Lumea anticăEdit
Rădăcinile portretului se găsesc probabil în preistorie, deși puține dintre aceste lucrări supraviețuiesc astăzi. În arta civilizațiilor antice din Semiluna Fertilă, în special în Egipt, abundă reprezentările de conducători și conducători ca zei. Cu toate acestea, cele mai multe dintre ele au fost realizate într-o manieră foarte stilizată și majoritatea în profil, de obicei pe piatră, metal, lut, ipsos sau cristal. Portretul egiptean punea relativ puțin accent pe asemănare, cel puțin până în perioada lui Akhenaton, în secolul al XIV-lea î.Hr. Pictura de portrete ale notabililor din China datează probabil de peste 1000 î.Hr. deși nu a supraviețuit niciunul din această epocă. Portretele chinezești existente datează din jurul anului 1000 d.Hr., dar nu au pus prea mult accent pe asemănare până la ceva timp după aceea.
Din dovezile literare știm că pictura greacă antică includea portrete, adesea foarte precise dacă elogiile scriitorilor sunt de crezut, dar nu au rămas exemple pictate. Capetele sculptate ale conducătorilor și ale unor personalități celebre, precum Socrate, supraviețuiesc într-o oarecare cantitate și, la fel ca busturile individualizate ale conducătorilor elenistici de pe monede, arată că portretul grecesc putea realiza o bună asemănare, iar subiecții, cel puțin ai figurilor literare, erau reprezentați cu relativ puțină lingușire – portretele lui Socrate arată de ce avea reputația de a fi urât. Succesorii lui Alexandru cel Mare au început practica de a adăuga capul acestuia (ca figură divinizată) pe monedele lor și, în curând, își foloseau propriul cap.
Portretul roman a adoptat tradițiile de portret atât de la etrusci, cât și de la greci, și a dezvoltat o tradiție foarte puternică, legată de utilizarea religioasă a portretelor strămoșilor, precum și de politica romană. Din nou, puținele supraviețuiri pictate, în portretele de la Fayum, Mormântul Alinei și Tondo-ul din Severin, toate din Egiptul aflat sub dominație romană, sunt în mod clar producții provinciale care reflectă mai degrabă stilurile grecești decât cele romane, dar avem o bogăție de capete sculptate, inclusiv multe portrete individualizate din mormintele clasei de mijloc și mii de tipuri de portrete de monede.
Cel mai mare grup de portrete pictate sunt picturile funerare care au supraviețuit în climatul uscat din districtul Fayum din Egipt (vezi ilustrația de mai jos), datând din secolele II-IV d.Hr. Acestea sunt aproape singurele picturi din perioada romană care au supraviețuit, în afară de fresce, deși se știe din scrierile lui Pliniu cel Bătrân că pictura de portrete era bine stabilită în perioada greacă și era practicată atât de artiști bărbați, cât și de femei. În vremea sa, Pliniu se plângea de starea de declin a artei romane a portretelor: „Pictura portretelor, care obișnuia să transmită de-a lungul veacurilor asemănarea exactă a oamenilor, a dispărut cu totul… Indolența a distrus artele”. Aceste portrete cu fața întreagă din Egiptul roman sunt excepții fericite. Ele prezintă un simț oarecum realist al proporțiilor și al detaliilor individuale (deși ochii sunt în general supradimensionați, iar îndemânarea artistică variază considerabil de la un artist la altul). Portretele de la Fayum au fost pictate pe lemn sau fildeș în culori de ceară și rășină (encaustică) sau cu tempera, și inserate în învelișul mumiei, pentru a rămâne cu trupul prin eternitate.
În timp ce pictura portretelor de sine stătătoare s-a diminuat la Roma, arta portretului a înflorit în sculpturile romane, unde cei care au stat la masă cereau realism, chiar dacă nu era măgulitor. În secolul al IV-lea, portretul sculptat a dominat, cu o retragere în favoarea unui simbol idealizat al modului în care arăta acea persoană. (Comparați portretele împăraților romani Constantin I și Teodosie I) În perioada Anticii târzii, interesul pentru o asemănare individuală a scăzut considerabil, iar cele mai multe portrete din monedele romane târzii și din dipticele consulare nu sunt aproape deloc individualizate, deși, în același timp, arta creștină timpurie evolua spre imagini destul de standardizate pentru reprezentarea lui Iisus și a altor figuri majore din arta creștină, precum Ioan Botezătorul și Sfântul Petru.
Evul MediuEdit
Cele mai multe portrete medievale timpurii au fost portrete de donatori, inițial mai ales ale papilor din mozaicurile romane, și manuscrise iluminate, un exemplu fiind un autoportret al scriitoarei, misticei, cercetătoarei, iluminatoarei și muzicienei Hildegard de Bingen (1152). Ca și în cazul monedelor contemporane, nu s-a încercat prea mult o asemănare. Monumentele funerare din piatră s-au răspândit în perioada romanică. Între 1350-1400, figurile laice au început să reapară în fresce și picturi pe panouri, cum ar fi în tabloul lui Carol al IV-lea primind fidelitate al Maestrului Teodoric, iar portretele au devenit din nou asemănări clare.
Pe la sfârșitul secolului, primele portrete în ulei ale unor persoane contemporane, pictate pe mici panouri de lemn, au apărut în Burgundia și Franța, mai întâi ca profiluri, apoi în alte vederi. Dipticul Wilton din jurul anului 1400 este unul dintre cele două portrete pe panou care au supraviețuit ale lui Richard al II-lea al Angliei, cel mai timpuriu rege englez pentru care avem exemple contemporane.
La sfârșitul Evului Mediu, în secolul al XV-lea, pictura olandeză timpurie a fost esențială pentru dezvoltarea portretului individualizat. Printre maeștrii s-au numărat Jan van Eyck, Robert Campin și Rogier van der Weyden, printre alții. Au fost comandate portrete destul de mici de pictură pe panouri, mai puțin de jumătate de mărime naturală, nu numai ale unor personaje de la curte, ci și ale unor orășeni bogați, care, după îmbrăcămintea lor relativ simplă, păreau a fi oameni bogați. Miniaturile din manuscrisele iluminate includeau, de asemenea, portrete individualizate, de obicei ale comisionarului. În picturile religioase, portretele donatorilor au început să fie prezentate ca fiind prezente sau să participe la principalele scene sacre prezentate, iar în imagini mai private de la curte subiecții apăreau chiar ca figuri semnificative, cum ar fi Fecioara Maria.
-
Robert Campin (c. 1375 – 1444), Portret de femeie tânără (în pereche cu soțul ei), 1430-1435. Stilul lui Van der Weyden s-a întemeiat pe cel al lui Campin.
-
Portret de Arnolfini, de Jan van Eyck, 1434
-
Rogier van der Weyden, Portret de doamnă, c. 1460
-
Unul dintre cele mai timpurii autoportrete de sine stătătoare, Jean Fouquet, c. 1450
RenaștereEdit
În parte din interes pentru lumea naturală și în parte din interes pentru culturile clasice ale Greciei și Romei antice, portretele – atât cele pictate, cât și cele sculptate – au primit un rol important în societatea Renașterii și au fost apreciate ca obiecte și ca reprezentări ale succesului și statutului pământesc. Pictura, în general, a atins un nou nivel de echilibru, armonie și perspicacitate, iar cei mai mari artiști (Leonardo, Michelangelo și Rafael) au fost considerați „genii”, ridicându-se mult deasupra statutului de comerciant și devenind servitori valoroși ai curții și ai bisericii.
Dacă poetul spune că îi poate înflăcăra pe oameni cu dragoste…
pictorul are puterea de a face același lucru…
în sensul că poate pune în fața iubitului
adevărata înfățișare a celui iubit,
făcându-l adesea să-l sărute și să-i vorbească.
-Leonardo de’ Vinci
Multe inovații în diferitele forme de portret au evoluat în această perioadă fertilă. A început tradiția portretului în miniatură, care a rămas populară până în epoca fotografiei, dezvoltându-se pornind de la abilitățile pictorilor de miniaturi din manuscrisele iluminate. Portretele de profil, inspirate de medalioanele antice, au fost deosebit de populare în Italia între 1450 și 1500. Medaliile, cu imaginile lor cu două fețe, au inspirat, de asemenea, o vogă de scurtă durată pentru picturile cu două fețe la începutul Renașterii. Sculptura clasică, cum ar fi Apollo Belvedere, a influențat, de asemenea, alegerea ipostazelor utilizate de portretiștii Renașterii, ipostaze care au continuat să fie folosite de-a lungul secolelor. Ginevra de’ Benci a lui Leonardo (c. 1474-8) este unul dintre primele portrete cunoscute cu vedere de trei sferturi din arta italiană.
Artiștii nord-europeni au deschis calea în ceea ce privește portretele realiste ale subiecților seculari. Realismul și detaliile mai mari ale artiștilor nordici din secolul al XV-lea s-au datorat în parte penelurilor mai fine și efectelor posibile cu ajutorul culorilor în ulei, în timp ce pictorii italieni și spanioli foloseau încă tempera. Printre primii pictori care au dezvoltat tehnica uleiului a fost Jan van Eyck. Culorile în ulei pot produce mai multe texturi și grade de grosime și pot fi stratificate mai eficient, prin adăugarea de straturi din ce în ce mai groase unul peste altul (cunoscut de pictori sub numele de „gras peste slab”). De asemenea, culorile în ulei se usucă mai lent, permițându-i artistului să facă schimbări cu ușurință, cum ar fi modificarea detaliilor faciale. Antonello da Messina a fost unul dintre primii italieni care a profitat de ulei. Format în Belgia, s-a stabilit la Veneția în jurul anului 1475 și a avut o influență majoră asupra lui Giovanni Bellini și a școlii din nordul Italiei. În secolul al XVI-lea, uleiul ca mediu s-a răspândit ca popularitate în întreaga Europă, permițând redarea mai somptuoasă a hainelor și bijuteriilor. De asemenea, care a afectat calitatea imaginilor, a fost trecerea de la lemn la pânză, începând din Italia în prima parte a secolului al XVI-lea și răspândindu-se în Europa de Nord în secolul următor. Pânza rezistă mai bine la crăpare decât lemnul, reține mai bine pigmenții și are nevoie de mai puține pregătiri – dar inițial era mult mai rară decât lemnul.
Primarii nord-europeni au renunțat la profil și au început să realizeze portrete cu volum și perspectivă realiste. În Țările de Jos, Jan van Eyck a fost un portretist de frunte. Căsătoria Arnolfini (1434, National Gallery, Londra) este un punct de reper al artei occidentale, un exemplu timpuriu de portret de cuplu în lungime întreagă, superb pictat în culori bogate și detalii rafinate. Dar, la fel de important, prezintă tehnica nou dezvoltată a picturii în ulei, inițiată de van Eyck, care a revoluționat arta și s-a răspândit în întreaga Europă.
Principali portretiști germani, inclusiv Lucas Cranach, Albrecht Dürer și Hans Holbein cel Tânăr, care au stăpânit cu toții tehnica picturii în ulei. Cranach a fost unul dintre primii artiști care au pictat comenzi în mărime naturală în mărime naturală, o tradiție populară de atunci încoace. La acea vreme, Anglia nu avea pictori de portrete de prim rang, iar artiști precum Holbein erau solicitați de patronii englezi. Pictura sa a lui Sir Thomas More (1527), primul său patron important din Anglia, are aproape realismul unei fotografii. Holbein a avut mare succes pictând familia regală, inclusiv pe Henric al VIII-lea. Dürer a fost un desenator remarcabil și unul dintre primii artiști importanți care a realizat o succesiune de autoportrete, inclusiv o pictură cu fața întreagă. De asemenea, și-a plasat figura autoportretului său (în calitate de privitor) în mai multe dintre picturile sale religioase. Dürer a început să realizeze autoportrete la vârsta de treisprezece ani. Mai târziu, Rembrandt va amplifica această tradiție.
În Italia, Masaccio a deschis calea modernizării frescei prin adoptarea unei perspective mai realiste. Filippo Lippi a deschis calea în dezvoltarea unor contururi mai ascuțite și a unor linii sinuoase, iar elevul său, Rafael, a extins realismul în Italia la un nivel mult mai înalt în următoarele decenii cu picturile sale murale monumentale. În această perioadă, a devenit popular portretul de logodnă, o specialitate deosebită a lui Lorenzo Lotto. În timpul Renașterii timpurii, picturile de portret erau în general mici și uneori acoperite cu capace de protecție, cu balamale sau glisante.
În timpul Renașterii, nobilimea florentină și milaneză, în special, dorea reprezentări mai realiste ale lor. Provocarea de a crea vederi complete și de trei sferturi convingătoare a stimulat experimentarea și inovarea. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi și Leonardo da Vinci și alți artiști și-au extins tehnica în consecință, adăugând portretul la subiectele religioase și clasice tradiționale. Leonardo și Pisanello au fost printre primii artiști italieni care au adăugat simboluri alegorice la portretele lor laice.
Unul dintre cele mai cunoscute portrete din lumea occidentală este tabloul lui Leonardo da Vinci intitulat Mona Lisa, numit după Lisa del Giocondo, membră a familiei Gherardini din Florența și Toscana și soția bogatului negustor de mătase florentin Francesco del Giocondo. Celebrul „zâmbet al Giocondei” este un exemplu excelent de aplicare a asimetriei subtile pe o față. În caietele sale, Leonardo dă sfaturi cu privire la calitățile luminii în pictura de portret:
Un grad foarte ridicat de grație în lumină și umbră se adaugă fețelor celor care stau în ușile camerelor care sunt întunecate, unde ochii observatorului văd partea umbrită a feței întunecată de umbrele din cameră și văd partea luminată a feței cu strălucirea mai mare pe care i-o dă aerul. Prin această creștere a umbrelor și a luminilor, chipul primește un relief mai mare.
Leonardo a fost elevul lui Verrocchio. După ce a devenit membru al Breslei Pictorilor, a început să accepte comenzi independente. Datorită intereselor sale vaste și în conformitate cu mintea sa științifică, producția sa de desene și studii preliminare este imensă, deși producția sa artistică finalizată este relativ mică. Printre alte portrete memorabile ale sale se numără cele ale nobilelor Ginevra de’ Benci și Cecilia Gallerani.
Portretele comandate de Raphael care au supraviețuit sunt mult mai numeroase decât cele ale lui Leonardo și prezintă o mai mare varietate de ipostaze, iluminare și tehnică. Mai degrabă decât să producă inovații revoluționare, marea realizare a lui Rafael a fost consolidarea și rafinarea curentelor în evoluție ale artei renascentiste. El a fost expert în special în portretul de grup. Capodopera sa, Școala din Atena, este una dintre cele mai importante fresce de grup, conținând asemănări ale lui Leonardo, Michelangelo, Bramante și Rafael însuși, sub înfățișarea unor filosofi antici. Acesta nu a fost primul portret de grup al artiștilor. Cu câteva decenii mai devreme, Paolo Uccello pictase un portret de grup care îi includea pe Giotto, Donatello, Antonio Manetti și Brunelleschi. Pe măsură ce a crescut în proeminență, Rafael a devenit portretistul preferat al papilor. În timp ce mulți artiști renascentiști au acceptat cu entuziasm comisiile de portrete, câțiva artiști le-au refuzat, mai ales rivalul lui Rafael, Michelangelo, care a preluat în schimb uriașele comenzi ale Capelei Sixtine.
În Veneția, în jurul anului 1500, Gentile Bellini și Giovanni Bellini au dominat pictura de portret. Aceștia au primit cele mai înalte comenzi din partea oficialilor de frunte ai statului. Portretul lui Bellini al dogelui Loredan este considerat unul dintre cele mai frumoase portrete ale Renașterii și demonstrează cu abilitate măiestria artistului în ceea ce privește tehnicile nou sosite ale picturii în ulei. Bellini este, de asemenea, unul dintre primii artiști din Europa care și-a semnat lucrările, deși rareori le-a datat. Mai târziu, în secolul al XVI-lea, Titian și-a asumat cam același rol, în special prin extinderea varietății de ipostaze și așezări ale subiecților săi regali. Titian a fost, probabil, primul mare portretist de copii. După Titian, Tintoretto și Veronese au devenit artiști venețieni de frunte, ajutând la tranziția către manierismul italian. Manieriștii au contribuit cu multe portrete excepționale care puneau accentul pe bogăția materială și pe ipostaze elegant de complexe, ca în operele lui Agnolo Bronzino și Jacopo da Pontormo. Bronzino și-a făcut faima portretizând familia Medici. Portretul său îndrăzneț al lui Cosimo I de’ Medici, îl arată pe austerul conducător în armură, cu un ochi precaut privit în extrema sa dreaptă, în contrast puternic cu majoritatea picturilor regale, care își prezintă personajele ca pe niște suverani binevoitori. El Greco, care s-a format la Veneția timp de doisprezece ani, a mers într-o direcție mai extremă după sosirea sa în Spania, punând accentul pe „viziunea sa interioară” a personajului până la punctul de a diminua realitatea aspectului fizic. Unul dintre cei mai buni portretiști din Italia secolului al XVI-lea a fost Sofonisba Anguissola din Cremona, care a infuzat portretele sale individuale și de grup cu noi niveluri de complexitate.
Portretul de curte din Franța a început când artistul flamand Jean Clouet a pictat opulenta sa înfățișare a lui Francisc I al Franței în jurul anului 1525. Regele Francisc a fost un mare patron al artiștilor și un colecționar de artă avar, care l-a invitat pe Leonardo da Vinci să locuiască în Franța în ultimii săi ani de viață. Mona Lisa a rămas în Franța după ce Leonardo a murit acolo.
-
Pisanello, probabil Ginevra d’Este, c. 1440
-
Tânărul de Sandro Botticelli, c. 1483. O postură italiană timpurie cu fața întreagă.
-
Posibil Raphael, c. 1518, Isabel de Requesens. Stilul și formatul Renașterii înalte au avut o influență enormă pentru marile portrete ulterioare.
-
Christiane von Eulenau de Lucas Cranach cel Bătrân, 1534
-
Lucrezia Panciatichi, de Agnolo Bronzino, 1540
-
Papa Paul al III-lea și nepoții săi, Titian, 1546
-
Maarten van Heemskerck (1498-1574), Familia lui Pieter Jan Foppesz, înainte de sec.1532, considerat primul portret de familie, în portretul olandez.
Charles V de Titian, 1548, un portret ecvestru fundamental.
Portretul Armada al Elisabetei I a Angliei, c. 1588. Portretul stilizat al Elisabetei I a Angliei a fost unic în Europa.
Portretul unui cardinal, probabil Fernando Niño de Guevara, El Greco, c. 1600
Baroc și RococoEdit
Rembrandt portret de grup, The Syndics of the Clothmaker’s Guild, 1662.În timpul perioadelor baroc și rococo (secolele al XVII-lea și, respectiv, al XVIII-lea), portretele au devenit înregistrări și mai importante ale statutului și poziției. Într-o societate dominată din ce în ce mai mult de lideri seculari în cadrul unor curți puternice, imaginile unor figuri îmbrăcate opulent erau un mijloc de afirmare a autorității persoanelor importante. Pictorii flamanzi Sir Anthony van Dyck și Peter Paul Rubens au excelat la acest tip de portret, în timp ce Jan Vermeer a realizat portrete mai ales ale clasei de mijloc, la lucru și la joacă în interior. Portretul lui Rubens și al primei sale soții (1609) în ținuta de nuntă este un exemplu virtuos de portret de cuplu. Faima lui Rubens s-a extins dincolo de arta sa – a fost curtean, diplomat, colecționar de artă și om de afaceri de succes. Atelierul său a fost unul dintre cele mai extinse din acea vreme, angajând specialiști în natură moartă, peisaje, animale și scene de gen, pe lângă portrete. Van Dyck s-a pregătit acolo timp de doi ani. Carol I al Angliei l-a angajat mai întâi pe Rubens, apoi l-a importat pe van Dyck ca pictor al curții sale, făcându-l cavaler și conferindu-i un statut de curte. Van Dyck a adaptat nu numai metodele de producție și abilitățile de afaceri ale lui Rubens, ci și manierele și înfățișarea sa elegantă. După cum s-a consemnat: „Întotdeauna mergea îmbrăcat magnific, avea un echipament numeros și galant și ținea o masă atât de nobilă în apartamentul său, încât puțini prinți nu au fost mai vizitați sau mai bine serviți”. În Franța, Hyacinthe Rigaud a dominat în același mod, fiind un remarcabil cronicar al regalității, pictând portretele a cinci regi francezi.
Una dintre inovațiile artei renascentiste a fost redarea îmbunătățită a expresiilor faciale pentru a însoți diferite emoții. În special, pictorul olandez Rembrandt a explorat numeroasele expresii ale feței umane, în special ca unul dintre primii autoportretiști (dintre care a pictat peste 60 în timpul vieții sale). Acest interes pentru chipul uman a favorizat, de asemenea, crearea primelor caricaturi, atribuite Accademia degli Incamminati, condusă de pictori din familia Carracci la sfârșitul secolului al XVI-lea în Bologna, Italia.
Velázquez, Papa Inocențiu al X-lea, c. 1650, Galeria Doria Pamphilj, Roma.Portretele de grup au fost produse în număr mare în perioada barocă, în special în Țările de Jos. Spre deosebire de restul Europei, artiștii olandezi nu au primit comenzi din partea bisericii calviniste, care interzisese astfel de imagini, sau din partea aristocrației, care era practic inexistentă. În schimb, comenzile proveneau de la asociații civice și comerciale. Pictorul olandez Frans Hals folosea tușe fluide de culori vii pentru a-și însufleți portretele de grup, inclusiv cele ale gărzilor civile din care făcea parte. Rembrandt a beneficiat foarte mult de astfel de comenzi și de aprecierea generală a artei de către clienții burghezi, care susțineau atât portretul, cât și pictura de natură moartă și peisajele. În plus, primele piețe semnificative de artă și de negustori au înflorit în Olanda în acea perioadă.
Cu o cerere abundentă, Rembrandt a putut să experimenteze compoziții și tehnici neconvenționale, cum ar fi clar-obscurul. El a demonstrat aceste inovații, inițiate de maeștrii italieni precum Caravaggio, mai ales în faimoasa sa Rondul de noapte (1642). Lecția de anatomie a doctorului Tulp (1632) este un alt bun exemplu al măiestriei lui Rembrandt în ceea ce privește pictura de grup, în care scufundă cadavrul într-o lumină puternică pentru a atrage atenția asupra centrului tabloului, în timp ce hainele și fundalul se contopesc în negru, făcând ca fețele chirurgului și ale studenților să iasă în evidență. Este, de asemenea, primul tablou pe care Rembrandt l-a semnat cu numele său complet.
În Spania, Diego Velázquez a pictat Las Meninas (1656), unul dintre cele mai faimoase și enigmatice portrete de grup din toate timpurile. Acesta îi comemorează pe artist și pe copiii familiei regale spaniole și, aparent, cei care stau la masă sunt cuplul regal, care sunt văzuți doar ca reflexii într-o oglindă. Pornind în primul rând ca pictor de gen, Velázquez a devenit rapid proeminent ca pictor al curții lui Filip al IV-lea, excelând în arta portretului, în special în extinderea complexității portretelor de grup.
Artiștii rococo, care erau interesați în special de ornamentația bogată și complexă, au fost maeștri ai portretului rafinat. Atenția lor la detaliile vestimentației și ale texturii a sporit eficacitatea portretelor ca mărturii ale bogăției lumești, așa cum reiese din faimoasele portrete ale lui François Boucher ale Doamnei de Pompadour îmbrăcată în rochii de mătase vaporoase.
Thomas Gainsborough, The Blue Boy, c.1770, Huntington Library, San Marino, California
Ludovic al XIV-lea al Franței și familia sa portretizați ca zei romani într-o pictură din 1670 de Jean Nocret.Primii mari portretiști autohtoni ai școlii britanice au fost pictorii englezi Thomas Gainsborough și Sir Joshua Reynolds, care s-au specializat, de asemenea, în îmbrăcarea subiecților lor într-o manieră care să atragă atenția. Băiatul albastru al lui Gainsborough este unul dintre cele mai faimoase și recunoscute portrete din toate timpurile, pictat cu pensule foarte lungi și culori subțiri de ulei pentru a obține efectul strălucitor al costumului albastru. Gainsborough s-a remarcat, de asemenea, pentru decorurile sale elaborate de fundal pentru subiecții săi.
Cei doi artiști britanici au avut opinii opuse cu privire la utilizarea asistenților. Reynolds îi angaja în mod regulat (uneori făcând el însuși doar 20 la sută din pictură), în timp ce Gainsborough o făcea rar. Uneori, un client extrăgea un angajament de la artist, așa cum a făcut Sir Richard Newdegate de la portretistul Peter Lely (succesorul lui van Dyck în Anglia), care a promis că portretul va fi „from the Beginning to ye end drawne with my owne hands”. Spre deosebire de exactitatea folosită de maeștrii flamanzi, Reynolds a rezumat abordarea sa față de portret afirmând că „grația și, putem adăuga, asemănarea, constă mai mult în a lua aerul general, decât în observarea similitudinii exacte a fiecărei trăsături”. De asemenea, în Anglia s-a remarcat William Hogarth, care a îndrăznit să contrazică metodele convenționale prin introducerea unor accente de umor în portretele sale. „Autoportretul său „Autoportret cu Pug” este în mod clar mai mult o abordare umoristică a animalului său de companie decât o pictură autoindulgentă.
În secolul al XVIII-lea, pictorițele au căpătat o nouă importanță, în special în domeniul portretului. Printre artistele notabile se numără pictorița franceză Élisabeth Vigée-Lebrun, artista italiană de pastel Rosalba Carriera și artista elvețiană Angelica Kauffman. Tot în acest secol, înainte de inventarea fotografiei, portretele în miniatură – pictate cu o precizie incredibilă și adesea închise în medalioane de aur sau emailate – erau foarte apreciate.
În Statele Unite, John Singleton Copley, școlit în maniera britanică rafinată, a devenit cel mai important pictor de portrete în mărime naturală și în miniatură, imaginile sale hiperrealiste ale lui Samuel Adams și Paul Revere fiind deosebit de bine apreciate. Copley este, de asemenea, remarcabil pentru eforturile sale de a îmbina portretul cu arta academică mai venerată a picturii istorice, lucru pe care l-a încercat cu portretele sale de grup ale unor militari celebri. La fel de faimos a fost și Gilbert Stuart, care a pictat peste 1.000 de portrete și a fost cunoscut în special pentru portretele sale prezidențiale. Stuart a pictat peste 100 de replici numai ale lui George Washington. Stuart lucra rapid și folosea tușe de pensulă mai blânde și mai puțin detaliate decât Copley pentru a surprinde esența subiecților săi. Uneori, făcea mai multe versiuni pentru un client, permițându-i acestuia să își aleagă preferatul. Remarcat pentru tonurile roz ale obrajilor săi, Stuart a scris: „carnea nu se aseamănă cu nicio altă substanță de sub cer. Are toată veselia magazinului de mătase, fără strălucirea sa stridentă, și toată moliciunea mahonului vechi, fără tristețea sa”. Alți portretiști americani proeminenți din epoca colonială au fost John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale și Rembrandt Peale.
-
Filip al IV-lea în maro și argint, Diego Velázquez, 1632
-
Sir Kenelm Digby de Anthony Van Dyck, c. 1640
-
Rembrandt van Rijn, Portretul lui Jan Six, 1654
-
Pastel de Madame de Pompadour, Maurice Quentin de La Tour, mijlocul secolului al XVIII-lea
Thomas Kerrich (1748-1828), de Pompeo Batoni
John Durand, The Rapalje Children, 1768, New-York Historical Society, New York City
John Singleton Copley, Paul Revere, 1770
Secolul al XIX-leaEdit
Madame Récamier (1800), în plin avânt al modei neoclasice, Jacques-Louis DavidLa sfârșitul secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea, artiștii neoclasici au continuat tradiția de a înfățișa subiecții în cele mai recente mode, care, pentru femeile de atunci, însemnau rochii diafane derivate din stilurile vestimentare antice grecești și romane. Artiștii au folosit lumina dirijată pentru a defini textura și rotunjimea simplă a fețelor și a membrelor. Pictorii francezi Jacques-Louis David și Jean-Auguste-Dominique Ingres au dat dovadă de virtuozitate în această tehnică asemănătoare cu cea a desenatorului, precum și de un ochi ascuțit pentru personaje. Ingres, un elev al lui David, se remarcă prin portretele sale în care o oglindă este pictată în spatele subiectului pentru a simula o vedere din spate a acestuia. Portretul său al lui Napoleon pe tronul său imperial este un tur de forță al portretului regal. (vezi Galeria de mai jos)
Artiștii romantici care au lucrat în prima jumătate a secolului al XIX-lea au pictat portrete ale unor lideri inspirați, femei frumoase și subiecți agitați, folosind tușe vii de pensulă și o iluminare dramatică, uneori mohorâtă. Artiștii francezi Eugène Delacroix și Théodore Géricault au pictat portrete deosebit de frumoase de acest tip, în special cavaleri îndrăzneți. Un exemplu notabil de artist din perioada romantică din Polonia, care a practicat portretul călărețului a fost Piotr Michałowski (1800-1855). Demnă de remarcat este și seria de portrete de bolnavi mintal realizate de Géricault (1822-1824). Pictorul spaniol Francisco de Goya a pictat unele dintre cele mai iscoditoare și provocatoare imagini ale perioadei, printre care La maja desnuda (c. 1797-1800), precum și celebrele portrete de curte ale lui Carol al IV-lea.
Thomas Eakins, The Gross Clinic, 1875Artiștii realiști din secolul al XIX-lea, cum ar fi Gustave Courbet, au creat portrete obiective care înfățișează oameni din clasa de jos și de mijloc. Demonstrându-și romantismul, Courbet a pictat mai multe autoportrete care îl arată pe el însuși în diferite stări și expresii. Printre alți realiști francezi se numără Honoré Daumier, care a realizat numeroase caricaturi ale contemporanilor săi. Henri de Toulouse-Lautrec a realizat o cronică a unora dintre celebrii artiști de teatru, inclusiv Jane Avril, surprinzându-i în mișcare. Pictorul francez Édouard Manet, a fost un important artist de tranziție, a cărui operă pendulează între realism și impresionism. A fost un portretist cu o perspicacitate și o tehnică remarcabile, pictura lui Stéphane Mallarmé fiind un bun exemplu al stilului său de tranziție. Contemporanul său Edgar Degas a fost în primul rând un realist, iar tabloul său Portretul familiei Bellelli este o interpretare pătrunzătoare a unei familii nefericite și unul dintre cele mai bune portrete ale sale.
În America, Thomas Eakins a domnit ca principal portretist, ducând realismul la un nou nivel de franchețe, în special cu cele două portrete ale sale de chirurgi la lucru, precum și cu cele ale sportivilor și muzicienilor în acțiune. În multe portrete, cum ar fi „Portretul doamnei Edith Mahon”, Eakins transmite cu îndrăzneală emoțiile deloc măgulitoare ale tristeții și melancoliei.
Vincent van Gogh, Autoportret, 1887Realiștii au cedat locul în mare parte impresioniștilor până în anii 1870. În parte din cauza veniturilor lor slabe, mulți dintre impresioniști s-au bazat pe familie și prieteni care să le servească drept modele și au pictat grupuri intime și figuri singure, fie în aer liber, fie în interioare pline de lumină. Remarcate pentru suprafețele lor strălucitoare și picturile bogate de vopsea, portretele impresioniste sunt adesea dezarmant de intime și atrăgătoare. Pictorii francezi Claude Monet și Pierre-Auguste Renoir au creat unele dintre cele mai populare imagini cu persoane individuale și grupuri. Artista americană Mary Cassatt, care s-a format și a lucrat în Franța, este populară și astăzi pentru picturile sale captivante de mame și copii, la fel ca și Renoir. Paul Gauguin și Vincent van Gogh, ambii postimpresioniști, au pictat portrete revelatoare ale unor persoane pe care le cunoșteau, învolburate în culori, dar nu neapărat măgulitoare. Ei sunt la fel de celebri, dacă nu chiar mai mult, pentru autoportretele lor puternice.
John Singer Sargent a traversat, de asemenea, schimbarea de secol, dar a respins în mod deschis impresionismul și postimpresionismul. A fost cel mai de succes pictor de portrete al epocii sale, folosind o tehnică preponderent realistă, adesea efuzată de utilizarea strălucitoare a culorilor. A fost la fel de priceput la portrete individuale și de grup, în special ale familiilor din clasa superioară. Sargent s-a născut în Florența, Italia, din părinți americani. A studiat în Italia și Germania, precum și la Paris. Sargent este considerat a fi ultimul exponent major al tradiției britanice a portretului care a început cu van Dyck. Un alt portretist american proeminent care s-a format în străinătate a fost William Merritt Chase. Pictorița americană de societate Cecilia Beaux, supranumită „femeia Sargent”, s-a născut dintr-un tată francez, a studiat în străinătate și a obținut succes în țară, rămânând la metodele tradiționale. Un alt portretist comparat cu Sargent pentru tehnica sa luxuriantă a fost artistul parizian de origine italiană Giovanni Boldini, un prieten al lui Degas și Whistler.
Internaționalistul american de origine americană James Abbott McNeill Whistler a avut relații bune cu artiștii europeni și a pictat, de asemenea, câteva portrete excepționale, cel mai cunoscut fiind Aranjamentul său în gri și negru, Mama artistului (1871), cunoscut și sub numele de Mama lui Whistler. Chiar și în cazul portretelor sale, ca și în cazul peisajelor sale tonale, Whistler dorea ca privitorii săi să se concentreze asupra aranjamentului armonios al formelor și culorilor din picturile sale. Whistler a folosit o paletă discretă pentru a crea efectele dorite, punând accentul pe echilibrul culorilor și pe tonurile moi. După cum a declarat, „așa cum muzica este poezia sunetului, la fel și pictura este poezia vederii, iar subiectul nu are nimic de-a face cu armonia sunetului sau a culorii”. Forma și culoarea au fost, de asemenea, esențiale în portretele lui Cézanne, în timp ce culoarea și tehnica de tușare a pensulei, chiar mai extreme, domină portretele lui André Derain, și Henri Matisse.
Dezvoltarea fotografiei în secolul al XIX-lea a avut un efect semnificativ asupra portretului, suplinind camera obscură anterioară, care fusese de asemenea folosită anterior ca un ajutor în pictură. Mulți moderniști s-au înghesuit la studiourile de fotografie pentru a-și face portrete, inclusiv Baudelaire care, deși a proclamat că fotografia este un „dușman al artei”, s-a simțit atras de franchețea și puterea fotografiei. Oferind o alternativă ieftină, fotografia a suplinit o mare parte din pictura de portret de nivel inferior. Unii artiști realiști, cum ar fi Thomas Eakins și Edgar Degas, au fost entuziasmați de fotografia cu aparatul de fotografiat și au considerat-o un ajutor util pentru compoziție. De la impresioniști încoace, pictorii de portrete au găsit o multitudine de modalități de reinterpretare a portretului pentru a concura eficient cu fotografia. Sargent și Whistler s-au numărat printre cei care au fost stimulați să își extindă tehnica pentru a crea efecte pe care aparatul foto nu le putea capta.
-
Francisco de Goya, Charles IV al Spaniei și familia sa, 1800-1801
-
Jean Auguste Dominique Ingres, portret al lui Napoleon pe tronul său imperial, 1806, Musée de l’Armée, Paris
-
Gustave Courbet, Portretul lui Charles Baudelaire, 1848
-
Pierre-Auguste Renoir, Portretul lui Alfred Sisley, 1868
-
James Abbott McNeill Whistler, Aranjament în gri și negru: The Artist’s Mother (1871) cunoscută popular sub numele de Whistler’s Mother
-
Edgar Degas, Portret al domnișoarei Cassatt, așezată, ținând cărți în mână, 1876-1878
-
John Singer Sargent, Portretul lui Robert Louis Stevenson, 1887
-
Paul Gauguin, Pictorul de floarea-soarelui, Portretul lui Vincent van Gogh, 1888
Vincent van Gogh, Portretul doctorului Gachet, (prima versiune), 1890
Secolul XXEdit
Portretul lui Gertrude Stein, 1906, Metropolitan Museum of Art, New York. Când cineva a comentat că Stein nu arată ca portretul ei, Picasso a răspuns: „Va arăta”.Alți artiști de la începutul secolului al XX-lea au extins, de asemenea, repertoriul portretului în noi direcții. Artistul fauvist Henri Matisse a realizat portrete puternice folosind culori non-naturaliste, chiar stridente, pentru tonurile pielii. Cézanne s-a bazat pe forme foarte simplificate în portretele sale, evitând detaliile și accentuând în același timp juxtapunerile de culori. Stilul unic al austriacului Gustav Klimt a aplicat motive bizantine și vopsea aurie în portretele sale memorabile. Elevul său, Oskar Kokoschka, a fost un portretist important al clasei superioare vieneze. Prolificul artist spaniol Pablo Picasso a pictat numeroase portrete, inclusiv câteva reprezentări cubiste ale amantelor sale, în care asemănarea subiectului este puternic distorsionată pentru a obține o declarație emoțională care depășește cu mult limitele caricaturii normale. O portretistă remarcabilă de la începutul secolului al XX-lea, asociată cu impresionismul francez, a fost Olga Boznańska (1865-1940). pictorii expresioniști au oferit unele dintre cele mai obsedante și convingătoare studii psihologice produse vreodată. Artiști germani precum Otto Dix și Max Beckmann au produs exemple notabile de portret expresionist. Beckmann a fost un autoportretist prolific, realizând cel puțin douăzeci și șapte de autoportrete. Amedeo Modigliani a pictat multe portrete în stilul său alungit, care deprecia „persoana interioară” în favoarea unor studii stricte de formă și culoare. Pentru a contribui la realizarea acestui lucru, el a scos din evidență ochii și sprâncenele, în mod normal expresive, până la fante înnegrite și arcade simple.
Arta britanică a fost reprezentată de Vorticisti, care au pictat câteva portrete notabile în prima parte a secolului XX. Pictorul dadaist Francis Picabia a executat numeroase portrete în stilul său unic. În plus, portretele realizate de Tamara de Lempicka au surprins cu succes epoca Art Deco prin curbele sale aerodinamice, culorile bogate și unghiurile ascuțite. În America, Robert Henri și George Bellows au fost portretiști buni din anii 1920 și 1930 ai școlii realiste americane. Max Ernst a produs un exemplu de portret colegial modern cu tabloul său All Friends Together din 1922.
O contribuție semnificativă la dezvoltarea picturii de portret din perioada 1930-2000 a fost adusă de artiștii ruși, care au lucrat în principal în tradițiile picturii realiste și figurative. Printre aceștia ar trebui numiți Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov și alții.
Producția de portrete în Europa (cu excepția Rusiei) și în America a scăzut, în general, în anii 1940 și 1950, un rezultat al interesului tot mai mare pentru abstracție și arta nonfigurativă. Cu toate acestea, o excepție a fost Andrew Wyeth, care s-a transformat în cel mai important pictor american de portrete realiste. La Wyeth, realismul, deși evident, este secundar față de calitățile tonale și starea de spirit a picturilor sale. Acest lucru este demonstrat cu prisosință de seria sa emblematică de picturi cunoscută sub numele de tablourile „Helga”, cel mai mare grup de portrete ale unei singure persoane realizate de un artist important (247 de studii ale vecinei sale Helga Testorf, îmbrăcată și nud, în diferite împrejurimi, pictate în perioada 1971-1985).
Până în anii 1960 și 1970, a avut loc o renaștere a portretului. Artiști englezi precum Lucian Freud (nepotul lui Sigmund Freud) și Francis Bacon au realizat picturi puternice. Portretele lui Bacon se remarcă prin calitatea lor de coșmar. În mai 2008, portretul lui Freud din 1995, Benefits Supervisor Sleeping, a fost vândut la licitație de către Christie’s în New York pentru 33,6 milioane de dolari, stabilind un record mondial pentru valoarea de vânzare a unui tablou realizat de un artist în viață.
Mulți artiști americani contemporani, cum ar fi Andy Warhol, Alex Katz și Chuck Close, au făcut din chipul uman un punct central al operei lor.
Warhol a fost unul dintre cei mai prolifici portretiști din secolul al XX-lea. Tabloul lui Warhol Orange Shot Marilyn al lui Marilyn Monroe este un exemplu iconic timpuriu al operei sale din anii 1960, iar Orange Prince (1984) al cântărețului pop Prince este un exemplu mai târziu, ambele prezentând stilul grafic unic de portret al lui Warhol.
Specialitatea lui Close au fost portretele uriașe, hiperrealiste de perete, de dimensiuni „cap”, bazate pe imagini fotografice. Jamie Wyeth continuă tradiția realistă a tatălui său Andrew, realizând portrete celebre ale căror subiecte variază de la președinți la porci.
-
Henri Matisse, The Green Stripe, Portrait of Madame Matisse, 1905
-
Olga Boznańska, Self-portrait, 1906, Muzeul Național din Varșovia
-
Umberto Boccioni, Autoportret, 1906
-
Gustav Klimt, Portretul lui Adele Bloch-Bauer I, 1907
-
Pablo Picasso, Portrait of Daniel-Henry Kahnweiler, 1910, The Art Institute of Chicago
Juan Gris, Portrait of Pablo Picasso, 1912
Amedeo Modigliani, Portrait of Chaim Soutine, 1916
Boris Grigoriev, Portretul lui Vsevolod Meyerhold, 1916
Boris Kustodiev, Kapitsa și Semionov, 1921
