Świat starożytnyEdit
Korzeni portretu należy szukać prawdopodobnie w czasach prehistorycznych, choć niewiele z tych dzieł przetrwało do dziś. W sztuce starożytnych cywilizacji Żyznego Półksiężyca, zwłaszcza w Egipcie, nie brakuje przedstawień władców i władczyń jako bogów. Jednak większość z nich została wykonana w bardzo stylizowany sposób, a większość z profilu, zwykle na kamieniu, metalu, glinie, gipsie lub krysztale. Portret egipski kładł stosunkowo niewielki nacisk na podobieństwo, przynajmniej do okresu panowania Akhenatena w XIV wieku p.n.e. Malarstwo portretowe notabli w Chinach sięga prawdopodobnie ponad 1000 r. p.n.e., choć żaden z nich nie przetrwał z tego okresu. Istniejące chińskie portrety sięgają około 1000 r. n.e., ale nie kładły dużego nacisku na podobieństwo aż do jakiegoś czasu po tym.
Z dowodów literackich wiemy, że starożytne malarstwo greckie obejmowało portrety, często bardzo dokładne, jeśli wierzyć pochwałom pisarzy, ale nie zachowały się żadne malowane przykłady. Rzeźbione głowy władców i znanych osobistości, takich jak Sokrates, przetrwały w pewnej ilości, i podobnie jak zindywidualizowane popiersia hellenistycznych władców na monetach, pokazują, że grecki portret mógł osiągnąć dobre podobieństwo, a tematy, przynajmniej postaci literackich, były przedstawiane ze stosunkowo niewielką ilością pochlebstw – portrety Sokratesa pokazują, dlaczego miał reputację brzydkiego. Następcy Aleksandra Wielkiego rozpoczęli praktykę dodawania jego głowy (jako postaci deifikowanej) do swoich monet, a wkrótce zaczęli używać własnych.
Rzymski portret przyjął tradycje portretowania zarówno od Etrusków jak i Greków, i rozwinął bardzo silną tradycję, związaną z religijnym wykorzystaniem portretów przodków, a także z rzymską polityką. Ponownie, nieliczne ocalałe malowane portrety w Fayum, grobowcu Aline i Severan Tondo, wszystkie z Egiptu pod panowaniem rzymskim, są wyraźnie prowincjonalnymi produkcjami, które odzwierciedlają raczej greckie niż rzymskie style, ale mamy bogactwo rzeźbionych głów, w tym wiele zindywidualizowanych portretów z grobowców klasy średniej i tysiące typów portretów monetarnych.
Największą grupą malowanych portretów są malowidła pogrzebowe, które przetrwały w suchym klimacie egipskiego okręgu Fayum (patrz ilustracja, poniżej), datowane na II-IV wiek naszej ery. Są to prawie jedyne obrazy z okresu rzymskiego, które przetrwały, oprócz fresków, chociaż wiadomo z pism Pliniusza Starszego, że malarstwo portretowe było dobrze ugruntowane w czasach greckich i praktykowane zarówno przez mężczyzn, jak i kobiety artystów. W swoich czasach Pliniusz narzekał na podupadający stan rzymskiej sztuki portretowej: „Malowanie portretów, które służyło do przekazywania przez wieki dokładnych podobizn ludzi, całkowicie zanikło… Indolencja zniszczyła sztukę.” Te portrety z pełną twarzą z rzymskiego Egiptu są szczęśliwymi wyjątkami. Prezentują one nieco realistyczne poczucie proporcji i indywidualnych szczegółów (choć oczy są zazwyczaj zbyt duże, a umiejętności artystyczne różnią się znacznie od artysty do artysty). Portrety Fayum zostały namalowane na drewnie lub kości słoniowej w wosku i żywicy kolorów (enkaustyka) lub z temperą, i włożone do mumii zawijania, aby pozostać z ciała przez eternity.
Podczas gdy wolnostojące malarstwo portretowe zmniejszyła się w Rzymie, sztuka portretu rozkwitła w rzymskich rzeźb, gdzie sitters zażądał realizmu, nawet jeśli niepochlebne. W IV wieku dominował portret rzeźbiarski, z odwrotem na rzecz wyidealizowanego symbolu tego, jak wyglądała dana osoba. (Porównaj portrety rzymskich cesarzy Konstantyna I i Teodozjusza I) W okresie późnego antyku zainteresowanie indywidualną podobizną znacznie zmalało, a większość portretów na monetach z późnego Rzymu i dyptykach konsularnych prawie w ogóle nie jest zindywidualizowana, chociaż w tym samym czasie sztuka wczesnochrześcijańska rozwijała dość standardowe wizerunki Jezusa i innych głównych postaci w sztuce chrześcijańskiej, takich jak Jan Chrzciciel i święty Piotr.
ŚredniowieczeEdit
Większość wczesnośredniowiecznych portretów to portrety darczyńców, początkowo głównie papieży w rzymskich mozaikach i iluminowanych manuskryptach, przykładem może być autoportret pisarki, mistyczki, uczonej, iluminatorki i muzyczki Hildegardy z Bingen (1152). Podobnie jak w przypadku współczesnych monet, próba stworzenia podobizny była niewielka. W okresie romańskim rozpowszechniły się kamienne pomniki nagrobne. W latach 1350-1400 postacie świeckie zaczęły ponownie pojawiać się we freskach i malowidłach panelowych, jak na przykład w Mistrza Teodoryka Karol IV przyjmujący hołd, a portrety ponownie stały się wyraźnymi podobiznami.
Około końca wieku w Burgundii i Francji pojawiły się pierwsze olejne portrety współczesnych osób, malowane na małych drewnianych panelach, najpierw jako profile, potem w innych ujęciach. Wilton Dyptyk z około 1400 jest jednym z dwóch zachowanych portretów panelowych Ryszarda II z Anglii, najwcześniejszy angielski król, dla którego mamy współczesne przykłady.
Pod koniec średniowiecza w 15 wieku, wczesne malarstwo niderlandzkie był kluczem do rozwoju zindywidualizowanego portretu. Mistrzowie zawarte Jan van Eyck, Robert Campin i Rogier van der Weyden, między innymi. Zamawiano raczej niewielkie portrety tablicowe, mniej niż w połowie naturalnej wielkości, nie tylko postaci z dworu, ale także, co wynika z ich stosunkowo prostego ubioru, zamożnych mieszczan. Miniatury w rękopisach iluminowanych również zawierały zindywidualizowane portrety, najczęściej zleceniodawcy. W obrazach religijnych portrety ofiarodawców zaczęły być ukazywane jako obecne lub uczestniczące w głównych scenach sakralnych, a w bardziej prywatnych wizerunkach dworskich tematy pojawiały się nawet jako znaczące postacie, takie jak Maria Dziewica.
-
Robert Campin (ok. 1375 – 1444), Portret młodej kobiety (w parze z mężem), 1430-1435. Styl Van der Weydena powstał na bazie stylu Campina.
-
Portret Arnolfini, autorstwa Jana van Eycka, 1434
-
Rogier van der Weyden, Portret damy, ok. 1460
-
Jeden z najwcześniejszych samodzielnych autoportretów, Jean Fouquet, ok. 1450
RenesansEdit
Częściowo z zainteresowania światem przyrody, a częściowo z zainteresowania klasycznymi kulturami starożytnej Grecji i Rzymu, portrety – zarówno malowane, jak i rzeźbione – otrzymały ważną rolę w renesansowym społeczeństwie i były cenione jako przedmioty, a także jako przedstawienia ziemskiego sukcesu i statusu. Malarstwo w ogóle osiągnęło nowy poziom równowagi, harmonii i wnikliwości, a najwięksi artyści (Leonardo, Michał Anioł i Rafael) byli uważani za „geniuszy”, wznosząc się daleko ponad status rzemieślnika do cenionych sług dworu i kościoła.
Jeśli poeta mówi, że może rozpalić mężczyzn miłością…
malarz ma moc uczynienia tego samego…
w tym sensie, że może postawić przed kochankiem
prawdziwą podobiznę tego, który jest ukochany,
często każąc mu ją całować i mówić do niej.
-Leonardo de’ Vinci
W tym płodnym okresie rozwinęło się wiele innowacji w różnych formach portretu. Rozpoczęła się tradycja miniatury portretowej, która pozostała popularna aż do epoki fotografii, rozwijając się z umiejętności malarzy miniatur w iluminowanych manuskryptach. Portrety profilowe, inspirowane starożytnymi medalionami, były szczególnie popularne we Włoszech w latach 1450-1500. Medale, z ich dwustronnymi wizerunkami, zainspirowały również krótkotrwałą modę na dwustronne obrazy we wczesnym okresie renesansu. Klasyczne rzeźby, takie jak Apollo Belwederski, również wpłynęły na wybór póz wykorzystywanych przez renesansowych portrecistów, póz, które były używane przez wieki. Ginevra de’ Benci Leonarda (ok. 1474-8) jest jednym z pierwszych znanych portretów z widokiem na trzy czwarte w sztuce włoskiej.
Północnoeuropejscy artyści przewodzili w realistycznych portretach świeckich tematów. Większy realizm i szczegółowość północnych artystów w 15 wieku było spowodowane w części do drobniejszych pociągnięć pędzla i efekty możliwe z kolorami oleju, podczas gdy włoski i hiszpański malarze byli nadal przy użyciu tempery. Wśród najwcześniejszych malarzy, którzy rozwinęli technikę olejną był Jan van Eyck. Kolory olejne mogą produkować więcej tekstury i stopnie grubości, i mogą być warstwowe bardziej efektywnie, z dodatkiem coraz grubszych warstw jeden nad drugim (znany przez malarzy jako „tłuszczu nad chudego”). Ponadto, kolory olejne wysychają wolniej, co pozwala artyście na zmiany łatwo, takie jak zmiana szczegółów twarzy. Antonello da Messina był jednym z pierwszych Włochów, którzy wykorzystali olej. Wyszkolony w Belgii, osiadł w Wenecji około 1475 roku i miał duży wpływ na Giovanniego Belliniego i szkołę północnowłoską. W XVI wieku olej jako medium zyskał popularność w całej Europie, pozwalając na bardziej wystawne oddanie ubrań i biżuterii. Również wpływ na jakość obrazów, było przejście z drewna na płótno, począwszy od Włoch na początku 16 wieku i rozprzestrzeniania się do Europy Północnej w następnym stuleciu. Płótno opiera się pękaniu lepiej niż drewno, trzyma pigmenty lepiej, i potrzebuje mniej przygotowania, ale początkowo był znacznie rzadszy niż wood.
Wcześniej na, północni Europejczycy porzucili profil, i zaczął produkować portrety realistycznej objętości i perspektywy. W Holandii czołowym portrecistą był Jan van Eyck. Małżeństwo Arnolfini (1434, National Gallery, Londyn) to kamień milowy sztuki zachodniej, wczesny przykład pełnometrażowego portretu pary, znakomicie namalowanego w bogatej kolorystyce i z dużą ilością szczegółów. Ale co równie ważne, obraz przedstawia nowo opracowaną technikę malarstwa olejnego, której pionierem był van Eyck, a która zrewolucjonizowała sztukę i rozprzestrzeniła się na całą Europę.
Wiodący niemieccy artyści portretowi, w tym Lucas Cranach, Albrecht Dürer i Hans Holbein Młodszy, wszyscy opanowali technikę malarstwa olejnego. Cranach był jednym z pierwszych artystów, którzy malowali naturalnej wielkości całopostaciowe komisje, tradycja popularna od tego czasu. Anglia nie miała wówczas malarzy portretowych pierwszej rangi, a artyści tacy jak Holbein byli poszukiwani przez angielskich mecenasów. Jego obraz Sir Thomasa More’a (1527), pierwszego ważnego mecenasa w Anglii, ma niemalże realizm fotografii. Holbein odniósł wielki sukces malując rodzinę królewską, w tym Henryka VIII. Dürer był wybitnym rysownikiem i jednym z pierwszych wielkich artystów, którzy wykonali sekwencję autoportretów, w tym obraz całej twarzy. Postać autoportretową (jako obserwatora) umieścił również na kilku swoich obrazach religijnych. Dürer zaczął tworzyć autoportrety w wieku trzynastu lat. Później Rembrandt wzmocniłby tę tradycję.
We Włoszech Masaccio przewodził w modernizacji fresku, przyjmując bardziej realistyczną perspektywę. Filippo Lippi utorował drogę w rozwoju ostrzejszych konturów i linii sinuous, a jego uczeń Raphael rozszerzył realizm we Włoszech do znacznie wyższego poziomu w następnych dekadach z jego monumentalnych malowideł ściennych. W tym czasie popularny stał się portret zaręczynowy, w którym szczególnie specjalizował się Lorenzo Lotto. W okresie wczesnego renesansu, obrazy portretowe były na ogół małe i czasami pokryte ochronnymi pokrywami, na zawiasach lub przesuwane.
W okresie renesansu, szlachta florencka i mediolańska, w szczególności, chciała bardziej realistycznych przedstawień siebie. Wyzwanie tworzenia przekonujące pełne i trzy czwarte widoki stymulowane eksperymenty i innowacje. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, Leonardo da Vinci i inni artyści odpowiednio rozszerzyli swoją technikę, dodając portret do tradycyjnych tematów religijnych i klasycznych. Leonardo i Pisanello byli jednymi z pierwszych włoskich artystów, którzy dodali alegoryczne symbole do swoich świeckich portretów.
Jednym z najbardziej znanych portretów w świecie zachodnim jest obraz Leonarda da Vinci zatytułowany Mona Lisa, nazwany dla Lisy del Giocondo, członkini rodziny Gherardini z Florencji i Toskanii i żony bogatego florenckiego kupca jedwabiu Francesco del Giocondo. Słynny „uśmiech Mony Lisy” jest doskonałym przykładem zastosowania subtelnej asymetrii na twarzy. W swoich notatnikach Leonardo radzi na temat właściwości światła w malarstwie portretowym:
Bardzo wysoki stopień wdzięku w świetle i cieniu jest dodawany do twarzy tych, którzy siedzą w drzwiach pomieszczeń, które są ciemne, gdzie oczy obserwatora widzą zacienioną część twarzy przesłoniętą przez cienie pokoju, a widzą oświetloną część twarzy z większym blaskiem, który daje jej powietrze. Poprzez ten wzrost w cieniach i światłach, twarz otrzymuje większą ulgę.
Leonardo był uczniem Verrocchio. Po uzyskaniu członkostwa w Cechu Malarzy zaczął przyjmować samodzielne zlecenia. Ze względu na wszechstronne zainteresowania i zgodnie z jego naukowym umysłem, jego dorobek rysunków i studiów wstępnych jest ogromny, choć gotowy dorobek artystyczny stosunkowo niewielki. Jego inne pamiętne portrety obejmowały portrety szlachcianek Ginevry de’ Benci i Cecylii Gallerani.
Zachowane portrety Rafaela na zamówienie są znacznie liczniejsze niż te Leonarda i wykazują większą różnorodność póz, oświetlenia i techniki. Zamiast tworzyć rewolucyjne innowacje, wielkim osiągnięciem Rafaela było wzmocnienie i udoskonalenie rozwijających się nurtów sztuki renesansowej. Był szczególnym ekspertem w portrecie grupowym. Jego arcydzieło Szkoła Ateńska jest jednym z najważniejszych fresków grupowych, zawierającym podobizny Leonarda, Michała Anioła, Bramantego i samego Rafaela w przebraniach starożytnych filozofów. Nie był to pierwszy grupowy portret artystów. Dziesiątki lat wcześniej Paolo Uccello namalował portret grupowy, na którym znaleźli się Giotto, Donatello, Antonio Manetti i Brunelleschi. W miarę wzrostu znaczenia Rafaela, stał się on ulubionym portrecistą papieży. Podczas gdy wielu artystów renesansu chętnie przyjmowało zamówienia na portrety, kilku z nich odmówiło ich wykonania, zwłaszcza rywal Rafaela, Michał Anioł, który zamiast tego podjął się ogromnego zlecenia na Kaplicę Sykstyńską.
W Wenecji około 1500 roku Gentile Bellini i Giovanni Bellini zdominowali malarstwo portretowe. Otrzymywali oni najwyższe zlecenia od czołowych urzędników państwowych. Portret doża Loredana autorstwa Belliniego jest uważany za jeden z najwspanialszych portretów renesansu i doskonale demonstruje opanowanie przez artystę nowo przybyłych technik malarstwa olejnego. Bellini jest również jednym z pierwszych artystów w Europie, którzy podpisywali swoje prace, choć rzadko je datował. Później, w XVI wieku, Tycjan przejął tę samą rolę, szczególnie poprzez rozszerzenie różnorodności póz i pozycji swoich królewskich poddanych. Tycjan był być może pierwszym wielkim portrecistą dziecięcym. Po Tycjanie, Tintoretto i Veronese stali się wiodącymi weneckimi artystami, pomagając w przejściu do włoskiego manieryzmu. Manieryści stworzyli wiele wyjątkowych portretów, które podkreślały bogactwo materiału i elegancko złożone pozy, jak w dziełach Agnolo Bronzino i Jacopo da Pontormo. Bronzino zyskał sławę portretując rodzinę Medyceuszy. Jego śmiały portret Kosmy I de’ Medici, ukazuje surowego władcę w zbroi, z nieufnym wzrokiem skierowanym w skrajnie prawą stronę, w ostrym kontraście do większości królewskich obrazów, które ukazują swoich opiekunów jako łagodnych władców. El Greco, który przez dwanaście lat kształcił się w Wenecji, po przybyciu do Hiszpanii poszedł w bardziej ekstremalnym kierunku, podkreślając swoją „wewnętrzną wizję” portretowanego do tego stopnia, że umniejsza realność wyglądu fizycznego. Jednym z najlepszych portrecistów XVI-wiecznych Włoch była Sofonisba Anguissola z Cremony, która nadała swoim indywidualnym i grupowym portretom nowy poziom złożoności.
Portret dworski we Francji rozpoczął się, gdy flamandzki artysta Jean Clouet namalował swoją bogatą podobiznę Franciszka I z Francji około 1525 roku. Król Franciszek był wielkim mecenasem artystów i chciwym kolekcjonerem sztuki, który zaprosił Leonarda da Vinci do zamieszkania we Francji w jego późniejszych latach. Mona Lisa pozostała we Francji po śmierci Leonarda.
-
Pisanello, być może Ginevra d’Este, ok. 1440
-
Młody mężczyzna autorstwa Sandro Botticellego, ok. 1483. Wczesna włoska poza pełnej twarzy.
-
Prawdopodobnie Rafael, ok. 1518, Isabel de Requesens. Styl i format wysokiego renesansu miały ogromny wpływ na późniejsze wielkie portrety.
-
Christiane von Eulenau przez Lucasa Cranacha Starszego, 1534
-
Lucrezia Panciatichi, przez Agnolo Bronzino, 1540
-
Papież Paweł III i jego wnukowie, Tycjan, 1546
-
Maarten van Heemskerck (1498-1574), Rodzina Pietera Jana Foppesza, przed ok.1532, uważany za pierwszy portret rodzinny, w portrecie holenderskim.
-
Charles V autorstwa Tycjana, 1548, seminalny portret konny.
-
Portret Armady Elżbiety I angielskiej, ok. 1588. Stylizowany portret Elżbiety I angielskiej był unikatowy w skali europejskiej.
-
Portret kardynała, prawdopodobnie Fernando Niño de Guevara, El Greco, ok. 1600
Barok i rokokoEdit
W epoce baroku i rokoka (odpowiednio XVII i XVIII wiek) portrety stały się jeszcze ważniejszym zapisem statusu i pozycji. W społeczeństwie zdominowanym w coraz większym stopniu przez świeckich przywódców na potężnych dworach, wizerunki bogato ubranych postaci były sposobem na potwierdzenie autorytetu ważnych jednostek. Flamandzcy malarze Sir Anthony van Dyck i Peter Paul Rubens wyróżniali się w tego typu portretach, podczas gdy Jan Vermeer tworzył portrety głównie klasy średniej, podczas pracy i zabawy we wnętrzach. Wirtuozerskim przykładem portretu par jest portret Rubensa, przedstawiający jego samego i jego pierwszą żonę (1609) w strojach ślubnych. Sława Rubensa wykraczała poza jego sztukę – był on dworzaninem, dyplomatą, kolekcjonerem sztuki i odnoszącym sukcesy biznesmenem. Jego pracownia była jedną z najbardziej rozbudowanych w tamtych czasach, zatrudniała specjalistów od martwej natury, pejzażu, zwierząt i scen rodzajowych, a także portretu. Van Dyck uczył się tam przez dwa lata. Karol I angielski najpierw zatrudnił Rubensa, a następnie sprowadził van Dycka jako swojego nadwornego malarza, mianując go rycerzem i nadając mu status dworzanina. Van Dyck nie tylko zaadaptował metody produkcji i umiejętności biznesowe Rubensa, ale także jego eleganckie maniery i wygląd. Jak zapisano, „zawsze chodził wspaniale ubrany, miał liczny i szarmancki ekwipunek, a w swoim mieszkaniu trzymał tak dostojny stół, że niewielu książąt było częściej odwiedzanych lub lepiej obsługiwanych”. We Francji, Hyacinthe Rigaud dominował w bardzo podobny sposób, jako niezwykły kronikarz królewskich, malując portrety pięciu francuskich królów.
Jedną z innowacji sztuki renesansowej było lepsze oddanie wyrazów twarzy, aby towarzyszyć różnym emocjom. W szczególności, holenderski malarz Rembrandt zbadał wiele wyrazów ludzkiej twarzy, zwłaszcza jako jeden z głównych autoportrecistów (z których namalował ponad 60 w swoim życiu). To zainteresowanie ludzką twarzą sprzyjało również tworzeniu pierwszych karykatur, przypisywanych Accademia degli Incamminati, prowadzonej przez malarzy z rodziny Carracci pod koniec XVI wieku w Bolonii, we Włoszech.
Portrety grupowe powstawały licznie w okresie baroku, zwłaszcza w Niderlandach. W przeciwieństwie do reszty Europy, holenderscy artyści nie otrzymywali zleceń od Kościoła kalwińskiego, który zakazywał takich wizerunków, ani od arystokracji, która praktycznie nie istniała. Zamiast tego zlecenia pochodziły od stowarzyszeń obywatelskich i biznesowych. Holenderski malarz Frans Hals używał płynnych pociągnięć pędzla o żywych kolorach, aby ożywić swoje portrety grupowe, w tym portrety straży obywatelskiej, do której należał. Rembrandt odniósł wielkie korzyści z takich zleceń i z ogólnego uznania sztuki przez klientów mieszczańskich, którzy wspierali portrety, a także malarstwo martwej natury i pejzaże. Ponadto w tym czasie w Holandii rozkwitły pierwsze znaczące rynki sztuki i pośrednictwa.
Dzięki dużemu popytowi Rembrandt mógł eksperymentować z niekonwencjonalną kompozycją i techniką, taką jak światłocień. Te innowacje, których pionierami byli włoscy mistrzowie, tacy jak Caravaggio, zaprezentował przede wszystkim w słynnej Straży nocnej (1642). Lekcja anatomii doktora Tulpa (1632) jest kolejnym przykładem mistrzostwa Rembrandta w malarstwie grupowym, w którym skąpał zwłoki w jasnym świetle, aby przyciągnąć uwagę do centrum obrazu, podczas gdy ubrania i tło zlewały się w czerń, wyróżniając twarze chirurga i studentów. Jest to również pierwszy obraz, który Rembrandt podpisał swoim pełnym imieniem.
W Hiszpanii, Diego Velázquez namalował Las Meninas (1656), jeden z najbardziej znanych i enigmatycznych portretów grupowych wszech czasów. To upamiętnia artystę i dzieci hiszpańskiej rodziny królewskiej, i najwyraźniej sitters są pary królewskiej, które są postrzegane tylko jako odbicia w lustrze. Zaczynając jako malarz rodzajowy, Velázquez szybko zyskał sławę jako nadworny malarz Filipa IV, doskonaląc się w sztuce portretu, zwłaszcza w rozszerzaniu złożoności portretów grupowych.
Artyści rokokowi, którzy byli szczególnie zainteresowani bogatą i skomplikowaną ornamentyką, byli mistrzami wyrafinowanego portretu. Ich dbałość o szczegóły ubioru i faktury zwiększała skuteczność portretów jako świadectw światowego bogactwa, czego dowodem są słynne portrety Madame de Pompadour w jedwabnych sukniach.
Pierwszymi ważnymi rodzimymi malarzami portretowymi szkoły brytyjskiej byli angielscy malarze Thomas Gainsborough i Sir Joshua Reynolds, którzy również specjalizowali się w ubieraniu swoich tematów w sposób przyciągający wzrok. Błękitny chłopiec Gainsborougha jest jednym z najbardziej znanych i rozpoznawalnych portretów wszech czasów, namalowanym przy użyciu bardzo długich pędzli i cienkiej farby olejnej, aby osiągnąć efekt mieniącego się niebieskiego stroju. Gainsborough został również zauważony za jego skomplikowanych ustawień tła dla jego subjects.
Dwaj brytyjscy artyści mieli przeciwne opinie na temat korzystania z asystentów. Reynolds zatrudniając ich regularnie (czasami robiąc tylko 20 procent obrazu sam), podczas gdy Gainsborough rzadko. Zdarzało się, że klient żądał od artysty przyrzeczenia, jak to uczynił Sir Richard Newdegate od portrecisty Petera Lely’ego (następcy van Dycka w Anglii), który obiecał, że portret będzie „od początku do końca narysowany moimi własnymi rękami”. W przeciwieństwie do dokładności stosowanej przez flamandzkich mistrzów, Reynolds podsumował swoje podejście do portretu stwierdzeniem, że „wdzięk, i, możemy dodać, podobieństwo, polega bardziej na ujęciu ogólnego powietrza, niż na przestrzeganiu dokładnego podobieństwa każdej cechy”. W Anglii wyróżniał się także William Hogarth, który odważył się przeciwstawić konwencjonalnym metodom, wprowadzając do swoich portretów akcenty humorystyczne. Jego „Autoportret z Pugiem” jest wyraźnie bardziej humorystycznym ujęciem swojego pupila niż obrazem pełnym samozadowolenia.
W XVIII wieku kobiety malarki zyskały nowe znaczenie, szczególnie w dziedzinie portretu. Godne uwagi kobiety artyści to francuski malarz Élisabeth Vigée-Lebrun, włoski artysta pastel Rosalba Carriera, i szwajcarski artysta Angelica Kauffman. Również w tym wieku, przed wynalezieniem fotografii, miniaturowe portrety – malowane z niezwykłą precyzją i często zamknięte w złotych lub emaliowanych medalionach – były bardzo cenione.
W Stanach Zjednoczonych, John Singleton Copley, kształcony w wyrafinowanym brytyjskim stylu, stał się wiodącym malarzem pełnowymiarowych i miniaturowych portretów, z jego hiperrealistycznych obrazów Samuela Adamsa i Paula Revere szczególnie dobrze oceniane. Copley zasłynął również z prób połączenia portretu z bardziej czczoną akademicką sztuką malarstwa historycznego, czego próbował w swoich grupowych portretach słynnych wojskowych. Równie sławny był Gilbert Stuart, który namalował ponad 1000 portretów, a szczególnie znany był ze swoich portretów prezydenckich. Stuart namalował ponad 100 replik samego Jerzego Waszyngtona. Stuart pracował szybko i stosował delikatniejsze, mniej szczegółowe pociągnięcia pędzla niż Copley, aby uchwycić istotę swoich portretów. Czasami tworzył kilka wersji dla klienta, pozwalając mu wybrać ulubioną. Stuart, znany z różowych odcieni na policzkach, napisał: „Ciało jest jak żadna inna substancja pod niebem. Ma w sobie całą wesołość warsztatu jedwabniczego, bez jego jaskrawego połysku, i całą miękkość starego mahoniu, bez jego smutku.” Innymi wybitnymi amerykańskimi portrecistami epoki kolonialnej byli John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale i Rembrandt Peale.
-
Philip IV in Brown and Silver, Diego Velázquez, 1632
-
Sir Kenelm Digby by Anthony Van Dyck, c. 1640
-
Rembrandt van Rijn, Portret Jana Sixa, 1654
-
Pastel Madame de Pompadour, Maurice Quentin de La Tour, połowa XVIII wieku
-
Thomas Kerrich (1748-1828), autorstwa Pompeo Batoniego
-
John Durand, The Rapalje Children, 1768, New-York Historical Society, Nowy Jork
-
John Singleton Copley, Paul Revere, 1770
XIX wiekEdit
W końcu XVIII w. i na początku XIX w, neoklasyczni artyści kontynuowali tradycję przedstawiania postaci w najnowszej modzie, która dla kobiet oznaczała wtedy diafaniczne suknie wywodzące się ze starożytnych greckich i rzymskich stylów ubioru. Artyści używali ukierunkowanego światła, aby zdefiniować fakturę i prostą krągłość twarzy i kończyn. Francuscy malarze Jacques-Louis David i Jean-Auguste-Dominique Ingres wykazali się wirtuozerią w tej przypominającej rysunek technice, a także przenikliwym spojrzeniem na postaci. Ingres, uczeń Davida, zasłynął z portretów, w których lustro namalowane za portretowanym symuluje jego widok z tyłu. Jego portret Napoleona na tronie cesarskim to tour de force portretu królewskiego. (patrz Galeria poniżej)
Romantyczni artyści, którzy pracowali w pierwszej połowie XIX wieku malowali portrety inspirujących przywódców, pięknych kobiet i wzburzonych tematów, używając żywych pociągnięć pędzla i dramatycznego, czasem nastrojowego, oświetlenia. Francuscy artyści Eugène Delacroix i Théodore Géricault namalowali szczególnie piękne portrety tego typu, zwłaszcza śmiałych jeźdźców. Znamiennym przykładem artysty okresu romantyzmu w Polsce, który uprawiał portret jeźdźca, był Piotr Michałowski (1800-1855). Na uwagę zasługuje również cykl portretów chorych psychicznie Géricaulta (1822-1824). Hiszpański malarz Francisco de Goya namalował jedne z najbardziej poszukujących i prowokacyjnych obrazów tego okresu, w tym La maja desnuda (ok. 1797-1800), a także słynne portrety dworskie Karola IV.
Realiści XIX wieku, tacy jak Gustave Courbet, tworzyli obiektywne portrety przedstawiające ludzi z klasy niższej i średniej. Demonstrując swój romantyzm, Courbet namalował kilka autoportretów przedstawiających jego samego w różnych nastrojach i ekspresjach. Do innych francuskich realistów należy Honoré Daumier, który stworzył wiele karykatur swoich współczesnych. Henri de Toulouse-Lautrec stworzył kronikę niektórych słynnych artystów teatralnych, w tym Jane Avril, uwieczniając ich w ruchu. Francuski malarz Édouard Manet, był ważnym artystą przejściowym, którego twórczość oscyluje między realizmem a impresjonizmem. Był portrecistą o wybitnej wnikliwości i technice, a jego obraz Stéphane’a Mallarmégo jest dobrym przykładem jego przejściowego stylu. Współczesny mu Edgar Degas był przede wszystkim realistą, a jego obraz Portret rodziny Bellelli jest wnikliwym przedstawieniem nieszczęśliwej rodziny i jednym z jego najlepszych portretów.
W Ameryce, Thomas Eakins królował jako główny malarz portretowy, przenosząc realizm na nowy poziom szczerości, zwłaszcza w jego dwóch portretach chirurgów przy pracy, jak również tych sportowców i muzyków w akcji. W wielu portretach, takich jak „Portret pani Edith Mahon”, Eakins odważnie przekazuje niepochlebne emocje smutku i melancholii.
Realiści w większości ustąpili miejsca impresjonistom do lat 70. XIX wieku. Po części z powodu skromnych dochodów wielu impresjonistów polegało na rodzinie i przyjaciołach, którzy wykonywali dla nich modele. Malowali oni intymne grupy i pojedyncze postaci w plenerze lub w wypełnionych światłem wnętrzach. Portrety impresjonistów, słynące z mieniących się powierzchni i bogatego malarstwa, są często rozbrajająco intymne i pociągające. Francuscy malarze Claude Monet i Pierre-Auguste Renoir stworzyli jedne z najpopularniejszych obrazów przedstawiających zarówno pojedyncze osoby, jak i grupy. Amerykańska artystka Mary Cassatt, która kształciła się i pracowała we Francji, jest popularna do dziś dzięki swoim ujmującym obrazom matek i dzieci, podobnie jak Renoir. Paul Gauguin i Vincent van Gogh, obaj postimpresjoniści, malowali odkrywcze portrety ludzi, których znali, mieniące się kolorami, ale niekoniecznie pochlebne. Są oni równie, jeśli nie bardziej, sławni za swoje potężne autoportrety.
John Singer Sargent również obejmował zmianę stulecia, ale odrzucił jawny impresjonizm i postimpresjonizm. Był najbardziej udanym malarzem portretowym swojej epoki, stosującym głównie realistyczną technikę, często nasyconą genialnym użyciem koloru. Był równie zdolny w portretach indywidualnych i grupowych, zwłaszcza rodzin z wyższych sfer. Sargent urodził się we Florencji, we Włoszech, w rodzinie amerykańskich rodziców. Studiował we Włoszech i Niemczech, a także w Paryżu. Sargent uważany jest za ostatniego ważnego przedstawiciela brytyjskiej tradycji portretowej, której początek dał van Dyck. Innym wybitnym amerykańskim portrecistą, który kształcił się za granicą był William Merritt Chase. Amerykańska malarka Cecilia Beaux, nazywana „kobietą Sargenta”, urodziła się z francuskiego ojca, studiowała za granicą i odniosła sukces w kraju, trzymając się tradycyjnych metod. Innym portrecistą porównywanym do Sargenta ze względu na bujną technikę był urodzony we Włoszech paryski artysta Giovanni Boldini, przyjaciel Degasa i Whistlera.
Urodzony w Ameryce internacjonalista James Abbott McNeill Whistler miał dobre kontakty z europejskimi artystami i również namalował kilka wyjątkowych portretów, najbardziej znany jest jego Arrangement in Grey and Black, The Artist’s Mother (1871), znany również jako Whistler’s Mother. Nawet w przypadku portretów, podobnie jak w przypadku tonalnych pejzaży, Whistler chciał, aby odbiorcy skupili się na harmonijnym układzie formy i koloru w jego obrazach. Whistler używał stonowanej palety, aby stworzyć zamierzone efekty, kładąc nacisk na równowagę kolorów i miękkie tony. Jak stwierdził, „jak muzyka jest poezją dźwięku, tak malarstwo jest poezją wzroku, a temat nie ma nic wspólnego z harmonią dźwięku lub koloru.” Forma i kolor były również centralnym elementem portretów Cézanne’a, podczas gdy jeszcze bardziej ekstremalny kolor i technika pociągnięcia pędzlem zdominowały portrety André Deraina i Henri Matisse.
Rozwój fotografii w XIX wieku miał znaczący wpływ na portret, wypierając wcześniejszą camera obscura, która również była wcześniej używana jako pomoc w malarstwie. Wielu modernistów przyjeżdżało do studiów fotograficznych, aby wykonać swoje portrety, w tym Baudelaire, który, choć ogłosił fotografię „wrogiem sztuki”, poczuł się przyciągnięty jej szczerością i siłą. Stanowiąc tanią alternatywę, fotografia wyparła wiele z najniższego poziomu malarstwa portretowego. Niektórzy artyści realistyczni, tacy jak Thomas Eakins i Edgar Degas, entuzjastycznie odnosili się do fotografii i uznali ją za użyteczną pomoc w kompozycji. Od czasów impresjonistów malarze portretowi znajdowali niezliczoną ilość sposobów na reinterpretację portretu, aby skutecznie konkurować z fotografią. Sargent i Whistler byli wśród tych, którzy zostali pobudzeni do rozszerzenia swojej techniki, aby stworzyć efekty, których aparat nie mógł uchwycić.
-
Francisco de Goya, Karol IV Hiszpański i jego rodzina, 1800-1801
-
Jean Auguste Dominique Ingres, portret Napoleona na tronie cesarskim, 1806, Musée de l’Armée, Paryż
-
Gustave Courbet, Portret Charlesa Baudelaire’a, 1848
-
Pierre-Auguste Renoir, Portret Alfreda Sisleya, 1868
-
James Abbott McNeill Whistler, Aranżacja w szarościach i czerni: The Artist’s Mother (1871) popularnie zwana Matką Whistlera
-
Edgar Degas, Portret panny Cassatt, siedzącej, trzymającej karty, 1876-1878
-
John Singer Sargent, Portret Roberta Louisa Stevensona, 1887
-
Paul Gauguin, Malarz słoneczników, Portret Vincenta van Gogha, 1888
-
Vincent van Gogh, Portret doktora Gacheta, (pierwsza wersja), 1890
XX wiekEdit
Inni artyści z początku XX wieku również rozszerzyli repertuar portretu w nowych kierunkach. Fowistyczny artysta Henri Matisse stworzył potężne portrety, używając nienaturalistycznych, a nawet jaskrawych kolorów dla odcieni skóry. Cézanne opierał się na bardzo uproszczonych formach w swoich portretach, unikając szczegółów i podkreślając zestawienia kolorystyczne. Austriak Gustav Klimt w swoim niepowtarzalnym stylu stosował motywy bizantyjskie i złote farby w swoich zapadających w pamięć portretach. Jego uczeń Oskar Kokoschka był ważnym portrecistą wiedeńskiej klasy wyższej. Płodny hiszpański artysta Pablo Picasso namalował wiele portretów, w tym kilka kubistycznych wizerunków swoich kochanek, w których podobieństwo obiektu jest rażąco zniekształcone, aby osiągnąć emocjonalny wyraz, wykraczający daleko poza granice zwykłej karykatury. Wybitną malarką portretową przełomu XIX i XX wieku, związaną z francuskim impresjonizmem, była Olga Boznańska (1865-1940). Malarze ekspresjonistyczni stworzyli jedne z najbardziej przejmujących i przekonujących studiów psychologicznych, jakie kiedykolwiek powstały. Niemieccy artyści, tacy jak Otto Dix i Max Beckmann, stworzyli godne uwagi przykłady ekspresjonistycznego portretu. Beckmann był płodnym autoportrecistą, stworzył ich co najmniej dwadzieścia siedem. Amedeo Modigliani namalował wiele portretów w swoim wydłużonym stylu, który deprecjonował „osobę wewnętrzną” na rzecz surowych studiów formy i koloru. Aby pomóc to osiągnąć, on de-emphasized normalnie ekspresyjne oczy i brwi do punktu czerni szczelin i prostych arches.
British sztuka była reprezentowana przez Vorticists, którzy namalowali kilka godnych uwagi portretów na początku 20 wieku. Dada malarz Francis Picabia wykonane liczne portrety w jego niepowtarzalny sposób. Ponadto, portrety Tamary de Lempickiej z powodzeniem uchwyciły erę Art Deco z jej opływowymi krzywiznami, bogatą kolorystyką i ostrymi kątami. W Ameryce, Robert Henri i George Bellows byli znakomitymi portrecistami amerykańskiej szkoły realistycznej w latach 20. i 30. Max Ernst stworzył przykład nowoczesnego portretu koleżeńskiego z jego 1922 obrazu Wszyscy przyjaciele razem.
Znaczący wkład w rozwój malarstwa portretowego 1930-2000 został dokonany przez rosyjskich artystów, głównie pracujących w tradycji malarstwa realistycznego i figuratywnego. Wśród nich należy wymienić Isaaka Brodskiego, Nikołaja Fechina, Abrama Arkhipowa i innych.
Produkcja portretów w Europie (z wyłączeniem Rosji) i obu Amerykach generalnie podupadła w latach 40. i 50. XX wieku, co było wynikiem wzrostu zainteresowania abstrakcją i sztuką niefiguratywną. Wyjątkiem był jednak Andrew Wyeth, który stał się czołowym amerykańskim malarzem portretów realistycznych. U Wyetha realizm, choć jawny, jest drugorzędny wobec walorów tonalnych i nastroju jego obrazów. Jest to trafnie wykazane z jego przełomowej serii obrazów znanych jako obrazy „Helga”, największa grupa portretów jednej osoby przez jakiegokolwiek ważnego artysty (247 studiów jego sąsiadki Helgi Testorf, ubrany i nagi, w różnym otoczeniu, namalowane w okresie 1971-1985).
Do lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych, było odrodzenie portretu. Angielscy artyści tacy jak Lucian Freud (wnuk Sigmunda Freuda) i Francis Bacon stworzyli potężne obrazy. Portrety Bacona są godne uwagi ze względu na ich koszmarną jakość. W maju 2008 roku portret Freuda z 1995 roku Benefits Supervisor Sleeping został sprzedany na aukcji przez Christie’s w Nowym Jorku za 33,6 mln dolarów, ustanawiając światowy rekord wartości sprzedaży obrazu żyjącego artysty.
Wielu współczesnych amerykańskich artystów, takich jak Andy Warhol, Alex Katz i Chuck Close, uczyniło ludzką twarz centralnym punktem swojej pracy.
Warhol był jednym z najbardziej płodnych malarzy portretowych w XX wieku. Obraz Warhola Orange Shot Marilyn z Marilyn Monroe jest ikoną wczesnego przykładu jego pracy z lat 60-tych, a Orange Prince (1984) piosenkarza pop Prince jest późniejszym przykładem, oba wykazują unikalny graficzny styl portretowania Warhola.
Specjalnością Close’a były ogromne, hiperrealistyczne portrety ścienne wielkości „głowy” oparte na zdjęciach fotograficznych. Jamie Wyeth kontynuuje realistyczną tradycję swojego ojca Andrew, tworząc słynne portrety, których tematyka sięga od prezydentów po świnie.
-
Henri Matisse, Zielony pasek, Portret Madame Matisse, 1905
-
Olga Boznańska, Autoportret, 1906, Muzeum Narodowe w Warszawie
-
Umberto Boccioni, Autoportret, 1906
-
Gustav Klimt, Portret Adele Bloch-Bauer I, 1907
-
Pablo Picasso, Portret Daniela-Henry’ego Kahnweilera, 1910, The Art Institute of Chicago
-
Juan Gris, Portret Pabla Picassa, 1912
-
Amedeo Modigliani, Portret Chaima Soutine’a, 1916
-
Boris Grigoriew, Portret Wsiewołoda Meyerholda, 1916
-
Boris Kustodiew, Kapica i Siemionow, 1921
.