Les 10 tableaux les plus célèbres de tous les temps ! Chaque année, des millions d’euros sont dépensés par des collectionneurs d’art désireux de posséder les tableaux les plus recherchés au monde. Cependant, les tableaux les plus chers ne sont pas forcément les tableaux les plus célèbres. Les plus connus d’entre eux sont généralement entre les mains de musées, qui ne seront que très rarement vendus, et en tant que tels, ils sont littéralement inestimables. Nous vous proposons ici le top 10 des tableaux les plus célèbres de tous les temps.
La Naissance de Vénus
La Naissance de Vénus est un tableau du peintre italien Sandro Botticelli. Elle est accrochée dans la galerie des Offices, dans la ville italienne de Florence. Le tableau est réalisé à la détrempe sur toile et mesure 172,5 cm sur 278,5 cm. Elle représente la déesse Vénus sortant de la mer sous la forme d’une femme mûre, comme le décrit la mythologie grecque. Le nom de l’œuvre n’est cependant pas tout à fait en accord avec l’événement qui y est représenté, puisque, selon la légende, Vénus est née de l’écume de la mer. Cependant, cette image montre son arrivée à Chypre, debout sur un coquillage. Dans l’antiquité classique, le coquillage était une métaphore du vagin. La pose de la Vénus de Botticelli rappelle celle de la Vénus de Médicis, une sculpture en marbre de l’Antiquité classique de la collection Médicis que Botticelli avait étudiée. Un détail de la peinture est utilisé comme image sur l’une des pièces d’euros italiennes.
Les Nymphéas
Les Nymphéas sont de nombreuses peintures impressionnistes différentes de nénuphars par l’artiste français Claude Monet. Monet a fait construire un jardin coloré avec un étang dans son atelier de Giverny dans les années 1890 pour pouvoir peindre son motif adoré dans toutes sortes de conditions météorologiques (à moitié en plein air). Il n’avait plus besoin de voyager autant et était plus à l’aise chez lui avec sa femme et ses enfants. Monet a peint de nombreuses variations sur ce thème. Au cours de la seule période 1899-1900, il a réalisé 18 peintures de nénuphars différentes.
Dans la période 1914-1926, Monet a créé une série d’énormes panneaux muraux avec des nénuphars pour le musée de l’Orangerie aux Tuileries à Paris (voir image ci-dessus). Comme Monet était probablement en grande partie aveugle à la fin de sa vie, il aurait peint ces paysages dits réflexes (paysage sans représentation explicite du ciel ou de l’horizon) principalement de mémoire. Il a fait don de ces œuvres à son bon ami Paul Clemenceau. Clemenceau avait stimulé Monet, tout en apaisant sa vision, pour qu’il continue à peindre. Monet a fait don de ces œuvres en tant qu' »hommage à la paix ». Les tableaux sont restés longtemps inaccessibles au public, mais sont à nouveau les principales pièces d’exposition du musée récemment rénové.
La Ronde de nuit
La Ronde de nuit est le tableau le plus connu et le chef-d’œuvre de Rembrandt van Rijn et peut être vue dans la Galerie d’honneur du Rijksmuseum. Rembrandt l’a peint entre 1639 et 1642. Le nom officiel est : La compagnie du capitaine Frans Banning Cocq et du lieutenant Willem van Ruytenburgh se prépare à partir. Cette œuvre, une pièce de milice, a été commandée comme portrait de groupe par une compagnie de la guilde de la guilde. Elle a probablement été appelée pour la première fois » La Garde de nuit » vers 1796/1797. Selon Ernst van de Wetering, l’œuvre a échoué dans un certain sens.
La valeur du tableau ne peut être exprimée en argent. Il n’est pas à vendre et n’a jamais été à vendre. La compagnie de milice qui a commandé Rembrandt à l’époque était une institution urbaine et La Garde de nuit est depuis lors la propriété de la municipalité d’Amsterdam, en prêt perpétuel au Rijksmuseum.
Le Cri
Le Cri est le nom de quatre peintures et d’une lithographie d’Edvard Munch de 1893. La version originale du cri de 1893 est accrochée au Musée national d’art (Nasjonalgalleriet) à Oslo. Elle est considérée comme la peinture la plus émouvante de Munch. Elle exprime la souffrance spirituelle et le harcèlement émotionnel que le peintre a ressentis à certaines périodes de sa vie. Munch a été un précurseur de l’expressionnisme, un style qui voulait exprimer les émotions. Le Cri est un autoportrait psychique d’Edvard Munch. C’est une peinture basée sur sa propre expérience traumatique.
Un soir, Edvard Munch est rentré à pied dans la ville d’Oslo avec des amis. Ils se sont arrêtés sur un pont. Alors que ses amis continuaient à marcher, Edvard s’est arrêté, saisi par le paysage et le ciel avec le soleil couchant. Il entendait et sentait le paysage autour de lui crier. Il s’est senti impuissant et déprimé. Cet événement l’a tellement impressionné qu’il l’a plus tard retranscrit sur une toile.
6. Fille à la perle
La Fille à la perle est une peinture de 1665-1667 du maître néerlandais Johannes Vermeer. Ces dernières années, la Fille à la boucle d’oreille de perle est devenue la peinture la plus appréciée de Vermeer. L’œuvre est en possession du Mauritshuis de La Haye. Aucun des modèles de Vermeer n’a jamais été identifié, et cela vaut également pour cette fille. Une candidate possible est sa fille aînée Maria, qui avait douze, treize ans à l’époque.
La fille représentée porte un turban bleu avec un tissu jaune tombant. Ce couvre-chef contraste avec la veste jaune brunâtre au col blanc. La perle se détache, une création grandiose de lumières et d’ombres lumineuses et de bords effilochés. En deux coups de pinceau, Vermeer a donné un accent de lumière vive en haut à gauche et un reflet de son col blanc en bas. Vu sa taille, il s’agit davantage d’une boucle d’oreille en verre laqué que d’une perle naturelle. On dirait que la jeune fille, avec son regard désinhibé, cherche le contact direct avec le spectateur, comme si elle avait été surprise par lui. Avec sa bouche entrouverte, elle donne l’impression de vouloir dire quelque chose. Ses lèvres humides et extra-rouges lui donnent un air sensuel.
5. Guernica
Guernica est un tableau de Pablo Picasso de 1937, nommé d’après le lieu Guernica au Pays basque espagnol. La raison de cette peinture est le bombardement de Guernica par les fascistes dirigés par Francisco Franco, pour briser la résistance des républicains. Le tableau, avec ses énormes dimensions 3,49 m de haut et 7,76 m de large, est l’une des œuvres les plus impressionnantes et les plus controversées de Picasso.
Le tableau montre la ville pendant le bombardement. Il y a beaucoup de choses à voir en même temps dans la peinture. Un cheval se précipite dans une maison dans la panique. A droite, quelqu’un tombe du toit en feu et une mère pleure son enfant mort. Pablo Picasso voulait que la peinture rende le chaos ressenti lors d’un bombardement lorsque vous regardez la peinture. L’arrière-plan est également mélangé, il n’y a pas de différence entre l’intérieur et l’extérieur. Les gens courent hors de leurs maisons dans la panique.
Le tableau est peint en lignes et surfaces en noir, blanc et gris pour exprimer la guerre. Ce n’est pas une peinture réaliste. Pablo Picasso a essayé de transmettre le sentiment pendant le bombardement, pas ce à quoi il ressemblait. A l’avant du tableau, il y a un homme avec une épée brisée. Un symbole pour un soldat mort. Le cheval exprime la peur et est le symbole des victimes innocentes de la guerre. La mère avec l’enfant mort symbolise le chagrin pour ceux qui sont tombés. La lampe dans la peinture symbolise l’explosion et le bombardement de Guernica.
La création d’Adam
La création d’Adam fait partie de la fresque sur la voûte de la chapelle Sixtine dans la Cité du Vatican peinte par Michel-Ange vers 1511. L’œuvre est la représentation de l’histoire biblique du livre de la Genèse dans laquelle Dieu le Père insuffle la vie à Adam. Parmi les fresques de la Genèse dans la chapelle Sixtine, c’est chronologiquement la quatrième image de l’histoire. Michel-Ange a terminé cette fresque comme l’une des dernières de la série. L’œuvre mesure 4,8 par 2,3 mètres.
La Cène
La Cène est une fresque peinte par Léonard de Vinci commandée par le duc Ludovic Sforza dans le réfectoire de Santa Maria delle Grazie (un monastère dominicain de Milan). Il s’agit d’une représentation d’une scène de la dernière Cène de Jésus, telle que décrite dans la Bible et basée sur Jean 13, 21-26, dans laquelle Jésus annonce que l’un de ses douze disciples le trahira. Le tableau est connu dans le monde entier et la disposition est un modèle iconographique. Comme elle ne peut pas être déplacée, elle n’a jamais été une propriété privée. Conformément aux autres images du dernier repas de l’époque, Léonard a repris la convention consistant à représenter toutes les personnes d’un même côté de la table pendant le repas, de sorte qu’aucune des personnes présentes ne soit regardée à l’arrière. Mais il s’écarte remarquablement de cette convention en plaçant également Judas parmi les autres disciples, alors qu’habituellement Judas était placé en face des autres apôtres, de l’autre côté de la table. Une autre coutume consistait à doter tous les disciples, à l’exception de Judas, d’une auréole.
Cependant, Léonard a opté pour un effet plus réaliste et dramatique en ne dotant personne d’une auréole, mais en montrant Judas adossé à l’ombre. Il crée également une image réaliste et psychologique dans laquelle il tente d’expliquer pourquoi Judas et Jésus prennent le pain en même temps, juste après que Jésus ait fait la prédiction de la trahison. Jésus est montré comme s’il le disait à Thomas et Jacques à sa gauche, qui sont choqués parce que Jésus leur montre du doigt un morceau de pain. Distrait par la conversation entre Jean et Pierre, Judas tend la main vers un autre morceau de pain que Jésus leur tend de la main droite. Toutes les lignes de perspective et aussi la lumière font tomber l’attention sur Jésus.
La nuit étoilée
La nuit étoilée est un tableau du peintre post-impressionniste néerlandais Vincent van Gogh. Elle appartient à la collection permanente du musée d’art moderne de New York. L’œuvre (huile sur toile) mesure 73 par 92 cm. Elle est considérée comme le chef-d’œuvre de ce peintre. À partir de 1888, Van Gogh a peint plusieurs pièces qui ressemblent à La nuit étoilée. Il a appelé cette étude son étude du ciel étoilé. En 1888, par exemple, il a peint la Nuit étoilée au-dessus du Rhône, qui est très similaire à cette peinture. Vincent van Gogh a réalisé La Nuit étoilée alors qu’il se trouvait à l’hôpital Saint-Paul-de-Mausole de Saint-Rémy-de-Provence en juin 1889. Il a également réalisé un certain nombre de dessins à la plume sur le même sujet. Mi-septembre, il a envoyé les peintures de nuit étoilée à son frère à Paris.
Le tableau est une scène de nuit avec des étoiles jaunes au-dessus d’une petite ville avec des collines. C’est une vue d’un point imaginaire sur un village avec tour d’église et à gauche un cyprès flamboyant et à droite des oliviers contre les collines. Van Gogh s’est inspiré de Delacroix pour l’utilisation des couleurs complémentaires. Le tableau est souvent associé aux paroles de Vincent van Gogh : « Pourquoi, je me demande, les points brillants dans le ciel ne seraient-ils pas aussi faciles à atteindre que les points noirs sur la carte de France ? Tout comme nous étions dans le train pour Tarascon ou Rouen, nous utilisons la mort pour voyager vers les étoiles. « Van Gogh a peint ce tableau à une époque où il ressentait un fort besoin de religion. Après cela, il finira par faire une dépression.
Mona Lisa
La Mona Lisa est un tableau de Léonard de Vinci peint entre 1503 et 1507. La technique utilisée est l’huile sur panneau (bois de peuplier). Il s’agit du portrait d’une dame, probablement Lisa Gherardini, la troisième épouse de Francesco del Giocondo. Le portrait est exposé en permanence au Louvre à Paris et c’est l’une des rares œuvres dont on est sûr qu’elle est de Léonard lui-même. C’est probablement l’une des œuvres d’art les plus célèbres au monde, le tableau reçoit environ 20 000 visiteurs par jour.
Le sourire de la Joconde est à peu près la marque de fabrique du tableau comme l’hermine (en fait un furet blanc) qui est pour cet autre célèbre tableau de Léonard La dame à l’hermine, le portrait de Cecilia Gallerani. On aurait tout aussi bien pu appeler le tableau La dame au sourire, et cela se reflète dans le nom italien, car La Gioconda signifie en fait l’heureuse, l’heureuse. Léonard fait de cette idée d’être heureux, d’être content, le thème central de son tableau, même si ce n’est pas une gaieté exubérante, la dame semble satisfaite et heureuse. Des dizaines de théories sur le sourire sont avancées, toutes plus extravagantes les unes que les autres. On passe du sourire d’une femme enceinte heureuse au symptôme des maladies les plus diverses. Un logiciel qui reconnaîtrait les émotions à partir de l’expression faciale y a reconnu 83% de bonheur.
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