Plautilla Nelli, Busto di giovane donna, XVI secolo, gesso nero (Galleria degli Uffizi, Firenze, Gabinetto dei Disegni e delle Stampe, inv 6863F)

Riscoprire “maestri” dimenticati

Quando la pittrice rinascimentale Plautilla Nelli ha avuto la sua prima mostra personale agli Uffizi di Firenze nel 2017, alcuni storici dell’arte si sono chiesti . . . Plautilla chi?

Nonostante fosse un’artista celebrata nella Firenze del XVI secolo, la Nelli era stata dimenticata dalla storia dell’arte al punto che anche gli studiosi di arte rinascimentale non sapevano nulla di lei. Come è stato possibile?

In una parola, il genere.

L’oscurità di Nelli era l’effetto cumulativo degli squilibri storici di genere che limitavano le donne nel mondo dell’arte rinascimentale e moderna. Mentre il passato non può essere cambiato, l’equilibrio di genere nella borsa di studio contemporanea e nella pratica curatoriale sta portando alla luce le donne artiste del Rinascimento.

Il soffitto di vetro del Rinascimento: allora e oggi

Come le Guerrilla Girls hanno evidenziato, il mondo dell’arte è stato dominato dagli uomini. Tuttavia, le donne sono sempre state artiste, anche famose. Allora perché molte sono state dimenticate?

Plautilla Nelli, particolare dell’Ultima Cena, anni 1570 circa, lunghezza 6,7 m, realizzato per il suo Convento di Santa Caterina, Firenze (Museo di Santa Maria Novella, Firenze)

La breve risposta è: molte ragioni. Per esempio, lo studio accademico della storia dell’arte si è evoluto nel XVIII e XIX secolo, e gli uomini che lo hanno scritto hanno sviluppato un canone di grandi artisti e narrazioni che collegavano la grande arte e la mascolinità. Gli artisti maschi erano i soggetti della maggior parte dei libri e delle ricerche, e i musei mettevano in evidenza questi noti artisti maschi. L’arte delle donne era spesso trascurata o considerata un’eccezione, e quindi era più probabile che cadesse nell’oscurità, nel degrado o nel deposito del museo. In alcuni casi, l’arte di un’artista femminile sottovalutata è stata attribuita a un artista maschile più noto.

Gli studiosi stanno ora tirando fuori dall’oscurità le donne artiste del Rinascimento, scoprendo come hanno avuto successo nelle società di genere in cui lavoravano.

L’educazione era un punto chiave. Gran parte dell’arte rinascimentale ruota intorno all’apprendimento – sull’antichità classica, la filosofia, l’anatomia o la matematica, per non parlare delle abilità apprese come apprendista in una bottega d’arte professionale. Ma le norme di genere dell’epoca significavano che l’istruzione delle donne raramente andava oltre ciò che era necessario per essere mogli e madri. Con quasi nessuna opportunità di apprendistato con maestri/artisti maschi, le donne erano in svantaggio.

Tuttavia, le donne di talento divennero artiste in determinate circostanze, come:

1. le monache nei monasteri colti (ad esempio, Suor Plautilla Nelli è insolitamente ben documentata. Sebbene le monache fossero miniatori e pittori di manoscritti fin dal Medioevo, solo pochi nomi (ad esempio Herard di Landsburg, Santa Caterina di Bologna, Guda) sono registrati.
2. donne nobili con un’educazione eccezionale (ad esempio, Sofonisba Anguissola, Lucia Anguissola, ma anche la maggior parte delle suore di cui sopra); oppure
3. più comunemente, donne nate in una famiglia di artisti (ad esempio, Levina Teerlinc, Catarina van Hemessen, Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, Lavinia Fontana)

In tutti i casi, le persone pubbliche delle donne artiste erano strettamente legate a idee di genere che si aspettavano che una donna rispettabile fosse virtuosa, pia e obbediente a Dio e a suo padre/marito. Se un’artista non riusciva a soddisfare questi standard, ciò poteva significare la fine della sua carriera (come la breve carriera della scultrice Properzia de’Rossi).

L’artista monaca: Plautilla Nelli (1524-1588)

L'”arte delle monache” era considerata eccezionalmente spirituale e le immagini sacre dello studio di Suor Plautilla Nelli, come questa immagine di “Santa Caterina con giglio”, erano particolarmente ricercate dall’élite fiorentina. Il contemporaneo di Nelli, Giorgio Vasari, nota che “nelle case dei signori di tutta Firenze, ci sono così tante immagini, che sarebbe tedioso tentare di parlarne tutte.”

Plautilla Nelli (e bottega?), Santa Caterina con giglio, anni 1550-1560 circa, olio su tela. 38 x 37,5 cm (Galleria degli Uffizi, Firenze) Una delle numerose copie conosciute della bottega di Nelli.

Come ha fatto questa suora a imparare a dipingere come un angelo? Come molte figlie di famiglie benestanti, la quattordicenne Plautilla Nelli fu messa in un convento. Questa era una scelta di risparmio, poiché la dote di un convento era inferiore a quella di un matrimonio. Fortunatamente per Nelli, il suo convento, Santa Caterina da Siena a Firenze, incoraggiava le sue suore non solo a pregare ma anche a imparare e disegnare.

Non è chiaro come abbia imparato a dipingere, ma Nelli divenne un’artista prolifica, supervisionando uno studio del convento con forse ben otto donne seguaci delle monache. Il suo successo fu tale che Vasari incluse Nelli come una delle sole quattro donne tra oltre 100 artisti nelle sue Vite degli artisti del 1550. Vasari nota che è una “monaca e ora Priora” che sta “cominciando a poco a poco a disegnare e imitare a colori le immagini e la pittura di eccellenti maestri”. Vasari nota anche che avrebbe potuto essere una delle più grandi pittrici del mondo se solo avesse potuto studiare matematica e anatomia come facevano gli artisti maschi (cosa proibita alle donne e soprattutto a una monaca).

Nonostante queste limitazioni di genere, Nelli produsse dipinti devozionali su larga scala e miniature di manoscritti per chiese e commissioni private. Oggi si conoscono circa venti dipinti esistenti di Nelli, tra cui il più grande e il più antico dipinto conosciuto dell’Ultima Cena di una donna.

Plautilla Nelli, L’Ultima Cena, anni 1570 circa, lunghezza 6,7 m, realizzato per il suo Convento di Santa Caterina, Firenze. (Museo di Santa Maria Novella, Firenze). Questa è l’unica opera d’arte firmata di Nelli a sopravvivere.

Dimenticata in magazzino per gran parte del ventesimo secolo, l’Ultima Cena di Nelli è stata restaurata con l’aiuto della Advancing Women in the Arts Foundation (AWA) e nel 2019 è diventata parte dell’esposizione permanente nel Museo di Santa Maria Novella a Firenze.

Signora colta: Sofonisba Anguissola (1532-1625)

Gli autoritratti di Sofonisba Anguissola mostrano le virtù spesso contraddittorie che ci si aspetta da una giovane nobildonna e da un’artista. Si presenta sia come modesta fanciulla che come artista virtuosa, come in questo ritratto in miniatura, probabilmente fatto per un potenziale mecenate. Il medaglione è iscritto in latino: “La fanciulla Sofonisba Anguissola, ritratta di sua propria mano, da uno specchio, a Cremona.”

Sofonisba Anguissola, Autoritratto, 1556 circa, acquerello verniciato su pergamena, 8,3 x 6. 4 cm (Museo delle Belle Arti).4 cm (Museum of Fine Arts, Boston)

Questo talento, insieme a una reputazione immacolata e a un’educazione eccezionale (facilitata dal padre nobile, povero ma lungimirante), aiuterà Anguissola a diventare un pittore alla corte del re Filippo II di Spagna. Tuttavia, poiché gli uomini erano pittori di corte e Anguissola era una donna, le fu dato un titolo più appropriato al suo sesso: dama di compagnia della regina di Filippo, Elisabetta di Valois.

Sofonisba Anguissola, Filippo II, 1565, olio su tela 72 x 88 cm (Museo del Prado, Madrid)

Questi tipi di aggiustamenti di genere permisero all’artista nata a Cremona di lavorare ai massimi livelli nel mondo maschile dell’arte di corte. Ma questi stessi aggiustamenti possono anche aver contribuito alle errate attribuzioni delle opere di Anguissola. Per esempio, il Ritratto di Filippo II del 1565 di Anguissola fu erroneamente attribuito all'”artista di corte” Juan Pantoja de la Cruz almeno dal XVII secolo, nonostante il fatto che assomigliasse fortemente alle altre sue opere conosciute. Solo dopo esami scientifici negli anni ’90 l’opera fu riattribuita ad Anguissola. Oggi il numero di opere conosciute di Anguissola continua a crescere, aiutato in parte da una grande mostra al Museo del Prado nel 2019.

Figlia dell’artista: Levina Teerlinc (1510?-1576)

L’artista nata a Bruges Levina Teerlinc fu tra gli artisti più pagati e più prolifici alla corte dei Tudor in Inghilterra per circa trent’anni, ma oggi solo cinque o sei opere possono essere provvisoriamente attribuite alla sua mano. Queste misurano tutte meno di pochi centimetri.

Levina Teerlinc, Ritratto in miniatura di Lady Katherine Grey, contessa di Herford, 1555-1560 circa, largo 36 mm (Victoria & Albert Museum, Londra)

Le miniature, o ritratti minuscoli e dettagliati, erano un formato popolare fatto e dato come ricordo e regalo che poteva essere visto in privato o indossato come ciondolo o spilla. In un mondo pre-fotografico, i ritratti in miniatura permettevano agli individui di distribuire la propria immagine ad altre persone in un formato intimo. E pochi volevano più ritratti dei nobili della corte dei Tudor, in parte perché i ritratti offrivano immagini altamente curate che riflettevano stili e status contemporanei. Il ritratto in miniatura di Lady Katherine Grey è tipico del lavoro di Teerlinc. Con un dettaglio meticoloso e lusinghiero, dipinge la cugina alla moda della regina Elisabetta I e un tempo possibile successore della stessa.

Teerlinc era un maestro miniaturista e miniatore di manoscritti. Si è formata nello studio di suo padre, il celebre pittore fiammingo Simon Bening. Quando arrivò in Inghilterra con suo marito intorno al 1546, Levina Teerlinc assunse il ruolo di “pittrice reale”, prima alla corte di Enrico VIII e successivamente per Edoardo VI, Maria I ed Elisabetta I. Parte della casa reale, dipinse non solo ritratti aristocratici ma numerose altre opere oggi note solo dagli inventari di corte. Il suo alto status a corte si riflette nel suo salario annuale: un notevole quaranta sterline all’anno, che era quattro volte il guadagno medio annuale per un artigiano specializzato e dieci sterline in più rispetto al salario del suo predecessore maschile come artista di corte, Hans Holbein.

Un rinascimento del 21° secolo

Michelangelo, Leonardo e i famosi artisti maschi del Rinascimento rimangono meritatamente figure centrali nella storia dell’arte. Ma loro sono solo metà della storia. Nonostante gli ostacoli, le donne furono artisti eccezionali nel Rinascimento. Il compito di oggi è quello di continuare a recuperarle dagli scaffali polverosi, dai magazzini e dall’indifferenza passata della storia dell’arte.

Note:

1. Giorgio Vasari, Le Vite degli Artisti, trans. Julia Conway Bondanella e Peter Bondanella (Londra: Oxford University Press, 1991), 342.

Risorse aggiuntive:

Leggi di più su Plautilla Nelli su Advancing Women Artists

Guarda un video sul restauro dell’Ultima Cena di Nelli

Scopri di più su Boy at the Spanish Court di Sofonisba Anguissola al San Diego Museum of Art

Fausta Navarro, Plautilla Nelli: arte e devozione sulle orme di Savonarola = Plautilla Nelli: Arte e devozione sulle orme di Savonarola (Livorno : Sillabe, 2017)

Sheila Barker, Women Artists in Early Modern Italy: Careers, Fame, and Collectors (London: Harvey Miller Publishers, an imprint of Brepols Publishers, 2016)

Leticia Ruiz Gómez, A Tale of Two Women Painters: Sofonisba Anguissola and Lavinia Fontana (Madrid: Museo del Prado exhibit catalogue, 2019)

Il National Museum of Women in the Arts, Washington DC. n.d. “Artist profiles.”