Ókori világSzerkesztés

Római-egyiptomi temetési női portré

A portréfestészet gyökerei valószínűleg az őskorban keresendők, bár ma már kevés ilyen mű maradt fenn. A termékeny félhold ókori civilizációinak művészetében, különösen Egyiptomban, rengeteg az uralkodók és az uralkodók istenként való ábrázolása. Ezek többsége azonban erősen stilizált módon és többnyire profilban készült, általában kőre, fémre, agyagra, gipszre vagy kristályra. Az egyiptomi portréfestészet viszonylag kevés hangsúlyt fektetett a hasonmásra, legalábbis az i. e. 14. században élt Ehnáton koráig. Kínában a neves személyiségek portréfestészete valószínűleg több mint i. e. 1000-ig nyúlik vissza, bár ebből a korból nem maradt fenn egy sem. A létező kínai portrék körülbelül Kr.u. 1000-ig nyúlnak vissza, de csak valamivel később helyeztek nagy hangsúlyt a képmásra.

Irodalmi bizonyítékokból tudjuk, hogy az ókori görög festészetben szerepelt portréfestészet, gyakran igen pontos, ha hihetünk az írók dicséretének, de nem maradtak fenn festett példák. Az uralkodók és híres személyiségek, például Szókratész szoborfejei bizonyos mennyiségben fennmaradtak, és a hellenisztikus uralkodók egyénített mellszobraihoz hasonlóan az érméken azt mutatják, hogy a görög portréfestészet jó hasonlatosságot tudott elérni, és az alanyokat, legalábbis az irodalmi személyiségeket, viszonylag kevés hízelgéssel ábrázolták – Szókratész portréi megmutatják, miért volt csúnya hírében. Nagy Sándor utódai kezdték el azt a gyakorlatot, hogy az ő fejét (mint istenített alakot) helyezték el az érméiken, és hamarosan a sajátjukat is használták.

A római portréfestészet mind az etruszkoktól, mind a görögöktől átvette a portréfestészet hagyományait, és igen erős hagyományt alakított ki, amely az ősök portréinak vallási használatához, valamint a római politikához kapcsolódik. Ismétlem, az a néhány festett fennmaradt képmás, a fayumi portrék, az Aline sírja és a Severus Tondo, amelyek mind a római uralom alatti Egyiptomból származnak, egyértelműen provinciális produkciók, amelyek inkább görög, mint római stílusokat tükröznek, de rengeteg szoborfejjel rendelkezünk, köztük számos egyénített portréval a középosztálybeli sírokból, és több ezerféle típusú érmés portréval.

A festett portrék legnagyobb csoportját az egyiptomi Fayum kerület száraz klímájú, a Kr. u. 2. és 4. század közötti időszakból fennmaradt temetkezési festmények alkotják (lásd az alábbi ábrát). A római korból a freskókon kívül szinte csak ezek a festmények maradtak fenn, bár az idősebb Plinius írásaiból tudjuk, hogy a portréfestészet már a görög időkben is elterjedt volt, és mind férfi, mind női művészek gyakorolták. A maga idejében Plinius panaszkodott a római portréfestészet hanyatló állapotára: “A portréfestészet, amely az emberek pontos képmását közvetítette az idők folyamán, teljesen eltűnt… A fásultság elpusztította a művészeteket”. Ezek a római Egyiptomból származó egészalakos portrék szerencsés kivételek. Ezek némileg reális arányérzéket és egyéni részleteket mutatnak (bár a szemek általában túlméretezettek, és a művészi készség művészenként jelentősen változik). A fayumi portrékat fára vagy elefántcsontra festették viasz- és gyantafestékkel (enkausztikával) vagy temperával, és a múmiacsomagolásba illesztették, hogy az örökkévalóságig a testtel maradjon.

Míg Rómában a szabadon álló portréfestészet visszaszorult, a portré művészete virágzott a római szobrászatban, ahol a megrendelők megkövetelték a realizmust, még ha nem is hízelgő. A 4. században a szobrászati portré dominált, visszahúzódva az adott személy kinézetének idealizált szimbóluma javára. (Hasonlítsuk össze I. Konstantin és I. Theodosius római császárok portréit.) A késő antik korban az egyéni képmás iránti érdeklődés jelentősen csökkent, és a legtöbb portré a késő római érméken és a konzuli diptichonokon alig van individualizálva, bár ugyanakkor a korai keresztény művészetben meglehetősen szabványosított képek alakultak ki Jézus és a keresztény művészet más jelentős alakjainak, például Keresztelő Jánosnak és Szent Péternek az ábrázolására.

KözépkorSzerkesztés

A kis magánkiadású Wilton-diptichon II. angol Richárd számára, 1400 körül, pecsételt arany háttérrel és sok ultramarinnal.

A legtöbb kora középkori portré adományozói portré volt, kezdetben főként római mozaikokon szereplő pápákról, illetve illuminált kéziratokról, erre példa Hildegard bingeni író, misztikus, tudós, illuminátor és zenész önarcképe (1152). A korabeli érmékhez hasonlóan itt is kevéssé törekedtek a hasonmás ábrázolására. A kő síremlékek a román korban terjedtek el. 1350-1400 között világi alakok kezdtek újra megjelenni freskókon és táblaképeken, mint például Theodoric mester IV. Károly hűségfogadásán, és a portrék ismét egyértelmű hasonmásokká váltak.

A század vége felé Burgundiában és Franciaországban megjelentek az első, kis fatáblákra festett olajportrék korabeli személyekről, először profilként, majd más nézetekben. Az 1400 körül készült wiltoni diptichon egyike annak a két fennmaradt táblás portrénak, amely II. Richárd angol királyt ábrázolja, a legkorábbi angol királyt, akiről korabeli példákkal rendelkezünk.

A középkor végén, a 15. században a korai holland festészet kulcsfontosságú szerepet játszott az individualizált portré kialakulásában. A mesterek közé tartozott többek között Jan van Eyck, Robert Campin és Rogier van der Weyden. Meglehetősen kisméretű, fél életnagyságnál kisebb, táblaképes portrékat rendeltek, nemcsak udvari személyiségekről, hanem viszonylag egyszerű öltözetük alapján gazdag városi polgárokról is. Az illuminált kéziratok miniatúráin szintén szerepeltek egyénített portrék, általában a megrendelőről. A vallásos festményeken az adományozók portréi kezdtek jelen lenni, vagy részt venni az ábrázolt főbb szakrális jelenetekben, és a magánjellegű udvari képeken az alanyok még olyan jelentős alakokként is megjelentek, mint például Szűz Mária.

• Robert Campin (1375 körül – 1444), Egy fiatal nő portréja (férjével párban), 1430-1435. Van der Weyden stílusa Campin stílusán alapult.

• Arnolfini portré, Jan van Eyck, 1434

• Rogier van der Weyden, Egy hölgy portréja, sz. 1460

• A legkorábbi önálló önarcképek egyike, Jean Fouquet, sz. 1450

RenaissanceEdit

Albrecht Dürer, Önarckép, 1500

Részben a természet, részben az antik görög és római klasszikus kultúra iránti érdeklődésből, a portrék – mind a festett, mind a szobrászati portrék – fontos szerepet kaptak a reneszánsz társadalomban, és tárgyként, valamint a földi siker és státusz ábrázolásaként értékelték őket. A festészet általánosságban az egyensúly, a harmónia és a belátás új szintjét érte el, és a legnagyobb művészeket (Leonardo, Michelangelo és Raffaello) “zseniknek” tekintették, akik messze az iparos státusz fölé emelkedve az udvar és az egyház megbecsült szolgáivá váltak.

Ebben a termékeny időszakban számos újítás alakult ki a portréfestészet különböző formáiban. Megindult a portré-miniatúra hagyománya, amely egészen a fényképezés koráig népszerű maradt, az illuminált kéziratok miniatúráinak festői készségeiből fejlődött ki. Az ókori medalionok által inspirált profilportrék különösen népszerűek voltak Olaszországban 1450 és 1500 között. A kétoldalas képekkel ellátott érmek a reneszánsz elején a kétoldalas festmények rövid ideig tartó divatját is megihlették. A klasszikus szobrok, mint például az Apolló Belvedere, szintén befolyásolták a reneszánsz portréfestők által használt pózok kiválasztását, amelyek évszázadokon át használatban maradtak. Leonardo Ginevra de’ Benci (1474-8 körül) című műve az egyik első ismert háromnegyedes portré az itáliai művészetben.

A világi személyek realista portréi terén az észak-európai művészek élen jártak. Az északi művészek nagyobb realizmusa és részletgazdagsága a 15. században részben az olajfestékekkel elérhető finomabb ecsetvonásoknak és hatásoknak volt köszönhető, míg az olasz és spanyol festők még mindig temperát használtak. Az olajfesték-technikát legkorábban kifejlesztő festők között volt Jan van Eyck. Az olajfestékekkel több textúrát és vastagsági fokozatot lehet létrehozni, és hatékonyabban lehet rétegezni, egyre vastagabb rétegeket egymásra helyezve (a festők által “zsír a soványon” néven ismert). Az olajfestékek lassabban száradnak, így a művész könnyebben végezhet változtatásokat, például az arc részleteinek megváltoztatását. Antonello da Messina volt az egyik első olasz, aki kihasználta az olaj előnyeit. Belgiumban tanult, majd 1475 körül Velencében telepedett le, és nagy hatással volt Giovanni Bellinire és az észak-itáliai iskolára. A 16. században az olaj mint médium egyre népszerűbbé vált egész Európában, lehetővé téve a ruhák és ékszerek pazarabb ábrázolását. A képek minőségét is befolyásolta a fáról a vászonra való áttérés, amely a 16. század elején kezdődött Olaszországban, és a következő évszázadban terjedt el Észak-Európában. A vászon jobban ellenáll a repedéseknek, mint a fa, jobban tartja a pigmenteket, és kevesebb előkészítést igényel – de kezdetben sokkal ritkább volt, mint a fa.

Az észak-európaiak korán felhagytak a profilozással, és realisztikus térfogatú és perspektivikus portrékat kezdtek készíteni. Hollandiában Jan van Eyck volt a vezető portréfestő. Az Arnolfini házassága (1434, National Gallery, London) a nyugati művészet egyik mérföldköve, a teljes alakos párportré korai példája, kiválóan megfestve, gazdag színekkel és kitűnő részletességgel. De ugyanilyen fontos, hogy bemutatja a van Eyck által bevezetett, újonnan kifejlesztett olajfestészeti technikát, amely forradalmasította a művészetet, és elterjedt egész Európában.

Ifjabb Hans Holbein, Sir Thomas More portréja, 1527

Vezető német portréfestők, köztük Lucas Cranach, Albrecht Dürer és ifjabb Hans Holbein, akik mind elsajátították az olajfestészeti technikát. Cranach volt az egyik első művész, aki életnagyságú, egészalakos megrendeléseket festett, és ez a hagyomány ettől kezdve népszerű volt. Abban az időben Angliának nem voltak első rangú portréfestői, és az olyan művészek, mint Holbein, keresettek voltak az angol mecénások körében. Sir Thomas More-ról (1527), első jelentős angliai mecénásáról festett képe (1527) majdnem olyan realista, mint egy fénykép. Holbein nagy sikert aratott a királyi család, köztük VIII. Henrik megfestésével. Dürer kiváló rajzoló volt, és az egyik első jelentős művész, aki önarcképek sorozatát készítette, köztük egy teljes arcot ábrázoló festményt. Önarcképes alakját (mint szemlélődő) több vallásos festményén is elhelyezte. Dürer tizenhárom éves korában kezdett önarcképeket készíteni. Később Rembrandt tovább erősítette ezt a hagyományt.

Itáliában Masaccio járt az élen a freskó modernizálásában a realisztikusabb perspektíva bevezetésével. Filippo Lippi egyengette az utat az élesebb kontúrok és kanyargósabb vonalak kidolgozásában, tanítványa, Raffaello pedig a következő évtizedekben monumentális falfestményeivel sokkal magasabb szintre emelte a realizmust Itáliában. Ebben az időszakban vált népszerűvé a jegyesportré, amely Lorenzo Lotto különleges specialitása volt. A korai reneszánsz idején a portréfestmények általában kisméretűek voltak, és néha védőfedéllel, zsanéros vagy csúszófedéllel fedték őket.

A reneszánsz idején különösen a firenzei és milánói előkelőségek kívántak magukról valósághűbb ábrázolásokat. A meggyőző teljes és háromnegyedes nézetek készítésének kihívása kísérletezésre és innovációra ösztönzött. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, Leonardo da Vinci és más művészek ennek megfelelően bővítették technikájukat, és a hagyományos vallási és klasszikus témákat portréfestészettel egészítették ki. Leonardo és Pisanello az első olasz művészek közé tartoztak, akik világi portréikat allegorikus szimbólumokkal egészítették ki.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa vagy La Gioconda, 1503-1505/1507

A nyugati világ egyik legismertebb portréja Leonardo da Vinci Mona Lisa című festménye, amelyet Lisa del Giocondóról, a firenzei és toszkánai Gherardini család tagjáról, a gazdag firenzei selyemkereskedő, Francesco del Giocondo feleségéről neveztek el. A híres “Mona Lisa mosoly” kiváló példája a finom aszimmetria alkalmazásának az arcon. Leonardo jegyzetfüzeteiben tanácsokat ad a fény tulajdonságairól a portréfestészetben:

A fény és az árnyék igen nagyfokú kecsességét kölcsönöz azoknak az arcoknak, akik sötét szobák ajtajában ülnek, ahol a szemlélő szeme az arc árnyékos részét a szoba árnyai által eltakarva látja, az arc megvilágított részét pedig azzal a nagyobb ragyogással látja, amit a levegő ad neki. Az árnyékok és a fények eme növekedése révén az arc nagyobb domborulatot kap.”

Leonardo Verrocchio tanítványa volt. Miután a Festők Céhének tagja lett, önálló megbízásokat kezdett elfogadni. Széleskörű érdeklődésének köszönhetően és tudományos elméjének megfelelően rajzai és előtanulmányai hatalmasak, bár kész művészi munkássága viszonylag csekély. További emlékezetes portréi közé tartoznak a nemes hölgyekről, Ginevra de’ Benciről és Cecilia Galleraniról készült portrék.

Raphael fennmaradt megrendelésre készült portréi jóval nagyobb számban fordulnak elő, mint Leonardóé, és a pózok, a megvilágítás és a technika nagyobb változatosságát mutatják. Ahelyett, hogy forradalmi újításokat hozott volna létre, Raffaello nagy teljesítménye inkább a reneszánsz művészet fejlődő áramlatainak megerősítése és finomítása volt. Különösen a csoportképek szakértője volt. Az Athéni iskola című remekműve az egyik legjelentősebb csoportfreskó, amely Leonardo, Michelangelo, Bramante és maga Raffaello képmásait tartalmazza, ókori filozófusok alakjában. Nem ez volt az első művészek csoportos portréja. Évtizedekkel korábban Paolo Uccello festett egy csoportképet, amelyen Giotto, Donatello, Antonio Manetti és Brunelleschi szerepelt. Ahogy Raffaello egyre nagyobb hírnévre tett szert, a pápák kedvenc portréfestőjévé vált. Míg sok reneszánsz művész szívesen vállalta a portrémegbízásokat, néhány művész visszautasította azokat, leginkább Raffaello riválisa, Michelangelo, aki inkább a Sixtus-kápolna hatalmas megrendeléseit vállalta.

Velencében 1500 körül Gentile Bellini és Giovanni Bellini uralták a portréfestészetet. Ők kapták a legmagasabb megbízásokat az állam vezető tisztségviselőitől. Bellini Loredan dózse portréját a reneszánsz egyik legszebb portréjaként tartják számon, és jól mutatja, hogy a művész mennyire jól ismeri az olajfestészet újonnan érkezett technikáit. Bellini az egyik első európai művészek egyike, aki aláírta műveit, bár ritkán datálta azokat. Később, a 16. században Tiziano nagyjából ugyanezt a szerepet vállalta, különösen azzal, hogy kibővítette királyi alanyai pózainak és üléseinek változatosságát. Tiziano volt talán az első nagy gyermekportréfestő. Tiziano után Tintoretto és Veronese váltak vezető velencei művészekké, segítve az olasz manierizmusba való átmenetet. A manieristák számos kivételes portréval járultak hozzá, amelyek az anyaggazdagságot és az elegánsan összetett pózokat hangsúlyozták, mint például Agnolo Bronzino és Jacopo da Pontormo művei. Bronzino a Medici család portréival szerzett hírnevet. I. Cosimo de’ Mediciről készült merész portréja a szigorú uralkodót páncélban, a jobb szélsőjobbra tekintő, gyanakvó szemmel ábrázolja, éles ellentétben a legtöbb királyi festménnyel, amelyek jóindulatú uralkodóként ábrázolják az ábrázoltakat. El Greco, aki tizenkét éven át Velencében képezte magát, Spanyolországba érkezése után még szélsőségesebb irányba indult el, és az ábrázolt személy “belső látását” olyannyira hangsúlyozta, hogy a fizikai megjelenés valóságtartalmát csökkentette. A 16. századi Itália egyik legjobb portréfestője a cremonai Sofonisba Anguissola volt, aki egyéni és csoportos portréit a komplexitás új szintjeivel ruházta fel.

A franciaországi udvari portréfestészet akkor kezdődött, amikor Jean Clouet flamand művész 1525 körül megfestette I. Ferenc francia király pazar képmását. Ferenc király nagy mecénása volt a művészeknek és mohó műgyűjtő, aki meghívta Leonardo da Vincit, hogy későbbi éveiben Franciaországban éljen. A Mona Lisa Leonardo halála után is Franciaországban maradt.

• Pisanello, talán Ginevra d’Este, 1440 körül

• Fiatalember, Sandro Botticelli, 1483 körül. Egy korai itáliai egészarcú póz.

• Vélhetően Raffaello, 1518 körül, Isabel de Requesens. A főreneszánsz stílus és formátum óriási hatással volt a későbbi nagy portrékra.

• Christiane von Eulenau, Lucas Cranach az idősebbtől, 1534

• Lucrezia Panciatichi, Agnolo Bronzino alkotása, 1540

• III. pápa és unokái, Tiziano, 1546

• Maarten van Heemskerck (1498-1574), Pieter Jan Foppesz családja, a c. előtt.1532, az első családi portrénak tekintik, a holland portréfestészetben.

• V. Károly, Tiziano, 1548, korszakalkotó lovasportré.

• Az angol I. Erzsébet Armada portréja, 1588 körül. I. Erzsébet angol király stilizált portréja egyedülálló volt Európában.

• Bíboros portréja, valószínűleg Fernando Niño de Guevara, El Greco, k. 1600

Barokk és rokokóSzerkesztés

Rembrandt csoportkép, A ruhakészítő céh szindikátusai, 1662.

A barokk és a rokokó korszakban (17., illetve 18. század) a portrék még fontosabb státusz- és pozíciónyilvánítássá váltak. Egy olyan társadalomban, amelyet egyre inkább a hatalmas udvarok világi vezetői uraltak, a gazdagon öltözött alakok képei a fontos személyek tekintélyének megerősítését szolgálták. A flamand festők, Sir Anthony van Dyck és Peter Paul Rubens a portrék e típusában jeleskedtek, míg Jan Vermeer főként a középosztályról készített portrékat, akik beltérben dolgoztak vagy játszottak. Rubens saját magát és első feleségét esküvői öltözékben ábrázoló portréja (1609) a párportré virtuóz példája. Rubens hírneve túlmutatott művészetén – udvari ember, diplomata, műgyűjtő és sikeres üzletember volt. Műterme a kor egyik legkiterjedtebb műterme volt, ahol a portrék mellett a csendélet, a tájkép, az állat- és zsánerjelenetek specialistáit is foglalkoztatta. Van Dyck két évig képezte magát nála. I. Károly angol király először Rubens-t alkalmazta, majd van Dyck-et importálta udvari festőjének, lovaggá ütötte és udvari ranggal ruházta fel. Van Dyck nemcsak Rubens gyártási módszereit és üzleti készségeit vette át, hanem elegáns modorát és megjelenését is. Mint feljegyezték: “Mindig pompásan öltözve ment, számos és gáláns felszereléssel rendelkezett, és olyan előkelő asztalt tartott lakosztályában, hogy kevés herceget nem látogattak meg többen, és nem szolgáltak ki jobban”. Franciaországban Hyacinthe Rigaud hasonlóan dominált, mint a királyi családok figyelemre méltó krónikása, aki öt francia király portréját festette meg.

A reneszánsz művészet egyik újítása a különböző érzelmeket kísérő arckifejezések jobb megjelenítése volt. Különösen a holland festő, Rembrandt fedezte fel az emberi arc sokféle kifejezését, különösen az egyik legjelentősebb önarcképfestőként (ebből több mint 60-at festett életében). Az emberi arc iránti érdeklődés elősegítette az első karikatúrák megalkotását is, amelyeket a 16. század végén az olaszországi Bolognában a Carracci család festői által vezetett Accademia degli Incamminati nevű intézménynek tulajdonítanak.

Velázquez, X. Innocentus pápa, 1650 körül, Doria Pamphilj Galéria, Róma.

A barokk korban nagy számban készültek csoportportrék, különösen Hollandiában. Európa többi részével ellentétben a holland művészek nem kaptak megrendeléseket az ilyen képeket tiltó kálvinista egyháztól vagy a gyakorlatilag nem létező arisztokráciától. Ehelyett a megrendelések polgári és üzleti egyesületektől érkeztek. Frans Hals holland festő élénk színű, folyékony ecsetvonásokkal élénkítette csoportos portréit, köztük a polgárőrségét, amelyhez ő is tartozott. Rembrandt nagy hasznot húzott az ilyen megbízásokból és a művészet általános elismeréséből a polgári megrendelők körében, akik támogatták a portréfestészetet, valamint a csendélet- és tájképfestészetet. Ráadásul ebben az időben virágzott Hollandiában az első jelentős művészeti és kereskedői piac.

A rengeteg keresletnek köszönhetően Rembrandt kísérletezhetett a szokatlan kompozícióval és technikával, például a chiaroscuroval. Ezeket az olasz mesterek, például Caravaggio által bevezetett újításokat leginkább a híres Éjszakai őrség (1642) című képén mutatta be. A Dr. Tulp anatómiaórája (1632) egy másik remek példája Rembrandt csoportos festészetének, amelyben a holttestet erős fényben fürdeti, hogy felhívja a figyelmet a kép közepére, miközben a ruházat és a háttér feketébe olvad, kiemelve a sebész és a diákok arcát. Ez az első olyan festmény is, amelyet Rembrandt teljes nevével aláírt.

Spanyolországban Diego Velázquez festette a Las Meninas-t (1656), minden idők egyik leghíresebb és legrejtélyesebb csoportos portréját. A mű a művésznek és a spanyol királyi család gyermekeinek állít emléket, és látszólag az ülők a királyi pár, akiket csak tükörképként látunk. Velázquez elsősorban zsánerfestőként kezdte, de IV. Fülöp udvari festőjeként hamar felemelkedett, és kiválóan értett a portréfestészethez, különösen a csoportképek összetettségének kiterjesztéséhez.

A rokokó művészek, akiket különösen érdekelt a gazdag és bonyolult ornamentika, a kifinomult portré mesterei voltak. Az öltözködés és a textúra részleteire fordított figyelmük növelte a portrék hatékonyságát a világi gazdagság tanúságaként, amint azt François Boucher híres portréi bizonyítják, amelyeken Madame de Pompadour gomolygó selyemruhába öltözött.

Thomas Gainsborough, A kék fiú, 1770 körül, Huntington Library, San Marino, Kalifornia

XIV. francia Lajos és családja római istenekként ábrázolva Jean Nocret 1670-es festményén.

A brit iskola első jelentős hazai portréfestői Thomas Gainsborough és Sir Joshua Reynolds angol festők voltak, akik szintén az alanyaik szemet gyönyörködtető öltözködésére specializálódtak. Gainsborough Kék fiúja minden idők egyik leghíresebb és legelismertebb portréja, amelyet nagyon hosszú ecsettel és vékony olajfestékkel festett, hogy elérje a kék ruha csillogó hatását. Gainsborough-t az alanyai számára kidolgozott háttérbeállításairól is ismerték.

A két brit művésznek ellentétes véleménye volt az asszisztensek használatáról. Reynolds rendszeresen alkalmazta őket (néha csak a festés 20 százalékát végezte el maga), míg Gainsborough ritkán. Néha a megrendelő ígéretet csikart ki a művésztől, mint például Sir Richard Newdegate Peter Lely portréfestőtől (van Dyck utódja Angliában), aki megígérte, hogy a portré “a kezdetektől a végéig a saját kezemmel lesz rajzolva”. A flamand mesterek által alkalmazott pontossággal ellentétben Reynolds azzal foglalta össze a portréfestéshez való hozzáállását, hogy “a kecsesség, és hozzátehetjük, a hasonlatosság, inkább abban áll, hogy megragadjuk az általános jelleget, mint abban, hogy minden vonás pontos hasonlóságát megfigyeljük”. Szintén kiemelkedő volt Angliában William Hogarth, aki szembe mert szállni a hagyományos módszerekkel azzal, hogy humoros jegyeket vitt be portréiba. Az “Önarckép mopszal” című műve egyértelműen inkább a háziállatának humoros megragadása, mint egy öncélú festmény.

A 18. században a női festők új jelentőségre tettek szert, különösen a portréfestészet területén. Nevezetes női művészek közé tartozik Élisabeth Vigée-Lebrun francia festőnő, Rosalba Carriera olasz pasztellfestő és Angelica Kauffman svájci művésznő. Szintén ebben a században, a fényképezés feltalálása előtt, nagyra értékelték a hihetetlen pontossággal megfestett és gyakran aranyba vagy zománcozott medálba zárt miniatűr portrékat.

Az Egyesült Államokban a kifinomult brit modorban tanult John Singleton Copley lett a teljes méretű és miniatűr portrék vezető festője, különösen Samuel Adamsről és Paul Revere-ről készített hiperrealista képei voltak nagyra értékeltek. Copley arról is nevezetes, hogy a portréfestészet és a történeti festészet akadémikusan nagyobb tiszteletnek örvendő művészetének egyesítésére törekedett, amit híres katonákról készített csoportos portréival kísérelt meg. Ugyanilyen híres volt Gilbert Stuart is, aki több mint 1000 portrét festett, és különösen ismert volt elnöki portréiról. Stuart csak George Washingtonról több mint 100 másolatot festett. Stuart gyorsan dolgozott, és lágyabb, kevésbé részletes ecsetvonásokat alkalmazott, mint Copley, hogy megragadja alanyai lényegét. Néha több változatot is készített egy-egy ügyfél számára, lehetővé téve az ábrázolt személy számára, hogy kiválassza a kedvencét. A rózsás arctónusairól ismert Stuart azt írta: “A hús nem hasonlít más anyaghoz az ég alatt. A selyemkereskedés minden vidámsága megvan benne a selyemkereskedés csillogása nélkül, és az öreg mahagóni minden lágysága a szomorúság nélkül”. A gyarmati korszak további kiemelkedő amerikai portréfestői voltak John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale és Rembrandt Peale.

• IV. Fülöp barnában és ezüstben, Diego Velázquez, 1632

• Sir Kenelm Digby, Anthony Van Dyck, sz. 1640

• Rembrandt van Rijn, Jan Six portréja, 1654

• Pasztell Madame de Pompadourról, Maurice Quentin de La Tour, 18. század közepe

• Thomas Kerrich (1748-1828), Pompeo Batoni

• John Durand, The Rapalje Children, 1768, New-York Historical Society, New York City

• John Singleton Copley, Paul Revere, 1770

19. századSzerkesztés

Madame Récamier (1800), a neoklasszikus divat csúcsán, Jacques-Louis David

A 18. század végén és a 19. század elején, a neoklasszicista művészek folytatták azt a hagyományt, hogy az alanyokat a legújabb divat szerint ábrázolják, ami a nők esetében ekkor már az ókori görög és római ruhadarabokból származó áttetsző ruhákat jelentette. A művészek irányított fényt használtak a textúra, valamint az arcok és végtagok egyszerű kerekdedségének meghatározására. Jacques-Louis David és Jean-Auguste-Dominique Ingres francia festők virtuozitásról tettek tanúbizonyságot ebben a rajzolóhoz hasonló technikában, valamint éles szemmel figyeltek a karakterekre. Ingres, aki David tanítványa volt, olyan portréiról nevezetes, amelyeken az alany mögé tükröt festettek, hogy az alany hátulnézetét szimulálják. A császári trónon ülő Napóleont ábrázoló portréja a királyi portréfestészet remekműve. (lásd a Galériát alább)

A 19. század első felében alkotó romantikus művészek élénk ecsetvonásokkal és drámai, néha hangulatos megvilágítással festettek portrékat inspiráló vezetőkről, szép nőkről és zaklatott alanyokról. Eugène Delacroix és Théodore Géricault francia művészek különösen szép portrékat festettek ebből a típusból, különösen fess lovasokat. A lovasportrékat gyakorló lengyelországi romantikus korabeli művészek közül kiemelkedik Piotr Michałowski (1800-1855). Ugyancsak említésre méltó Géricault elmebetegeket ábrázoló portrésorozata (1822-1824). Francisco de Goya spanyol festő a korszak legkeresettebb és legprovokatívabb képeit festette, köztük a La maja desnuda (1797-1800 körül) címűt, valamint híres udvari portrékat Károly IV.

Thomas Eakins, The Gross Clinic, 1875

A 19. századi realista művészek, mint például Gustave Courbet, az alsó és középosztálybeli embereket ábrázoló tárgyilagos portrékat készítettek. Romantikusságát demonstrálva Courbet számos önarcképet festett, amelyeken különböző hangulatban és arckifejezéssel ábrázolta magát. Más francia realisták közé tartozik Honoré Daumier, aki számos karikatúrát készített kortársairól. Henri de Toulouse-Lautrec a színház néhány híres színészét, köztük Jane Avril-t is megörökítette, mozgásban megörökítve őket. Édouard Manet francia festő, fontos átmeneti művész volt, akinek munkássága a realizmus és az impresszionizmus között lebeg. Kiemelkedő éleslátású és technikájú portréfestő volt, Stéphane Mallarméról készült festménye jó példa átmeneti stílusára. Kortársa, Edgar Degas elsősorban realista volt, és a Bellelli család portréja című festménye egy boldogtalan család éleslátó ábrázolása, és az egyik legjobb portréja.

Amerikában Thomas Eakins volt az első számú portréfestő, aki a realizmust az őszinteség új szintjére emelte, különösen két portréjával, amelyeken sebészeket ábrázolt munka közben, valamint sportolókat és zenészeket akció közben. Számos portréján, például “Mrs. Edith Mahon portréja” című képén Eakins bátran közvetíti a bánat és a melankólia nem hízelgő érzelmeit.

Vincent van Gogh, Önarckép, 1887

A realisták az 1870-es évekre többnyire átadták helyüket az impresszionistáknak. Részben csekély jövedelmük miatt az impresszionisták közül sokan családtagjaikra és barátaikra támaszkodtak, hogy modellt álljanak nekik, és intim csoportokat és egyes alakokat festettek akár a szabadban, akár fényárban úszó belső terekben. A csillogó felületükről és gazdag festékfelhordásukról ismert impresszionista portrék gyakran lefegyverzően bensőségesek és vonzóak. Claude Monet és Pierre-Auguste Renoir francia festők alkották a legnépszerűbb egyéni és csoportképeket. Mary Cassatt amerikai művésznő, aki Franciaországban tanult és dolgozott, ma is népszerű az anyákat és gyermekeket ábrázoló, magával ragadó festményei miatt, akárcsak Renoir. Paul Gauguin és Vincent van Gogh, mindketten posztimpresszionisták, leleplező portrékat festettek ismerőseikről, színekben pezsgő, de nem feltétlenül hízelgő képeket. Ugyanígy, ha nem még inkább, erőteljes önarcképeikért ünneplik őket.

John Singer Sargent szintén átfogta a századfordulót, de elutasította a nyílt impresszionizmust és a posztimpresszionizmust. Korának legsikeresebb portréfestője volt, aki többnyire realista technikát alkalmazott, amelyet gyakran a színek ragyogó használata árasztott el. Egyaránt értett az egyéni és a csoportos portrékhoz, különösen a felsőbb osztálybeli családokról. Sargent az olaszországi Firenzében született amerikai szülők gyermekeként. Tanulmányait Olaszországban, Németországban és Párizsban végezte. Sargentet a van Dyckkel kezdődő brit portréfestészeti hagyomány utolsó jelentős képviselőjének tekintik. Egy másik kiemelkedő amerikai portréfestő, aki külföldön képezte magát, William Merritt Chase volt. A “női Sargentnek” nevezett Cecilia Beaux amerikai társasági festő francia apától született, külföldön tanult, és itthon a hagyományos módszerekhez ragaszkodva ért el sikereket. Egy másik portréfestő, akit Sargenthez hasonlítottak buja technikája miatt, az olasz származású párizsi művész, Giovanni Boldini volt, Degas és Whistler barátja.

Az amerikai születésű internacionalista James Abbott McNeill Whistler jó kapcsolatban állt európai művészekkel, és néhány kivételes portrét is festett, a leghíresebb az Arrangement in Grey and Black, The Artist’s Mother (1871) című műve, amelyet Whistler Anyja néven is ismertek. Whistler portréi esetében is, akárcsak tónusos tájképeinél, azt akarta, hogy nézői a formák és színek harmonikus elrendezésére összpontosítsanak a festményein. Whistler visszafogott palettát használt a kívánt hatás eléréséhez, hangsúlyozva a színegyensúlyt és a lágy tónusokat. Ahogy ő fogalmazott: “ahogy a zene a hang költészete, úgy a festészet a látvány költészete, és a témának semmi köze a hang vagy a szín harmóniájához”. Cézanne portréiban is a forma és a szín állt a középpontban, míg André Derain, valamint Henri Matisse portréit még szélsőségesebb szín- és ecsetvonás-technika uralja.

A 19. században a fényképezés fejlődése jelentős hatással volt a portréfestészetre, kiszorítva a korábbi camera obscurát, amelyet korábban a festészetben is segédeszközként használtak. Sok modernista özönlött a fotóstúdiókba, hogy elkészíttesse portréit, köztük Baudelaire is, aki bár a fotográfiát a “művészet ellenségének” nyilvánította, mégis vonzódott a fényképezés őszinteségéhez és erejéhez. Azáltal, hogy olcsó alternatívát nyújtott, a fényképezés a portréfestészet legalsó szintjének nagy részét kiszorította. Néhány realista művész, mint Thomas Eakins és Edgar Degas, lelkesedett a fényképezőgépes fotózásért, és hasznos segítségnek találta a kompozícióhoz. Az impresszionistáktól kezdve a portréfestők számtalan módot találtak a portré újraértelmezésére, hogy hatékonyan versenyezzenek a fényképezéssel. Sargent és Whistler azok közé tartozott, akiket arra ösztönöztek, hogy kibővítsék technikájukat, hogy olyan hatásokat érjenek el, amelyeket a fényképezőgép nem tudott megörökíteni.

• Francisco de Goya, IV. spanyol Károly és családja, 1800-1801

• Jean Auguste Dominique Ingres, Napóleon portréja a császári trónon, 1806, Musée de l’Armée, Párizs

• Gustave Courbet, Charles Baudelaire portréja, 1848

• Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley portréja, 1868

• James Abbott McNeill Whistler, Arrangement in Grey and Black: The Artist’s Mother (1871), népszerű nevén Whistler anyja

• Edgar Degas, Portrait of Miss Cassatt, Seated, Holding Cards, 1876-1878

• John Singer Sargent, Robert Louis Stevenson portréja, 1887

• Paul Gauguin, A napraforgók festője, Vincent van Gogh portréja, 1888

• Vincent van Gogh, Doctor Gachet portréja, (első változat), 1890

20. századSzerkesztés

Gertrude Stein portréja, 1906, Metropolitan Museum of Art, New York City. Amikor valaki megjegyezte, hogy Stein nem úgy néz ki, mint a portréja, Picasso azt válaszolta: “Majd fog”.

A 20. század elején más művészek is új irányokba bővítették a portréfestészet repertoárját. A fauvista művész, Henri Matisse erőteljes portrékat készített, amelyeken a bőr tónusaihoz nem naturális, sőt rikító színeket használt. Cézanne erősen leegyszerűsített formákra támaszkodott portréiban, kerülve a részleteket, miközben a színek egymás mellé helyezését hangsúlyozta. Az osztrák Gustav Klimt egyedi stílusa bizánci motívumokat és aranyfestéket alkalmazott emlékezetes portréin. Tanítványa, Oskar Kokoschka a bécsi felső osztály fontos portréfestője volt. A termékeny spanyol művész, Pablo Picasso számos portrét festett, köztük számos kubista ábrázolást szeretőiről, amelyeken az alany képmása durván eltorzult, hogy a szokásos karikatúra határait messze meghaladó érzelmi kifejezést érjen el. A 20. század fordulójának kiemelkedő, a francia impresszionizmushoz kötődő női portréfestője Olga Boznańska (1865-1940) volt, az expresszionista festők pedig a valaha készült legmegrendítőbb és legmeggyőzőbb pszichológiai tanulmányok némelyikével szolgáltak. Olyan német művészek, mint Otto Dix és Max Beckmann az expresszionista portréfestészet figyelemre méltó példáit hozták létre. Beckmann termékeny önarcképfestő volt, legalább huszonhetet készített. Amedeo Modigliani számos portrét festett hosszúkás stílusában, amely a “belső személyt” leértékelte a szigorú forma- és színtanulmányok javára. Ennek érdekében az általában expresszív szemeket és szemöldököket feketére festett résekig és egyszerű ívekig lefokozta.

A brit művészetet a vorticisták képviselték, akik a 20. század elején festettek néhány figyelemre méltó portrét. A dadaista festő, Francis Picabia számos portrét készített a maga egyedi módján. Emellett Tamara de Lempicka portréi áramvonalas íveivel, gazdag színeivel és éles szögeivel sikeresen megragadták az art deco korszakot. Amerikában Robert Henri és George Bellows az 1920-as és 1930-as évek amerikai realista iskola kiváló portréfestői voltak. Max Ernst a modern kollegiális portré példáját hozta létre az Összes barátok együtt című 1922-es festményével.

Az 1930-2000 közötti portréfestészet fejlődéséhez jelentősen hozzájárultak az orosz művészek, akik főként a realista és a figurális festészet hagyományai szerint dolgoztak. Közülük kell megemlíteni Isaak Brodszkijt, Nyikolaj Fecsint, Abram Arkhipovot és másokat.

A portrékészítés Európában (Oroszország kivételével) és Amerikában az 1940-es és 1950-es években általában visszaesett, ami az absztrakció és a nonfiguratív művészet iránti növekvő érdeklődés következménye. Kivételt képezett azonban Andrew Wyeth, aki a vezető amerikai realista portréfestővé fejlődött. Wyethnél a realizmus, bár nyíltan jelen van, másodlagos a festményeinek tónusaihoz és hangulatához képest. Ezt jól mutatja a “Helga”-képek néven ismert, mérföldkőnek számító festménysorozata, amely bármely jelentős művész egyetlen személyt ábrázoló portréinak legnagyobb csoportja (247 tanulmányt festett szomszédjáról, Helga Testorfról, ruhás és meztelenül, változó környezetben, az 1971-1985 közötti időszakban).

A hatvanas-hetvenes évekre a portréfestészet újjáéledt. Olyan angol művészek, mint Lucian Freud (Sigmund Freud unokája) és Francis Bacon erőteljes festményeket készítettek. Bacon portréi rémálomszerűségükkel tűntek ki. 2008 májusában Freud 1995-ös portréja Benefits Supervisor Sleeping a Christie’s New York-i árverésén 33,6 millió dollárért kelt el, ezzel világrekordot állított fel élő művész festményének eladási értékében.

Sok kortárs amerikai művész, például Andy Warhol, Alex Katz és Chuck Close az emberi arcot állította művei középpontjába.

Warhol a 20. század egyik legtermékenyebb portréfestője volt. Warhol Marilyn Monroe-ról készült Orange Shot Marilyn című festménye ikonikus korai példája az 1960-as évekből, az Orange Prince (1984) a popénekes Prince-ről pedig későbbi példa, mindkettő Warhol egyedi grafikai portréfestő stílusát mutatja.

Close specialitása a hatalmas, fotóképeken alapuló, hiperrealista, falméretű “fej”-portrék voltak. Jamie Wyeth apja, Andrew realista hagyományát folytatja, és híres portrékat készít, amelyek témái az elnöktől a disznókig terjednek.

• Henri Matisse, A zöld csík, Madame Matisse portréja, 1905

• Olga Boznańska, Önarckép, 1906, Varsói Nemzeti Múzeum

• Umberto Boccioni, Önarckép, 1906

• Gustav Klimt, Adele Bloch-Bauer I. portréja, 1907

• Pablo Picasso, Daniel-Henry Kahnweiler portréja, 1910, The Art Institute of Chicago

• Juan Gris, Pablo Picasso portréja, 1912

• Amedeo Modigliani, Chaim Soutine portréja, 1916

• Boris Grigorjev, Vszevolod Meyerhold portréja, 1916

• Borisz Kusztodjev, Kapitsa és Szemjonov, 1921