Early Bird – avec Jay McShann et son orchestre

Charlie Parker commence à jouer du saxophone à l’âge de 11 ans, et au milieu des années 1930, il commence à s’exercer assidûment.

En 1937 a lieu un incident qui deviendra une légende. À 16 ans, alors qu’il jouait dans une jam session de Kansas City, il a perdu sa place pendant un solo sur un Rhythm changes (un air basé sur la séquence d’accords de « I Got Rhythm » de George Gerswhin).

Jo Jones, l’un des batteurs les plus importants de l’ère du swing et membre de longue date de l’orchestre Count Basie, prend une cymbale de sa batterie et la jette aux pieds du saxophoniste en signe de mépris.

L’expérience ne fait que renforcer la détermination du jeune musicien, qui développe une base technique brillante grâce à des séances d’entraînement quotidiennes marathoniennes pouvant atteindre 15 heures.

En 1938, Parker rejoint le big band de Jay McShann, qui joue pour les danseurs dans tout le sud-ouest et à Chicago et New York.

Sur ces premiers enregistrements, réalisés alors qu’il n’a qu’une vingtaine d’années, on entend un soliste brillant avec un swing profondément contagieux.

Il sonne déjà de manière reconnaissable comme Bird, bien que l’influence de Lester Young, dont il a beaucoup transcrit les solos, soit peut-être plus manifeste que dans ses travaux ultérieurs.

Son solo de 1942 sur « Cherokee », un numéro up-tempo délicat et l’une des séquences d’accords préférées de Bird, est un regard particulièrement bon sur la direction stylistique dans laquelle il se dirigeait.

The Complete Savoy Masters

En 1939, Parker s’installe à New York, l’épicentre du jazz, en faisant d’abord des petits boulots, y compris un passage comme plongeur.

C’est cette même année qu’il fait une sorte de percée en découvrant le vocabulaire d’improvisation aujourd’hui connu sous le nom de bebop, en utilisant des tons de passage pour relier les extensions supérieures des accords :

« Maintenant, je m’étais ennuyé avec les changements stéréotypés qui étaient utilisés tout le temps à l’époque, et je continuais à penser qu’il devait y avoir quelque chose d’autre.

Je l’entendais parfois mais je n’arrivais pas à le jouer…

Et bien, cette nuit-là, je travaillais sur « Cherokee » et, ce faisant, j’ai découvert qu’en utilisant les intervalles supérieurs d’un accord comme ligne mélodique et en les soutenant avec des changements adéquatement liés, je pouvais jouer la chose que j’avais entendue. Je suis devenu vivant. »

La nouvelle musique a été développée au début des années 1940 lors de jam sessions nocturnes à Harlem avec d’autres jeunes joueurs avant-gardistes comme le pianiste Thelonious Monk, le guitariste Charlie Christian et le batteur Kenny Clarke.

Malheureusement, cette période est sous-documentée en raison d’une grève de l’American Federation of Musicians, ce qui signifie que les enregistrements ont à peine été faits entre 1942 et 1944.

La carrière d’enregistrement de Parker a vraiment démarré à la fin de 1944 lorsque le label Savoy, basé à New York, a commencé à documenter son travail.

C’est antérieur à l’aube de l’ère de l’album, mais The Complete Savoy Masters rassemble tous les premiers travaux classiques de Bird en studio pour le label, réalisés entre cette époque et 1948.

Les choses démarrent de façon légère, Parker apportant des interjections parfaites et de courts interludes en solo à un groupe mené par le guitariste et chanteur Tiny Grimes sur « I’ll Always Love You Just the Same » et « Romance Without Finance ».

Avec Parker maintenant à la tête du groupe, un Miles Davis de 19 ans apparaît sur une session de 1945, qui comprend les têtes de blues classiques « Now’s The Time » et « Billie’s Bounce ».

Ce coffret à double disque comprend également des solos classiques sur des airs comme « Donna Lee », « Parker’s Mood » et « Ko-Ko », et des apparitions de Dizzy Gillespie, Max Roach et Bud Powell à travers diverses sessions brillantes.

The Complete Dial Masters

Parker était censé être sous contrat exclusif avec Savoy, mais il a néanmoins commencé à enregistrer pour le label Dial, basé sur la côte ouest, à peu près à la même période (1946-47), de nombreuses sessions ayant lieu à Hollywood.

Il y a une pléthore de travail brillant ici, avec Bird prenant des solos incroyables sur « Moose the Mooche » et « Yardbird Suite » (qui sont tous deux ses compositions originales) et beaucoup d’autres, et jouant un break de quatre mesures à peine crédible dans sa contribution à « A Night in Tunisia » de Dizzy Gillespie.

Mais les problèmes personnels de Parker commençaient à devenir apparents.

Il avait développé une dépendance aux opiacés suite à une prescription d’analgésiques après un accident de voiture dans les années 1930. Lors d’une des séances ici, datant de juillet 1946, il souffrait apparemment d’un manque d’héroïne et avait beaucoup bu.

Sur « Lover Man » et « The Gypsy », il y a des moments de beauté authentique, mais il n’est clairement pas lui-même, et il n’a jamais pardonné au producteur Ross Russell de les avoir libérés au monde.

Le blues « Relaxin’ at Camarillo », quant à lui, fait référence à un séjour de six mois qu’il a passé à l’hôpital psychiatrique d’État de Camarillo en Californie au milieu des années 1940.

Ces morceaux et ceux du Savoy sont également disponibles dans une compilation complète de trois disques intitulée The Complete Savoy and Dial Masters.

Charlie Parker With Strings : the Master Takes

Parker s’intéressait profondément à la musique classique, Stravinsky, Brahms et Bartok faisant partie de ses favoris, et il avait depuis longtemps l’ambition d’enregistrer avec un ensemble orchestral.

Ce rêve se réalise en 1949 lorsqu’il réalise Charlie Parker with Strings, accompagné d’une section de cordes comprenant la harpe, plus le hautboïste Mitch Miller et une section rythmique de jazz standard.

En tant que soliste vedette, Bird s’élève au-dessus de l’ensemble sur une sélection de standards arrangés par Jimmy Carroll.

Après que ce brillant album de Charlie Parker ait trouvé un succès commercial, un second enregistrement, également inclus dans cette édition Master Takes, a été réalisé l’année suivante. Le solo d’alto à double temps sur le morceau d’ouverture « Just Friends » est un point culminant particulier, et continue d’être transcrit par des étudiants émerveillés apprenant le jazz aujourd’hui.

« Quand j’ai enregistré avec des cordes, certains de mes amis ont dit « Oh, Bird devient commercial ». Ce n’était pas du tout ça. Je cherchais de nouvelles façons de dire les choses musicalement. De nouvelles combinaisons sonores.’

Intégrale Live at Birdland, 17 mai 1950

Les enregistrements studio sont probablement un bon point de départ pour ceux qui souhaitent découvrir l’univers de Bird pour la première fois, la qualité sonore supérieure et la longueur des morceaux les rendant plus accessibles à l’auditeur occasionnel.

Cependant, les aficionados savent que c’est sur les enregistrements live que l’altoïste s’étire vraiment, élaborant sans doute certaines de ses meilleures œuvres.

Ce concert de 1950 du Birdland, le club de jazz de Midtown Manhattan qui a tiré son nom de Yardbird lui-même, voit Parker partager la première ligne avec Fats Navarro, un merveilleux trompettiste qui, tragiquement, mourra de la tuberculose quelques mois après cet enregistrement.

Bud Powell, personnage clé dans le développement du bebop et autre figure brillante mais quelque peu tragique, est ici dans une forme fantastique au piano.

Bird joue un solo enflammé sur « Ornithology », une composition basée sur la séquence d’accords du standard classique du jazz « How High the Moon ».

Bird et Diz

L’un des plus proches alliés musicaux de Bird était Dizzy Gillespie qui, comme Parker, a contribué à la naissance du bebop et à son établissement en tant que forme d’art fièrement intellectuelle et distinctement afro-américaine, par opposition à une grande partie de la musique de l’ère swing précédente, qui existait principalement comme musique pour la danse.

En plus d’être un trompettiste virtuose, célèbre pour ses joues gonflées et son pavillon de trompette à l’angle distinctif, Gillespie était un compositeur, un éducateur et un défenseur public du jazz.

Cet album de Charlie Parker de 1950 place les deux artistes en studio ensemble, avec du matériel comprenant une belle version du vieux standard « My Melancholy Baby » et quelques originaux moins connus de Parker comme « An Oscar For Treadwell », une dédicace à Oscar Treadwell, un journaliste et présentateur de radio de jazz américain.

La section rythmique un peu inattendue comprend le génie excentrique Thelonious Monk au piano, et Buddy Rich, plus connu pour ses traits virtuoses de big band, à la batterie.

« Nous avons fini par devenir si proches dans nos esprits musicaux que nous pouvions phraser comme l’un l’autre. L’attaque, la respiration, l’articulation et tout le phrasé pouvaient être à l’unisson total. » – Dizzy Gillespie

Fiesta : The Genius of Charlie Parker #6

Parker a enregistré un certain nombre d’enregistrements à saveur « latine » à la fin des années 1940 et au début des années 1950, dans le cadre d’une longue histoire de musiciens de jazz explorant une « teinte espagnole » présente dans la musique depuis que le pianiste Jelly Roll Morton a inventé le terme à la Nouvelle-Orléans dans les années 1920.

La majorité de ces morceaux sont issus d’une session de 1951 sur laquelle la section rythmique standard du jazz est augmentée par Jose Manguel aux bongos et Luis Miranda à la conga.

« Tico Tico » est un favori brésilien et « La Cucaracha » est une célèbre chanson folklorique espagnole, tandis que la propre « My Little Suede Shoes » de Parker trahit une influence caribéenne, plutôt que latine.

Il y a aussi des versions chargées de percussions de deux standards du Songbook : « Why Do I Love You ? », tiré de Showboat de Jerome Kern et la longue forme de « Begin The Beguine » de Cole Porter.

Bird Is Free

La qualité sonore de cette date live n’est pas excellente, mais la mélodie pure et glorieuse avec laquelle Parker commence son solo sur « Rocker » de Gerry Mulligan fait que cela vaut vraiment la peine d’être écouté.

En effet, Bird est en grande forme tout au long d’un programme qui comprend l’air traditionnel jamaïcain « Sly Mongoose » et les standards « Star Eyes » et « This Time The Dream’s On Me ».

Enregistré au Rockland Palace de New York en 1952, un grand ensemble non identifié avec des cordes se fait entendre sur « Rocker » et la ballade de clôture « Laura ».

D’autres albums classiques en direct comprennent Charlie Parker at Storyville, qui met en vedette un jeune Red Garland au piano, et Diz ‘n’ Bird at Carnegie Hall.

Now’s The Time : The Genius of Charlie Parker #3

Parker enregistrait pour le label Verve de Norman Granz depuis 1949 et, bien que les sessions antérieures Savoy et Dial soient généralement considérées comme les meilleures de son travail en studio, cet ensemble est agréable. Il se compose de deux sessions en quartet, datant respectivement de 1952 et 53, et présente une fidélité relativement élevée dans le département sonore.

L’ouverture uptempo « The Song Is You », avec Hank Jones au piano, est particulièrement joyeuse.

Presque tous les enregistrements studio de Parker à partir de 1949, y compris celui-ci, Charlie Parker with Strings et Bird ‘n’ Diz, figurent sur la compilation exhaustive de 10 CD The Complete Charlie Parker sur Verve.

Jazz at Massey Hall

De 1953, cet enregistrement de concert est probablement le plus célèbre des albums live de Charlie Parker.

Il comporte certes un casting de stars, avec Dizzy Gillespie à la trompette et Bud Powell au piano. Max Roach, qui, avec Kenny Clarke, a contribué à inventer le style de batterie du jazz moderne, est dans la section rythmique aux côtés du contrebassiste Charles Mingus, qui deviendra lui-même l’un des grands chefs d’orchestre et compositeurs.

Parker mettait souvent ses saxophones en gage pour obtenir de l’argent afin d’acheter de la drogue, ce qui signifie qu’il a joué de toute une série d’instruments, de qualité variable, au cours de sa carrière.

Familièrement, à cette occasion, il jouait d’un alto Grafton en plastique acrylique blanc.

Il ne pouvait pas non plus figurer sous son vrai nom pour des raisons contractuelles, et était donc crédité sous le nom de « Charlie Chan » – une référence au nom de sa conjointe de fait, ainsi qu’au nom d’un détective fictif – sur la pochette originale de l’album.

Le spectacle a été peu fréquenté en raison d’un conflit d’horaire avec un combat de boxe de prix, mais le document enregistré est maintenant considéré comme un classique et a été intronisé au Grammy Hall of Fame en 1995.

Charlie Parker est mort en 1955, après avoir souffert d’une sélection choquante de maladies : il avait une pneumonie lobaire, un ulcère hémorragique et une cirrhose, et avait également eu une crise cardiaque.

Très célèbre, le médecin légiste qui a pratiqué l’autopsie a estimé que son âge se situait entre 50 et 60 ans. En fait, il n’avait que 34 ans.

La musique de Bird a inspiré des générations de musiciens, et l’influence de son art suprême peut encore être entendue dans tout le monde du jazz aujourd’hui.

Comme des graffeurs défiants ont daubé sur des murs de briques à Harlem après avoir entendu la triste nouvelle, « Bird Lives ! »

Merci de votre lecture et nous espérons que cela vous a donné quelques conseils d’écoute supplémentaires pour le grand Charlie Parker.

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