Monde antiqueEdit

Portrait funéraire romain-égyptien d’une femme

Les racines du portrait se trouvent probablement à l’époque préhistorique, bien que peu de ces œuvres survivent aujourd’hui. Dans l’art des anciennes civilisations du Croissant fertile, notamment en Égypte, les représentations de souverains et de dirigeants en tant que dieux abondent. Cependant, la plupart d’entre elles étaient réalisées de manière très stylisée, et la plupart de profil, généralement sur de la pierre, du métal, de l’argile, du plâtre ou du cristal. Le portrait égyptien mettait relativement peu l’accent sur la ressemblance, du moins jusqu’à l’époque d’Akhenaton, au XIVe siècle avant Jésus-Christ. En Chine, les portraits de notables remontent probablement à plus de 1000 ans avant J.-C., mais aucun n’a survécu à cette époque. Les portraits chinois existants remontent à environ 1000 après J.-C., mais n’ont pas mis l’accent sur la ressemblance avant un certain temps après.

D’après les preuves littéraires, nous savons que la peinture grecque ancienne comprenait des portraits, souvent très précis si l’on en croit les éloges des écrivains, mais aucun exemple peint ne subsiste. Les têtes sculptées de souverains et de personnalités célèbres comme Socrate survivent en certaine quantité, et comme les bustes individualisés des souverains hellénistiques sur les pièces de monnaie, montrent que le portrait grec pouvait atteindre une bonne ressemblance, et les sujets, au moins des figures littéraires, étaient représentés avec relativement peu de flatterie – les portraits de Socrate montrent pourquoi il avait la réputation d’être laid. Les successeurs d’Alexandre le Grand ont commencé la pratique d’ajouter sa tête (en tant que figure déifiée) à leurs pièces de monnaie, et ont bientôt utilisé les leurs.

Le portrait romain a adopté les traditions de portrait à la fois des Étrusques et des Grecs, et a développé une tradition très forte, liée à leur utilisation religieuse des portraits d’ancêtres, ainsi qu’à la politique romaine. Encore une fois, les quelques survivances peintes, dans les portraits du Fayoum, la tombe d’Aline et le Tondo de Sévère, tous de l’Égypte sous la domination romaine, sont clairement des productions provinciales qui reflètent les styles grecs plutôt que romains, mais nous avons une richesse de têtes sculptées, y compris de nombreux portraits individualisés des tombes de la classe moyenne, et des milliers de types de portraits de pièces de monnaie.

Le groupe le plus important de portraits peints est constitué par les peintures funéraires qui ont survécu dans le climat sec du district égyptien du Fayoum (voir illustration, ci-dessous), datant du IIe au IVe siècle de notre ère. Ce sont presque les seules peintures de la période romaine qui ont survécu, à part les fresques, bien que l’on sache, grâce aux écrits de Pline l’Ancien, que la peinture de portraits était bien établie à l’époque grecque, et pratiquée par des artistes hommes et femmes. À son époque, Pline se plaignait du déclin de l’art du portrait romain : « La peinture de portraits, qui transmettait à travers les âges la ressemblance exacte des personnes, a entièrement disparu… L’indolence a détruit les arts ». Ces portraits en pied de l’Égypte romaine sont d’heureuses exceptions. Ils présentent un sens assez réaliste des proportions et des détails individuels (bien que les yeux soient généralement surdimensionnés et que le talent artistique varie considérablement d’un artiste à l’autre). Les portraits du Fayoum étaient peints sur du bois ou de l’ivoire dans des couleurs de cire et de résine (encaustique) ou avec de la détrempe, et insérés dans l’emballage de la momie, pour rester avec le corps à travers l’éternité.

Alors que la peinture de portraits autonomes diminuait à Rome, l’art du portrait s’épanouissait dans les sculptures romaines, où les sitters exigeaient du réalisme, même s’il était peu flatteur. Au cours du IVe siècle, le portrait sculpté domine, avec un recul en faveur d’un symbole idéalisé de ce à quoi ressemblait cette personne. (Comparez les portraits des empereurs romains Constantin Ier et Théodose Ier) Dans la période de l’Antiquité tardive, l’intérêt pour une ressemblance individuelle a considérablement diminué, et la plupart des portraits dans les pièces de monnaie romaines tardives et les diptyques consulaires sont à peine individualisés, bien qu’au même moment l’art paléochrétien évoluait vers des images assez standardisées pour la représentation de Jésus et des autres figures majeures de l’art chrétien, comme Jean-Baptiste, et Saint Pierre.

Moyen ÂgeModification

Le petit diptyque privé Wilton pour Richard II d’Angleterre, vers 1400, avec des fonds d’or estampillés et beaucoup d’outremer.

La plupart des premiers portraits médiévaux étaient des portraits de donateurs, initialement surtout des papes dans les mosaïques romaines, et des manuscrits enluminés, un exemple étant un autoportrait de l’écrivain, mystique, scientifique, enlumineur et musicien Hildegard de Bingen (1152). Comme pour les pièces de monnaie contemporaines, il n’y a guère de tentative de ressemblance. Les monuments funéraires en pierre se répandent à l’époque romane. Entre 1350 et 1400, les figures séculaires ont commencé à réapparaître dans les fresques et les peintures sur panneaux, comme dans le Charles IV recevant l’allégeance de Maître Theodoric, et les portraits sont redevenus des ressemblances claires.

Vers la fin du siècle, les premiers portraits à l’huile d’individus contemporains, peints sur de petits panneaux de bois, ont émergé en Bourgogne et en France, d’abord comme profils, puis dans d’autres vues. Le Diptyque de Wilton, vers 1400, est l’un des deux portraits sur panneau conservés de Richard II d’Angleterre, le plus ancien roi anglais pour lequel nous disposons d’exemples contemporains.

À la fin du Moyen Âge, au XVe siècle, la peinture des Pays-Bas anciens a joué un rôle clé dans le développement du portrait individualisé. Les maîtres comprenaient Jan van Eyck, Robert Campin et Rogier van der Weyden, entre autres. Des portraits sur panneau plutôt petits, moins de la moitié de la taille réelle, ont été commandés, non seulement pour des personnages de la cour, mais aussi pour des citadins aisés dont les vêtements sont relativement simples. Les miniatures des manuscrits enluminés comprenaient également des portraits individualisés, généralement ceux du commanditaire. Dans les peintures religieuses, les portraits des donateurs ont commencé à être montrés comme présents, ou à participer aux principales scènes sacrées représentées, et dans les images de cour plus privées, les sujets sont même apparus comme des figures significatives telles que la Vierge Marie.

• Robert Campin (vers 1375 – 1444), Portrait d’une jeune femme (jumelée avec son mari), 1430-1435. Le style de Van der Weyden était fondé sur celui de Campin.

• Portrait d’Arnolfini, par Jan van Eyck, 1434

• Rogier van der Weyden, Portrait de dame, vers. 1460

• L’un des premiers autoportraits autonomes, Jean Fouquet, vers. 1450

RenaissanceEdit

Albrecht Dürer, Autoportrait, 1500

En partie par intérêt pour le monde naturel et en partie par intérêt pour les cultures classiques de la Grèce et de la Rome antiques, les portraits – peints et sculptés – se sont vus attribuer un rôle important dans la société de la Renaissance et ont été valorisés en tant qu’objets, et en tant que représentations du succès et du statut terrestres. La peinture en général a atteint un nouveau niveau d’équilibre, d’harmonie et de perspicacité, et les plus grands artistes (Léonard, Michel-Ange et Raphaël) étaient considérés comme des « génies », s’élevant bien au-dessus du statut de commerçant pour devenir des serviteurs appréciés de la cour et de l’église.

De nombreuses innovations dans les différentes formes de portrait évoluent durant cette période fertile. La tradition du portrait miniature a commencé, qui est resté populaire jusqu’à l’âge de la photographie, se développant à partir des compétences des peintres des miniatures des manuscrits enluminés. Les portraits de profil, inspirés des médaillons anciens, ont été particulièrement populaires en Italie entre 1450 et 1500. Les médailles, avec leurs images à deux faces, ont également inspiré une vogue éphémère pour les peintures à deux faces au début de la Renaissance. La sculpture classique, comme l’Apollon Belvédère, a également influencé le choix des poses utilisées par les portraitistes de la Renaissance, poses qui ont continué à être utilisées à travers les siècles. Ginevra de’ Benci de Léonard (vers 1474-8) est l’un des premiers portraits de trois quarts connus dans l’art italien.

Les artistes d’Europe du Nord ont ouvert la voie aux portraits réalistes de sujets profanes. Le plus grand réalisme et les détails des artistes du Nord au cours du 15e siècle sont dus en partie aux coups de pinceau plus fins et aux effets possibles avec les couleurs à l’huile, alors que les peintres italiens et espagnols utilisaient encore la tempera. Parmi les premiers peintres à avoir développé la technique de l’huile figure Jan van Eyck. Les couleurs à l’huile peuvent produire plus de texture et de degrés d’épaisseur, et peuvent être superposées plus efficacement, avec l’ajout de couches de plus en plus épaisses les unes sur les autres (ce que les peintres appellent le « gras sur maigre »). En outre, les couleurs à l’huile sèchent plus lentement, ce qui permet à l’artiste d’effectuer des changements plus facilement, par exemple en modifiant les détails du visage. Antonello da Messina a été l’un des premiers Italiens à tirer parti de l’huile. Formé en Belgique, il s’est installé à Venise vers 1475 et a exercé une influence majeure sur Giovanni Bellini et l’école d’Italie du Nord. Au cours du XVIe siècle, la popularité de l’huile s’est répandue dans toute l’Europe, permettant un rendu plus somptueux des vêtements et des bijoux. Le passage du bois à la toile, qui a débuté en Italie au début du XVIe siècle et s’est étendu à l’Europe du Nord au cours du siècle suivant, a également eu une incidence sur la qualité des images. La toile résiste mieux aux fissures que le bois, retient mieux les pigments et nécessite moins de préparation – mais elle était au départ beaucoup plus rare que le bois.

Très tôt, les Européens du Nord abandonnent le profil, et commencent à produire des portraits au volume et à la perspective réalistes. Aux Pays-Bas, Jan van Eyck était un portraitiste de premier plan. Le Mariage d’Arnolfini (1434, National Gallery, Londres) est un point de repère de l’art occidental, un exemple précoce de portrait de couple en pied, superbement peint dans des couleurs riches et des détails exquis. Mais tout aussi important, il met en valeur la technique nouvellement développée de la peinture à l’huile, dont van Eyck a été le pionnier, qui a révolutionné l’art et s’est répandue dans toute l’Europe.

Hans Holbein le Jeune, Portrait de Sir Thomas More, 1527

Les principaux portraitistes allemands, notamment Lucas Cranach, Albrecht Dürer et Hans Holbein le Jeune, qui maîtrisent tous la technique de la peinture à l’huile. Cranach fut l’un des premiers artistes à peindre des commissions grandeur nature, une tradition populaire dès lors. À cette époque, l’Angleterre n’avait pas de portraitistes de premier plan, et des artistes comme Holbein étaient recherchés par les mécènes anglais. Son tableau de Sir Thomas More (1527), son premier mécène important en Angleterre, a presque le réalisme d’une photographie. Holbein a connu son grand succès en peignant la famille royale, notamment Henri VIII. Dürer était un dessinateur exceptionnel et l’un des premiers grands artistes à réaliser une série d’autoportraits, y compris une peinture de face. Il a également placé son autoportrait (en tant que spectateur) dans plusieurs de ses peintures religieuses. Dürer a commencé à réaliser des autoportraits à l’âge de treize ans. Plus tard, Rembrandt amplifiera cette tradition.

En Italie, Masaccio a ouvert la voie à la modernisation de la fresque en adoptant une perspective plus réaliste. Filippo Lippi a ouvert la voie en développant des contours plus nets et des lignes sinueuses et son élève Raphaël a étendu le réalisme en Italie à un niveau beaucoup plus élevé dans les décennies suivantes avec ses peintures murales monumentales. À cette époque, le portrait de fiançailles devient populaire, une spécialité particulière de Lorenzo Lotto. Au début de la Renaissance, les peintures de portraits étaient généralement de petite taille et parfois recouvertes de couvercles protecteurs, articulés ou coulissants.

Au cours de la Renaissance, la noblesse florentine et milanaise, en particulier, souhaitait des représentations plus réalistes d’elle-même. Le défi de créer des vues complètes et de trois quarts convaincantes a stimulé l’expérimentation et l’innovation. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, Leonardo da Vinci et d’autres artistes ont élargi leur technique en conséquence, ajoutant le portrait aux sujets religieux et classiques traditionnels. Léonard et Pisanello ont été parmi les premiers artistes italiens à ajouter des symboles allégoriques à leurs portraits profanes.

Léonard de Vinci, Mona Lisa ou La Gioconda, 1503-1505/1507

L’un des portraits les plus connus du monde occidental est le tableau de Léonard de Vinci intitulé Mona Lisa, nommé d’après Lisa del Giocondo, membre de la famille Gherardini de Florence et de Toscane et épouse du riche marchand de soie florentin Francesco del Giocondo. Le célèbre « sourire de Mona Lisa » est un excellent exemple de l’application d’une asymétrie subtile à un visage. Dans ses carnets, Léonard conseille sur les qualités de la lumière dans la peinture de portrait :

Un très haut degré de grâce dans la lumière et l’ombre est ajouté aux visages de ceux qui sont assis dans les embrasures des pièces qui sont sombres, où les yeux de l’observateur voient la partie ombragée du visage obscurcie par les ombres de la pièce, et voient la partie éclairée du visage avec le plus grand éclat que l’air lui donne. Par cette augmentation des ombres et des lumières, le visage reçoit un plus grand relief.

Léonard fut un élève de Verrocchio. Après être devenu membre de la Guilde des peintres, il a commencé à accepter des commandes indépendantes. En raison de ses intérêts variés et conformément à son esprit scientifique, sa production de dessins et d’études préliminaires est immense bien que sa production artistique finie soit relativement faible. Parmi ses autres portraits mémorables figurent ceux des femmes nobles Ginevra de’ Benci et Cecilia Gallerani.

Les portraits de commande de Raphaël qui ont survécu sont beaucoup plus nombreux que ceux de Léonard, et ils présentent une plus grande variété de poses, d’éclairages et de techniques. Plutôt que de produire des innovations révolutionnaires, la grande réussite de Raphaël a été de renforcer et d’affiner les courants évolutifs de l’art de la Renaissance. Il était particulièrement expert dans le domaine du portrait de groupe. Son chef-d’œuvre, l’École d’Athènes, est l’une des plus grandes fresques de groupe. Elle contient des portraits de Léonard, Michel-Ange, Bramante et Raphaël lui-même, sous la forme de philosophes antiques. Ce n’est pas le premier portrait de groupe d’artistes. Quelques décennies plus tôt, Paolo Uccello avait peint un portrait de groupe comprenant Giotto, Donatello, Antonio Manetti et Brunelleschi. Au fur et à mesure de son ascension, Raphaël est devenu le portraitiste préféré des papes. Si de nombreux artistes de la Renaissance acceptent volontiers les commandes de portraits, quelques artistes les refusent, notamment Michel-Ange, le rival de Raphaël, qui s’attelle plutôt aux énormes commandes de la chapelle Sixtine.

À Venise, vers 1500, Gentile Bellini et Giovanni Bellini dominent la peinture de portraits. Ils recevaient les plus hautes commandes des principaux fonctionnaires de l’État. Le portrait du doge Loredan par Bellini est considéré comme l’un des plus beaux portraits de la Renaissance et démontre habilement la maîtrise de l’artiste des techniques de peinture à l’huile nouvellement arrivées. Bellini est également l’un des premiers artistes d’Europe à signer ses œuvres, même s’il les datait rarement. Plus tard au XVIe siècle, Titien a assumé à peu près le même rôle, notamment en élargissant la variété des poses et des séances de pose de ses sujets royaux. Titien est peut-être le premier grand enfant portraitiste. Après Titien, Tintoretto et Véronèse sont devenus des artistes vénitiens de premier plan, contribuant à la transition vers le maniérisme italien. Les maniéristes sont à l’origine de nombreux portraits exceptionnels qui mettent l’accent sur la richesse des matériaux et l’élégance des poses complexes, comme dans les œuvres d’Agnolo Bronzino et de Jacopo da Pontormo. Bronzino s’est rendu célèbre en faisant le portrait de la famille Médicis. Son audacieux portrait de Cosimo Ier de Médicis montre le souverain austère en armure, le regard méfiant tourné vers l’extrême droite, ce qui contraste fortement avec la plupart des peintures royales qui montrent leurs modèles comme des souverains bienveillants. Le Greco, qui s’est formé à Venise pendant douze ans, est allé dans une direction plus extrême après son arrivée en Espagne, mettant l’accent sur sa « vision intérieure » du modèle au point de diminuer la réalité de l’apparence physique. L’un des meilleurs portraitistes de l’Italie du XVIe siècle était Sofonisba Anguissola de Crémone, qui insufflait à ses portraits individuels et de groupe de nouveaux niveaux de complexité.

Le portrait de cour en France a commencé lorsque l’artiste flamand Jean Clouet a peint son opulent portrait de François Ier de France vers 1525. Le roi François était un grand mécène des artistes et un avare collectionneur d’art qui a invité Léonard de Vinci à vivre en France pendant ses dernières années. La Joconde est restée en France après que Léonard y soit mort.

• Pisanello, peut-être Ginevra d’Este, vers 1440

• Jeune homme par Sandro Botticelli, vers 1483. Une pose italienne précoce du visage entier.

• Possiblement Raphaël, vers 1518, Isabel de Requesens. Le style et le format de la Haute Renaissance ont eu une énorme influence sur les grands portraits ultérieurs.

• Christiane von Eulenau par Lucas Cranach l’Ancien, 1534

• Lucrezia Panciatichi, par Agnolo Bronzino, 1540

• Pope Paul III et ses petits-fils, Titien, 1546

• Maarten van Heemskerck (1498-1574), Famille de Pieter Jan Foppesz, avant c.1532, considéré comme le premier portrait de famille, dans le portrait hollandais.

• Charles V par Titien, 1548, un portrait équestre fondateur.

• Le portrait de l’Armada d’Elizabeth I d’Angleterre, vers 1588. Le portrait stylisé d’Elisabeth I d’Angleterre était unique en Europe.

• Portrait d’un cardinal, probablement Fernando Niño de Guevara, El Greco, vers. 1600

Baroque et RococoEdit

Portrait de groupe de Rembrandt, Les syndics de la guilde des drapiers, 1662.

Au cours des périodes baroque et rococo (respectivement aux 17e et 18e siècles), les portraits sont devenus des registres encore plus importants du statut et de la position. Dans une société de plus en plus dominée par des dirigeants laïques dans des cours puissantes, les images de figures opulentes étaient un moyen d’affirmer l’autorité des individus importants. Les peintres flamands Sir Anthony van Dyck et Peter Paul Rubens excellaient dans ce type de portrait, tandis que Jan Vermeer réalisait surtout des portraits de la classe moyenne, au travail et au jeu à l’intérieur. Le portrait de Rubens et de sa première femme (1609) dans leur tenue de mariage est un exemple virtuose du portrait de couple. La renommée de Rubens s’étendait au-delà de son art : il était courtisan, diplomate, collectionneur d’art et homme d’affaires prospère. Son atelier était l’un des plus vastes de l’époque, employant des spécialistes des natures mortes, des paysages, des animaux et des scènes de genre, en plus des portraits. Van Dyck y a suivi une formation pendant deux ans. Charles Ier d’Angleterre a d’abord employé Rubens, puis a importé Van Dyck comme peintre de sa cour, l’a fait chevalier et lui a conféré un statut de cour. Van Dyck a non seulement adapté les méthodes de production et les compétences commerciales de Rubens, mais aussi ses manières élégantes et son apparence. Comme on l’a écrit, « il était toujours magnifiquement habillé, avait un équipement nombreux et galant, et tenait une table si noble dans son appartement, que peu de princes n’ont pas été plus visités ou mieux servis ». En France, Hyacinthe Rigaud a dominé à peu près de la même manière, en tant que remarquable chroniqueur de la royauté, peignant les portraits de cinq rois français.

L’une des innovations de l’art de la Renaissance a été l’amélioration du rendu des expressions faciales pour accompagner les différentes émotions. En particulier, le peintre néerlandais Rembrandt a exploré les nombreuses expressions du visage humain, notamment en tant que l’un des premiers autoportraitistes (dont il a peint plus de 60 au cours de sa vie). Cet intérêt pour le visage humain a également favorisé la création des premières caricatures, attribuées à l’Accademia degli Incamminati, dirigée par des peintres de la famille Carracci à la fin du XVIe siècle à Bologne, en Italie.

Velázquez, Pape Innocent X, vers 1650, Galerie Doria Pamphilj, Rome.

Les portraits de groupe ont été produits en grand nombre pendant la période baroque, en particulier aux Pays-Bas. Contrairement au reste de l’Europe, les artistes hollandais ne recevaient aucune commande de l’Église calviniste qui avait interdit de telles images ou de l’aristocratie qui était pratiquement inexistante. Les commandes provenaient plutôt d’associations civiques et commerciales. Le peintre néerlandais Frans Hals utilisait des coups de pinceau fluides aux couleurs vives pour animer ses portraits de groupe, notamment ceux de la garde civile à laquelle il appartenait. Rembrandt a grandement bénéficié de ces commandes et de l’appréciation générale de l’art par les clients bourgeois, qui soutenaient le portrait ainsi que la peinture de natures mortes et de paysages. En outre, les premiers marchés importants de l’art et des marchands ont fleuri en Hollande à cette époque.

Avec une demande abondante, Rembrandt a pu expérimenter des compositions et des techniques non conventionnelles, comme le clair-obscur. Il a démontré ces innovations, inaugurées par des maîtres italiens comme le Caravage, notamment dans sa célèbre Ronde de nuit (1642). La leçon d’anatomie du Dr Tulp (1632) est un autre bel exemple de la maîtrise de Rembrandt de la peinture de groupe, dans laquelle il baigne le cadavre dans une lumière vive pour attirer l’attention sur le centre du tableau tandis que les vêtements et l’arrière-plan se fondent dans le noir, faisant ressortir les visages du chirurgien et des étudiants. C’est également le premier tableau que Rembrandt a signé de son nom complet.

En Espagne, Diego Velázquez a peint Las Meninas (1656), l’un des portraits de groupe les plus célèbres et énigmatiques de tous les temps. Il commémore l’artiste et les enfants de la famille royale espagnole, et apparemment les sitters sont le couple royal qui n’est vu que comme des reflets dans un miroir. D’abord peintre de genre, Velázquez s’est rapidement fait connaître en tant que peintre de la cour de Philippe IV, excellant dans l’art du portrait, notamment en étendant la complexité des portraits de groupe.

Les artistes rococo, qui s’intéressaient particulièrement à l’ornementation riche et complexe, étaient les maîtres du portrait raffiné. L’attention qu’ils portaient aux détails de l’habillement et de la texture augmentait l’efficacité des portraits en tant que témoignages de la richesse mondaine, comme en témoignent les célèbres portraits de Madame de Pompadour par François Boucher, habillée de robes de soie gonflées.

Thomas Gainsborough, Le garçon bleu, vers 1770, Huntington Library, San Marino, Californie

Louis XIV de France et sa famille représentés comme des dieux romains dans un tableau de 1670 de Jean Nocret.

Les premiers grands portraitistes autochtones de l’école britannique sont les peintres anglais Thomas Gainsborough et Sir Joshua Reynolds, qui se sont également spécialisés dans l’habillement de leurs sujets de manière accrocheuse. Le Garçon bleu de Gainsborough est l’un des portraits les plus célèbres et les plus reconnus de tous les temps, peint avec de très longs pinceaux et une fine couleur à l’huile pour obtenir l’effet chatoyant du costume bleu. Gainsborough était également remarqué pour ses décors d’arrière-plan élaborés pour ses sujets.

Les deux artistes britanniques avaient des opinions opposées sur l’utilisation d’assistants. Reynolds les employait régulièrement (ne faisant parfois que 20 % de la peinture lui-même) alors que Gainsborough le faisait rarement. Parfois, un client exigeait un engagement de la part de l’artiste, comme le fit Sir Richard Newdegate auprès du portraitiste Peter Lely (successeur de van Dyck en Angleterre), qui promit que le portrait serait « du début à la fin dessiné de mes propres mains ». Contrairement à l’exactitude employée par les maîtres flamands, Reynolds résume son approche du portrait en déclarant que « la grâce, et, pouvons-nous ajouter, la ressemblance, consiste davantage à prendre l’air général qu’à observer la similitude exacte de chaque trait ». En Angleterre, William Hogarth s’est également illustré en osant s’opposer aux méthodes conventionnelles en introduisant des touches d’humour dans ses portraits. Son « Autoportrait avec carlin » est clairement plus une prise humoristique sur son animal de compagnie qu’une peinture complaisante.

Au 18e siècle, les femmes peintres ont acquis une nouvelle importance, en particulier dans le domaine du portrait. Parmi les artistes féminines notables, citons la peintre française Élisabeth Vigée-Lebrun, la pastelliste italienne Rosalba Carriera et l’artiste suisse Angelica Kauffman. Toujours au cours de ce siècle, avant l’invention de la photographie, les portraits miniatures – peints avec une incroyable précision et souvent enfermés dans des médaillons en or ou en émail – étaient très appréciés.

Aux États-Unis, John Singleton Copley, formé à la manière britannique raffinée, est devenu le principal peintre de portraits grandeur nature et miniatures, ses tableaux hyperréalistes de Samuel Adams et Paul Revere étant particulièrement appréciés. Copley est également remarquable pour ses efforts visant à fusionner le portrait avec l’art académique plus vénéré de la peinture d’histoire, ce qu’il tenta avec ses portraits de groupe de militaires célèbres. Gilbert Stuart, tout aussi célèbre, a peint plus de 1 000 portraits et était surtout connu pour ses portraits de présidents. Stuart a peint plus de 100 répliques de George Washington à lui seul. Stuart travaillait rapidement et utilisait des coups de pinceau plus doux et moins détaillés que Copley pour capturer l’essence de ses sujets. Il lui arrivait de réaliser plusieurs versions pour un client, permettant à ce dernier de choisir sa préférée. Connu pour les tons rosés de ses joues, Stuart a écrit : « La chair ne ressemble à aucune autre substance sous le ciel. Elle a toute la gaieté de la boutique du marchand de soie, sans son éclat, et toute la douceur du vieil acajou, sans sa tristesse ». D’autres portraitistes américains importants de l’époque coloniale sont John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale et Rembrandt Peale.

• Philipe IV en brun et argent, Diego Velázquez, 1632

• Sir Kenelm Digby par Anthony Van Dyck, vers. 1640

• Rembrandt van Rijn, Portrait de Jan Six, 1654

• Pastel de Madame de Pompadour, Maurice Quentin de La Tour, milieu du 18ème siècle

• Thomas Kerrich (1748-1828), par Pompeo Batoni

• John Durand, Les enfants Rapalje, 1768, New-York Historical Society, New York City

• John Singleton Copley, Paul Revere, 1770

19ème siècleEdit

Madame Récamier (1800), à l’apogée de la mode néoclassique, Jacques-Louis David

À la fin du 18ème siècle et au début du 19ème siècle, les artistes néoclassiques ont poursuivi la tradition de représenter des sujets à la dernière mode, ce qui, pour les femmes, signifiait alors des robes diaphanes dérivées des anciens styles vestimentaires grecs et romains. Les artistes utilisent la lumière dirigée pour définir la texture et la rondeur simple des visages et des membres. Les peintres français Jacques-Louis David et Jean-Auguste-Dominique Ingres ont fait preuve de virtuosité dans cette technique proche du dessin et d’un sens aigu du caractère. Ingres, élève de David, est remarquable pour ses portraits dans lesquels un miroir est peint derrière le sujet pour simuler une vue arrière de celui-ci. Son portrait de Napoléon sur son trône impérial est un tour de force du portrait royal. (voir Galerie ci-dessous)

Les artistes romantiques qui ont travaillé pendant la première moitié du 19e siècle ont peint des portraits de dirigeants inspirants, de belles femmes et de sujets agités, en utilisant des coups de pinceau vifs et un éclairage dramatique, parfois lunatique. Les artistes français Eugène Delacroix et Théodore Géricault ont peint des portraits particulièrement réussis de ce type, notamment de fringants cavaliers. Un exemple notable d’artiste de la période romantique en Pologne, qui a pratiqué le portrait de cavalier, est Piotr Michałowski (1800-1855). On peut également citer la série de portraits de malades mentaux de Géricault (1822-1824). Le peintre espagnol Francisco de Goya a peint certaines des images les plus fouillées et provocantes de l’époque, notamment La maja desnuda (vers 1797-1800), ainsi que de célèbres portraits de cour de Charles IV.

Thomas Eakins, La clinique Gross, 1875

Les artistes réalistes du XIXe siècle, comme Gustave Courbet, ont créé des portraits objectifs représentant des personnes de la classe inférieure et moyenne. Démontrant son romantisme, Courbet a peint plusieurs autoportraits se montrant dans des humeurs et des expressions variées. Parmi les autres réalistes français figure Honoré Daumier, qui a réalisé de nombreuses caricatures de ses contemporains. Henri de Toulouse-Lautrec a fait la chronique de certains des célèbres artistes de théâtre, dont Jane Avril, en les capturant en mouvement. Édouard Manet, peintre français, est un important artiste de transition dont l’œuvre oscille entre réalisme et impressionnisme. Il était un portraitiste d’une perspicacité et d’une technique exceptionnelles, son tableau de Stéphane Mallarmé étant un bon exemple de son style de transition. Son contemporain Edgar Degas était avant tout un réaliste et son tableau Portrait de la famille Bellelli est une représentation perspicace d’une famille malheureuse et l’un de ses meilleurs portraits.

En Amérique, Thomas Eakins a régné comme le premier portraitiste, portant le réalisme à un nouveau niveau de franchise, notamment avec ses deux portraits de chirurgiens au travail, ainsi que ceux d’athlètes et de musiciens en action. Dans de nombreux portraits, comme le « Portrait de Mme Edith Mahon », Eakins transmet avec audace les émotions peu flatteuses du chagrin et de la mélancolie.

Vincent van Gogh, Autoportrait, 1887

Les réalistes ont surtout cédé la place aux impressionnistes dans les années 1870. En partie à cause de leurs maigres revenus, beaucoup d’impressionnistes comptaient sur leur famille et leurs amis pour poser pour eux, et ils peignaient des groupes intimes et des personnages seuls, soit en plein air, soit dans des intérieurs remplis de lumière. Remarqués pour leurs surfaces chatoyantes et leurs riches touches de peinture, les portraits impressionnistes sont souvent d’une intimité et d’un attrait désarmants. Les peintres français Claude Monet et Pierre-Auguste Renoir ont créé certaines des images les plus populaires de personnages individuels et de groupes. L’artiste américaine Mary Cassatt, qui s’est formée et a travaillé en France, est encore aujourd’hui populaire pour ses peintures attachantes de mères et d’enfants, tout comme Renoir. Paul Gauguin et Vincent van Gogh, tous deux post-impressionnistes, ont peint des portraits révélateurs de personnes qu’ils connaissaient, tourbillonnant de couleurs mais pas nécessairement flatteurs. Ils sont tout autant, sinon plus, célébrés pour leurs puissants autoportraits.

John Singer Sargent a également traversé le changement de siècle, mais il a rejeté l’impressionnisme et le post-impressionnisme déclarés. Il était le portraitiste le plus réussi de son époque, utilisant une technique principalement réaliste souvent effusée par l’utilisation brillante de la couleur. Il était aussi doué pour les portraits individuels que pour les portraits de groupe, en particulier ceux des familles de la haute société. Sargent est né à Florence, en Italie, de parents américains. Il a étudié en Italie et en Allemagne, ainsi qu’à Paris. Sargent est considéré comme le dernier représentant majeur de la tradition britannique du portrait, qui a débuté avec van Dyck. William Merritt Chase est un autre portraitiste américain de premier plan qui s’est formé à l’étranger. La peintre mondaine américaine Cecilia Beaux, appelée la « Sargent féminine », est née d’un père français, a étudié à l’étranger et a connu le succès dans son pays, en restant fidèle aux méthodes traditionnelles. Un autre portraitiste comparé à Sargent pour sa technique luxuriante est l’artiste parisien d’origine italienne Giovanni Boldini, ami de Degas et de Whistler.

Internationaliste d’origine américaine, James Abbott McNeill Whistler était bien relié aux artistes européens et a également peint quelques portraits exceptionnels, dont le plus célèbre est son Arrangement en gris et noir, la mère de l’artiste (1871), également connu sous le nom de Mère de Whistler. Même pour ses portraits, comme pour ses paysages en tons, Whistler voulait que ses spectateurs se concentrent sur l’arrangement harmonieux des formes et des couleurs de ses tableaux. Whistler utilisait une palette discrète pour créer les effets recherchés, en mettant l’accent sur l’équilibre des couleurs et les tons doux. Comme il l’a déclaré, « comme la musique est la poésie du son, la peinture est la poésie de la vue, et le sujet n’a rien à voir avec l’harmonie du son ou de la couleur ». La forme et la couleur étaient également centrales dans les portraits de Cézanne, tandis qu’une technique de couleur et de coup de pinceau encore plus extrême domine les portraits d’André Derain, et d’Henri Matisse.

Le développement de la photographie au 19ème siècle a eu un effet significatif sur le portrait, supplantant la caméra obscura antérieure qui avait également été utilisée auparavant comme aide à la peinture. De nombreux modernistes ont afflué dans les studios de photographie pour faire réaliser leur portrait, y compris Baudelaire qui, bien qu’il ait proclamé que la photographie était un « ennemi de l’art », s’est trouvé attiré par la franchise et la puissance de la photographie. En offrant une alternative bon marché, la photographie a supplanté une grande partie du niveau le plus bas de la peinture de portrait. Certains artistes réalistes, tels que Thomas Eakins et Edgar Degas, étaient enthousiasmés par la photographie et la considéraient comme une aide utile à la composition. À partir des impressionnistes, les portraitistes ont trouvé une myriade de façons de réinterpréter le portrait pour concurrencer efficacement la photographie. Sargent et Whistler ont été parmi ceux qui ont été stimulés à étendre leur technique pour créer des effets que l’appareil photo ne pouvait pas capturer.

• Francisco de Goya, Charles IV d’Espagne et sa famille, 1800-1801

• Jean Auguste Dominique Ingres, portrait de Napoléon sur son trône impérial, 1806, musée de l’Armée, Paris

• Gustave Courbet, portrait de Charles Baudelaire, 1848

• Pierre-Auguste Renoir, Portrait d’Alfred Sisley, 1868

• James Abbott McNeill Whistler, Arrangement en gris et noir : La mère de l’artiste (1871) populairement connue sous le nom de Mère de Whistler

• Edgar Degas, Portrait de Mlle Cassatt, assise, tenant des cartes, 1876-1878

• John Singer Sargent, Portrait de Robert Louis Stevenson, 1887

• Paul Gauguin, Le peintre de tournesols, Portrait de Vincent van Gogh, 1888

• Vincent van Gogh, Portrait du docteur Gachet, (première version), 1890

20ème siècleModification

Portrait de Gertrude Stein, 1906, Metropolitan Museum of Art, New York City. Lorsque quelqu’un a fait remarquer que Stein ne ressemblait pas à son portrait, Picasso a répondu : « Elle le fera ».

D’autres artistes du début du XXe siècle ont également élargi le répertoire du portrait dans de nouvelles directions. L’artiste fauviste Henri Matisse a produit des portraits puissants en utilisant des couleurs non naturalistes, voire criardes, pour les tons de la peau. Cézanne s’est appuyé sur des formes très simplifiées dans ses portraits, évitant les détails et mettant l’accent sur les juxtapositions de couleurs. Dans son style unique, l’Autrichien Gustav Klimt a appliqué des motifs byzantins et de la peinture dorée à ses portraits mémorables. Son élève Oskar Kokoschka était un portraitiste important de la classe supérieure viennoise. L’artiste espagnol prolifique Pablo Picasso a peint de nombreux portraits, y compris plusieurs rendus cubistes de ses maîtresses, dans lesquels la ressemblance du sujet est grossièrement déformée pour atteindre une déclaration émotionnelle bien au-delà des limites de la caricature normale. Olga Boznańska (1865-1940) est une portraitiste féminine exceptionnelle du début du XXe siècle, associée à l’impressionnisme français. Les peintres expressionnistes ont produit certaines des études psychologiques les plus obsédantes et les plus fascinantes jamais réalisées. Des artistes allemands tels qu’Otto Dix et Max Beckmann ont produit des exemples notables de portraits expressionnistes. Beckmann était un autoportraitiste prolifique, qui en a réalisé au moins vingt-sept. Amedeo Modigliani a peint de nombreux portraits dans son style allongé qui dépréciait la « personne intérieure » en faveur d’études strictes de la forme et de la couleur. Pour y parvenir, il a dédramatisé les yeux et les sourcils, normalement expressifs, au point de créer des fentes noircies et des arcs simples.

L’art britannique a été représenté par les vorticistes, qui ont peint quelques portraits notables au début du XXe siècle. Le peintre dada Francis Picabia a exécuté de nombreux portraits à sa manière unique. En outre, les portraits de Tamara de Lempicka ont réussi à capturer l’ère de l’Art déco avec ses courbes épurées, ses couleurs riches et ses angles aigus. En Amérique, Robert Henri et George Bellows étaient d’excellents portraitistes de l’école réaliste américaine des années 1920 et 1930. Max Ernst a produit un exemple de portrait collégial moderne avec son tableau de 1922 Tous les amis ensemble.

Une contribution significative au développement de la peinture de portrait des années 1930-2000 a été faite par des artistes russes, travaillant principalement dans les traditions de la peinture réaliste et figurative. Parmi eux, il faut citer Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov et d’autres.

La production de portraits en Europe (à l’exclusion de la Russie) et en Amérique a généralement diminué dans les années 1940 et 1950, résultat de l’intérêt croissant pour l’abstraction et l’art non figuratif. Andrew Wyeth, qui est devenu le principal portraitiste réaliste américain, fait toutefois exception à la règle. Chez Wyeth, le réalisme, bien que manifeste, est secondaire par rapport aux qualités tonales et à l’ambiance de ses tableaux. Cela est bien démontré par sa série de peintures marquantes connues sous le nom de tableaux « Helga », le plus grand groupe de portraits d’une seule personne par un artiste majeur (247 études de sa voisine Helga Testorf, habillée et nue, dans des environnements variés, peintes au cours de la période 1971-1985).

Dans les années 1960 et 1970, on assiste à un renouveau du portrait. Des artistes anglais tels que Lucian Freud (petit-fils de Sigmund Freud) et Francis Bacon ont produit des peintures puissantes. Les portraits de Bacon sont remarquables pour leur caractère cauchemardesque. En mai 2008, le portrait de 1995 de Freud, Benefits Supervisor Sleeping, a été vendu aux enchères par Christie’s à New York pour 33,6 millions de dollars, établissant un record mondial pour la valeur de vente d’une peinture d’un artiste vivant.

De nombreux artistes américains contemporains, comme Andy Warhol, Alex Katz et Chuck Close, ont fait du visage humain un point central de leur travail.

Warhol était l’un des peintres de portraits les plus prolifiques du 20e siècle. La peinture Orange Shot Marilyn de Marilyn Monroe est un exemple emblématique du début de son travail des années 1960, et Orange Prince (1984) du chanteur pop Prince est un exemple plus tardif, tous deux exposant le style graphique unique de Warhol en matière de portrait.

La spécialité deClose était d’énormes portraits « de tête » hyperréalistes de taille murale basés sur des images photographiques. Jamie Wyeth poursuit la tradition réaliste de son père Andrew, produisant des portraits célèbres dont les sujets vont des présidents aux cochons.

• Henri Matisse, La bande verte, Portrait de Madame Matisse, 1905

• Olga Boznańska, Autoportrait, 1906, Musée national de Varsovie

• Umberto Boccioni, Autoportrait, 1906

• Gustav Klimt, Portrait d’Adele Bloch-Bauer I, 1907

• Pablo Picasso, Portrait de Daniel-Henry Kahnweiler, 1910, The Art Institute of Chicago

• Juan Gris, Portrait de Pablo Picasso, 1912

• Amedeo Modigliani, Portrait de Chaim Soutine, 1916

• Boris Grigoriev, Portrait de Vsevolod Meyerhold, 1916

• Boris Kustodiev, Kapitsa et Semyonov, 1921

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