Forntida världRedigera
Porträttmåleriet har troligen sina rötter i förhistorisk tid, även om det är få av dessa verk som finns kvar idag. I konsten från de gamla civilisationerna i den bördiga halvmånen, särskilt i Egypten, finns det gott om avbildningar av härskare och härskare som gudar. De flesta av dessa var dock gjorda på ett starkt stiliserat sätt, och de flesta i profil, vanligtvis på sten, metall, lera, gips eller kristall. Den egyptiska porträttbilden lade relativt liten vikt vid likhet, åtminstone fram till Akhenatons period på 1300-talet f.Kr. Porträttmålning av notabla personer i Kina går troligen tillbaka till över 1000 f.Kr., även om inga porträtt finns bevarade från den tiden. Existerande kinesiska porträtt går tillbaka till omkring 1000 e.Kr., men lade inte stor vikt vid likhet förrän en tid därefter.
Från litterära belägg vet vi att det antika grekiska måleriet omfattade porträttmålningar, ofta mycket träffsäkra om man ska tro på författarnas lovord, men inga målade exempel finns kvar. Skulpterade huvuden av härskare och berömda personligheter som Sokrates har överlevt i viss mängd, och liksom de individualiserade bysterna av hellenistiska härskare på mynt, visar att grekisk porträttkonst kunde uppnå en god likhet, och ämnen, åtminstone av litterära figurer, avbildades med relativt lite smicker – Sokrates porträtt visar varför han hade rykte om sig att vara ful. Alexander den stores efterföljare började använda sig av att lägga till hans huvud (som en gudomlig figur) på sina mynt, och använde snart sina egna.
Romersk porträttkonst övertog porträtttraditioner från både etruskerna och grekerna, och utvecklade en mycket stark tradition, som var kopplad till deras religiösa användning av porträtt av förfäder, liksom till romersk politik. Återigen, de få målade överlevnaden, i Fayumporträtten, Alines grav och Severan Tondo, alla från Egypten under romerskt styre, är tydligt provinsiella produktioner som återspeglar grekisk snarare än romersk stil, men vi har en rikedom av skulpterade huvuden, inklusive många individualiserade porträtt från medelklassgravar, och tusentals typer av myntporträtt.
Den mycket största gruppen av målade porträtt är de begravningsmålningar som överlevt i det torra klimatet i Egyptens Fayum-distrikt (se illustrationen nedan) och som är daterade från 200- till 400-talet e.Kr. Dessa är nästan de enda målningar från den romerska perioden som har överlevt, bortsett från fresker, även om det är känt från Plinius den äldres skrifter att porträttmåleri var väletablerat på grekisk tid och utövades av både manliga och kvinnliga konstnärer. På sin tid klagade Plinius över den romerska porträttkonstens nedåtgående tillstånd: ”Porträttmåleriet, som brukade överföra människors exakta likheter genom tiderna, har helt och hållet försvunnit … Lathet har förstört konsten”. Dessa porträtt från det romerska Egypten är lyckliga undantag. De uppvisar en någorlunda realistisk känsla för proportioner och individuella detaljer (även om ögonen i allmänhet är överdimensionerade och den konstnärliga skickligheten varierar avsevärt från konstnär till konstnär). Porträtten från Fayum målades på trä eller elfenben i vax- och hartsfärger (enkaustik) eller med tempera och sattes in i mumieomslaget för att stanna kvar hos kroppen i evighet.
Medan det fristående porträttmåleriet minskade i Rom blomstrade porträttkonsten i romerska skulpturer, där uppdragsgivarna krävde realism, även om den var föga smickrande. Under 400-talet dominerade det skulpterade porträttet, med en reträtt till förmån för en idealiserad symbol för hur personen såg ut. (Jämför porträtten av de romerska kejsarna Konstantin I och Theodosius I.) Under senantiken minskade intresset för en individuell likhet avsevärt, och de flesta porträtt i senromerska mynt och konsulära diptyker är knappast individualiserade alls, även om den tidiga kristna konsten samtidigt utvecklade tämligen standardiserade bilder för skildring av Jesus och de andra stora figurerna i den kristna konsten, som Johannes Döparen och Sankt Petrus.
MedeltidenRedigera
De flesta tidiga medeltida porträtt var donatorporträtt, till en början främst av påvar i romerska mosaiker, och illuminerade manuskript, ett exempel är ett självporträtt av författaren, mystikern, vetenskapsmannen, illuminatorn och musikern Hildegard av Bingen (1152). Liksom för samtida mynt gjordes det inte mycket försök till likhet. Stengravmonument spreds under den romanska perioden. Mellan 1350-1400 började sekulära figurer åter dyka upp i fresker och panelmålningar, till exempel i mästare Theodorics Karl IV som tar emot trohet, och porträtt blev återigen tydliga likheter.
Vid slutet av århundradet dök de första oljeporträtten av samtida personer, målade på små träpaneler, upp i Burgund och Frankrike, först som profiler, sedan i andra vyer. Wilton Diptych från ca 1400 är ett av två bevarade panelporträtt av Richard II av England, den tidigaste engelska kung som vi har samtida exempel på.
I slutet av medeltiden på 1400-talet var det tidiga nederländska måleriet avgörande för utvecklingen av det individualiserade porträttet. Bland mästarna fanns bland annat Jan van Eyck, Robert Campin och Rogier van der Weyden. Man beställde ganska små porträtt i panelmålning, mindre än hälften i naturlig storlek, inte bara av personer från hovet, utan även av vad som utifrån deras relativt enkla klädsel verkar vara rika stadsbor. Miniatyrer i illuminerade manuskript innehöll också individualiserade porträtt, vanligen av beställaren. I religiösa målningar började porträtt av donatorer att visas som närvarande, eller delta i de viktigaste heliga scenerna som visas, och i mer privata hovbilder förekom motiv till och med som betydelsefulla figurer, till exempel Jungfru Maria.
-
Robert Campin (ca 1375-1444), Porträtt av en ung kvinna (i par med sin make), 1430-1435. Van der Weydens stil grundades på Campins.
-
Arnolfiniporträtt, av Jan van Eyck, 1434
-
Rogier van der Weyden, porträtt av en dam, ca. 1460
-
Ett av de tidigaste fristående självporträtten, Jean Fouquet, ca. 1450
RenässansEdit
Delvis av intresse för naturen och delvis av intresse för de klassiska kulturerna i antikens Grekland och Rom, fick porträtt – både målade och skulpterade – en viktig roll i renässanssamhället och värderades som objekt och som skildringar av jordisk framgång och status. Måleriet i allmänhet nådde en ny nivå av balans, harmoni och insikt, och de största konstnärerna (Leonardo, Michelangelo och Rafael) betraktades som ”genier” och höjde sig långt över hantverkarstatusen till uppskattade tjänare vid hovet och kyrkan.
Om poeten säger att han kan upphetsa människor med kärlek…
har målaren makten att göra detsamma…
då han kan placera framför den älskande
den sanna likheten av den som är älskad,
ofta få honom att kyssa och tala till den.
-Leonardo de’ Vinci
Många innovationer inom porträttkonstens olika former utvecklades under denna fruktbara period. Traditionen med porträttminiaturen började, som förblev populär fram till fotografins tidsålder, och som utvecklades ur de färdigheter som målarna av miniatyrerna i illuminerade manuskript hade. Profilporträtt, inspirerade av antika medaljonger, var särskilt populära i Italien mellan 1450 och 1500. Medaljer, med sina dubbelsidiga bilder, inspirerade också en kortvarig mode för dubbelsidiga målningar i början av renässansen. Klassiska skulpturer, som Apollo Belvedere, påverkade också valet av poser som användes av renässansens porträttmålare, poser som har fortsatt att användas genom århundradena. Leonardos Ginevra de’ Benci (ca 1474-8) är ett av de första kända porträtten med trekvartsvy i italiensk konst.
Nordeuropeiska konstnärer visade vägen när det gäller realistiska porträtt av världsliga personer. Den större realismen och detaljrikedomen hos de nordliga konstnärerna under 1400-talet berodde delvis på de finare penseldrag och effekter som var möjliga med oljefärger, medan de italienska och spanska målarna fortfarande använde tempera. Bland de tidigaste målarna som utvecklade oljetekniken var Jan van Eyck. Oljefärger kan ge mer textur och tjockleksklasser, och de kan läggas i lager på ett effektivare sätt, med tillägg av allt tjockare lager över varandra (av målare känt som ”fett över magert”). Oljefärger torkar också långsammare, vilket gör att konstnären lättare kan göra ändringar, t.ex. ändra ansiktsdetaljer. Antonello da Messina var en av de första italienarna som utnyttjade oljan. Han utbildades i Belgien, bosatte sig i Venedig omkring 1475 och hade ett stort inflytande på Giovanni Bellini och den norditalienska skolan. Under 1500-talet spred sig olja som medium i popularitet över hela Europa, vilket möjliggjorde mer överdådiga återgivningar av kläder och smycken. Det som också påverkade kvaliteten på bilderna var övergången från trä till duk, som började i Italien i början av 1500-talet och spreds till norra Europa under nästa århundrade. Duk tål sprickor bättre än trä, håller pigmenten bättre och behöver mindre förberedelser – men den var till en början mycket knappare än trä.
Tidigt övergav nordeuropéerna profilen och började tillverka porträtt med realistisk volym och perspektiv. I Nederländerna var Jan van Eyck en ledande porträttmålare. Arnolfinis äktenskap (1434, National Gallery, London) är en milstolpe i västerländsk konst, ett tidigt exempel på ett parporträtt i helfigur, utmärkt målat i rika färger och utsökta detaljer. Men lika viktigt är att det visar upp den nyutvecklade tekniken för oljemålning som van Eyck var pionjär på, vilket revolutionerade konsten och spreds över hela Europa.
Förande tyska porträttkonstnärer, bland annat Lucas Cranach, Albrecht Dürer och Hans Holbein den yngre som alla behärskade tekniken för oljemålning. Cranach var en av de första konstnärerna som målade uppdrag i naturlig storlek i helfigur, en tradition som var populär från och med då. Vid den tiden hade England inga porträttmålare av första rang, och konstnärer som Holbein var efterfrågade av engelska mecenater. Hans målning av Sir Thomas More (1527), hans första viktiga mecenat i England, har nästan samma realism som ett fotografi. Holbein gjorde sin stora framgång genom att måla den kungliga familjen, inklusive Henrik VIII. Dürer var en enastående tecknare och en av de första stora konstnärerna som gjorde en serie självporträtt, inklusive en målning med hela ansiktet. Han placerade också sin självporträttfigur (som åskådare) i flera av sina religiösa målningar. Dürer började göra självporträtt vid tretton års ålder. Senare skulle Rembrandt förstärka denna tradition.
I Italien visade Masaccio vägen för att modernisera fresken genom att anta ett mer realistiskt perspektiv. Filippo Lippi banade väg genom att utveckla skarpare konturer och böljande linjer och hans elev Rafael utvidgade realismen i Italien till en mycket högre nivå under de följande decennierna med sina monumentala väggmålningar. Under denna tid blev trolovningsporträttet populärt, en särskild specialitet för Lorenzo Lotto. Under den tidiga renässansen var porträttmålningar i allmänhet små och ibland täckta med skyddande lock, med gångjärn eller skjutbara.
Under renässansen ville särskilt den florentinska och milanesiska adeln ha mer realistiska avbildningar av sig själva. Utmaningen att skapa övertygande hel- och trekvartsbilder stimulerade till experiment och innovation. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, Leonardo da Vinci och andra konstnärer utvidgade sin teknik i enlighet med detta och lade till porträtt till traditionella religiösa och klassiska ämnen. Leonardo och Pisanello var bland de första italienska konstnärerna som lade till allegoriska symboler i sina profana porträtt.
Ett av de mest kända porträtten i västvärlden är Leonardo da Vincis målning med titeln Mona Lisa, uppkallad efter Lisa del Giocondo, en medlem av familjen Gherardini i Florens och Toscana och hustru till den rika florentinska sidenhandlaren Francesco del Giocondo. Det berömda ”Mona Lisa-leendet” är ett utmärkt exempel på att tillämpa subtil asymmetri i ett ansikte. I sina anteckningsböcker ger Leonardo råd om ljusets kvaliteter i porträttmåleri:
En mycket hög grad av elegans i ljus och skugga läggs till ansiktena hos dem som sitter i dörröppningar i rum som är mörka, där betraktarens ögon ser den skuggade delen av ansiktet som är skymd av rummets skuggor, och ser den upplysta delen av ansiktet med den större briljans som luften ger den. Genom denna ökning av skuggorna och ljusen får ansiktet större relief.
Leonardo var elev till Verrocchio. Efter att ha blivit medlem i målargillet började han ta emot oberoende uppdrag. På grund av hans breda intressen och i enlighet med hans vetenskapliga sinne är hans produktion av teckningar och förstudier enorm, även om hans färdiga konstnärliga produktion är relativt liten. Bland hans andra minnesvärda porträtt finns de av adelskvinnorna Ginevra de’ Benci och Cecilia Gallerani.
Raphaels bevarade beställningsporträtt är betydligt fler än Leonardos, och de uppvisar en större variation av poser, ljussättning och teknik. Snarare än att producera revolutionerande innovationer var Rafaels stora bedrift att stärka och förädla renässanskonstens framväxande strömningar. Han var särskilt expert på gruppporträtt. Hans mästerverk Atens skola är en av de främsta gruppfreskerna och innehåller avbildningar av Leonardo, Michelangelo, Bramante och Rafael själv i skepnad av antika filosofer. Det var inte det första gruppporträttet av konstnärer. Decennier tidigare hade Paolo Uccello målat ett gruppporträtt med Giotto, Donatello, Antonio Manetti och Brunelleschi. I takt med att han blev alltmer framstående blev Rafael en av påvarnas favoritporträttmålare. Medan många renässanskonstnärer ivrigt accepterade porträttbeställningar, vägrade några konstnärer att ta emot dem, framför allt Rafaels rival Michelangelo, som i stället åtog sig de enorma beställningarna till Sixtinska kapellet.
I Venedig runt 1500 dominerade Gentile Bellini och Giovanni Bellini porträttmåleriet. De fick de högsta beställningarna från statens ledande tjänstemän. Bellinis porträtt av doge Loredan anses vara ett av renässansens finaste porträtt och visar skickligt på konstnärens behärskning av oljemålningens nytillkomna tekniker. Bellini är också en av de första konstnärerna i Europa som signerade sina verk, även om han sällan daterade dem. Senare under 1500-talet tog Titian på sig i stort sett samma roll, särskilt genom att utöka variationen av poser och sittningar av sina kungliga motiv. Titian var kanske den första stora barnporträttmålaren. Efter Titian blev Tintoretto och Veronese ledande venetianska konstnärer och bidrog till övergången till italiensk manierism. Manneristerna bidrog med många exceptionella porträtt som betonade materialrikedom och elegant komplexa poser, som i verk av Agnolo Bronzino och Jacopo da Pontormo. Bronzino blev berömd genom att porträttera familjen Medici. Hans djärva porträtt av Cosimo I de’ Medici visar den stränga härskaren i rustning med ett vaksamt öga som stirrar längst till höger, vilket står i skarp kontrast till de flesta kungliga målningar som visar sina målare som välvilliga suveräner. El Greco, som utbildade sig i Venedig i tolv år, gick i en mer extrem riktning efter sin ankomst till Spanien och betonade sin ”inre vision” av den porträtterade till den grad att han förminskade det fysiska utseendets verklighet. En av de bästa porträttmålarna i 1500-talets Italien var Sofonisba Anguissola från Cremona, som gav sina individ- och gruppporträtt en ny nivå av komplexitet.
Hovporträtt i Frankrike började när den flamländske konstnären Jean Clouet målade sitt överdådiga porträtt av Franciskus I av Frankrike omkring 1525. Kung Frans var en stor beskyddare av konstnärer och en girig konstsamlare som bjöd in Leonardo da Vinci att bo i Frankrike under sina senare år. Mona Lisa stannade i Frankrike efter att Leonardo dog där.
-
Pisanello, kanske Ginevra d’Este, ca 1440
-
Ung man av Sandro Botticelli, ca 1483. En tidig italiensk pose med hela ansiktet.
-
Möjligen Rafael, ca 1518, Isabel de Requesens. Högrenässansens stil och format fick ett enormt inflytande på senare storslagna porträtt.
-
Christiane von Eulenau av Lucas Cranach den äldre, 1534
-
Lucrezia Panciatichi, av Agnolo Bronzino, 1540
-
Påve Paulus III och hans barnbarn, Tizian, 1546
-
Maarten van Heemskerck (1498-1574), Familjen Pieter Jan Foppesz, före ca.1532, anses vara det första familjeporträttet i nederländsk porträttkonst.
-
Charles V av Titian, 1548, ett banbrytande ryttarporträtt.
-
Armadaporträttet av Elizabeth I av England, ca 1588. Det stiliserade porträttet av Elisabet I av England var unikt i Europa.
-
Porträtt av en kardinal, troligen Fernando Niño de Guevara, El Greco, c. 1600
Barock och rokokoRedigera
Under barock- och rokokoperioderna (1600- respektive 1700-talen) blev porträtt ännu viktigare dokument för status och ställning. I ett samhälle som i allt högre grad dominerades av sekulära ledare vid mäktiga domstolar var bilder av överdådigt klädda figurer ett sätt att bekräfta viktiga individers auktoritet. De flamländska målarna Sir Anthony van Dyck och Peter Paul Rubens utmärkte sig för den här typen av porträtt, medan Jan Vermeer främst gjorde porträtt av medelklassen, som arbetade och lekte inomhus. Rubens porträtt av sig själv och sin första hustru (1609) i bröllopskläder är ett virtuost exempel på parporträttet. Rubens berömmelse sträckte sig bortom hans konst – han var hovman, diplomat, konstsamlare och framgångsrik affärsman. Hans ateljé var en av den tidens mest omfattande, med specialister på stilleben, landskap, djur- och genrescener, förutom porträtt. Van Dyck utbildade sig där i två år. Karl I av England anställde först Rubens och importerade sedan van Dyck som sin hovmålare, och han utsåg honom till riddare och gav honom hovstatus. Van Dyck anpassade sig inte bara till Rubens produktionsmetoder och affärskunskaper, utan också till hans eleganta uppförande och utseende. Som det antecknades: ”Han gick alltid i magnifik klädsel, hade en talrik och galant utrustning och höll ett så förnämligt bord i sin lägenhet att få prinsar inte besöktes oftare eller betjänades bättre”. I Frankrike dominerade Hyacinthe Rigaud på ungefär samma sätt, som en anmärkningsvärd krönikör av kungligheter och målade porträtt av fem franska kungar.
En av renässanskonstens innovationer var den förbättrade återgivningen av ansiktsuttryck för att ackompanjera olika känslor. Särskilt den holländske målaren Rembrandt utforskade de många uttrycken i det mänskliga ansiktet, särskilt som en av de främsta självporträttmålarna (av vilka han målade över 60 under sin livstid). Intresset för det mänskliga ansiktet ledde också till att de första karikatyrerna skapades, vilket kan tillskrivas Accademia degli Incamminati, som drevs av målare från familjen Carracci i slutet av 1500-talet i Bologna i Italien.
Gruppporträtt framställdes i stort antal under barocken, särskilt i Nederländerna. Till skillnad från resten av Europa fick de nederländska konstnärerna inga uppdrag från den kalvinistiska kyrkan, som hade förbjudit sådana bilder, eller från aristokratin, som var praktiskt taget obefintlig. Istället kom beställningarna från medborgar- och företagssammanslutningar. Den holländske målaren Frans Hals använde flytande penseldrag med livliga färger för att ge liv åt sina gruppporträtt, bland annat av de civilgardister som han själv tillhörde. Rembrandt drog stor nytta av sådana uppdrag och av den allmänna uppskattningen av konst hos borgerliga kunder, som stödde porträttmåleri såväl som stilleben och landskapsmåleri. Dessutom blomstrade de första betydande konst- och återförsäljarmarknaderna i Holland vid den här tiden.
Med en riklig efterfrågan kunde Rembrandt experimentera med okonventionella kompositioner och tekniker, såsom chiaroscuro. Han demonstrerade dessa innovationer, som italienska mästare som Caravaggio hade banat väg för, framför allt i sin berömda Nattvakt (1642). Dr. Tulps anatomilektion (1632) är ett annat fint exempel på Rembrandts behärskning av gruppmålningen, där han badar liket i starkt ljus för att dra uppmärksamheten till målningens mittpunkt medan kläderna och bakgrunden smälter samman till svart, vilket gör att kirurgens och elevernas ansikten framträder tydligt. Det är också den första målning som Rembrandt signerade med sitt fullständiga namn.
I Spanien målade Diego Velázquez Las Meninas (1656), ett av de mest kända och gåtfulla gruppporträtten genom tiderna. Det minner konstnären och barnen i den spanska kungafamiljen, och tydligen är de sittande personerna det kungliga paret som endast ses som reflektioner i en spegel. Velázquez började i första hand som genremålare, men blev snabbt framstående som Philip IV:s hovmålare och utmärkte sig i porträttkonsten, särskilt när det gällde att utvidga gruppporträttets komplexitet.
Rokokokokonstnärerna, som var särskilt intresserade av rika och invecklade utsmyckningar, var mästare i det raffinerade porträttet. Deras uppmärksamhet på detaljerna i klädsel och textur ökade porträttets effektivitet som vittnesbörd om världslig rikedom, vilket François Bouchers berömda porträtt av Madame de Pompadour, klädd i böljande sidenklänningar, vittnar om.
De första stora inhemska porträttmålarna av den brittiska skolan var de engelska målarna Thomas Gainsborough och Sir Joshua Reynolds, som också specialiserade sig på att klä sina motiv på ett iögonfallande sätt. Gainsboroughs Blue Boy är ett av de mest kända och erkända porträtten genom tiderna, målat med mycket långa penslar och tunn oljefärg för att uppnå den blå kostymens skimrande effekt. Gainsborough var också känd för sina genomarbetade bakgrundsmiljöer för sina motiv.
De två brittiska konstnärerna hade motsatta åsikter om att använda assistenter. Reynolds anställde dem regelbundet (ibland gjorde han bara 20 procent av målningen själv) medan Gainsborough sällan gjorde det. Ibland krävde en uppdragsgivare ett löfte från konstnären, vilket Sir Richard Newdegate gjorde från porträttmålaren Peter Lely (van Dycks efterträdare i England), som lovade att porträttet skulle vara ”from the Beginning to ye end drawne with my owne hands” (från början till slut ritat med mina egna händer). Till skillnad från den exakthet som de flamländska mästarna använde sig av sammanfattade Reynolds sin inställning till porträtt genom att säga att ”elegansen, och, kan vi tillägga, likheten, består mer i att ta den allmänna luften än i att observera den exakta likheten av varje drag”. I England var också William Hogarth framträdande, som vågade bryta mot konventionella metoder genom att införa inslag av humor i sina porträtt. Hans ”Self-portrait with Pug” är helt klart mer en humoristisk betraktelse av sitt husdjur än en självupptagen målning.
Under 1700-talet fick kvinnliga målare ny betydelse, särskilt när det gäller porträtt. Bland kända kvinnliga konstnärer kan nämnas den franska målaren Élisabeth Vigée-Lebrun, den italienska pastellkonstnären Rosalba Carriera och den schweiziska konstnären Angelica Kauffman. Även under det århundradet, innan fotografiet uppfanns, var miniatyrporträtt – målade med otrolig precision och ofta inkapslade i guld eller emaljerade smycken – högt värderade.
I USA blev John Singleton Copley, som hade fått sin skolning på det förfinade brittiska sättet, den ledande målaren av porträtt i naturlig storlek och miniatyrporträtt, och hans hyperrealistiska bilder av Samuel Adams och Paul Revere var särskilt uppskattade. Copley är också känd för sina försök att sammanfoga porträtt med den akademiskt mer vördade konsten historiemåleri, vilket han försökte med sina gruppporträtt av kända militärer. Lika berömd var Gilbert Stuart som målade över 1 000 porträtt och var särskilt känd för sina porträtt av presidenter. Stuart målade över 100 repliker enbart av George Washington. Stuart arbetade snabbt och använde mjukare, mindre detaljerade penseldrag än Copley för att fånga essensen av sina motiv. Ibland gjorde han flera versioner för en kund och lät den porträtterade välja sin favorit. Stuart, som är känd för sina rosiga kindtoner, skrev: ”Kött är som ingen annan substans under himlen. Det har all den glädje som finns i silkemärkarens butik, utan dess glans, och all den mjukhet som finns i gammal mahogny, utan dess sorg”. Andra framstående amerikanska porträttmålare från kolonialtiden var John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale och Rembrandt Peale.
-
Philip IV i brunt och silver, Diego Velázquez, 1632
-
Sir Kenelm Digby av Anthony Van Dyck, c. 1640
-
Rembrandt van Rijn, porträtt av Jan Six, 1654
-
Pastell av Madame de Pompadour, Maurice Quentin de La Tour, mitten av 1700-talet
-
Thomas Kerrich (1748-1828), av Pompeo Batoni
-
John Durand, The Rapalje Children, 1768, New-York Historical Society, New York City
-
John Singleton Copley, Paul Revere, 1770
1800-talRedigera
I slutet av 1700-talet och början av 1800-talet, fortsatte de neoklassiska konstnärerna traditionen att avbilda motiv i det senaste modet, vilket för kvinnor då innebar genomskinliga klänningar som härstammade från antikens grekiska och romerska klädstilar. Konstnärerna använde riktat ljus för att definiera strukturen och den enkla rundheten hos ansikten och lemmar. De franska målarna Jacques-Louis David och Jean-Auguste-Dominique Ingres visade virtuositet i denna tecknarliknande teknik och ett skarpt öga för karaktärer. Ingres, en elev till David, är känd för sina porträtt där en spegel är målad bakom motivet för att simulera en bakifrånvy av motivet. Hans porträtt av Napoleon på sin kejserliga tron är en kraftfull kunglig porträttkonst. (se galleriet nedan)
Romantiska konstnärer som arbetade under 1800-talets första hälft målade porträtt av inspirerande ledare, vackra kvinnor och upprörda personer, med livliga penseldrag och dramatisk, ibland stämningsfull, belysning. De franska konstnärerna Eugène Delacroix och Théodore Géricault målade särskilt fina porträtt av den här typen, framför allt av riddare. Ett anmärkningsvärt exempel på en konstnär från den romantiska perioden i Polen som utförde porträtt av ryttare var Piotr Michałowski (1800-1855). Anmärkningsvärd är också Géricaults serie porträtt av mentalpatienter (1822-1824). Den spanske målaren Francisco de Goya målade några av periodens mest sökande och provocerande bilder, bland annat La maja desnuda (ca 1797-1800), samt berömda hovporträtt av Karl IV.
De realistiska konstnärerna på 1800-talet, till exempel Gustave Courbet, skapade objektiva porträtt som skildrade människor från låg- och medelklassen. Som ett uttryck för sin romantik målade Courbet flera självporträtt där han visade sig själv i olika stämningar och uttryck. Andra franska realister är Honoré Daumier som skapade många karikatyrer av sina samtida. Henri de Toulouse-Lautrec tecknade några av teaterns berömda artister, däribland Jane Avril, och fångade dem i rörelse. Den franske målaren Édouard Manet var en viktig övergångskonstnär vars verk svävar mellan realism och impressionism. Han var en porträttmålare med enastående insikt och teknik, där hans målning av Stéphane Mallarmé är ett bra exempel på hans övergångsstil. Hans samtida Edgar Degas var främst realist och hans målning Porträtt av familjen Bellelli är en insiktsfull skildring av en olycklig familj och ett av hans bästa porträtt.
I Amerika regerade Thomas Eakins som den främste porträttmålaren och tog realismen till en ny nivå av uppriktighet, särskilt med sina två porträtt av kirurger i arbete samt porträtt av idrottsmän och musiker i aktion. I många porträtt, till exempel ”Portrait of Mrs Edith Mahon”, förmedlar Eakins djärvt de föga smickrande känslorna av sorg och melankoli.
Realisterna gav för det mesta vika för impressionisterna på 1870-talet. Delvis på grund av sina knappa inkomster förlitade sig många av impressionisterna på att familj och vänner skulle stå modell för dem, och de målade intima grupper och enskilda figurer antingen utomhus eller i ljusfyllda interiörer. Impressionisternas porträtt, som är kända för sina skimrande ytor och rika färgklotter, är ofta avväpnande intima och tilltalande. De franska målarna Claude Monet och Pierre-Auguste Renoir skapade några av de mest populära bilderna av enskilda personer och grupper. Den amerikanska konstnären Mary Cassatt, som utbildades och arbetade i Frankrike, är populär än idag för sina engagerande målningar av mödrar och barn, liksom Renoir. Paul Gauguin och Vincent van Gogh, båda postimpressionister, målade avslöjande porträtt av människor som de kände, med virvlande färger men inte nödvändigtvis smickrande. De är lika, om inte mer, berömda för sina kraftfulla självporträtt.
John Singer Sargent överspände också sekelskiftet, men han avvisade öppet impressionism och postimpressionism. Han var den mest framgångsrika porträttmålaren under sin tid och använde sig av en mestadels realistisk teknik som ofta var fylld av lysande färganvändning. Han var lika skicklig på individuella porträtt som på gruppporträtt, särskilt av överklassfamiljer. Sargent föddes i Florens i Italien av amerikanska föräldrar. Han studerade i Italien, Tyskland och Paris. Sargent anses vara den sista stora representanten för den brittiska porträtttraditionen som börjar med van Dyck. En annan framstående amerikansk porträttmålare som utbildade sig utomlands var William Merritt Chase. Den amerikanska societetsmålaren Cecilia Beaux, kallad den ”kvinnliga Sargent”, föddes av en fransk far, studerade utomlands och fick framgång i hemlandet, men höll sig till traditionella metoder. En annan porträttmålare som jämfördes med Sargent för sin frodiga teknik var den italienskfödde parisiska konstnären Giovanni Boldini, en vän till Degas och Whistler.
Den amerikanskfödde internationalisten James Abbott McNeill Whistler hade goda kontakter med europeiska konstnärer och målade också en del exceptionella porträtt, mest känd är hans Arrangemang i grått och svart, The Artist’s Mother (1871), även känd som Whistlers mor. Även med sina porträtt, liksom med sina tonala landskap, ville Whistler att betraktarna skulle fokusera på det harmoniska arrangemanget av form och färg i hans målningar. Whistler använde en dämpad palett för att skapa de avsedda effekterna och betonade färgbalans och mjuka toner. Som han sade: ”Liksom musik är ljudets poesi, är måleri synens poesi, och motivet har inget att göra med ljudets eller färgens harmoni”. Form och färg var också centrala i Cézannes porträtt, medan ännu mer extrema färger och penseldragsteknik dominerar porträtten av André Derain, och Henri Matisse.
Fotografins utveckling under 1800-talet hade en betydande effekt på porträttkonsten, och ersatte den tidigare camera obscura som också tidigare hade använts som hjälpmedel i måleriet. Många modernister strömmade till fotoateljéerna för att få sina porträtt gjorda, däribland Baudelaire som, även om han utropade fotografiet till ”konstens fiende”, fann sig attraherad av fotografiets frispråkighet och kraft. Genom att tillhandahålla ett billigt alternativ ersatte fotografiet en stor del av den lägsta nivån av porträttmålning. Vissa realistiska konstnärer, som Thomas Eakins och Edgar Degas, var entusiastiska över kamerafotografering och ansåg att den var ett användbart hjälpmedel för komposition. Från och med impressionisterna och framåt fann porträttmålarna ett otal olika sätt att omtolka porträttet för att på ett effektivt sätt konkurrera med fotografiet. Sargent och Whistler hörde till dem som stimulerades att utvidga sin teknik för att skapa effekter som kameran inte kunde fånga.
-
Francisco de Goya, Karl IV av Spanien och hans familj, 1800-1801
-
Jean Auguste Dominique Ingres, porträtt av Napoleon på sin kejserliga tron, 1806, Musée de l’Armée, Paris
-
Gustave Courbet, porträtt av Charles Baudelaire, 1848
-
Pierre-Auguste Renoir, Porträtt av Alfred Sisley, 1868
-
James Abbott McNeill Whistler, Arrangemang i grått och svart: The Artist’s Mother (1871) populärt kallad Whistlers mor
-
Edgar Degas, Porträtt av fröken Cassatt, sittande, med kort i handen, 1876-1878
-
John Singer Sargent, Porträtt av Robert Louis Stevenson, 1887
-
Paul Gauguin, Målaren av solrosor, porträtt av Vincent van Gogh, 1888
-
Vincent van Gogh, porträtt av doktor Gachet, (första versionen), 1890
1900-talRedigera
Andra konstnärer i början av 1900-talet utvidgade också porträttrepertoaren i nya riktningar. Fauvistkonstnären Henri Matisse producerade kraftfulla porträtt genom att använda icke-naturalistiska, till och med skrikiga, färger för hudtoner. Cézanne förlitade sig på starkt förenklade former i sina porträtt och undvek detaljer samtidigt som han betonade färgjämförelser. Österrikaren Gustav Klimts unika stil använde bysantinska motiv och guldfärg i sina minnesvärda porträtt. Hans elev Oskar Kokoschka var en viktig porträttmålare för Wiens överklass. Den framgångsrika spanska konstnären Pablo Picasso målade många porträtt, bland annat flera kubistiska porträtt av sina älskarinnor, där motivets likhet är grovt förvrängd för att uppnå ett känslomässigt budskap som går långt utöver den normala karikatyrens gränser. Olga Boznańska (1865-1940) var en framstående kvinnlig porträttmålare vid sekelskiftet 1900, som förknippades med den franska impressionismen.Expressionistiska målare har gjort några av de mest skrämmande och övertygande psykologiska studier som någonsin har producerats. Tyska konstnärer som Otto Dix och Max Beckmann producerade anmärkningsvärda exempel på expressionistiska porträtt. Beckmann var en produktiv självporträttör och skapade minst tjugosju självporträtt. Amedeo Modigliani målade många porträtt i sin långsträckta stil där den ”inre personen” nedvärderades till förmån för strikta studier av form och färg. För att bidra till att uppnå detta avdramatiserade han de normalt expressiva ögonen och ögonbrynen till den grad att de blev svärtade slitsar och enkla bågar.
Den brittiska konsten representerades av vorticisterna, som målade en del anmärkningsvärda porträtt under den första delen av 1900-talet. Dada-målaren Francis Picabia utförde många porträtt på sitt unika sätt. Dessutom fångade Tamara de Lempickas porträtt framgångsrikt Art Deco-eran med sina strömlinjeformade kurvor, rika färger och skarpa vinklar. I Amerika var Robert Henri och George Bellows fina porträttmålare på 1920- och 1930-talen inom den amerikanska realistiska skolan. Max Ernst producerade ett exempel på ett modernt kollegialt porträtt med sin målning Alla vänner tillsammans från 1922.
Ett betydande bidrag till utvecklingen av porträttmåleriet 1930-2000 gavs av ryska konstnärer, som huvudsakligen arbetade inom traditionerna för realistiskt och figurativt måleri. Bland dem bör nämnas Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov med flera.
Porträttproduktionen i Europa (exklusive Ryssland) och Amerika minskade generellt sett under 1940- och 1950-talen, ett resultat av det ökande intresset för abstraktion och nonfigurativ konst. Ett undantag var dock Andrew Wyeth som utvecklades till den ledande amerikanska realistiska porträttmålaren. Hos Wyeth är realismen, även om den är uppenbar, sekundär i förhållande till tonkvaliteterna och stämningen i hans målningar. Detta demonstreras på ett träffande sätt med hans banbrytande serie målningar som kallas ”Helga”-bilderna, den största gruppen av porträtt av en enskild person av någon större konstnär (247 studier av hans granne Helga Testorf, påklädd och naken, i varierande miljöer, målade under perioden 1971-1985).
På 1960- och 1970-talen skedde ett återupplivande av porträttmåleriet. Engelska konstnärer som Lucian Freud (sonson till Sigmund Freud) och Francis Bacon har producerat kraftfulla målningar. Bacons porträtt är kända för sin mardrömslika kvalitet. I maj 2008 såldes Freuds porträtt Benefits Supervisor Sleeping från 1995 på auktion av Christie’s i New York för 33,6 miljoner dollar, vilket innebar ett världsrekord i försäljningsvärde för en målning av en levande konstnär.
Många samtida amerikanska konstnärer, som Andy Warhol, Alex Katz och Chuck Close, har gjort det mänskliga ansiktet till en central punkt i sina verk.
Warhol var en av de mest produktiva porträttmålarna under 1900-talet. Warhols målning Orange Shot Marilyn av Marilyn Monroe är ett ikoniskt tidigt exempel på hans arbete från 1960-talet, och Orange Prince (1984) av popsångaren Prince är ett senare exempel, som båda uppvisar Warhols unika grafiska porträttstil.
Closes specialitet var enorma, hyperrealistiska ”huvud”-porträtt i väggstorlek baserade på fotografiska bilder. Jamie Wyeth fortsätter i sin far Andrews realistiska tradition och skapar berömda porträtt vars motiv sträcker sig från presidenter till grisar.
-
Henri Matisse, Den gröna strecket, porträtt av Madame Matisse, 1905
-
Olga Boznańska, Självporträtt, 1906, Nationalmuseum i Warszawa
-
Umberto Boccioni, Självporträtt, 1906
-
Gustav Klimt, Porträtt av Adele Bloch-Bauer I, 1907
-
Pablo Picasso, Porträtt av Daniel-Henry Kahnweiler, 1910, The Art Institute of Chicago
-
Juan Gris, Porträtt av Pablo Picasso, 1912
-
Amedeo Modigliani, Porträtt av Chaim Soutine, 1916
-
Boris Grigoriev, porträtt av Vsevolod Meyerhold, 1916
-
Boris Kustodiev, Kapitsa och Semjonov, 1921