Plautilla Nelli, Busto de mujer joven, siglo XVI, tiza negra (Galería de los Uffizi, Florencia, Gabinetto dei Disegni e delle Stampe, inv 6863F)
Recuperando «maestros» olvidados
Cuando la pintora renacentista Plautilla Nelli consiguió su primera exposición individual en la Galería Uffizi de Florencia en 2017, algunos historiadores del arte se preguntaron . . . ¿Qué Plautilla?
A pesar de ser una artista célebre en la Florencia del siglo XVI, Nelli había sido olvidada por la historia del arte hasta el punto de que incluso los estudiosos del arte renacentista no sabían nada de ella. ¿Cómo fue posible?
En una palabra, el género.
La oscuridad de Nelli fue el efecto acumulativo de los desequilibrios históricos de género que limitaron a las mujeres en el mundo del arte renacentista y moderno. Aunque el pasado no puede cambiarse, el equilibrio de género en la erudición y la práctica curatorial contemporáneas está sacando a la luz a las mujeres artistas del Renacimiento.
El techo de cristal del Renacimiento: antes y ahora
Como han destacado las Guerrilla Girls, el mundo del arte ha estado dominado por los hombres. Sin embargo, las mujeres siempre han sido artistas, incluso famosas. Entonces, ¿por qué muchas fueron olvidadas?
Plautilla Nelli, detalle de La última cena, c.1570s, 6,7 m de largo, realizado para su Convento de Santa Caterina, Florencia (Museo di Santa Maria Novella, Florencia)
La respuesta breve es: muchas razones. Por ejemplo, el estudio académico de la historia del arte evolucionó a lo largo de los siglos XVIII y XIX, y los hombres que lo escribieron desarrollaron un canon de grandes artistas y narrativas que conectaban el gran arte y la masculinidad. Los artistas masculinos eran los temas de la mayoría de los libros e investigaciones, y los museos destacaban a estos conocidos artistas masculinos. El arte de las mujeres a menudo se pasaba por alto o se consideraba una excepción, por lo que era más probable que cayera en el olvido, en el deterioro o en los almacenes de los museos. En algunos casos, el arte de una artista femenina infravalorada se atribuía a un artista masculino más conocido.
Los estudiosos están sacando del olvido a las artistas del Renacimiento, descubriendo cómo triunfaron en las sociedades de género en las que trabajaron.
La educación fue un punto clave. Gran parte del arte del Renacimiento gira en torno al aprendizaje: sobre la antigüedad clásica, la filosofía, la anatomía o las matemáticas, por no hablar de las habilidades aprendidas como aprendiz en un estudio artístico profesional. Pero las normas de género de la época significaban que la educación de las mujeres rara vez iba más allá de lo necesario para ser esposas y madres. Sin apenas oportunidades de aprendizaje con maestros/artistas masculinos, las mujeres estaban en desventaja.
Sin embargo, las mujeres con talento se convirtieron en artistas bajo ciertas circunstancias, como:
- monjas en monasterios eruditos (por ejemplo, Sor Plautilla Nelli está inusualmente bien documentada. Aunque las monjas fueron iluminadoras de manuscritos y pintoras desde la Edad Media, sólo se registran unos pocos nombres (por ejemplo, Herard de Landsburg, Santa Catherina de Bolonia, Guda).
- mujeres nobles con una educación excepcional (por ejemplo, Sofonisba Anguissola, Lucia Anguissola, pero también la mayoría de las monjas anteriores); o
- más comúnmente, mujeres nacidas en una familia de artistas (por ejemplo, Levina Teerlinc, Catarina van Hemessen, Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, Lavinia Fontana)
En todos los casos, la personalidad pública de las artistas estaba estrechamente ligada a las ideas de género que esperaban que una mujer respetable fuera virtuosa, piadosa y obediente a Dios y a su padre/marido. Si una artista no cumplía estas normas, podía significar el fin de su carrera (como la breve carrera de la escultora Properzia de’Rossi).
La monja artista: Plautilla Nelli (1524-1588)
El «arte de las monjas» se consideraba excepcionalmente espiritual y las imágenes sagradas del taller de Sor Plautilla Nelli, como esta imagen de «Santa Catalina con Lirio», eran especialmente codiciadas por la élite florentina. El contemporáneo de Nelli, Giorgio Vasari, señala que, «en las casas de los caballeros de toda Florencia, hay tantos cuadros, que sería tedioso intentar hablar de todos ellos.»
Plautilla Nelli (¿y taller?), Santa Catalina con lirio, c.1550s-1560s, óleo sobre lienzo. 38 x 37,5 cm (Galería de los Uffizi, Florencia) Una de las varias copias conocidas del taller de Nelli.
¿Y cómo aprendió esta monja a pintar como un ángel? Como muchas hijas de familias ricas, Plautilla Nelli, de 14 años, fue internada en un convento. Fue una opción para ahorrar costes, ya que la dote de un convento era menor que la de un matrimonio. Por suerte para Nelli, su convento, Santa Caterina da Siena en Florencia, animaba a sus monjas no sólo a rezar sino también a aprender y dibujar.
No está claro cómo aprendió a pintar, pero Nelli se convirtió en una artista prolífica, supervisando un estudio del convento con quizás hasta ocho monjas seguidoras. Su éxito fue tal que Vasari incluyó a Nelli como una de las cuatro mujeres entre más de 100 artistas en sus Vidas de los Artistas de 1550. Vasari señala que es una «monja y ahora priora» que «empieza poco a poco a dibujar e imitar en color cuadros y pinturas de excelentes maestros». Vasari también señala que podría haber sido una de las más grandes pintoras del mundo si hubiera podido estudiar matemáticas y anatomía como lo hacían los artistas masculinos (algo prohibido para las mujeres y especialmente para una monja).
A pesar de estas limitaciones de género, Nelli produjo pinturas devocionales a gran escala e iluminaciones de manuscritos para encargos eclesiásticos y privados. En la actualidad se conocen una veintena de cuadros de Nelli, entre los que se encuentra la mayor y más antigua pintura conocida de la Última Cena realizada por una mujer.
Plautilla Nelli, La última cena, c.1570, 6,7 m de largo, realizado para su convento de Santa Caterina, Florencia. (Museo di Santa Maria Novella, Florencia). Es la única obra de arte firmada de Nelli que se conserva.
Olvidado en un almacén durante gran parte del siglo XX, La última cena de Nelli fue restaurado con la ayuda de la Fundación Advancing Women in the Arts (AWA) y en 2019 pasó a formar parte de la exposición permanente del Museo di Santa Maria Novella de Florencia.
Dama culta: Sofonisba Anguissola (1532-1625)
Los autorretratos de Sofonisba Anguissola muestran las virtudes, a menudo contradictorias, que se esperan de una joven noble y de una artista. Se presenta a la vez como modesta doncella y artista virtuosa, como en este retrato en miniatura, realizado probablemente para un posible mecenas. El medallón lleva la siguiente inscripción en latín: «La doncella Sofonisba Anguissola, retratada por su propia mano, a partir de un espejo, en Cremona.»
Sofonisba Anguissola, Autorretrato, c. 1556, acuarela barnizada sobre pergamino, 8,3 x 6.4 cm (Museum of Fine Arts, Boston)
Este talento, junto con una reputación intachable y una educación excepcional (facilitada por su empobrecido pero previsor padre noble), ayudaría a Anguissola a convertirse en pintora de la corte del rey Felipe II de España. Sin embargo, como los hombres eran pintores de la corte y Anguissola era una mujer, se le dio un título más apropiado a su género: dama de compañía de la reina de Felipe, Isabel de Valois.
Sofonisba Anguissola, Felipe II, 1565, óleo sobre lienzo 72 x 88 cm (Museo del Prado, Madrid)
Este tipo de ajustes de género permitió a la artista nacida en Cremona trabajar al más alto nivel en el mundo masculino del arte de la corte. Pero estos mismos ajustes también pueden haber contribuido a atribuir erróneamente las obras de Anguissola. Por ejemplo, el Retrato de Felipe II de 1565 de Anguissola se atribuyó erróneamente al «artista de la corte» Juan Pantoja de la Cruz desde al menos el siglo XVII, a pesar de que se parecía mucho a sus otras obras conocidas. Sólo después de los exámenes científicos realizados en la década de 1990 se volvió a atribuir la obra a Anguissola. En la actualidad, el número de obras conocidas de Anguissola sigue aumentando, ayudado en parte por una importante exposición en el Museo del Prado en 2019.
Hija del artista: Levina Teerlinc (1510?-1576)
La artista nacida en Brujas Levina Teerlinc fue una de las artistas mejor pagadas y más prolíficas de la corte de los Tudor en Inglaterra durante unos treinta años, pero hoy en día solo se pueden atribuir a su mano cinco o seis obras de forma tentativa. Todas ellas miden menos de unos pocos centímetros.
Levina Teerlinc, Retrato en miniatura de Lady Katherine Grey, condesa de Herford, c. 1555-1560, de unos 36 mm de ancho (Victoria & Albert Museum, Londres)
Las miniaturas, o retratos minúsculos y detallados, eran un formato muy popular que se hacía y regalaba como recuerdo que podía verse en privado o llevarse como colgante o broche. En un mundo anterior a la fotografía, los retratos en miniatura permitían a los individuos distribuir su propia imagen a otras personas en un formato íntimo. Y pocos querían más retratos que los nobles de la corte de los Tudor, en parte porque los retratos ofrecían imágenes muy cuidadas que reflejaban estilos y estatus contemporáneos. El retrato en miniatura de lady Katherine Grey es típico de la obra de Teerlinc. Con un detalle meticuloso y halagador, pinta a la prima de moda de la reina Isabel I, y en su día posible sucesora.
Teerlinc fue una maestra miniaturista e iluminadora de manuscritos. Se formó en el taller de su padre, el célebre pintor flamenco Simon Bening. Cuando llegó a Inglaterra con su marido, alrededor de 1546, Levina Teerlinc asumió el papel de «pintora real», primero en la corte de Enrique VIII y, sucesivamente, para Eduardo VI, María I e Isabel I. Formando parte de la casa real, pintó no sólo retratos aristocráticos, sino muchas otras obras que hoy sólo se conocen por los inventarios de la corte. Su elevado estatus en la corte se refleja en su salario anual: unas notables cuarenta libras al año, lo que suponía cuatro veces la media de ingresos anuales de un comerciante especializado y diez libras más que el salario de su predecesor masculino como artista de la corte, Hans Holbein.
Un renacimiento del siglo XXI
Michelangelo, Leonardo y los afamados artistas masculinos del Renacimiento siguen siendo merecidamente figuras centrales de la historia del arte. Pero ellos son sólo la mitad de la historia. A pesar de los obstáculos, las mujeres fueron artistas excepcionales en el Renacimiento. La tarea de hoy es seguir recuperándolas de las polvorientas estanterías de atrás, de los almacenes y de la pasada indiferencia de la historia del arte.
Notas:
- Giorgio Vasari, Las vidas de los artistas, trans. Julia Conway Bondanella y Peter Bondanella (Londres: Oxford University Press, 1991), 342.
Recursos adicionales:
Lea más sobre Plautilla Nelli en Advancing Women Artists
Vea un vídeo sobre la restauración de La última cena de Nelli
Aprenda más sobre El niño de Sofonisba Anguissola en la corte española en el San Diego Museum of Art
Fausta Navarro, Plautilla Nelli: arte e devozione sulle orme di Savonarola = Plautilla Nelli: Arte y devoción tras las huellas de Savonarola (Livorno : Sillabe, 2017)
Sheila Barker, Women Artists in Early Modern Italy: Careers, Fame, and Collectors (Londres: Harvey Miller Publishers, an imprint of Brepols Publishers, 2016)
Leticia Ruiz Gómez, Historia de dos mujeres pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana (Madrid: catálogo de la exposición del Museo del Prado, 2019)
The National Museum of Women in the Arts, Washington DC. s.f. «Artist profiles».