Le Rigi rouge par JMW Turner, peinture à l’aquarelle, 1842, 30,5 x 45,8 cm.

La peinture à l’aquarelle est le processus de peinture avec des pigments qui sont mélangés à l’eau. De tous les processus de peinture, la peinture à l’aquarelle est connue pour sa délicatesse et sa subtilité inhérentes, car l’art de l’aquarelle est tout en fines lavis et en couleur transparente (bien que les aquarelles puissent être rendues opaques avec l’ajout de blanc chinois). Traditionnellement, les aquarellistes travaillent sur du papier, bien que la dent de la surface puisse varier considérablement. Souvent, le blanc de la surface de la peinture brillera à travers et se prêtera à la luminosité de la peinture.

Lorsque les artistes apprennent pour la première fois à peindre à l’aquarelle, la fluidité du médium est souvent une pierre d’achoppement car elle rend la peinture moins prévisible. Les aquarellistes qui réussissent savent comment équilibrer le contrôle et la liberté dans leur travail, en utilisant des techniques de peinture à l’aquarelle qui créent des effets qui se produisent souvent presque par accident plutôt qu’à dessein.

Un aquarelliste utilise des techniques de peinture à l’aquarelle comme les lavis, le travail mouillé dans mouillé et mouillé sur sec, le soulèvement et le masquage pour les points saillants, et des dizaines d’autres techniques pour obtenir des effets de texture. Mais surtout, la peinture à l’aquarelle revient à la prémisse que les leçons et les méthodes d’aquarelle importent – mais ce qui compte le plus pour un artiste aquarelliste, c’est de lâcher prise et de trouver un équilibre entre le contrôle et la libération de ce médium de peinture.

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La leçon d’art à l’aquarelle étape par étape

ÉTAPE 1 Le croquis de Martin pour sa peinture à l’aquarelle.

Les leçons d’aquarelle sont souvent mieux vues, donc la démonstration d’aquarelle étape par étape de Margaret Martin est particulièrement utile pour les étudiants de cet art. Son tableau, Country Jewels, est un tableau dans lequel l’artiste ajoute des figures à ses scènes architecturales et paysagères. Martin pense que cela lui permet de mieux diriger le regard du spectateur et de donner une impression de mouvement et de vie à ses aquarelles.ÉTAPE 1 Martin commence par une photo de référence pour la plupart de ses aquarelles, évaluant les photos pour trouver des formes et des aspects de la composition dont elle peut s’inspirer. Pour Country Jewels, elle a opté pour une palette de couleurs chaudes et a inséré des personnages dans la peinture pour susciter l’intérêt. Elle crée une esquisse pour la peinture à l’aquarelle, en utilisant un feutre de ligne pour dessiner le premier plan, le milieu et l’arrière-plan de la peinture, ainsi qu’en identifiant les lumières et les ombres de base avec des marqueurs gris froid.

ETAPE 2 Martin pose des lavis pour le ciel et le sol.

STEP 2 En commençant la peinture à l’aquarelle, Martin a dessiné la composition sur son papier à aquarelle, puis a appliqué un lavis de cramoisi d’alizarine et de jaune Winsor au premier plan. Une fois sec, l’aquarelliste a appliqué une couche mouillée dans l’eau de bleu Winsor à l’arrière-plan. Les lavis se rejoignent près de la ligne d’horizon et Martin ajoute les montagnes lointaines avec de l’outremer français et du bleu Winsor.

ETAPE 3 L’aquarelliste garde ses coups de pinceau larges alors qu’elle remplit le feuillage de l’arrière-plan.

ETAPE 3 Martin progresse dans la peinture à l’aquarelle en travaillant d’abord sur la grande zone de feuillage de la composition, en utilisant la nuance bleue du vert Winsor et la terre de sienne brûlée. Les lumières de la zone centrale de la forêt sont réalisées avec de la terre d’ombre brûlée, du violet de cobalt, de l’orange Winsor, du rouge et du jaune. L’aquarelliste garde les coups de pinceau larges et a peint autour des zones où les figures iraient éventuellement, laissant des zones de blanc.

ETAPE 4 Les bords des figures varient et les reflets dans les flaques d’eau et les oiseaux au-dessus de la tête ajoutent un intérêt visuel à la peinture à l’aquarelle.

ETAPE 4 Alors que la peinture à l’aquarelle prend forme à l’arrière-plan, Martin redirige son attention vers le milieu du terrain. Les bords des coureurs sont nets et diffus, et parfois d’une valeur similaire à celle du fond de l’aquarelle. Les zones d’ombre sont en jaune, bleu et orange Winsor et en violet pérylène. L’artiste a tenu à créer un sentiment d’unité visuelle et d’harmonie des couleurs en utilisant les mêmes couleurs sur l’ensemble du tableau. Notez comment l’artiste a également amélioré la peinture en ajoutant des reflets dans la flaque d’eau et des oiseaux dans le ciel pour plus d’intérêt visuel. Source : Magazine Watercolor, hiver 2008.

Let Go of the Details for Watercolor Art

Une peinture à l’aquarelle par Jim McFarlane.

Jim McFarlane enseigne l’art de l’aquarelle en partant du principe que la simplicité est tout. Dans ses ateliers, que ses élèves dépeignent un arrangement traditionnel ou quelque chose issu de leur imagination, McFarlane insiste sur le fait que le blanc du papier à aquarelle doit être utilisé pour la lumière du soleil, puis que toutes les autres valeurs doivent être réduites à un clair, un moyen et un foncé. « L’utilisation d’un nombre limité de valeurs dans une peinture à l’aquarelle exige que vous reliiez les zones de valeurs similaires entre elles, ce qui permet d’obtenir des formes plus grandes et des compositions plus saines », dit-il.

Ces esquisses d’art à l’aquarelle peuvent devenir des feuilles de route pour les peintures finales et permettent en fait aux étudiants de l’atelier d’aquarelle de se détendre car cela les aide à apprendre comment éviter les détails et capturer de grandes formes et valeurs. À l’un des aquarellistes de sa classe, McFarlane a lancé une mise en garde : « Vous vous laissez prendre par les détails. Je peux dire qu’au moment où vous posez la couleur, vous pensez à un arbre. Oubliez ce que c’est et donnez la grande forme. La question est de savoir si vous pouvez voir l’arbre comme une forme simple et le mettre dans la bonne relation de valeur par rapport au reste du tableau. »

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À partir de là, McFarlane encourage les étudiants à réduire leur image à trois ou quatre zones de valeur. Cela aide l’aquarelliste à décider quelle zone – avant-plan, milieu ou arrière-plan – va être le point central de la peinture. Pour la phase finale de la peinture, McFarlane utilise une échelle de neuf valeurs. La zone de la valeur la plus claire reçoit des valeurs moins nombreuses et plus légères. La valeur moyenne représente une gamme plus large et légèrement plus sombre ; et la valeur sombre représente toutes les valeurs sur une échelle de neuf valeurs et le blanc du papier d’aquarelle. Cette disposition est particulièrement utile pour une peinture à l’aquarelle car elle simplifie toutes les informations visuelles tout en permettant à l’artiste de modifier le motif et de changer le centre d’intérêt de la peinture s’il le souhaite. Source : Magazine Watercolor, printemps 2011.

Essentiels de peinture à l’aquarelle

Automne en bleu et or par Stephen Quiller, 2005, peinture à l’aquarelle et caséine, 32 x 44.

Les artistes aquarellistes veulent des applications fraîches de peinture avec un contrôle fin avec suffisamment de détails pour prêter une narration à leurs œuvres tout en empêchant la pièce finie de se sentir surmenée. Pour ce faire, voici quelques leçons d’aquarelle recueillies auprès des peintres aquarellistes les plus brillants et les plus avisés du métier.L’artiste John Falato souligne l’importance de la préparation dans la peinture à l’aquarelle, en utilisant son propre espace de travail comme exemple. Il dispose deux palettes, une pour les gouaches et une pour les aquarelles-deux grands récipients pour l’eau et trois tasses pour mélanger les lavages.

Un autre gobelet en plastique contenait un éventail de pinceaux allant des ronds de zibeline et des grands plats d’écureuil aux poils courts et aux brosses duveteuses pour éponger. Les autres fournitures comprenaient un flacon pulvérisateur à pompe, une petite éponge, des mouchoirs en papier, des serviettes en papier et une planche à dessin avec une feuille de papier aquarelle Arches.Lorsqu’il s’agit de choisir des pinceaux pour créer de l’aquarelle, vous voulez un pinceau qui a du ressort et qui peut contenir beaucoup de peinture.Pour les lavis d’aquarelle lisses, l’objectif est de créer une perle de peinture et de la faire bouger autour des objets et sur le papier du mieux que vous pouvez. Utilisez un pinceau de taille appropriée au lavis que vous voulez créer, et il n’est pas hors du domaine de la possibilité d’utiliser deux pinceaux pour un lavis – un pour les grandes zones et un pour les zones avec beaucoup de détails ou de bordures.

Les bords mous sont le résultat du travail sur une surface de peinture à l’aquarelle humide. Si la surface de peinture a séché, elle doit être mouillée, et cela peut être fait avec un pinceau, une éponge ou un vaporisateur. Le vaporisateur est souvent le plus efficace car il ne soulève pas la couleur par en dessous. Lorsque vous revenez avec un pinceau, n’oubliez pas de ne pas trop travailler le bord. Faites-le une seule fois et laissez la zone sécher. Les bords continueront à s’estomper lorsque la peinture sera sèche. Source : Adapté d’un article de John A. Parks.