Au fil des siècles, les artistes ont choisi le sujet de la nature morte pour diverses raisons : pour refléter le statut de leur propriétaire, qu’il soit humble ou hautain ; pour leur signification symbolique qui révèle une histoire ou une idée cachée ; pour capturer la beauté naturelle d’un objet éphémère comme une fleur ou un fruit ; pour démontrer la technique de peinture habile de l’artiste ; ou comme structure contrôlée pour exprimer les qualités abstraites des éléments visuels.

Traditionnellement, la nature morte est le dessin et la peinture d’éléments tels que des fruits, des fleurs et des objets domestiques, qui sont généralement disposés sur une table.

• Willem Kalf a peint des natures mortes qui reflétaient le style de vie opulent et le statut de leur propriétaire.

• Harmen Steenwyck a illustré des objets qui communiquaient un message caché au spectateur.

• Jean-Baptiste-Siméon Chardin nous a montré qu’il y a une grande beauté dans les humbles objets domestiques qui nous entourent.

• Henri Matisse a intensifié notre expérience des fruits, des fleurs et des artefacts exotiques avec son utilisation expressive de la couleur.

• Juan Gris a utilisé la nature morte pour expérimenter la façon dont nous percevons les objets dans l’espace et le temps.

• Giorgio Morandi crée des natures mortes calmes et sensibles qui sont le produit d’une contemplation et d’une observation profondes pendant une période de temps considérable.

• La nature morte en tant que sujet a fourni une plateforme aux artistes de différentes époques pour explorer leur relation avec le monde des objets qui nous entourent.

• Au fur et à mesure que notre monde évolue, de nouveaux produits, artefacts et médias modernes continueront à suggérer de nouvelles voies pour le développement stylistique et la réinvention de la nature morte en tant que sujet d’art.