10 najsłynniejszych obrazów wszech czasów! Każdego roku miliony euro wydają kolekcjonerzy sztuki, którzy pragną posiadać najbardziej poszukiwane obrazy na świecie. Jednak najdroższe obrazy niekoniecznie są najsłynniejszymi obrazami. Najbardziej znane z nich są zazwyczaj w rękach muzeów, które bardzo rzadko będą sprzedawane, i jako takie są dosłownie bezcenne. Tutaj zapewniamy top 10 najbardziej znanych obrazów wszech czasów.

The Birth of Venus

The Birth of Venus jest obrazem włoskiego malarza Sandro Botticelli. Wisi on w galerii Uffizi we włoskim mieście Florencja. Obraz jest wykonany temperą na płótnie i mierzy 172,5 cm na 278,5 cm. Przedstawia on boginię Wenus wynurzającą się z morza jako dojrzała kobieta, tak jak opisuje to mitologia grecka. Nazwa dzieła nie jest jednak do końca zgodna z przedstawionym na nim wydarzeniem, gdyż według legendy Wenus narodziła się z morskiej piany. Jednak ten obraz przedstawia jej przybycie na Cypr, stojąc na muszli. W klasycznej starożytności muszla była metaforą waginy. Postawa Wenus Botticellego przypomina Wenus Medycejską, marmurową rzeźbę z klasycznego antyku w kolekcji Medyceuszy, którą Botticelli studiował. Detal obrazu jest używany jako wizerunek na jednej z włoskich monet euro.

Lilie wodne

Lilie wodne to wiele różnych impresjonistycznych obrazów lilii wodnych autorstwa francuskiego artysty Claude’a Moneta. Monet miał kolorowy ogród z sadzawką zbudowany w swojej pracowni w Giverny w latach 90-tych XIX wieku, aby móc malować swój ukochany motyw w każdych warunkach pogodowych (w połowie na zewnątrz). Nie musiał już tak często podróżować i był bardziej w domu z żoną i dziećmi. Monet namalował wiele różnych wariacji na ten temat. W okresie 1899-1900 sam, zrobił 18 różnych obrazów lilii wodnych.

W okresie 1914-1926, Monet stworzył serię ogromnych paneli ściennych z liliami wodnymi dla Musée de l’Orangerie w Tuileries w Paryżu (patrz obraz powyżej). Ponieważ Monet pod koniec życia był już prawdopodobnie w znacznym stopniu niewidomy, malował te tzw. pejzaże refleksyjne (pejzaż bez wyraźnego przedstawienia nieba lub horyzontu) głównie z pamięci. Podarował te prace swojemu dobremu przyjacielowi Paulowi Clemenceau. Clemenceau stymulował Moneta, podczas gdy jego wizja ustępowała, do dalszego malowania. Monet podarował te dzieła jako „hołd dla pokoju”. Obrazy były przez długi czas niedostępne dla publiczności, ale teraz są ponownie głównymi eksponatami niedawno odnowionego muzeum.

Nocna Straż

Nocna Straż jest najbardziej znanym obrazem i arcydziełem Rembrandta van Rijn i można go zobaczyć w Galerii Honorowej Rijksmuseum. Rembrandt namalował go między 1639 a 1642 rokiem. Oficjalna nazwa to: Kompania kapitana Fransa Banninga Cocqa i porucznika Willema van Ruytenburgha szykuje się do wymarszu. Dzieło to, utwór milicyjny, zostało zamówione jako portret zbiorowy przez kompanię z gildii cechowej. Prawdopodobnie po raz pierwszy nosiło tytuł „Straż nocna” około 1796/1797 roku. Według Ernsta van de Weteringa dzieło w pewnym sensie zawiodło.

Wartość obrazu nie może być wyrażona w pieniądzu. Nie jest on na sprzedaż, ani nigdy nie był na sprzedaż. Kompania milicyjna, która zamówiła obraz Rembrandta, była w tym czasie instytucją miejską, a Straż Nocna jest od tego czasu własnością gminy Amsterdam, na wieczystym wypożyczeniu do Rijksmuseum.

Krzyk

Krzyk to nazwa czterech obrazów i litografii Edvarda Muncha z 1893 roku. Oryginalna wersja Krzyku z 1893 roku wisi w Narodowym Muzeum Sztuki (Nasjonalgalleriet) w Oslo. Uważany jest za najbardziej poruszający obraz Muncha. Wyraża on duchowe cierpienie i emocjonalne dręczenie, które malarz odczuwał w pewnych okresach swojego życia. Munch był prekursorem ekspresjonizmu, stylu, który chciał wyrazić emocje. Krzyk to psychiczny autoportret Edvarda Muncha. Jest to obraz oparty na jego własnym traumatycznym doświadczeniu.

Pewnego wieczoru Edvard Munch wracał z przyjaciółmi do miasta Oslo. Zatrzymali się na moście. Gdy jego przyjaciele szli dalej, Edvard zatrzymał się, przejęty krajobrazem i niebem z zachodzącym słońcem. Słyszał i czuł krzyk otaczającego go krajobrazu. Poczuł się bezsilny i przygnębiony. To wydarzenie wywarło na nim tak wielkie wrażenie, że później utrwalił je na płótnie.

6. Dziewczyna z perłą

Dziewczyna z perłą to obraz z lat 1665-1667 autorstwa holenderskiego mistrza Johannesa Vermeera. W ostatnich latach Dziewczyna z perłą stała się najbardziej lubianym obrazem Vermeera. Dzieło znajduje się w posiadaniu Mauritshuis w Hadze. Żadna z modelek Vermeera nie została do tej pory zidentyfikowana i dotyczy to również tej dziewczyny. Możliwą kandydatką jest jego najstarsza córka Maria, która w tym czasie miała dwanaście, trzynaście lat.

Przedstawiona dziewczyna nosi niebieski turban z żółtym, opadającym materiałem. Nakrycie głowy kontrastuje z brązowożółtym żakietem z białym kołnierzem. Wyróżnia się perła, wielka kreacja jarzących się świateł i cieni oraz postrzępionych krawędzi. Dwoma pociągnięciami farby Vermeer nadał jasny akcent świetlny u góry po lewej stronie i odbicie jej białego kołnierza u dołu. Ze względu na wielkość jest to raczej szklany, lakierowany „kolczyk w kształcie kropli” niż naturalna perła. Wydaje się, jakby dziewczyna swoim nieskrępowanym spojrzeniem szukała bezpośredniego kontaktu z widzem, jakby była przez niego zaskoczona. Z półotwartymi ustami sprawia wrażenie, że chce coś powiedzieć. Jej wilgotne, wyjątkowo czerwone usta nadają jej zmysłowy wygląd.

5. Guernica

Guernica to obraz Pabla Picassa z 1937 roku, nazwany na cześć miejsca Guernica w hiszpańskim Kraju Basków. Powodem powstania obrazu jest zbombardowanie Guerniki przez faszystów pod wodzą Francisco Franco, w celu złamania oporu republikanów. Obraz, o ogromnych wymiarach 3,49 m wysokości i 7,76 m szerokości, jest jednym z najbardziej imponujących i kontrowersyjnych dzieł Picassa.

Obraz przedstawia miasto podczas bombardowania. Na obrazie jest wiele do zobaczenia w tym samym czasie. Koń pędzący do domu w panice. Po prawej stronie ktoś spada z płonącego dachu, a matka płacze za swoim martwym dzieckiem. Pablo Picasso chciał, aby obraz sprawiał wrażenie chaosu, jaki panuje podczas bombardowania, gdy patrzy się na obraz. Tło jest również wymieszane, nie ma różnicy między wnętrzem a zewnętrzem. Ludzie uciekają z domów w panice.

Obraz jest malowany w linie i powierzchnie w kolorze czarnym, białym i szarym, aby wyrazić wojnę. To nie jest realistyczny obraz. Pablo Picasso próbował przekazać uczucie podczas bombardowania, a nie jak to wyglądało. Na froncie obrazu znajduje się mężczyzna z połamanym mieczem. Jest to symbol martwego żołnierza. Koń wyraża strach i jest symbolem niewinnych ofiar wojny. Matka z martwym dzieckiem symbolizuje żal za poległymi. Lampa na obrazie symbolizuje wybuch i bombardowanie w Guernica.

Stworzenie Adama

Stworzenie Adama jest częścią fresku na sklepieniu Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie namalowanego przez Michała Anioła około 1511 roku. Dzieło jest przedstawieniem biblijnej historii z Księgi Rodzaju, w której Bóg Ojciec tchnął życie w Adama. Z fresków do Księgi Rodzaju w Kaplicy Sykstyńskiej, jest to chronologicznie czwarty obraz w tej historii. Michał Anioł ukończył ten fresk jako jeden z ostatnich z tej serii. Dzieło mierzy 4,8 na 2,3 metra.

Ostatnia Wieczerza

Ostatnia Wieczerza to fresk namalowany przez Leonarda da Vinci na zamówienie księcia Ludovico Sforzy w refektarzu Santa Maria delle Grazie (klasztoru Dominikanów w Mediolanie). Jest to przedstawienie sceny z Ostatniej Wieczerzy Jezusa, opisanej w Biblii i opartej na Ewangelii Jana 13: 21-26, w której Jezus zapowiada, że jeden z jego dwunastu uczniów go zdradzi. Obraz jest znany na całym świecie, a jego aranżacja stanowi wzorzec ikonograficzny. Ponieważ nie można go przenieść, nigdy nie był własnością prywatną. Zgodnie z innymi ówczesnymi wizerunkami ostatniej wieczerzy Leonardo przejął konwencję przedstawiania wszystkich osób przy jednym boku stołu podczas kolacji, tak aby nikt z obecnych nie był oglądany od tyłu. Odstępuje jednak od tej konwencji, umieszczając tam również Judasza wśród innych uczniów, podczas gdy zazwyczaj Judasz był umieszczany naprzeciwko pozostałych apostołów, po drugiej stronie stołu. Innym zwyczajem było wyposażenie wszystkich uczniów, z wyjątkiem Judasza, w aureolę.

Jednakże Leonardo wybrał bardziej realistyczny i dramatyczny efekt, nie wyposażając nikogo w aureolę, lecz ukazując Judasza pochylonego w cieniu. Stworzył również realistyczny i psychologiczny obraz, w którym próbuje wyjaśnić, dlaczego Judasz i Jezus biorą chleb w tym samym czasie, tuż po tym, jak Jezus przepowiedział zdradę. Jezus jest pokazany tak, jakby mówił do Tomasza i Jakuba po swojej lewej stronie, którzy są zszokowani, ponieważ Jezus wskazuje na kawałek chleba dla nich. Judasz, rozproszony rozmową Jana i Piotra, wyciąga rękę po kolejny kawałek chleba, do którego Jezus wyciąga prawą dłoń. Wszystkie linie perspektywy, a także światło zwracają uwagę na Jezusa.

Gwieździsta noc

Gwieździsta noc to obraz holenderskiego malarza postimpresjonisty Vincenta van Gogha. Należy do stałej kolekcji Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Dzieło (olej na płótnie) ma wymiary 73 na 92 cm. Jest uważane za arcydzieło tego malarza. Od 1888 roku Van Gogh namalował kilka dzieł, które przypominają Gwiaździstą noc. To studium nazwał swoim studium gwiaździstego nieba. W 1888 roku, na przykład, namalował Gwiaździstą noc nad Rodanem, która jest bardzo podobna do tego obrazu. Vincent van Gogh namalował Gwiaździstą Noc, kiedy przebywał w szpitalu Saint-Paul-de-Mausole w Saint-Rémy-de-Provence w czerwcu 1889 roku. Wykonał również kilka rysunków piórkiem o tym samym temacie. W połowie września wysłał gwiaździste obrazy nocne do brata w Paryżu.

Obraz jest sceną nocną z żółtymi gwiazdami nad małym miastem ze wzgórzami. Jest to widok z wyimaginowanego punktu nad wioską z wieżą kościoła i po lewej stronie płonący cyprys, a po prawej drzewa oliwne na tle wzgórz. Van Gogh korzystał z Delacroix w zakresie stosowania kolorów uzupełniających. Obraz jest często kojarzony ze słowami Vincenta van Gogha: „Dlaczego, zastanawiam się, błyszczące kropki na niebie nie byłyby tak łatwo osiągalne, jak czarne kropki na mapie Francji? Tak jak my jechaliśmy pociągiem do Tarascon czy Rouen, tak my używamy śmierci, aby podróżować do gwiazd. „Van Gogh namalował to dzieło w czasie, gdy odczuwał silną potrzebę religii. Po tym wydarzeniu popadł w depresję.

Mona Lisa

Mona Lisa to obraz Leonarda da Vinci namalowany między 1503 a 1507 rokiem. Użyta technika to olej na płycie (drewno topolowe). Jest to portret damy, prawdopodobnie Lisy Gherardini, trzeciej żony Francesco del Giocondo. Portret znajduje się w stałej ekspozycji w Luwrze w Paryżu i jest jednym z niewielu dzieł, co do których istnieje pewność, że są autorstwa samego Leonarda. Jest to prawdopodobnie jedno z najbardziej znanych dzieł sztuki na świecie, obraz otrzymuje około 20.000 odwiedzających dziennie.

Uśmiech Mona Lisy jest dość dużo znak towarowy obrazu, takie jak gronostaj (faktycznie biała fretka), który jest dla tego innego słynnego obrazu Leonarda Dama z gronostajem, portret Cecylii Gallerani. Równie dobrze można by ten obraz nazwać Damą z uśmiechem, co zresztą znajduje odzwierciedlenie we włoskiej nazwie, gdyż La Gioconda oznacza właśnie szczęśliwą, szczęśliwego. Leonardo zamienia tę ideę bycia szczęśliwym, bycia szczęśliwą w centralny temat swojego obrazu, nawet jeśli nie jest to wybujała wesołość, dama wydaje się zadowolona i szczęśliwa. Istnieją dziesiątki teorii na temat uśmiechu, jedna bardziej ekstrawagancka od drugiej. Od uśmiechu szczęśliwej kobiety w ciąży po symptom najróżniejszych chorób. Oprogramowanie, które rozpoznawałoby emocje na podstawie wyrazu twarzy, rozpoznało w nim 83% szczęścia.

.