Os artistas têm escolhido o tema da natureza-morta ao longo dos séculos por uma variedade de razões: para reflectir o estatuto do seu dono, seja ele humilde ou altivo; pelo seu significado simbólico que revela uma história ou ideia escondida; para capturar a beleza natural de um objecto transitório como uma flor ou fruto; para demonstrar a técnica de pintura do artista; ou como uma estrutura controlada para expressar as qualidades abstractas dos elementos visuais.

Tradicionalmente, a natureza morta é o desenho e a pintura de itens como frutas, flores e objetos domésticos, que geralmente são dispostos em cima de uma mesa.

• Willem Kalf pintou naturezas mortas que reflectiam o estilo de vida opulento e o estatuto do seu proprietário.

• Harmen Steenwyck ilustrou objectos que comunicavam uma mensagem oculta ao espectador.

• Jean-Baptiste-Siméon Chardin mostrou-nos que há uma grande beleza nos humildes objectos domésticos que nos rodeiam.

• Henri Matisse intensificou a nossa experiência de fruta, flores e artefactos exóticos com o seu uso expressivo da cor.

• Juan Gris usou a natureza morta para experimentar a forma como percebemos os objectos no espaço e no tempo.

• Giorgio Morandi cria naturezas mortas calmas e sensíveis que são produto de profunda contemplação e observação ao longo de um período de tempo considerável.

• A vida como sujeito tem proporcionado uma plataforma para artistas de diferentes épocas explorarem a sua relação com o mundo dos objectos que nos rodeiam.

• À medida que o nosso mundo evolui, novos produtos, artefactos e suportes modernos continuarão a sugerir novos caminhos para o desenvolvimento estilístico e reinvenção da natureza morta como sujeito na arte.