La culture hip-hop a toujours eu une relation complexe avec la race. Dès sa création, la relation entre le hip-hop et la race a été fragmentée, décentralisée et, à bien des égards, fluide. Le hip-hop est apparu dans le Bronx, à New York, au début des années 1970. L’environnement économique qui a catalysé son développement reflétait les effets négatifs d’une société postindustrielle et d’une économie en mutation rapide. Les communautés des centres-villes ont été dévastées par l’économie de services émergente et le passage de la fabrication nationale à la sous-traitance à l’étranger.
Dans le même temps, les environnements sociaux et raciaux dans lesquels le hip-hop s’est développé étaient à multiples facettes et n’ont pas encore été systématiquement étudiés. Dès la création du hip-hop, les jeunes impliqués dans sa genèse étaient d’origines diverses, africaines, latinos et européennes. Le hip-hop lui-même n’existerait pas dans son style actuel sans les contributions diverses et variées des pionniers et artistes des Caraïbes et d’Amérique latine, ainsi que de leurs voisins et homologues afro-américains du Bronx.
La plupart des observateurs identifient quatre éléments fondateurs de la culture hip-hop. Ces éléments sont le DJ-ing/turntablism, le B-boying/breaking, le MC-ing/rapping, et l’art visuel/graffiti. Chaque composante est cependant indépendante, avec ses propres artisans, son propre public et ses propres produits commerciaux. L’intersection de ces composantes dans l’ouest et le sud du Bronx a engendré la révolution culturelle du hip-hop. Bien que la musique rap et le hip-hop soient souvent utilisés de manière interchangeable, le rap n’est qu’un des quatre éléments (au moins) du hip-hop. Une brève explication de ces éléments souligne leur émergence originale et prépare le terrain pour les catégorisations raciales correspondantes.
Le DJ-ing est la manipulation délibérée et technique de la platine, la transformant finalement d’une simple plateforme musicale en un instrument de musique à part entière avec son propre arsenal de sons, tels que des scratchs, des tonalités manipulées temporellement, des coupures sonores et des échantillons (courts morceaux de musique d’autres personnes). Le B-Boying fait référence aux réponses kinesthésiques ou corporelles à l’isolation par le DJ des rythmes « break » sur les disques vinyles. Les B-boys se cassaient pendant l’isolation et la mise en boucle des break beats lors des jams (fêtes) hip-hop originales. Le break est la partie d’une chanson où le morceau est réduit à ses éléments les plus fondamentalement percussifs. Le lien entre les segments hautement percussifs ou orientés vers le rythme de la musique hip-hop et le pouvoir du tambour dans les cultures africaine et afro-américaine ne doit pas être négligé ou sous-estimé. La musique hip-hop capture et reflète la puissance du tambour dans sa danse et sa musique.
Le MC est l’arbitre verbal de la culture hip-hop. Initialement lancé comme un hype-man tangentiel pour les premiers DJs connus dans le hip-hop, le MC a maintenant gradué au premier plan de la culture. Les poètes, MC et rappeurs du hip-hop sont devenus le principal vecteur de la domination de la musique rap sur le paysage de la culture pop. L’art du graffiti est l’élément de la culture qui précède le plus clairement et le plus singulièrement la genèse du hip-hop. En effet, les graffitis remontent à des temps très anciens. Cependant, son développement en conjonction avec les autres éléments fondateurs du hip-hop est frappant. Le graffiti a fourni une plate-forme artistique viable aux jeunes des quartiers pauvres des villes, dont les possibilités artistiques étaient réduites dans la plupart des institutions publiques. En outre, dans les années 1970, les programmes musicaux et artistiques des écoles publiques ont été considérablement réduits, de même que les fonds destinés aux centres de loisirs et autres plates-formes publiques de production créative. De nombreux chercheurs ont fait référence à l’art du graffiti du hip-hop comme l’un des signaux les plus puissants de la reconquête par les jeunes des espaces publics, qui ont été totalement privatisés dans cette ère postmoderne. Le vandalisme effréné d’une génération est en effet le mouvement révolutionnaire d’une autre génération.
Au risque de promouvoir un essentialisme racial dans la culture hip-hop, ce qui suit est un bref aperçu de plusieurs des figures séminales dans les origines, le développement et la croissance du hip-hop souligne la qualité postmoderne de la dynamique raciale au sein de la culture. Pour commencer, le fondateur consensuel de la culture hip-hop est connu sous le nom de DJ Kool Herc (Clive Campbell). Né à Kingston, en Jamaïque, pas très loin du quartier d’origine de Bob Marley, Herc a déménagé avec sa famille dans le West Bronx à la fin des années 1960. Avant longtemps, il a emprunté des éléments des cultures jamaïcaines « dub » et « yard » et a infusé ces techniques de performance publique avec la musique soul afro-américaine, les styles verbaux des disc-jockeys de la radio et les éléments en développement susmentionnés du hip-hop (en particulier l’art du graffiti).
La sensibilité de Herc pour ces formes, et sa compréhension de leur potentiel pour divertir les jeunes des quartiers défavorisés de la ville de New York postindustrielle, s’épanouit soudainement au cours de l’été 1973, lorsqu’il remplace un DJ à la fête d’anniversaire de sa sœur, organisée dans la salle de récréation de leur cité. À partir de ce moment-là, la « jam » hip-hop est devenue la forme de divertissement pour les jeunes qui a connu la croissance la plus rapide et la plus intéressante. Lors d’interviews et d’apparitions publiques, Kool Herc concède volontiers l’importance de ses relations avec les jeunes afro-américains et latinos, ainsi que son héritage jamaïcain et son amour de la musique soul afro-américaine. En particulier, les styles soul et les performances musicales en direct de James Brown ont inspiré à Kool Herc le désir
d’isoler les break beats des disques afin de prolonger les aspects les plus dansants des jams hip-hop originaux.
Au moins deux autres DJ partagent l’honneur d’être les fondateurs du hip-hop : Afrika Bambaataa, d’origine antillaise, et Grandmaster Flash qui est d’origine jamaïcaine. En plus d’être l’un des premiers DJ éclectiques du hip-hop (utilisant par exemple de la musique japonaise et allemande, et empruntant et échantillonnant de l’électronique et du disco), Afika Bambaataa était également une figure de proue de l’un des gangs de rue les plus importants et les plus notoires, les Black Spades. Aux premiers stades de la culture hip-hop, Bam était le chef de file du mouvement au sein des Black Spades pour s’éloigner de l’activité violente habituellement associée aux gangs. Le résultat a été la naissance de la plus grande et de la plus durable organisation artistique communautaire de la culture hip-hop : la Zulu Nation. DJ Grandmaster Flash a appris la technique de base du scratching auprès du Grand Wizard Theodore, et au milieu des années 1970, il l’a développée de manière à transformer la platine en un véritable instrument.
Bien que des jeunes de tous horizons aient eu une influence sur le « breaking » (parfois appelé « break dancing »), les premiers pionniers sont d’origine latino-américaine. L’un des premiers groupes de break dominants était le Rock Steady Crew. L’un des leaders et l’une des personnalités les plus attachantes de ce groupe est Crazy Legs, qui a joué dans un certain nombre de films hollywoodiens, notamment Flashdance (1983) et Beatstreet (1984). Bien qu’il ait été témoin du déclin de la popularité du breaking auprès du grand public, il continue d’être un ambassadeur des formes de danse hip-hop dans le monde entier.
L’une des premières MC, Busy Bee a joué dans le docudrama révolutionnaire Wild Style (1982). D’origine afro-américaine, les MC et rappeurs tels que Busy Bee, Coke La Rock, Grandmaster Caz et Melle Mel ont prolongé la tradition orale afro-américaine (notamment les field hollers, les ring shouts, les spirituals, le blues, les sermons, les toasts et le jeu des dizaines) au XXIe siècle avec leurs textes de rap. Les meilleurs rappeurs et MCs ont généralement été d’origine afro-américaine -akim, Jay-Z, Nas et Tupac Shakur sont généralement inclus dans ce groupe, sans pour autant exclure leur homologue antillais, Notorious B.I.G., dont l’héritage jamaïco-américain a informé sa livraison lyrique laiteuse et mélodique.
L’un des pionniers les plus remarqués de l’art du graffiti dans la culture hip-hop était un jeune grec-américain nommé Demetrius. Son « graf tag », taki183, est crédité comme l’un des premiers monikers à être « all-city » (c’est-à-dire à être reconnu dans les cinq arrondissements de la ville de New York) via son omniprésence dans les rames de métro et dans divers quartiers. De nombreux pionniers du graffiti étaient d’origine latino-américaine, comme l’extraordinaire Lady Pink, qui a bravé les mêmes dangers et pièges que ses homologues masculins. Il est clair que le « graf art » est un autre élément du hip-hop dans lequel l’ethnicité afro-américaine n’est pas une condition préalable essentielle au succès artistique ou commercial.
Il est certes une conclusion racialement essentialiste d’affirmer que l’un ou l’autre des éléments du hiphop mentionnés ci-dessus est dominé par un groupe ethnique particulier. Pourtant, chaque élément, à travers ses pionniers et ses contributeurs les plus importants, suggère souvent le penchant d’une ethnie particulière pour l’expression artistique. Ainsi, il peut être approprié de conclure que les jeunes d’origine européenne ont (du moins en Amérique et en Europe) été plus importants dans l’art du graffiti que dans le MC-ing ou le rap. De même, les acrobates latino-américains ont été plus présents dans le break et le B-boying que dans le MC-ing ou le rap. Les DJ ont tendance à couvrir toute la gamme ethnique, bien que plusieurs DJ d’origine asiatique aient dominé les compétitions internationales au début du XXIe siècle. Ces assignations et catégorisations raciales finissent par déconstruire l’esprit de la culture hip-hop, qui tend à inviter les gens de toutes les teintes à participer et à faire l’expérience de ce qui est la forme populaire de divertissement la plus envahissante à travers le monde au début du vingt-et-unième siècle.
SUIVRE AUSSI Culture populaire noire ; Musique rap.
BIBLIOGRAPHIE
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James Peterson