Badanie najbardziej ikonicznych i najważniejszych projektantów biżuterii XX wieku jest obarczone takimi samymi subiektywnymi pułapkami, jak każdy inny asamblaż sztuki. W ocenie modernistycznych obrazów, na przykład, jest Zdrada obrazów Magritte’a stosunkowo więcej lub mniej ważne artystycznej ikony niż, powiedzmy, Duchampa Nude Descending a Staircase No. 2? I tak jest z biżuterią: Na krótkiej liście projektantów rozsądni ludzie mogą nie zgadzać się co do zasług Gérarda Sandoza – w końcu jego kariera jako artysty kamieni szlachetnych została skrócona przez drugie życie jako aktora.
Dlatego tak ważne jest, aby upewnić się, że każdy, kto kuratoruje taką listę wielkich, ma odpowiednie kwalifikacje do wypowiadania się. A Lee Siegelson z pewnością zna się na klejnotach. Jubiler w trzecim pokoleniu spędził lata oceniając, zbierając i sprzedając galeryjne egzemplarze vintage z biura marki na Piątej Alei na Manhattanie. Louis, dziadek Lee, po raz pierwszy założył firmę na Brooklynie w 1920 roku, początkowo specjalizując się w naprawie zegarków. W latach 40-tych – z pomocą swojego syna Hermana (ojca Lee) – Siegelson zmienił kierunek i zaczął koncentrować się na biżuterii vintage. Z czasem zgromadził spektakularny inwentarz jedynych w swoim rodzaju wzorów. W światowej społeczności jubilerskiej, kolekcja Siegelsona jest jedną z najbardziej szanowanych. Do tej pory, wiele kawałków zostało sprzedanych lub wystawionych w muzeach – w tym nowojorskim Cooper Hewitt i Smithsonian.
Więc, kto lepiej przeprowadzi nas przez 10 najbardziej ikonicznych, wpływowych projektantów ostatniego wieku niż sam Lee Siegelson? Ekspert poprowadzi zwięzły kurs historii biżuterii – od Caldera do Van Cleefa, rozwieje wątpliwości, co wyróżnia każdego z artystów. A także – jaka niezwykła broszka była ulubioną broszką Jeanne Boivin? Co projekt samolotu miał wspólnego z dziełami Jeana Desprésa? Zaufaj nam, będziesz chciał schować kilka z tych konwersacyjnych klejnotów na następną kolację.
Lee Siegelson wystawiający na targach sztuki pięknej. Fot: Courtesy Siegelson
.
Suzanne Belperron
Suzanne Belperron jest pojedynczą najważniejszą projektantką biżuterii wszech czasów. Stworzyła ikoniczną estetykę śmiałych, zakrzywionych projektów, które są natychmiast rozpoznawalne jako Belperron. W rzeczywistości, jest ona znana z tego, że nie podpisuje swoich kawałków twierdząc, że „Mój styl jest moim podpisem”. I ona jest absolutnie correct.
Belperron był znany z używania niezwykłych rzeźbionych materiałów hardstone, takich jak kwarc różowy, kryształ górski, i chalcedon jako materiał montażowy do bransoletek i pierścieni. Ona również popchnął jej warsztaty do tworzenia skomplikowanych ustawień kamienia dla kawałków, które obejmowały dużą i zróżnicowaną ilość cięcia kamienia. Każdy montaż musiał być ręcznie tworzone w celu dopasowania poszczególnych stones.
This bib necklace is an iconic Belperron design composed of a field of irregular ovoid rubies interspersed with diamonds, all bezel-set in platinum. Chociaż rubiny i diamenty wydają się być przypadkowo rozrzucone, w rzeczywistości zostały one umieszczone z wielką starannością przez projektanta, tak jak malarz impresjonista może rozproszyć krople farby, aby stworzyć piękniejszą całość. Wynik jest wspaniały płyn uczucie.
Belperron był i jest absolutnie szanowany przez projektantów mody, redaktorów i noszących haute couture. Jej kawałki zostały zebrane przez Daisy Fellowes, Elsa Schiaparelli, Diana Vreeland, księżna Windsoru, i Karl Lagerfeld, aby wymienić tylko kilka. Jest projektantką najbardziej poszukiwaną przez ludzi, którzy rozumieją, że ubrania i biżuteria mogą być sztuką.
Art Moderne Rubin i diament Bib Necklace przez Suzanne Belperron, Paryż, około 1945 roku. Zdjęcie: Courtesy Siegelson
Boivin
Jeanne Boivin (dyrektor Boivin po śmierci męża w 1917 roku) była modą i biżuterią królewską. Była kobietą dyrektorem renomowanej firmy jubilerskiej i siostrą Paula Poireta, couturiera, który na zawsze zmienił modę swoimi przełomowymi projektami w latach 1910 i 1920. Jeanne dała początek Suzanne Belperron, a także współpracowała z Juliette Moutard. Te trzy kobiety razem stworzył niektóre z najważniejszych biżuterii kiedykolwiek zaprojektowany z silnym stylu rzeźbiarskim zwykle oparte na nature.
The broszka rozgwiazda jest absolutnym szczytem projektu Boivin, a Jeanne nawet powiedział, że ta broszka była jej ulubionym. Klejnot ten został zakupiony przez Claudette Colbert, najbardziej rozpoznawalną gwiazdę Hollywood w latach 30-tych po zdobyciu Oscara za film „Zdarzyło się pewnej nocy”. I ona jest przedstawiona na sobie broszkę w fotografii okresu.
Millicent Rogers posiadał późniejszą wersję i ona została przedstawiona na sobie to w Vogue. Rozgwiazda Boivin została faktycznie przedstawiona w Vogue cztery razy między 1937 a 1945 rokiem, niespotykana liczba razy dla magazynu na krawędzi mody.
Rozgwiazda Claudette Colbert: Broszka z rubinem i ametystem w kształcie rozgwiazdy zaprojektowana przez Juliette Moutard dla René Boivin, Paryż, 1937. Fot: Courtesy Siegelson
Cartier
Cartier stworzył więcej wspaniałych kawałków niż jakikolwiek inny jubiler-w rzeczywistości ich projekty często definiują konkretną epokę lub styl. Nie ma materiału lub kamienia, którego Cartier nie opanował. Dynastia rodziny Cartier rozciągała się na cały wiek z wyjściem od niedrogich srebrnych kawałków stołu do wykwintnych, jedynych w swoim rodzaju klejnotów stworzonych dla maharadżów i europejskich rodzin królewskich.
Cartier zatrudnił najlepsze warsztaty i projektantów i dał im dostęp do szerokiej biblioteki książek o sztuce i perskich miniatur dla inspiracji. Ta bransoleta zostałaby zakupiona przez jednego z najlepszych klientów. Jest wykwintna zarówno pod względem konstrukcji, jak i wzornictwa. Czarny lakier sprawia, że forma jest nowoczesna, a trójlistny wzór jest ukłonem w stronę egzotycznych stylów dekoracyjnych. Zielone szmaragdy pop przeciwko inaczej surowy czarny i biały palety i połyskliwe perły są doskonałe terminale. Tylko Cartier mógł wyprodukować ten kawałek i kiedy trzymasz go w dłoni, możesz zobaczyć, że nie ma nic z miejsca, jest to doskonale przemyślany i wykwintny kawałek.
Art Deco Diamond, Natural Pearl, Emerald, i Onyx Bangle przez Cartier, circa 1925. Zdjęcie: Courtesy Siegelson
Van Cleef & Arpels
Van Cleef & Arpels jest znany z absolutnie eleganckich konfekcji. Oni szczególnie wyróżniał się w użyciu niezwykłych kamieni cięcia i innowacji projektowych, takich jak niewidoczne ustawienie, minaudiere i naszyjnik zip. Firma uczyniła szczególnie piękne kawałki przy użyciu marquise-cut nazwali navette. Ten diamentowy naszyjnik z frędzlami pokazuje ekspercki sposób VCA warstwowe zróżnicowane cięcia kamieni, aby podkreślić geometrię kamieni i stworzyć oszałamiającą konstrukcję, która jest elegancka i luksusowa i czuje się nowoczesny i wearable today.
Platinum i Diamond Naszyjnik przez Van Cleef & Arpels, Paryż, 1948. Fot: Courtesy Siegelson
Boucheron
Od ich początku w 1858 roku, Boucheron otrzymał uwagę na międzynarodowych wystawach za ich przemyślane, piękne, odważne projekty. Na paryskiej wystawie Paris Exposition des Arts Décoratifs et Industriels w 1925 roku firma stworzyła kompletny schemat projektowania, w tym dopasowane różowe pudełka shagreen ozdobione geometrycznymi wzorami stworzonymi dla wystawy. (Bransoleta należąca do Siegelsona ma jedyne znane zachowane pudełko.)
Ta bransoleta, jeden z najważniejszych elementów biżuterii, jakie kiedykolwiek powstały, została stworzona na Wystawę Paryską w 1925 roku. Stephen Harrison, kurator sztuki dekoracyjnej w Cleveland Museum of Art, powiedział: „Boucheron stworzył niezwykłą bransoletę z innowacyjnego osmu z kaboszonami rubinów, szafirów i szmaragdów, ułożonych jak bąbelki unoszące się w wodzie.” Rewolucyjny projekt tego dzieła koncentruje się na geometrycznym układzie kamieni otoczonych diamentami, które wydają się ślizgać po powierzchni bransolety, wślizgując się pod diamentową krawędź paneli. Czarne emaliowane pręty, umieszczone po przekątnej, zapewniają dramatyczną folię dla kolorowych kamieni szlachetnych.
Art Deco Diamond, Enamel, and Gem-Set Bracelet by Boucheron. Wystawiona na Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes w Paryżu w 1925 roku. Fot: Courtesy Siegelson
Gérard Sandoz
Gérard Sandoz tworzył swoją fantastyczną biżuterię tylko przez krótki czas u szczytu okresu Art Deco, w latach 1920-1931. Urocza, niespokojna postać, był znany z imprez u Maxima i w końcu opuścił rodzinny biznes tworzenia biżuterii dla skromnej kariery filmowej.
Biżuteria, którą zrobił jest absolutnie czystą eksploracją geometrycznych kształtów w różnych materiałach, kolorach i wykończeniach, które łączą się, aby stworzyć złożony, warstwowy kształt. Nie ma nic podobnego.
Sandoz sam powiedział: „Możliwe jest zrobienie bardzo pięknej biżuterii po prostu ze złota i zrobienie horrorów z rzekami diamentów.”
Centrując się na platynowym pręcie przechodzącym przez szczytowy złoty prostokąt ze złotymi i onyksowymi „zębami”, jak te na przekładni, ta broszka czerpie inspirację bezpośrednio z maszyn, które kochał Sandoz. Środkowy element jest umieszczony na tle oszronionego kryształu górskiego na trójkącie z diamentami. W tej mistrzowskiej broszce Sandoz odwrócił standardową kolejność materiałów w biżuterii, która zazwyczaj zawierała najcenniejsze kamienie, a metal był jedynie oprawą. Tutaj Sandoz użył diamentów jako tła, a polerowane złoto wykorzystał jako element centralny. Rezultatem jest ikona i ważne arcydzieło projektowania.
Art Deco Geometric Brooch przez Gérard Sandoz, Paryż, około 1927. Zdjęcie: Courtesy Siegelson
Jean Després
Urodzony w rodzinie jubilerów i na zawsze pod wpływem doświadczeń jako projektant samolotów podczas II wojny światowej, Després wpłynął na kurs projektowania biżuterii dzięki swoim starannie sporządzonym, inspirowanym maszynami kawałkom znanym jako „bijoux-moteurs.”
Ta bransoleta autorstwa Després jest ikonicznym przykładem wzornictwa Art Moderne łączącego potężną prostotę z wzornictwem inspirowanym maszynami. Projekt przywołuje zęby masywnego koła zębatego, podczas gdy bransoleta zwęża się, aby dostosować się do smukłości nadgarstka. Ta subtelna korekta projektu potwierdza, że ten masywny mankiet jest przeznaczony do noszenia i, jak widać na zdjęciu z epoki, jest elegancki na nadgarstku.
Art Moderne Silver and Black Lacquer Bracelet by Jean Després, Paryż, około 1931 roku. Wystawiona na Salon d’Automne, Paryż, 1931 rok. Zdjęcie: Courtesy Siegelson
Jean Dunand
Jean Dunand jest jednym z czołowych projektantów Art Deco, znanym ze swoich lakierowanych mebli, przedmiotów dekoracyjnych i biżuterii. Został zatrudniony do lakierowania całych luksusowych pokoi na wspaniałych transatlantykach, takich jak Normandie.
Ponieważ Dunand tworzył portrety, jak również sztuki dekoracyjne i biżuterię, jego portrety często zawierały przykłady jego pracy. Słynny i wykwintny portret jego mentorki Madame Agnes pojawił się ostatnio na aukcji, a na nim widać ją noszącą pojedynczy naszyjnik z żyrafą. Żyrafa jest dla Dunanda dziełem ikonicznym i odnosi się do szczególnego momentu w latach dwudziestych, kiedy projektanci zaczęli odchodzić od klasycznego użycia luksusowych materiałów w kierunku bardziej nowoczesnego wzornictwa.
Podobny model został wykonany dla Josephine Baker, która była muzą Dunanda, i był przez nią noszony; jest ona pokazana na słynnej fotografii noszącej ten zestaw (i niewiele więcej).
Ostatnio wróciła z dużej wystawy, The Jazz Age: American Style in the 1920s, w Cooper Hewitt i Cleveland Museum of art, jest to największy znany zestaw z sześciu sztuk w sumie. Jest to większy przykład niż te posiadane przez Museé de Arts Decoratifs i Metropolitan Museum of Art. Jest to największy zestaw, który prawdopodobnie kiedykolwiek będzie można zobaczyć na rynku.
Red and Black Lacquer and Oréum Set of Three „Giraffe” Necklaces and Three Bracelets by Jean Dunand, Paris, circa 1927. Wystawione w The Jazz Age: American Style in the 1920s w Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, Nowy Jork. Fot: Courtesy Siegelson
Paul Flato
Paul Flato był oryginalnym jubilerem dla gwiazd, obsługującym crème de la crème Hollywood. Założył swoją firmę w Nowym Jorku w 1928 roku i otworzył sklep w Los Angeles w 1937 roku. Jego figuratywny styl, często graniczący z humorem, osiągnął swój szczyt w latach 30-tych, kiedy to Adolph Kleaty, George Headley i Fulco, książę Verdura, zaprojektowali dla niego swoje dzieła. Flato wykonane pióra, ręce trzymające kwiaty, i broszki, które były skrzynie skarbów wypełnić klejnotów, ale z panache.
Jego salony były odwiedzane przez Joan Crawford, Marlene Dietrich, i Vivien Leigh, i czołowych mężczyzn Douglas Fairbanks, Laurence Olivier, i Orson Welles. Jego biżuteria była noszona przez Katherine Hepburn w Holiday, Greta Garbo w Two Faced Woman, i Rita Hayward w Blood and Sand.
Dla tego naszyjnika, Verdura przekształcony zwykły przedmiot użytkowy, pas, do show-stopping akwamaryn i naszyjnik rubin. Był to niezwykły wyczyn w czasach, gdy większość biżuterii zawierała kwiaty lub geometryczne wzory. Naszyjnik jest sprytnie zaprojektowany tak, aby wyglądał jakby pasek był zawiązany, tworząc element, który może być noszony centralnie lub z boku, tak jak to było w Vogue w 1944 roku.
The Cole Porter Necklace: Akwamaryn i Rubin Pas z naszyjnikiem z klamrą zaprojektowany przez Fulco, księcia Verdura, dla Paula Flato, Nowy Jork, ok. 1935. Photo: Courtesy Siegelson
Alexander Calder
Alexander Calder jest najbardziej znany ze swoich delikatnie wyważonych mobili i rzeźb, które poruszają się w odpowiedzi na powietrze lub dotyk, ale biżuteria była jego najbardziej osobistym i stałym medium. Ręcznie wykonane przez artystę, każdy kawałek był unikalną kombinacją jego młotkiem i estetyki i łaski zawartej w jego dziełach na dużą skalę. Biżuteria Caldera, cyganeryjna, ale wyrafinowana, była zbierana przez modnych kolekcjonerów sztuki, w tym Peggy Guggenheim, Mary Rockefeller i Millicent Rogers.
Utworzona z mosiężnego drutu, ta broszka wyświetla to samo poczucie ruchu znalezione w jego mobilikach oraz geometrię i dynamizm znalezione w jego litografiach, gdzie często badał powtarzające się zazębiające się okręgi.
Elisabeth Agro, kuratorka przebojowej wystawy Calder Jewelry powiedziała o biżuterii: „Przestrzeń. To jest o zajmowaniu przestrzeni. A on po prostu widzi ciało jako element uziemiający dla tego innego aspektu jego pracy. Nie żeby ciało wchodziło w drogę – ciało jest jedną z części tego większego dzieła sztuki, kiedy się je zakłada.”
Brass and Steel „Six Circles” Brooch by Alexander Calder, Nowy Jork, około 1940. Photo: Dzięki uprzejmości: Siegelson