie n°3 : Créer un corpus cohérent d’œuvres d’art

En tant qu’artiste, vous êtes libre de créer ce que vous voulez. Vous pouvez aborder les sujets qui captivent votre imagination et les représenter dans un style qui vous passionne. J’ai constaté que les artistes qui créent des œuvres qui les passionnent sont ceux qui réussissent le mieux à long terme.

Le défi, surtout pour un artiste qui en est au début de sa carrière artistique, est de trouver ce qui vous passionne. Alors que certains artistes développent tout de suite une vision artistique claire, la plupart des artistes doivent expérimenter et explorer avant de découvrir où se trouve leur passion. Certains artistes s’essaieront à divers médias lorsqu’ils débuteront, et d’autres exploreront un large éventail de sujets et de styles.

Cette exploration est saine et nécessaire dans le développement professionnel d’un artiste. Lorsqu’un artiste commence à générer des ventes et à construire une carrière professionnelle autour de son art, il devient important qu’il commence à se concentrer sur un ensemble d’œuvres cohérent et identifiable. Si vous regardez le travail des beaux-arts qui réussissent commercialement, vous constaterez que presque tous ont développé un style reconnaissable et ont cultivé une cohérence dans leur travail qui lie le travail ensemble.

Cela ne signifie pas qu’il ne peut pas y avoir une certaine variété dans votre travail, et cela ne signifie pas non plus que vous allez passer le reste de votre carrière à produire les mêmes œuvres d’art encore et encore et encore. Cela signifie simplement que si vous voulez réussir à vendre votre travail, vous devez développer un style que vos collectionneurs peuvent facilement identifier comme étant le vôtre.

Lorsque j’examine le travail d’un artiste pour la cohérence, j’utilise une métrique simple, bien qu’admise comme subjective, que j’utilise pour juger de la cohérence. Je regarde six critères

• Sujet
• Style
• Thème
• Palette
• Moyen
• Présentation

Si l’artiste a atteint la cohérence dans quatre des six critères dans l’ensemble de l’œuvre qui m’est présentée, je trouverai généralement l’œuvre cohérente.

Cela signifie que vous pouvez avoir une certaine latitude pour la variété dans votre travail. Si votre sujet, votre style, votre thème et votre palette sont cohérents, vous pouvez travailler sur plusieurs supports différents avec une variété de présentations. Inversement, si votre support, votre présentation, votre palette, votre style et votre présentation sont cohérents, vous pouvez explorer une grande variété de sujets et de thèmes.

Exemples

En examinant plusieurs exemples parmi les artistes de la galerie Xanadu, nous pouvons voir comment la cohérence est obtenue de diverses manières.

Carolee Clark a un style, une palette, un thème et une présentation très cohérents, et toutes ses œuvres sont réalisées à l’acrylique. Cela lui permet d’explorer une gamme de sujets tout en maintenant une cohérence dans son travail.

L’artiste d’origine colombienne Guilloume crée à la fois des sculptures et des peintures, mais parce que son sujet, son style, son thème et sa palette sont cohérents, sa variété dans la présentation et le médium n’interfère pas avec sa cohérence.

Mise en œuvre de cette stratégie

Regardez vos dix dernières pièces et demandez-vous dans quelle mesure elles sont cohérentes au regard des six critères de cohérence. Déterminez quelles sont les pièces les plus cohérentes et efforcez-vous de faire en sorte que vos dix prochaines pièces soient cohérentes avec ces œuvres.

Si vous avez du mal à juger de votre cohérence, faites venir un observateur objectif dans votre studio pour qu’il regarde les œuvres pour en vérifier la cohérence. Idéalement, il s’agirait d’une personne ayant une certaine expérience du monde de l’art – un collègue artiste dont vous admirez le travail, un galeriste ou un architecte d’intérieur.

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Stratégie #4 : Organisez votre entreprise

Cette stratégie est peut-être la moins excitante à lire, mais l’organisation est essentielle au succès à long terme de votre entreprise artistique. Si votre objectif est de réaliser des ventes, ou si votre ambition est de vivre de votre art, vous devrez considérer votre activité artistique comme une entreprise.

Certains artistes trouvent cette idée déplaisante. Ils peuvent avoir l’impression que l’art et les affaires ne font pas bon ménage, et que l’introduction des affaires dans l’équation peut en quelque sorte entacher la pureté de leur art.

Je vous encourage à voir les choses autrement. Construire une entreprise bien gérée et bien organisée autour de votre art vous permettra d’éviter le désarroi et la frustration qui entourent de nombreux artistes lorsque leurs œuvres commencent à se vendre. En étant organisé, vous vous libérez réellement pour vous concentrer sur la création.

Les artistes avec lesquels je travaille sont très organisés en ce qui concerne la partie commerciale de leur art. Ils ont mis en place des systèmes qui leur permettent de garder la trace de toutes les parties mobiles de leur entreprise artistique.

Les domaines les plus importants sur lesquels se concentrer sont :

• Suivi des stocks
• Comptabilité
• Expédition/Logistique
• Marketing

Dans d’autres articles de ce blog, j’ai partagé certains des outils que nous utilisons pour organiser notre entreprise, ainsi que des outils que les artistes utilisent. Chaque artiste va avoir des besoins commerciaux différents et trouvera différents outils qui fonctionneront le mieux pour répondre à ces besoins. L’important est de s’engager à organiser ces domaines clés afin que vous puissiez faire évoluer votre entreprise au fur et à mesure que les ventes augmentent.

Il est également important de noter qu’un certain nombre d’artistes avec lesquels j’ai travaillé au fil des ans reconnaissent que l’organisation n’est pas leur point fort. Ces artistes ont fait appel à des assistants pour les aider à s’attaquer à l’entreprise. Parfois, l’assistant est un conjoint ou un autre membre de la famille. Pour d’autres artistes, engager quelqu’un pour venir dans le studio plusieurs fois par semaine pour aider est une meilleure option.

Mise en œuvre de cette stratégie

Évaluez votre capacité actuelle à suivre vos œuvres, vos finances et vos expéditions. Avez-vous des systèmes et des routines robustes en place qui vous permettent de suivre votre activité commerciale ?

Faites une liste des exigences de tout système qui le rendrait idéal pour suivre votre activité. Cette liste d’exigences vous aidera à évaluer les outils potentiels.

Stratégie n°5 : Diversifiez vos ventes en exposant vos œuvres dans plusieurs lieux

Les artistes à succès comprennent que pour vendre de l’art, celui-ci doit recevoir une exposition massive. Dans une certaine mesure, la vente d’art est un jeu de chiffres. Pour trouver des acheteurs qui seront intéressés par votre travail et en position financière d’acheter. Afin d’atteindre ces acheteurs, vous devez exposer vos œuvres dans une variété de lieux.

Les artistes à succès avec lesquels j’ai travaillé au fil des ans ont tous travaillé très dur pour mettre leurs œuvres en face d’acheteurs potentiels. Beaucoup ont commencé leur carrière en participant à des festivals et des expositions d’art en plein air. Les salons d’art sont non seulement une occasion d’exposer et de vendre des œuvres, mais aussi une occasion pour vous de construire votre liste de contacts et de développer des compétences de vente.

Les artistes à succès recherchent également d’autres occasions de vendre leurs œuvres. En plus des festivals d’art, beaucoup de ces artistes ont participé à des organisations artistiques qui accueillent des visites d’ateliers ouverts et organisent d’autres expositions.

En fin de compte, de nombreux artistes à succès ont approché des galeries avec leurs œuvres. L’établissement de relations avec les galeries donne aux artistes quelque chose que les expositions ou la promotion personnelle ne peuvent pas faire, une exposition constante et à long terme soutenue par un personnel de vente professionnel.

La plupart des artistes qui réussissent n’exposent pas seulement dans une galerie, mais dans une variété de galeries dans divers endroits. Outre la large exposition que cette stratégie crée, exposer dans une variété de marchés peut aider à stabiliser vos ventes. Il arrive souvent que si les ventes sont en baisse dans une région, elles peuvent être en hausse dans une autre.

Mise en œuvre de cette stratégie

Alors que vous vous préparez à accélérer votre carrière artistique, recherchez les occasions de montrer votre travail. Recherchez les expositions et les lieux qui réussissent à attirer des acheteurs d’art qualifiés et qui ont déjà généré des ventes.

Préparez-vous à présenter votre travail aux galeries en créant un portefeuille de travaux cohérents et de haute qualité. Faites des recherches sur divers marchés de l’art et sur les galeries qui servent ces marchés afin de trouver les galeries qui conviendraient le mieux à votre travail.

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