En undersökning av de mest ikoniska och viktiga smyckesformgivarna från 1900-talet är behäftad med samma subjektiva fallgropar som alla andra konstsamlingar. I en bedömning av modernistiska målningar, till exempel, är Magrittes The Treachery of Images relativt sett viktigare eller mindre viktig som konstnärlig ikon än, låt oss säga, Duchamps Nude Descending a Staircase No. 2 (Naken nedför en trappa nr 2)? Så är det också med smycken: På en kort lista över formgivare kan förnuftiga människor vara oense om Gérard Sandoz’ förtjänster – hans karriär som konstnär av ädelstenar kortades trots allt av ett andra liv som skådespelare.
Det är därför det är viktigt att se till att den som sammanställer en sådan lista över storheter är kvalificerad för att uttala sig. Och Lee Siegelson kan verkligen sina pärlor. Den tredje generationens juvelerare har tillbringat åratal med att bedöma, samla in och sälja vintagepjäser av gallerikvalitet från varumärkets kontor på Fifth Avenue på Manhattan. Louis, Lees farfar, startade företaget i Brooklyn 1920 och specialiserade sig ursprungligen på klockreparationer. På 1940-talet – med hjälp av sin son Herman (Lees far) – ändrade sig Siegelson och började lägga mer fokus på vintage smycken. Med tiden samlade han på sig ett spektakulärt lager av unika mönster. I det globala smyckesamhället är Siegelsons kollektion bland de mest respekterade. Hittills har många smycken sålts till eller ställts ut på museer – däribland New Yorks Cooper Hewitt och Smithsonian.
Så, vem är bättre lämpad att guida oss genom de tio mest ikoniska och inflytelserika formgivarna från det senaste århundradet än Lee Siegelson själv? Experten kommer att leda en kortfattad snabbkurs i smyckeshistoria – från Calder till Van Cleef, han kommer att bryta ner vad som gör att varje konstnär sticker ut. Plus – vilken ovanlig brosch var Jeanne Boivins favorit? Vad hade flygplansdesign att göra med Jean Després smycken? Lita på oss, du kommer att vilja lägga några av dessa samtalspärlor i fickan till nästa middagsbjudning.
Lee Siegelson ställer ut på en konstmässa. Foto: Foto: Courtesy Siegelson
Suzanne Belperron
Suzanne Belperron är den enskilt viktigaste smyckesdesignern genom tiderna. Hon skapade en ikonisk estetik med djärva kurviga mönster som omedelbart känns igen som Belperron. Hon är känd för att inte signera sina smycken och säger: ”Min stil är min signatur”. Och hon har helt rätt.
Belperron var känd för att använda ovanligt utskurna hårda stenmaterial som rosakvarts, bergkristall och kalcedon som monteringsmaterial för armband och ringar. Hon pressade också sina verkstäder att skapa intrikata steninställningar för verk som innehöll ett stort och varierat antal stenskärningar. Varje montering måste skapas för hand för att passa de enskilda stenarna.
Detta bib-halsband är en ikonisk Belperron-design som består av ett fält av oregelbundna äggformade rubiner varvat med diamanter, allt ramsatt i platina. Även om rubinerna och diamanterna verkar vara slumpmässigt utspridda, placerades de i själva verket med stor omsorg av designern, som en impressionistisk målare skulle kunna sprida ut droppar av färg för att skapa en vackrare helhet. Resultatet är en magnifik flytande känsla.
Belperron var och är absolut vördad av modeskapare, redaktörer och bärare av haute couture. Hennes plagg har samlats av Daisy Fellowes, Elsa Schiaparelli, Diana Vreeland, hertiginnan av Windsor och Karl Lagerfeld, för att nämna några. Hon är den designer som är mest eftertraktad av människor som förstår att kläder och smycken kan vara konst.
Art Moderne Ruby and Diamond Bib Necklace av Suzanne Belperron, Paris, cirka 1945. Foto: Foto: Courtesy Siegelson
Boivin
Jeanne Boivin (huvudansvarig för Boivin efter att hennes man dog 1917) var kunglig inom mode och smycken. Hon var kvinnlig direktör för det berömda smyckesföretaget och syster till Paul Poiret, couturier som för alltid förändrade modet med sin banbrytande design på 1910- och 1920-talen. Jeanne gav Suzanne Belperron sin start och arbetade även med Juliette Moutard. Dessa tre kvinnor skapade tillsammans några av de viktigaste smycken som någonsin designats med en stark skulpturell stil som vanligtvis är baserad på naturen.
Sjöstjärnebroschen är den absoluta toppen av Boivins design, och Jeanne sa till och med att denna brosch var hennes favorit. Detta smycke köptes av Claudette Colbert, den mest kända Hollywoodstjärnan på 1930-talet efter att hon vunnit en Oscar för ”It Happened One Night”. Och hon är avbildad med broschen på ett periodiskt fotografi.
Millicent Rogers ägde en senare version och hon var avbildad med den i Vogue. Boivins sjöstjärna var faktiskt avbildad i Vogue fyra gånger mellan 1937 och 1945, ett oöverträffat antal gånger för en tidskrift i modets framkant.
Claudette Colberts sjöstjärna: En sjöstjärna i rubin och ametist, designad av Juliette Moutard för René Boivin, Paris 1937. Foto: Courtesy Siegelson
Cartier
Cartier har skapat fler fantastiska smycken än någon annan juvelerare – faktum är att deras design ofta definierar en viss era eller stil. Det finns inget material eller någon sten som Cartier inte behärskar. Familjen Cartiers dynasti sträckte sig över ett århundrade och producerade allt från prisvärda bordspjäser i silver till utsökta unika smyckesskapelser för maharadjor och europeiska kungligheter.
Cartier anlitade de bästa verkstäderna och formgivarna och gav dem tillgång till ett brett bibliotek med konstböcker och persiska miniatyrer för att få inspiration. Det här armbandet skulle ha köpts av en toppkund. Det är utsökt i både konstruktion och design. Den svarta lacken gör formen modern, medan den trebladiga designen ger en blinkning till exotiska dekorativa stilar. De gröna smaragderna sticker ut mot den annars starka svartvita paletten och de glänsande pärlorna är utsökta terminaler. Endast Cartier kunde ha producerat detta stycke och när du håller det i din hand kan du se att det inte finns något som är felplacerat, det är ett perfekt genomtänkt och utsökt stycke.
Art Deco diamant, naturpärla, smaragd och onyxarmring av Cartier, cirka 1925. Foto: Cartier, 1925: Foto: Courtesy Siegelson
Van Cleef & Arpels
Van Cleef & Arpels är känd för absolut eleganta konfektioner. De utmärkte sig särskilt genom att använda ovanliga stenhuggningar och designinnovationer som den osynliga infattningen, minaudiere och ziphalsbandet. Företaget tillverkade särskilt vackra smycken med hjälp av en marquise-slipning som de kallade navette. Detta halsband med diamantfransar visar det skickliga sättet som VCA använde för att lägga olika stenslipningar i lager för att framhäva stenarnas geometri och skapa en fantastisk konstruktion som är elegant och lyxig och som känns modern och bärbar i dag.
Halsband i platina och diamanter av Van Cleef & Arpels, Paris, 1948. Foto: Arpelle, Paris, 1948: Courtesy Siegelson
Boucheron
Från starten 1858 fick Boucheron uppmärksamhet på internationella utställningar för sin genomtänkta, vackra och djärva design. Vid Paris Exposition des Arts Décoratifs et Industriels 1925 skapade företaget ett komplett designschema med bland annat monterade rosa shagreenfodral dekorerade med geometriska mönster som skapats för utställningen. (Armbandet som ägs av Siegelson har den enda kända kvarvarande lådan.)
Detta armband, ett av de viktigaste smyckena som någonsin tillverkats, skapades för Parisutställningen 1925. Stephen Harrison, intendent för dekorativ konst vid Cleveland Museum of Art, sade: ”Boucheron skapade ett extraordinärt armband av nyskapande osmium med cabochon rubiner, safirer och smaragder, arrangerade som bubblor som flyter i vattnet”. Den revolutionerande utformningen av detta smycke är centrerad kring det geometriska arrangemanget av stenarna som omges av diamanter som tycks glida över armbandets yta och glida under panelernas diamantkanter. Svarta emaljerade stavar, placerade diagonalt, ger en dramatisk folie för de färgade ädelstenarna.
Art Deco Diamond, Enamel, and Gem-Set Bracelet by Boucheron. Utställdes på 1925 års Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes i Paris. Foto: Foto: Courtesy Siegelson
Gérard Sandoz
Gérard Sandoz tillverkade sina fantastiska smycken endast under en kort tid på Art Deco-periodens höjdpunkt, från 1920-1931. Han var en charmig, rastlös person som var känd för att njuta av fester på Maxim’s och lämnade så småningom familjeföretaget med smyckestillverkning för en blygsam filmkarriär.
Smyckena han tillverkade är en absolut ren utforskning av geometriska former i olika material, färger och ytbehandlingar som kombineras för att skapa en komplex skiktad form. Det finns inget annat liknande.
Sandoz sade själv: ”Det är möjligt att göra mycket vackra smycken helt enkelt med guld och att göra fasor med floder av diamanter.”
Denna brosch är centrerad kring en platinastång som passerar genom en spetsig guldrektangel med ”tänder” av guld och onyx, likt de som finns på ett kugghjul, och den här broschen hämtar inspiration direkt från de maskiner Sandoz älskade. Det centrala elementet är skiktat på en bakgrund av frostat bergkristall på en bana-diamanttriangel. I denna mästerliga brosch vände Sandoz om på den vanliga ordningen av material i ett fint smycke, som vanligtvis bestod av de mest ädla stenarna, med metall som ett enkelt fäste. Här använder Sandoz diamanterna som en bakgrund och utnyttjar det polerade guldet som det centrala elementet. Resultatet är ett ikoniskt och viktigt designmästerverk.
Art Deco Geometrisk brosch av Gérard Sandoz, Paris, cirka 1927. Foto: Foto: Courtesy Siegelson
Jean Després
Född i en familj av juvelerare och för alltid påverkad av sin erfarenhet som flygplanskonstruktör under andra världskriget, påverkade Després smyckesdesignens utveckling med sina noggrant utformade maskininspirerade smycken, kända som ”bijoux-moteurs”.
Detta armband av Després är ett ikoniskt exempel på Art Moderne-design som kombinerar kraftfull enkelhet med maskininspirerad design. Designen påminner om tänderna på ett massivt kugghjul, medan armbandet smalnar av för att anpassa sig till handledens smalnande form. Denna subtila designjustering erkänner att denna massiva manschett är avsedd att bäras, och som visas på ett periodiskt foto är den elegant på handleden.
Art Moderne Silver and Black Lacquer Bracelet by Jean Després, Paris, cirka 1931. Utställdes på Salon d’Automne i Paris 1931. Foto: Foto: Courtesy Siegelson
Jean Dunand
Jean Dunand är en av de främsta Art Deco-designerna som är känd för sina lackmöbler, dekorativa föremål och smycken. Han anlitades för att lacka hela lyxrum på fantastiska oceanfartyg som Normandie.
Eftersom Dunand skapade såväl porträtt som dekorativa föremål och smycken innehöll hans porträtt ofta exempel på hans arbete. Ett berömt och utsökt porträtt av hans mentor Madame Agnes kom nyligen upp på auktion, och på det syns hon bära ett enda giraffhalsband. Giraffen är ett ikoniskt verk för Dunand och det talar om ett specifikt ögonblick på 1920-talet då designers började röra sig bort från den klassiska användningen av lyxiga material mot en mer modern design.
En liknande modell tillverkades för och bars av Josephine Baker, som var Dunands musa; hon visas med uppsättningen (och lite annat) på ett berömt fotografi.
Nyligen återvände hon från en stor utställning, The Jazz Age: American Style in the 1920s, på Cooper Hewitt och Cleveland Museum of Art, är detta den största kända uppsättningen med totalt sex stycken. Detta är ett större exemplar än de som ägs av Museé de Arts Decoratifs och Metropolitan Museum of Art. Detta är den största uppsättningen som troligen någonsin kommer att synas på marknaden.
Röd och svart lack och Oréum-uppsättning med tre ”Giraff”-halsband och tre armband av Jean Dunand, Paris, cirka 1927. Utställd i The Jazz Age: American Style in the 1920s at the Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, New York. Foto: Foto: Courtesy Siegelson
Paul Flato
Paul Flato var stjärnornas ursprungliga juvelerare och vände sig till Hollywoods crème de la crème. Han grundade sitt företag i New York 1928 och öppnade en butik i Los Angeles 1937. Hans figurativa stil, ofta på gränsen till humoristisk, nådde sin höjdpunkt på 1930-talet när Adolph Kleaty, George Headley och Fulco, hertigen av Verdura, designade smycken åt honom. Flato gjorde fjädrar, händer som höll blommor och broscher som var skattkistor fyllda med juveler, men med pampighet.
Hans salonger besöktes av Joan Crawford, Marlene Dietrich och Vivien Leigh, och av de ledande männen Douglas Fairbanks, Laurence Olivier och Orson Welles. Hans smycken bars av Katherine Hepburn i Holiday, Greta Garbo i Two Faced Woman och Rita Hayward i Blood and Sand.
För detta halsband förvandlade Verdura ett vanligt bruksföremål, ett bälte, till ett uppseendeväckande akvamarin- och rubinhalsband. Detta var en anmärkningsvärd bedrift i en tid då de flesta smycken hade blommor eller geometriska mönster. Halsbandet är skickligt utformat så att det ser ut som om bältet var knutet, vilket skapar ett smycke som kan bäras centrerat eller vid sidan om, som det var i Vogue 1944.
The Cole Porter Necklace: Ett akvamarin- och rubinbälte med spännehalsband designat av Fulco, hertigen av Verdura, för Paul Flato, New York, cirka 1935. Foto: Foto: Courtesy Siegelson
Alexander Calder
Alexander Calder är mest känd för sina delikat balanserade mobiler och skulpturer som rör sig som svar på luft eller beröring, men smycken var hans mest personliga och konstanta medium. Varje smycke var handgjort av konstnären och var en unik kombination av hans hammarslagning och den estetik och grace som fanns i hans storskaliga verk. Calders smycken, bohemiska men raffinerade, samlades in av fashionabla konstsamlare som Peggy Guggenheim, Mary Rockefeller och Millicent Rogers.
Skapad av mässingstråd visar denna brosch samma känsla av rörelse som finns i hans mobiler och den geometri och dynamik som finns i hans litografier, där han ofta utforskade upprepade sammanlänkade cirklar.
Elisabeth Agro, kurator för den storsäljande Calder Jewelry-utställningen, sa om smyckena: ”Rymd. Det handlar om att ta plats. Och han ser bara kroppen som ett grundelement för den här andra aspekten av hans arbete. Inte för att kroppen står i vägen – kroppen är en del av det större konstverket när man sätter på sig det.”
Mässing och stål ”Six Circles” Brosch av Alexander Calder, New York, cirka 1940. Foto: Alexander Calder, 1940, 1940: Foto: Alexander Calder, 1940: Siegelson